TIPOS DE ORNAMENTACION EN EL BARROCO:

Dependiendo del estilo música, tendremos un tipo de ornamentación. Según

F.Neumann existen varias formas

Italiana, francesa, alemana y la de J.S.Bach

R.Donningtin: A performer´s guide to Baroque Music

Apoyatura; https://www.youtube.com/watch?
v=QxCMgR381Mk&index=2&list=PLA70310BEC5D7800D

Existen varias teorías sobre

Trinos

La música barroca describe una época y un conjunto de estilos de música

clásica europea, que eran de uso generalizado entre aproximadamente
1600 y 1750 para una discusión de los problemas inherentes a la definición
de los puntos inicial y final). Esta época se dice que comienza en la música
después del Renacimiento y ser seguida por la era de la música clásica.
Dado que los oyentes barrocos no querían más música "antigua" de la
época del Renacimiento, compositores y músicos se dieron cuenta de la
importancia de la música como fuente principal de entretenimiento y por lo
tanto crean obras de arte que eran importantes contribuciones a su
sociedad. Estaban dando cuenta de un objetivo básico en la vida que fue
aprendiendo a servir a sus semejantes.

compositores y filósofos barrocos (no a diferencia de los antiguos en China y

Grecia) en poder de la idea de que la música, las matemáticas y la ciencia
poseían relaciones cósmicas. descubrimiento de la serie de armónicos de
Pitágoras, con sus propiedades matemáticas, fue tal vez el descubrimiento
más influyente en la definición de los aspectos teóricos de la música
occidental. La idea de una armonía celestial divinamente ordenada deriva
de la filosofía griega y los escritos de los filósofos cristianos, sobre todo,
Severnius Boecio. Estos principios cósmicos se cree que han emanado de
Dios y, como tal, tenía profundas connotaciones religiosas y espirituales.
Johann Sebastian Bach afirmó: "El único objetivo y al final del figurada-bass
debe ser otra cosa que la gloria de Dios y la recreación de la mente. Cuando
este objeto no se mantiene a la vista, no puede haber verdadera música
pero sólo raspado infernal y berrear ".
compositores barrocos también se hicieron cada vez más preocupados con
las emociones humanas (pasiones y afectos) y crearon música para "imitar"
estas emociones a través de la organización tonal. Mirando a los escritos de
Descartes y Sauveur que, en su investigación de estructura psicológica del
hombre, comenzaron a "objetivar" ciertas emociones, compositores
barrocos iniciaron la práctica de expresar emociones específicas a través de
medios musicales.

Contenido

[esconder]

1. Información general

1.1 Estilo y tendencias

1.1.1 barroca frente estilo renacentista

1.1.2 barroca frente de estilo clásico

1.1.3 Otras características

1.2 Géneros

2 Breve historia de la música barroca

2.1 La música barroca temprana (1600-1654)

2.2 La música barroca Medio (1654-1707)

2.3 música del Barroco tardío (1680-1750)

3 Otros compositores influyentes

3.1 La influencia del barroco en la música más adelante

3.1.1 Transición a la era clásica (1740-1780)

3.1.2 Influencia de la composición y la práctica barroca a partir de

1760

3.1.3 Jazz

4 Lista de los géneros barrocos

4.1 Vocal

4.2 Instrumental

5 Notas

6 Referencias
 7 Enlaces externos

8 Créditos

El significado original de "barroco" es "perla irregular," una caracterización

sorprendentemente apropiado de la arquitectura y el diseño de este
período; después, el nombre llegó a ser aplicado también a su música. La
música barroca forma una parte importante de la música clásica canónico.
En general se lleva a cabo, estudió y escuchó. Se asocia con compositores y
sus obras como J. S. Las fugas de Bach, coro de George Friedrich Händel
Aleluya, de Antonio Vivaldi Las cuatro estaciones, y vísperas de 1610 de
Claudio Monteverdi, y en circulación el tratado de Johann Joachim Quantz en
la técnica de la flauta de 1752.

Durante el período, la teoría de la música, la tonalidad diatónica, y el

contrapunto imitativo desarrollados. se jugaron también aparecieron más
elaborada ornamentación musical, así como los cambios en la notación
musical y los avances en la forma en que los instrumentos. La música
barroca vería una expansión en el tamaño, el alcance y la complejidad de la
actuación, así como el establecimiento de la ópera como un tipo de
interpretación musical. Muchos de los términos y conceptos musicales de
esta época se encuentran todavía en uso hoy en día. Tiene características
generales, la unidad de la emoción, la ornamentación, y un ritmo que
contrasta con la improvisación. Sus melodías tenían generalmente una línea
continua en movimiento, la dinámica de terraza y extensiones (ya sea
añadiendo a la música o restar.)

Visión de conjunto

Estilo y tendencias

Música describe convencionalmente como barroco abarca una amplia gama

de estilos de una amplia región geográfica, sobre todo en Europa,
compuesto durante un período de aproximadamente 150 años. El término
"barroco", como se aplica a este período en la música es un desarrollo
relativamente reciente, utiliza por primera vez por Curt Sachs en 1919, y la
única moneda en la adquisición de Inglés en la década de 1940. De hecho,
tan tarde como en 1960 se produjo una considerable controversia aún en los
círculos académicos si era significativo para agrupar la música tan diversa
como la de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti y J. S. Bach con un solo término;
sin embargo, el término ha llegado a ser ampliamente utilizado y aceptado
para esta amplia gama de música. Puede ser útil para distinguirla de tanto
el anterior (Renaissance) y después de períodos (clásico) de la historia
musical. Un pequeño número de musicólogos sostienen que debe dividirse
en períodos barroco y manierista para ajustarse a las divisiones que a veces
se aplican en las artes visuales.

Barroco estilo renacentista frente

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instrumentos barrocos incluyendo zanfona, clave, viola da gamba, laúd,
violín barroco, y la guitarra barroca. acciones de música barroca con la
música del renacimiento de un uso intensivo de la polifonía y el
contrapunto. Sin embargo, el uso de estas técnicas se diferencia de la
música del Renacimiento. En el Renacimiento, la armonía es más el
resultado de consonancias incidentales a la fluidez de la polifonía, mientras
que en la época del barroco temprano el orden de estas consonancias llega
a ser importante, ya que comienzan a sentirse como acordes en un
esquema tonal jerárquico, funcional. Alrededor de 1600 existe una
considerable confusión de esta definición: por ejemplo, uno puede ver las
progresiones tonales esencialmente alrededor de los puntos cadenciales en
madrigales, mientras que en la monodia principios de la sensación de la
tonalidad es todavía bastante tenue. Otra distinción entre renacimiento y
barroco práctica en armonía es la frecuencia de la cuerda de movimiento de
raíz por el tercer lugar en el período anterior, mientras que el movimiento
de las cuartas o quintas partes predomina más tarde (que define
parcialmente la tonalidad funcional). Además, la música barroca utiliza
líneas más largas y ritmos más fuertes: la línea inicial se extendió, ya sea
solo o acompañado sólo por el bajo continuo, hasta que el tema vuelve a
aparecer en otra voz. En este enfoque después de contrapunto, la armonía
se define más a menudo, ya sea por el bajo continuo, o tácitamente por las
notas del tema en sí.

Estas diferencias estilísticas simbolizan la transición de los ricercars,

fantasias, y canzonas del Renacimiento a la fuga, una forma barroca definir.
Monteverdi llamó a esto, el estilo más floja más nueva es la seconda pratica,
contrastándola con la practica prima que caracteriza los motetes y otras
piezas corales sagrado de altos maestros del Renacimiento como Giovanni
Pierluigi da Palestrina. Monteverdi mismo usó ambos estilos; escribió su illo
tempore Masa En el, estilo antiguo Palestrinan, y su 1610 Vísperas en el
nuevo estilo.

Hay otras diferencias más generales entre barroco y renacentista. La música

barroca a menudo se esfuerza por lograr un mayor nivel de intensidad
emocional de la música renacentista, barroca y un trozo menudo representa
de manera uniforme una sola emoción particular (alegría, tristeza, la piedad,
y así sucesivamente; ver la doctrina de los afectos). La música barroca fue
más a menudo escrito para cantantes e instrumentistas virtuosos, y es
característicamente más difícil de realizar que la música del Renacimiento,
aunque escritura instrumental idiomática fue una de las innovaciones más
importantes de la época. La música barroca emplea una gran cantidad de
ornamentación, que a menudo era improvisada por el artista. métodos de
rendimiento expresivos tales como notas inégales eran comunes, y se
espera que sean aplicados por los artistas, a menudo con un margen
considerable. Instrumentos llegaron a desempeñar un papel más importante
en la música barroca, y la música vocal a capella retrocedido en
importancia.

Barroco frente de estilo clásico

En la época clásica, que siguió al barroco, se redujo el papel de contrapunto

(aunque redescubierto y reintroducido en varias ocasiones; véase la fuga), y
se sustituye por una textura homofónica. El papel de la ornamentación
disminuye. Obras tendía hacia una estructura interna más articulada,
especialmente los escritos en forma de sonata. Modulación (cambio de
llaves) se convirtió en un elemento estructural y dramático, por lo que una
obra se oía como una especie de viaje espectacular a través de una
secuencia de teclas musicales, de ida y de vuelta de la tónica. La música
barroca también modula la frecuencia, pero la modulación tiene menos
importancia estructural. Trabaja en el estilo clásico a menudo representan
muy diversas emociones en un solo movimiento, mientras que las obras
barrocas tienden hacia un solo sentimiento, muestra muy claramente. Por
último, las obras clásicas suelen llegar a una especie de clímax dramático y
luego resolverlo; obras barrocas retener un nivel bastante constante de la
energía dramática a la última nota. Muchas formas del barroco servirían
como punto de partida para la creación de la forma sonata, mediante la
creación de un "plano" para la colocación de cadencias importantes.

Otras características

bajo continuo - una especie de acompañamiento continuo anotada con un

nuevo sistema de notación musical, figuraba bajo, por lo general para un
instrumento de bajo sostenimiento y un instrumento de teclado

monodia - música para una sola voz con acompañamiento melódico,

característico de principios del siglo XVII, especialmente en Italia

homofonía - música con una sola voz melódica y el acompañamiento

rítmico similar (esto y monodia se contrasta con la textura típica del
Renacimiento, la polifonía)

texto a través de la música - texto inteligible con acompañamiento

instrumental no dominar la voz
 solistas vocales ( 'bel canto')

dramática expresión musical

formas musicales dramáticas como la ópera, el teatro per musica

formas instrumentales, vocales combinados, como el oratorio y la cantata

nuevas técnicas instrumentales, como el trémolo y pizzicato

melodía clara y lineal

señala inégales, una técnica de aplicación de los ritmos de puntos para

las notas escritas de manera uniforme

el aria

el aria ritornello (repetido interrupciones instrumentales cortos de pasajes

vocales)

el estilo concertante (contraste en el sonido entre orquesta y solistas-

instrumentos o pequeños grupos de instrumentos)

puntuación instrumentales precisos (en el Renacimiento, la

instrumentación exacta para conjunto reproduciendo se indica raramente)

idiomática escritura instrumental: un mejor uso de las propiedades únicas

de cada tipo de instrumento musical

virtuosic escritura instrumental y vocal, con reconocimiento de

virtuosismo como tal

ornamentación

el desarrollo de la tonalidad occidental moderna (escalas mayores y

menores)

Una sección de Cadenza- extendió virtuoso para el solista generalmente

cerca del final de un movimiento de un concierto.

Géneros

compositores barrocos escribieron en muchos géneros musicales diferentes.

Opera, inventado a finales del Renacimiento, se convirtió en una forma
musical importante durante el Barroco, con las óperas de Alessandro
Scarlatti (1660-1725), Handel, y otros. El oratorio alcanzó su punto máximo
en la obra de Bach y Handel; ópera y oratorio menudo utilizado formas
musicales muy similares, tales como un uso generalizado del aria da capo.
En otra música religiosa, la misa y el motete retrocedieron ligeramente en
importancia, pero la cantata florecieron en la obra de Bach y otros
compositores protestantes. virtuoso de la música de órgano también
floreció, con tocatas, fugas y otras obras.

sonatas instrumentales y suites de baile fueron escritas para instrumentos

individuales, para grupos de cámara y para orquesta (pequeña). El concierto
surgió, tanto en su forma para un único solista de orquesta y además como
el concierto grosso, en la que un pequeño grupo de solistas se contrasta con
el conjunto completo. La obertura francesa, con su contraste secciones
lentas y rápidas, añade grandeza a los numerosos cortes en la que se
realizó.

obras para teclado se escriben a veces en gran medida por el placer y la

instrucción del ejecutante. Estos incluyen una serie de obras de Bach
madura que son ampliamente considerados como la culminación intelectual
de la época barroca: la clave bien temperado, las Variaciones Goldberg, y El
arte de la fuga.

Breve historia de la música barroca

La música barroca temprana (1600-1654)

La línea divisoria convencional para el Barroco, desde el Renacimiento

comienza en Italia, con el compositor Claudio Monteverdi (1567-1643), con
su creación de un estilo recitativo, y el surgimiento de una forma de drama
musical llamado ópera. Esto fue parte de un cambio consciente de sí mismo
en el estilo que estaba al otro lado de las artes, muy especialmente la
arquitectura y la pintura.

Musicalmente la adopción del bajo cifrado representa un cambio mayor en

el pensamiento musical, a saber, que la armonía, que es "tomar todas las
piezas juntas" era tan importante como la parte lineal de la polifonía. Cada
vez más la polifonía y armonía serían vistos como dos caras de la misma
idea, con progresiones armónicas de entrar en la noción de la composición,
así como el uso del tritono como una disonancia. pensamiento armónico
había existido entre particulares compositores de la época anterior, en
particular Gesualdo, sin embargo, el renacimiento se siente para dar paso al
Barroco en el punto donde se convierte en el vocabulario común. Algunos
historiadores de la música a punto de la introducción del acorde de séptima
sin preparación como ser la ruptura fundamental con el pasado. Esto creó la
idea de que los acordes, en lugar de notas, crearon el sentido de cierre, que
es una de las ideas fundamentales de lo que sería mucho más tarde ser
llamado tonalidad.

Italia formó una de las piedras angulares del nuevo estilo, como el papado,
asediado por la Reforma, pero con las arcas cebados por los inmensos
recursos yendo desde Habsburgo conquista, buscó medios artísticos para
promover la fe en la Iglesia Católica Romana. Uno de los centros musicales
más importantes fue Venecia, que tenía tanto el patrocinio secular y
sagrada disponible en este momento.

Una de las figuras importantes de transición habría salido de la unidad de

revivir el catolicismo contra el creciente desafío doctrinal, artístico y social
montado por el protestantismo: Giovanni Gabrieli. Su trabajo se considera
en gran parte a estar en el estilo de "alto renacimiento". Sin embargo, sus
innovaciones se hicieron para ser considerado fundamental para el nuevo
estilo. Entre ellas se encuentran la instrumentación (instrumentos de
etiquetado específicamente para tareas específicas) y el uso de la dinámica.

Las exigencias de la religión eran también para que el texto de la sagrada

funciona más clara y por lo tanto no había presión para alejarse de la
polifonía densamente en capas de la Renacimiento, a las líneas que ponen
las palabras frente y al centro, o tenían un rango más limitado de imitación.
Esto crearía la demanda de una manera más intrincado tejido de la línea
vocal contra el telón de fondo, o homofonía.

Monteverdi se convirtió en el más visible de una generación de

compositores que sentía que había un medio secular a este enfoque
"moderno" a la armonía y el texto, y en 1607 su Orfeo ópera sería la señal
que demostró la confusión de efectos y técnicas que se asocia con esta
nueva escuela, llamada seconda practica, para distinguirla de la más viejo
estilo o practica prima. Monteverdi fue un maestro tanto, la producción de
motetes de estilo precisamente que se extendieron las formas de Marenzio
y Giaces de Wert. Pero son sus nuevas piezas de estilo que iban a ser los
cambios más visibles en el Barroco. Estas características incluidas que son
reconocibles hasta el fin del período barroco, incluyendo el uso de la
escritura idiomática, florece virtuoso y lo que Stanley Sadie llama "una
minuciosa ir" uso de las nuevas técnicas.

Este lenguaje musical demostraría ser internacional, como Heinrich Schütz

(1585-1672) un compositor alemán que estudió en Venecia bajo tanto
Gabrieli y más tarde Monteverdi, lo utilizaría para las necesidades litúrgicas
del elector de Sajonia, y servir como maestro de coro en Dresde.

La música barroca Medio (1654-1707)

El aumento del tribunal centralizado es una de las características

económicas y políticas de lo que se etiqueta a menudo la era del
absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia. El estilo de palacio, y el
sistema judicial de las costumbres y las artes que fomentó, se convirtió en
el modelo para el resto de Europa. Las realidades de la creciente iglesia y el
estado patrocinio crearon la demanda de música pública organizada, como
el aumento de la disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música
de cámara. Esto incluyó la disponibilidad de instrumentos de teclado.

El barroco medio está separado del primer barroco por la venida del
pensamiento sistemático para el nuevo estilo y una institucionalización
gradual de las formas y normas, en particular en la ópera. Al igual que con
la literatura, la imprenta y el comercio crearon un público internacional
ampliado para las obras, y mayor pollenation cruce entre los centros
nacionales de la actividad musical.

El barroco medio, en la teoría de la música, es identificado por el enfoque

cada vez más armónico de la práctica musical, y la creación de sistemas
formales de enseñanza. La música era un arte, y que llegó a ser visto como
uno que debe enseñarse de una manera ordenada. Esto culminaría en la
obra posterior de Fux en la sistematización de contrapunto.

Un ejemplo prominente de un compositor estilo de la corte es Jean-Baptiste

Lully (1632-1687). Su carrera se elevó drásticamente cuando colaboró con
Molière en una serie de Comedia ballets, es decir, que juega con el baile. Él
utilizó este éxito al convertirse en el único compositor de óperas para el rey,
utilizando no sólo innovadoras ideas musicales tales como el lyrique
tragedie, pero las patentes del rey lo que impidió que otros tengan óperas
llevaron a cabo. El instinto de Lully para proporcionar el material que se
desea su monarca ha sido señalado por casi todos los biógrafo, incluyendo a
su rápido cambio a la música religiosa cuando el estado de ánimo en la
corte se hizo más devoto. Sus 13 dramas líricos terminados están basadas
en libretos que se centran en los conflictos entre la vida pública y privada
del monarca.
Musicalmente, exploró contraste entre las secciones señoriales y totalmente
orquestadas, y recitativos simples y aires. En gran parte, fue su habilidad en
el montaje y la práctica de los músicos en una orquesta que era esencial
para su éxito e influencia. Los observadores señalaron la precisión y la
entonación, esto en una edad donde no había ninguna norma para los
instrumentos de afinación. Un elemento esencial era la mayor atención a las
voces internas de la armonía, y la relación con el solista. También estableció
la norma de cadena dominada por orquestas.

Arcangelo Corelli (1653-1713), es recordado como influyente por sus logros

en el otro lado de la técnica musical - como un violinista que organiza la
técnica del violín y de la pedagogía - y en la música puramente
instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso.
Mientras que Lully estaba instalada en la corte, Corelli fue uno de los
primeros compositores para publicar ampliamente y han realizado su
música por toda Europa. Al igual que con la estilización y la organización de
la ópera de Lully, el Concierto Grosso se basa en contrastes fuertes;
secciones se alternan entre los que se juegan por la orquesta completa, y
los que se juegan por un grupo más pequeño. Dinámica eran "adosado", es
decir, con una fuerte transición de fuerte a suave y viceversa. secciones
rápidas y secciones lentas se yuxtaponen una contra otra. Contado entre
sus alumnos es Antonio Vivaldi, que más tarde componer cientos de obras
basadas en los principios de sonatas y conciertos para trío de Corelli.

En Inglaterra, el barroco medio produce un genio cometario en Henry Purcell

(1659-1695), quien a pesar de morir a los 36 años, produjo una profusión de
música, y fue ampliamente reconocido en su tiempo de vida. Estaba
familiarizado con las innovaciones de Corelli y otros compositores italianos
del estilo; Sin embargo, sus clientes eran diferentes, y su producción
musical fue prodigioso. En lugar de ser un artesano meticuloso, Purcell fue
un compositor de fluido que fue capaz de pasar de simples himnos y música
de utilidad, como marchas, que anotó grandiosamente la música vocal y la
música para la etapa. Su catálogo se extiende a más de 800 obras. También
fue uno de los primeros grandes compositores de teclado, cuyo trabajo
todavía tiene influencia y presencia.

En contraste con estos compositores, Dietrich Buxtehude (1637-1707) no

era una criatura de la corte, pero en cambio, fue un organista y presentador
empresarial de la música. En lugar de la publicación, se basó en el
desempeño de su ingreso, y en vez de patrocinio real, que venía entre los
ajustes vocales de la música sacra y música de órgano que él mismo realizó.
Su producción no es tan fabulosa o diversa, precisamente porque no estaba
en constante llamado a la música para satisfacer una ocasión. el empleo de
contraste de Buxtehude fue entre las secciones libres, a menudo
improvisadas, y más secciones estrictas funcionó como contrapunto. Este
procedimiento sería de gran influencia en compositores posteriores como
Bach, que tomaría el contraste entre el libre y estricto a límites mayores.

la música del Barroco tardío (1680-1750)

La línea divisoria entre el barroco de mediados y finales es un asunto de

debate. Las fechas para el comienzo de la "tarde" rango de estilo barroco de
1680 a 1720. En gran parte, esto se debe a que no había una transición
sincronizada; diferentes estilos nacionales experimentaron cambios a
diferentes velocidades y en diferentes momentos. Italia es generalmente
considerado como el primer país para pasar al estilo barroco tardío, con
compositores como el alemán Carl Heinrich Graun compuesta en un estilo
italiano. La línea divisoria importante en la mayoría de las historias de la
música barroca es la absorción completa de la tonalidad como un principio
estructurante de la música. Esto fue particularmente evidente a raíz de los
trabajos teóricos de Rameau, quien reemplazó a Lully como el importante
compositor de ópera francesa. Al mismo tiempo, a través del trabajo de Fux,
el estilo renacentista de la polifonía se hizo la base para el estudio del
contrapunto. La combinación de contrapunto modal con la lógica tonal de
cadencias creó el sentido de que había dos estilos de composición - el
homofónicas dominada por consideraciones verticales, y el polifónico
dominado por imitación y consideraciones de contrapunto.

Las formas que habían empezado a establecerse en la era anterior

florecieron y se les dio más amplia y una gama más amplia de la diversidad;
concierto, suite, sonata, concierto grosso, oratorio, ópera y ballet todos
vieron una proliferación de estilos y estructuras nacionales. La forma
general de las piezas era generalmente simple, con formas repetidas
binarios (AABB), tres formas de piezas simples (ABC), y formas Rondeau
siendo común. Estos esquemas influirían en compositores posteriores a su
vez.

Antonio Vivaldi (1678-1741) es una figura que fue, durante gran parte del
siglo XIX, olvidado en concierto fabricación de la música, sólo para ser
restablecida en el siglo XX. Nacido en Venecia en 1678, comenzó como un
sacerdote ordenado de la Iglesia Católica, pero dejó de decir misa por 1703.
Casi al mismo tiempo fue nombrado maestro di violino en un orfanato chicas
venecianas con la que tendría una relación profesional hasta casi al final de
su vida. La reputación de Vivaldi no vino de tener una cita orquesta o de la
corte, pero a partir de sus obras publicadas, incluyendo sonatas en trío,
sonatas para violín y conciertos. Se publicaron en Ámsterdam y distribuidas
ampliamente a través de Europa. Es en estos géneros instrumentales de la
sonata barroca y el concierto barroco, que todavía se estaban desarrollando,
que se hicieron contribuciones más importantes de Vivaldi. Se instaló en
ciertos patrones, tales como un plan de tres movimiento rápido-lento-rápido
para las obras, y el uso de ritornello en los movimientos rápidos, y exploró
las posibilidades de cientos de obras - 550 conciertos por sí solos. También
utilizó títulos programáticos para obras, como su famoso Las cuatro
estaciones. La carrera de Vivaldi refleja una creciente posibilidad de un
compositor para poder mantenerse a sí mismo por sus publicaciones, gira
de presentación de su propia obra, y tienen una existencia independiente.

Domenico Scarlatti (1685-1757) fue uno de los principales virtuosos del

teclado de su época, que tomaron el camino de ser un músico de la corte
real, por primera vez en Portugal, y luego, a partir de 1733 en Madrid,
España, donde iba a pasar la resto de su vida. Su padre, Alessandro
Scarlatti, era un miembro de la escuela napolitana de ópera, y ha sido
acreditado con ser uno de sus miembros más cualificados. Domenico fue
también para escribir óperas y música religiosa, pero es la publicación de
sus obras para teclado, que se extienden más ampliamente después de su
muerte, que le han asegurado un lugar permanente de la reputación.
Muchas de estas obras fueron escritas por su propio juego, pero a otros de
sus clientes reales. Al igual que con su padre, su fortuna estaban
estrechamente ligados a su capacidad de asegurar y mantener, el favor
real.

Pietro Filippo Scarlatti, el hermano de Domenico Scarlatti y su hijo de

Alessandro Scarlatti, fue un compositor italiano, organista y director de coro
que era un miembro prominente del último período barroco italiano. Su
capacidad para contrastar las armonías y sonoridades en la música vocal le
hizo muy popular para el público de ópera.

Pero tal vez el más famoso compositor que se asocia con óperas barrocas y
patrocinio real era Georg Friedrich Händel (1685-1759), nacido en Alemania,
estudió durante tres años en Italia, pero iría a Londres en 1711, y utilizarlo
como una base de operaciones para la carrera larga y provechosa que
incluyó óperas y comisiones de producción independiente para la nobleza.
Estaba en constante búsqueda de fórmulas comerciales de éxito, en la
ópera, y luego en los oratorios en Inglés. Un trabajador continuo, Handel
prestado de otros, y se recicla constantemente su propio material. También
era conocido por reelaboración de piezas como el famoso Mesías, que se
estrenó en 1741, para los cantantes y músicos disponibles. A pesar de que
sus circunstancias económicas se levantaron y cayeron con sus
producciones, su reputación, basado en obras para teclado publicados,
música ceremonial, puestas en escena constantes de óperas y oratorios y
Grossi concierto, creció de manera exponencial. En el momento de su
muerte, fue considerado como el compositor más importante de Europa, y
se estudió más tarde por los intérpretes de música clásica de la época.
Handel, a causa de sus ambiciones muy públicos, descansaba una gran
cantidad de su producción en el recurso melódico combinado con una rica
tradición de rendimiento de la improvisación y el contrapunto. La práctica
de la ornamentación de estilo barroco fue en un muy alto nivel de desarrollo
bajo su dirección. Viajó por toda Europa para participar cantantes y
aprender la música de otros compositores, y por lo tanto tuvo entre el
conocimiento más amplio de otros estilos de cualquier compositor.

J. S. Bach, con el tiempo, llegar a ser visto como la gran figura de la música
barroca, con lo que Béla Bartók describió como "una religión" que le rodea.
Durante el mismo tiempo, era más conocido como un maestro,
administrador e intérprete de compositor, siendo menos conocida que sea
Handel o Telemann. Nacido en Eisenach en 1685 a una familia de músicos,
recibió una extensa educación temprana y se considera que tiene una
excelente voz soprano. Se llevó a cabo una variedad de puestos como
organista, ganando rápidamente en la fama por su virtuosismo y habilidad.
En 1723 se instaló en el puesto iba a ser asociado con prácticamente el
resto de su vida: Cantor y director de música para Leipzig. Su variada
experiencia a este punto significaba que se convirtió en el líder de la
música, tanto secular como sagrada, para la ciudad, el maestro de sus
músicos y figura destacada. innovaciones musicales de Bach sondeado las
profundidades y los límites exteriores de las formas homófonas y polifónicas
barrocos. Era un catálogo virtual de todos los dispositivos contrapunctal
posible, y todos los medios aceptables de la creación de redes de armonía
con la coral. Como resultado de ello, sus obras en la forma de la fuga junto
con preludios y tocattas para órgano, y las formas barrocas de concierto, se
han convertido en fundamental en el rendimiento y la técnica teórica.
Prácticamente todos los instrumentos y el conjunto de la edad - a excepción
de los géneros de teatro - están representados copiosamente en su salida.
enseñanzas de Bach serían flor en las épocas clásica y romántica como
compositores redescubierto los subtlties armónicos y melódicos de sus
obras.

Georg Philipp Telemann (1681-1767) fue el más famoso compositor

instrumental de su tiempo, y de forma masiva prolífica - incluso para los
estándares de una época donde los compositores tenían que producir
grandes volúmenes de música. Sus dos posiciones más importantes -
director de música en Frankfurt en 1712 y en 1721 director de música de la
Johanneum en Hamburgo, tanto a él como necesarios para componer la
música vocal e instrumental de contextos seculares y sagrados. Se compone
de dos ciclos de cantatas completas para los servicios dominicales, así como
oratorios sagrados. Telemann también fundó un periódico que publicó la
nueva música, en gran parte por el propio Telemann. Esta difusión de la
música le hizo un compositor con una audiencia internacional, como lo
demuestra su exitoso viaje a París en 1731. Algunos de sus trabajos más
finos eran en la década de 1750 y hasta la década de 1760, cuando el estilo
barroco estaba siendo reemplazado por estilos más simples, pero eran
popular en ese entonces y después. Entre estas últimas obras son "Der Tod
Jesu" ( "La muerte de Jesús") 1755, "Die Donner-Ode" ( "La Oda del trueno")
de 1756, "Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu" ( "La resurrección y la
ascensión de Jesús ") 1760 y" Der Tag des Gerichts "(" El Día del Juicio ")
1762.

Otros compositores influyentes

Antoine Busnois

Giovanni Legrenzi

Jean-Philippe Rameau

Pietro Filippo Scarlatti

La influencia del barroco en la música más adelante

Transición a la era clásica (1740-1780)

La fase entre el barroco tardío y la época clásica temprana, con su amplia

mezcla de ideas que compiten y los intentos de unificar las diferentes
demandas del gusto, la economía y la "visión del mundo", tiene muchos
nombres. A veces se llama "Galant", "rococó", o "pre-clásico", o en otras
ocasiones, "principios clásicos." Es un período en el que los compositores
que siguen trabajando en el estilo barroco siguen siendo un éxito, aunque a
veces pensado como más del pasado que el presente-Bach, Haendel y
Telemann toda componer mucho más allá del punto en el que el estilo
homophonic es claramente en el ascendente. La cultura musical fue
atrapado en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la
técnica, pero el público hambre de nuevo. Esta es una de las razones C.P.E.
Bach se llevó a cabo en tan alta estima: comprendía las antiguas formas
bastante bien, y sabía cómo presentarlos de nuevo atuendo, con una
variedad mejorada de la forma; que iba mucho en renovar las formas más
antiguas de la barroca.

La práctica de la época barroca era la norma contra la cual se midió nueva

composición, y no llegó a ser una división entre obras sacras, que tenía más
de cerca al estilo barroco, secular, o "profano" obras, las cuales se
encontraban en el nuevo estilo.

Especialmente en los países católicos de Europa central, el estilo barroco

mantuvo su representación en la música sacra hasta finales del siglo XVIII,
en gran parte la forma en que el stile antico del Renacimiento siguió
viviendo en la música sagrada de principios del siglo 17 . Las masas y
oratorios de Haydn y Mozart, mientras clásica en su orquestación y la
ornamentación, tienen muchas características barrocas en su estructura
contrapuntística y armónica subyacente. La disminución del barroco vio
varios intentos para mezclar viejas y nuevas técnicas, y muchos
compositores que continuaron ceñirse a las formas más antiguas bien
entrada la década de 1780.

Jazz
Himno

Sonata
 Preludio

notas

referencias
créditos

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