Creación 9, Muestra Digital

Presentación
Creación artística, de Ediarte S.A., es un programa de educación artística diseñado con un paradigma
pedagógico que facilita la comprensión de las dimensiones, competencias y procesos de pensamiento
del área artística, a diferencia de otros textos escolares centrados en el método tradicional. En la presente
serie se transforman los temas aislados en una estructura sistémica, donde los ejes temáticos básicos
son parte esencial de cada texto, desde la educación preescolar hasta el bachillerato.
De acuerdo con los programas y planes de estudio mexicanos vigentes en preescolar, primaria y
secundaria, que enfatizan en la necesidad de impulsar la expresión y la apreciación artística a través del
manejo holístico de la danza, el teatro, la música, la literatura, las artes plásticas y visuales, creamos un
programa que permite, a los/as estudiantes, aprender a percibir, pensar y sentir el arte, y que aporta, a
los docentes, la planeación de su enseñanza en el área o campo formativo correspondiente.
Esta propuesta formativa, elaborada por un equipo de expertos, que profundiza en asuntos de la
pedagogía del arte y evidenciada en esta serie de textos escolares, favorece el desarrollo de procesos de
pensamiento, competencias en educación artística, a través de la metodología triárquica:
comprensión, aplicación y creación. Esta metodología de Creación artística, inspirada en los aportes
de Robert Sternberg, en la metacognición como enfoque pedagógico y en procesos pedagógicos de
humanización, se divide en tres momentos: 1) afinar la percepción o comprensión de la realidad
artística en estudio; 2) practicar el saber, y 3) poner en escena la innovación. Esto permite que los y las
estudiantes comprendan, practiquen, innoven y reflexionen sobre su propio saber de manera
significativa. Esta metodología está presente en los contenidos y actividades de todos los niveles
educativos.
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El programa se orienta desde la propuesta de ejes temáticos: creatividad, diseño y expresión; arte
de la composición; teoría del color; sistemas de representación, con sus respectivas técnicas
artísticas; géneros artísticos; figura humana; apreciación artística; historia del arte; perspectiva;
estilos, movimientos y tendencias artísticas; disfrutando la literatura y modalidades artísticas.
Cada eje temático explicita: objetivo, competencias artísticas, interdisciplinariedad (orientación
profesional), tipos de pensamiento, espacio para recordar (resumen de contenidos vistos),
indicador de logro, actividades básicas, complementarias y sugeridas.
Cada texto contiene valoraciones creativas, que recogen lo trabajado en los ejes temáticos
anteriores a ellas, y propician espacios reflexivos para que los y las estudiantes indaguen por sus
propios aprendizajes desde múltiples opciones didácticas.
Al final del mismo, se encuentra un glosario, una bibliografía básica y un índice curricular, que
compilan aspectos importantes en el desarrollo de contenidos y actividades.
El desarrollo del contenido está acompañado de una frase célebre, alusiva al contenido visto.
El programa Creación artística presenta tres puentes de articulación: el primero se establece
entre la educación preescolar y el primer grado; el segundo, entre primaria y secundaria, y el
tercero, entre secundaria y preparatoria. Cada uno de estos puentes de articulación propende por
la secuencia de contenidos y metodologías de trabajo entre los textos. Por ello, cada tres grados
se valoran los contenidos vistos en los grados anteriores y, secuencialmente, se realizan
propuestas de contenidos más profundos, que tienen que ver con el grado de escolaridad y con la
edad cronológica del educando.
Para los niveles de preescolar, primaria y secundaria se crearon los textos Orientaciones
pedagógicas para docentes, que les permite consultar, interactuar y profundizar en contenidos y
metodologías del arte desde sus modalidades: música, danza, teatro, literatura y artes visuales
(artes plásticas, fotografía, cine, entre otras). Para los dos últimos grados se profundiza y
adaptan las nuevas tecnologías en la vida escolar y las competencias profesionales.
Sin duda, con el programa Creación artística se afina el sentido de la percepción, se aprende a
pensar, a sentir la cultura y el universo de las artes.
Contenido
Página Página
Así es Creación artística............................................................ 5 Actividad sugerida…………………………...……………………….. 30

Colores aditivos y sustractivos……………………...………………… 31
Actividad………………………………....…………………………… 33
Eje temático 1: creatividad, diseño y expresión..................................... 7
Métodos para el desarrollo del pensamiento creativo: analógico, Valoración creativa………………………..………………………….. 35
antitético y aleatorio…………….........................................……. 8
Actividad……………………………………………………………… 9
Actividad complementaria………………………………………....... 10 Eje temático 4: géneros artísticos.................. ..........................................37
Actividad sugerida……………………………….…………………… 10 Alegoría………………………………….....…………………………. 38
El diseño gráfico………………………….....………………………… 11 Actividad………………….…………………………………………... 39
Actividad……………………………………...………………………. 13 Actividad complementaria………………………………..………..… 40
Actividad complementaria......................................................... 14 Desnudo femenino y masculino clásico, moderno y contemporáneo..41
Actividad sugerida……………………………………………………. 14 Actividad………………………….…………………………….…….. 43
Actividad complementaria………………………………….…..……. 44
Eje temático 2: el arte de la composición................................................1 5
Los polípticos…………………....………………………………….... 16 Eje temático 5: sistemas de representación y técnicas artísticas 45
Actividad……………………………...………………………………. 17 El óleo pastel……………………............................………………. 46
Actividad complementaria…………………………....………........... 18 Actividad………………………........………………………………… 47
Ilusiones ópticas…………………………..........................……….. 19 Actividad complementaria…………………...………………………. 48
Actividad………………………………………………………………. 21 El óleo…………………………………………………...…………..… 49
Actividad complementaria…………………………….……………… 22 Actividad……………………………………….…………………..…. 51
Elementos de la composición………………………………...………. 23 Taller de bastidores para la pintura al óleo……………………………53
Actividad………………………………………………………………. 25
Actividad complementaria…………………………………………… 26
Eje temático 6: estilos, movimientos, escuelas y tendencias
artísticas............................................................................................................55
Eje temático 3: teoría del color...................................................................27
Expresionismo abstracto e informalismo .........…………………..….56
Los colores pardos, ocres o cuaternarios…………………………….. 28 Actividad…………...……………………………………………….… 57
Actividad……………………………………..……………………….. 29 Arte povera, nuevo realismo y assamblage………….......................59
Actividad complementaria………………………...…………………. 30 Actividad……………………………………….……………………… 61
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Contenido
Página Página
Valoración creativa……………………………………..…………….. 63 La pintura moderna en México.................................................... 93

Actividad................................................................................ 95
Actividad complementaria......................................................... 96
Eje temático 7: figura humana...................................................................64
Actividad sugerida.................................................................... 96
Estudio de la figura humana desde la imagen publicitaria……………66
Actividad……………………………………………….............……. 69
Actividad complementaria…………………………….……………… 70 Eje temático 11 : modalidades artísticas.................................................97
El graffiti en México.................................................................. 98
Actividad................................................................................ 99
Eje temático 8: perspectiva………………………............................................7 1
Actividad complementaria y sugerida...........................................100
Perspectiva aérea…………………………………………................ 72 Música popular en México..........................................................101
Actividad………………………………………………………………. 75 Actividad................................................................................ 103
Actividad complementaria………………………………….............. 76 Actividad complementaria y sugerida...........................................104
Eje temático 9: disfrutando la literatura……………………………...........77 Eje temática 12: apreciación artística......................................................105

Des-enredando la lengua……………………………………………... 78 Lectura visual objetiva y subjetiva…………………………………….106
Actividad………………………………………………………………. 81 Actividad................................................................................ 107
Actividad complementaria……………………………………………. 82 Apreciación cinematográfica……………………………………….... 108
Actividad….……………………………………….......................... 111
Valoración creativa……………………………………………………. 83 Actividad complementaria......................................................... 112
Eje temático 10 : historia del arte..............................................................85
Valoración creativa....................................................................113
El Barroco……………………………………………………………... 86
Actividad………………………………………………………………. 87
Valoración de procesos.............................................................. 115
Los inicios de la pintura moderna en México..................................89
Índice curricular………………………………………………………. 117
Actividad................................................................................ 91
Glosario……………………………………………………………….. 119
Bibliografía……………………………………………………………. 120
Así es Creación Artística
El texto Creación artística para tercer grado de secundaria desarrolla un conjunto de temáticas y
actividades que responden al campo formativo de la expresión y la apreciación artística, conforme al
Programa de Educación Preescolar 2004, el Plan de Educación Primaria 1993 y la Reforma de la
Educación Secundaria 2006 - 2007 de México, y con base en teorías de pedagogía artística vigentes,
mediante una metodología sencilla, lúdica y práctica.
El objetivo es que las artes visuales y otras expresiones artísticas como la música, la danza, el teatro y
la literatura sean espacios significativos en la vida de los y las estudiantes. Para ello, Creación artística
posibilita:
1. La apreciación y la expresividad artísticas.
2. El desarrollo de competencias para la comprensión, el análisis, la reflexión y la crítica, mediante la

aplicación de:
- Los paradigmas convergente (un problema, una solución) y divergente (un problema, múltiples posi-
bilidades de soluciones).
-Los tipos de pensamiento: creativo (innovación, proposición), conceptual (interpretación y síntesis
de conceptos), técnico (destrezas), espacial (ubicación en el espacio), nocional (identificación de
significados y significantes), visual (comprensión e interpretación de textos visuales), simbólico
(interacción con señales, signos y símbolos), crítico (capacidad de sustentar una posición con
argumentos proposititos), social (convivencia significativa), analítico (resolución de problemas).
- Las habilidades de pensamiento: observación, descripción, comparación, relación, análisis, sínte-
sis y evaluación.
3. Valorar el respeto por sí mismos/as, por el entorno y por las personas que les rodean.
En este grado hay avances significativos con respecto al segundo grado de secundaria en el manejo
de los contenidos, y en la proposición de actividades para afinar la percepción, la expresión, el
manejo de técnicas artísticas, la vivencia de la estética y la experiencia de la creatividad. Dichos
contenidos se evidencian en los siguientes ejes temáticos, cada uno de los cuales presenta
conceptualizaciones y actividades sobre los temas tratados:
5
6
- Creatividad, diseño y expresión: métodos para el desarrollo del pensamiento creativo: analógico, antitético y
aleatorio; el diseño gráfico.
- El arte de la composición: los polípticos; ilusiones ópticas; elementos de la composición.
- Teoría del color: los colores pardos, ocres o cuaternarios; colores aditivos y sustractivos.
- Géneros artísticos: alegoría; desnudo femenino y masculino clásico, moderno y contemporáneo.
- Sistemas de representación y técnicas artísticas: el óleo pastel; el óleo; taller de bastidores para la pintura al óleo.
- Estilos, escuelas, movimientos y tendencias artísticas: expresionismo abstracto e informalismo, arte povera,
nuevo realismo y assamblage.
- Figura humana: estudio de la figura humana desde la imagen publicitaria.
- Perspectiva: perspectiva aérea.
- Disfrutando la literatura: des-enredando la lengua.
- Historia del arte: el Barroco, los inicios de la pintura moderna en México, la pintura moderna en México.
- Modalidades artísticas: el graffiti en México, música popular en México.
- Apreciación artística: lectura visual objetiva y subjetiva; apreciación cinematográfica.
Los tipos de pensamiento que trabaja Creación artística se ilustran por medio de los siguientes íconos:
Creativo Conceptual Técnico Espacial Nocional V isual Analítico Simbólico Crítico Social
Al final de Creación artística para tercer grado de secundaria se encuentran el índice curricular, el glosario y la
bibliografía básica, necesarios para el desarrollo de temáticas de profundización y actividades prácticas.
Invitamos a docentes y a padres y madres de familia, a apreciar, disfrutar y acompañar a los/as jóvenes en las
actividades, las reflexiones y las intenciones que Creación artística devela, con miras a su fortalecimiento
multidimensional o integral.
Eje temático 1
Creatividad diseño y expresión
Para experimentar la creatividad y ser reconocido como sujeto creativo no

es suficiente con tener talento o una disposición especial; hay que
prepararse, fundamentarse, conocer métodos, técnicas y estrategias para
acceder, con mayor facilidad y disfrute, al acto de la creación.
Algunos consejos para convertir la creatividad en acto cotidiano:
-Actualizarse permanentemente, aprender del entorno que nos rodea,
aprender de las personas creativas, científicas, geniales, emprendedoras.
-Actitud perceptiva y de crecimiento permanente.
-Evitar atender muchas cosas a la vez; es clave concentrarse y poner todo
el empeño posible en aquello que estamos haciendo.
-Valorar y comprender las partes y el todo.
-Aprender a trabajar en equipo.
-Trabajar cotidianamente en pro del fortalecimiento de la autoestima y la
autoconfianza.
-Aprender métodos, técnicas y estrategias de pensamiento creativo, en
las actividades científicas, artísticas, literarias y de diseño.
Objetivo: realizar composiciones a partir de los métodos de desarrollo

de pensamiento creativo y los fundamentos básicos del diseño gráfico.
Énfasis de competencias: creativa y expresiva.
Interdisciplinariedad: todas las áreas del conocimiento.
Tipos de pensamiento: creativo, conceptual, técnico y nocional.

7
8
Para recordar:
Métodos para el desarrollo del pensamiento creativo:
Tres métodos para acceder a la analógico, antitético y aleatorio
creatividad son: el analógico,
el antitético y el aleatorio. “El arte no es algo que se pueda tomar y dejar. Es necesario para vivir”. Oscar Wilde
El método analógico: apunta a los procesos de Interpretemos las asociaciones forzadas

conexión e interrelación de diferentes objetos, ideas en el campo de las artes
o eventos para generar, producir o diseñar objetos o
composiciones artísticas, literarias, tecnológicas o
Algunos autores que defienden las teorías relacionadas con la asociación y
científicas. Este método se aplica cuando nos inspiramos en
sus combinaciones son Ribot, Whiting, Kubie y Mednik, entre otros.
varias ideas que vemos y las aplicamos en el diseño de otra idea o
composición. Las asociaciones forzadas permiten relacionar y combinar elementos que
en apariencia no tienen relación; por ejemplo, con la palabra “bodegón”, se
El método antitético: se basa en el rechazo de supuestos, en el
puede generar este listado de asociaciones: mango, pera, papaya, botella,
replanteamiento, la liberación de ideas y en la reflexión aguzada. Éste es el
olla, caja, cielo, murallas, maíz, silla, ladrillos, árbol, tronco.
método más cercano a los procesos del análisis y de la crítica (De la Torre,
1987).
El método aleatorio: consiste en combinar, cruzar, relacionar y juntar ideas,
elementos y conceptos que permiten dar origen a otra idea, a un diseño,
composición, concepto u obra de arte.
Técnicas para el desarrollo del pensamiento creativo
Técnicas del método analógico: el euridrama, soñar despierto, entre otras.
Técnicas del método antitético: check list o quebrantamiento, el brainstor-

ming, análisis funcional.
Técnicas del método aleatorio: asociaciones forzadas, ideogramación,

delphi, entre otras.
Como se puede observar, este bodegón es el resultado de aplicar una
técnica del método aleatorio y cuya tesis es la de combinar ideas.
Creatividad, diseño y expresión

Actividad: a la palabra “paisaje”, aplícale la técnica de las asociaciones forzadas, realizando Indicador de logro: realizo composi-
un listado de elementos que tienen que ver con el género del paisaje y elementos que no ciones artísticas aplicando la técnica
tienen nada que ver con él. Luego, haz tu composición teniendo en cuenta esas ideas. de las asociaciones forzadas. 9
10
Actividad complementaria
Haz una composición artística donde se observe la aplicación de un método de pensamiento creativo como el analógico, el antitético o el aleatorio.
Al aplicar un método, es importante que muestres los pasos que has seguido para llegar al resultado que luego socializarás con tus compañeros/as
de clase.
Actividad sugerida: consulta alguna de las técnicas para el desarrollo del pensamiento creativo, planteadas en la
página 8 que permita realizar composiciones o diseños creativos, y aplica sus principios en el desarrollo de una
obra de arte. Luego, en el aula de clase, describe la técnica.
Para recordar: El diseño gráfico
El diseño gráfico es una actividad “El arte se ocupa de los problemas que se suscitan en su interior. Pero
si no hay problemas externos, no existe el diseño”. Milton Glaser
de aplicación comercial que re-
quiere, además del dominio de
herramientas técnicas y tecno-
lógicas, creatividad y expre- El lenguaje del diseño gráfico consta de tres que tiene en cuenta consideraciones prácticas y estéticas del producto o
sión para la comunica-
partes fundamentales: la forma, el color y el servicio que se ofrece, deseos y, la creatividad del diseñador/a.
ción eficaz de un con-
cepto o idea. concepto.
Los bocetos rápidos, antes de desarrollar la maquetación final, sirven de
La forma se refiere a los elementos fundamentales de la guía general para visualizar la disposición de los elementos en el formato
composición que constituyen un diseño: fondo y figura, determinado; estos pueden hacerse a lápiz, bolígrafo o tintas. Observa:
simetría y asimetría, espacio positivo y negativo, dirección, ten-
sión, movimiento, luz, sombra, líneas, encuadre, formatos, entre otros.
El color no sólo provoca reacciones psicológicas y emocionales, sino que
apoya y realza los aspectos formales, añadiendo sensaciones, espacialidad y
fuerza al desarrollo de una idea. Algunos son: primarios, secundarios, ter-
ciarios, cálidos, fríos, monocromía, policromía, color aditivo, sustractivo,
contraste, simbología del color, entre otros.
Para el/la diseñador/a gráfico/a, es importante estudiar el color desde el punto
de vista psicológico y desde las reacciones emocionales que éste provoca,
pues la percepción del color está articulada por las experiencias personales,
la historia, la cultura y la memoria.
El concepto está determinado por lo que se conoce en el diseño gráfico como
el briefing, es decir, las instrucciones con las que el cliente llega al
diseñador/a, como el texto informativo, las imágenes ya sean ilustraciones,
fotografías, mapas o diagramas. A partir de éstos comienza el proceso
creativo para desarrollar una idea que sea acorde con el estilo, la atmósfera y
el mensaje que se desea comunicar.
Un primer momento del diseño gráfico es organizar el texto y las imágenes
que conformarán el diseño, de modo que la información sea presentada de
manera lógica, coherente y armónica en relación con el espacio disponible;
éste momento es denominado: maquetación o gestión de formas y espacios,
Creatividad, diseño y expresión 11

12
Veamos un ejemplo de maquetación y sus posibles formas de manifestarse: Otro aspecto a tener en cuenta es la tipografía o la fuente. Ésta es el
medio por el cual se da una forma visual a una idea escrita, a través del
tipo de letra que se elija. La tipografía determina la forma, el color, la textura
y el cuerpo de un texto, es decir, el tamaño del caracter; por ejemplo, los
cuerpos de letra más comunes para la lectura varían entre 12 y 14 puntos.
Los computadores nos ofrecen una variedad de tipografías; algunas de ellas
son:
La tipografía, al igual que el color y otros elementos del diseño, pueden

producir diversas sensaciones, simbolizar ideas o emociones; por ello, es
necesario elegir correctamente el tipo de letra de acuerdo con el concepto
por comunicar y el público al cual va dirigido; igualmente, la selección de la
tipografía depende del gusto, el estilo del/de la diseñador/a, como también
La maquetación tiene dos estilos básicos: el simétrico y el asimétrico. El
de las modas del momento. Es necesario tener en cuenta que la letra
primero hace referencia a aquellos diseños que se estructuran a partir de un
comunica, al igual que el dibujo.
eje central; generalmente se asocia con diseños más ordenados,
tradicionales y racionales. El segundo rompe este principio y proporciona Según el diseñador gráfico Josef Müller-Brockman, existen cuatro pasos
mayor dinamismo al diseño. En algunos casos, también se acostumbra necesarios para el estudio y la práctica del diseño gráfico:
combinar estos dos tipos de estilo.
1. Construir el concepto objetivamente por medio de la comunicación
visual.
2. Construir el texto y el material ilustrativo sistemáticamente y de manera
lógica.
3. Organizar el texto y las ilustraciones en una disposición compacta con su
propio ritmo.
4. Combinar el material visual de modo que se entienda y quede
estructurado con un alto grado de tensión.
Para tener en cuenta : Creatividad, diseño y expresión
Recuerda que en todo proceso creativo es importante
apuntar o dibujar las ideas que vayan llegando a nuestra
mente. Para eso es clave llevar una libreta de apuntes o
un diario de campo, donde quede registrado el proceso de
creatividad y de diseño.
No es de confiarse con una primera idea, puesto que ésta
puede desatar otras más interesantes o apoyar la misma.
Actividad: en el diseño gráfico existen diferentes campos de acción: la televisión, las revistas, el Indicador de logro: realizo propuestas de dise-
cine, el internet, los materiales multimediales, entre otros. Realiza el diseño gráfico para un canal ño gráfico a partir de: forma, color, concepto,
de televisión de música rock. Plantea dos propuestas de maquetación, cada una de ellas con una maquetación y tipografía.
propuesta conceptual, de forma, color y tipografía diferentes. Puedes apoyarte en fotografías,
13
ilustraciones o imágenes digitales de revistas, periódicos, internet o algunas realizadas por ti.
14
Recorta o imprime una imagen donde se observe el diseño gráfico de una marca reconocida en el medio y pégalo en el espacio dado; luego, analiza el diseño
gráfico a partir de los conceptos estudiados.
Concepto planteado en el diseño gráfico:
Público al que va dirigida la propuesta gráfica:
Tipo y estilo de maquetación:
Simbología del color:
Tipografía utilizada:
Actividad sugerida: consulta el origen e historia de la escuela de la Bauhaus y su influencia en el diseño gráfico e industrial.
Acompaña tu consulta con imágenes de los diseños realizados por los principales representantes de esta escuela y realiza,
en tu salón de clase, un foro o debate donde se exponga lo consultado. Luego, con un equipo de trabajo, elabora el diseño
gráfico de una propuesta artística que te haya llamado la atención en la escuela de la Bauhaus. Creatividad, diseño y expresión
Eje temático 2
El arte de la composición
Simetría Asimetría Patrón Contraste Encuadre Formatos
Correspondencia Ausencia de Elemento que Contraposición o Espacio

de las partes de un correspondencia se repite en diferencia notable seleccionado Díptico Tríptico Políptico
todo, en cuanto a en proporción un espacio que existe entre dentro de un
forma, tamaño y de las partes de personas o cosas. todo. Una obra o Una obra o Una obra o
posición. un todo. imagen en dos imagen formada imagen formada
formatos. por tres partes. por más de tres
partes.
Objetivo: diseñar composiciones artísticas creativas Interdisciplinariedad: artes visuales, publicidad y diseño.
con el formato políptico y las ilusiones ópticas. Tipos de pensamiento: conceptual, espacial y creativo.
Énfasis de competencias: perceptiva y técnica. 15
16
Para recordar: Los polípticos
“Una verdadera pintura del más pequeño hombre es capaz de
Existen diferentes formatos para reali-
interesar al hombre más grande”. Thomas Carlyle
zar una composición artística. Entre
ellos encontramos el díptico,
compuesto por dos cuerpos o
secciones, y el tríptico, consti-
tuido por tres partes. Los polípticos hacen parte de una
familia de formatos compuestos por
varios cuerpos. Este formato surgió con
una función netamente religiosa; sin embargo,
poco a poco ha ido incursionando en múltiples
disciplinas que tienen su base en la comunicación
visual, como la publicidad y el diseño gráfico.
Luis Caballero, Sin título, 1969
El políptico es un nombre genérico que se aplica al retablo de varias
piezas y en concreto a las composiciones pictóricas compuestas por más
de tres tableros que a veces pueden plegarse.
Los módulos o polípticos son utilizados con la intención de representar
una breve secuencia de tiempos, equiparable a las escenas cuadro por
cuadro del cine, cuyo interés es recrear imágenes en movimiento o
composiciones dinámicas, aunque se trate de una imagen fija.
En cuanto al aspecto perceptivo, se transmite un estímulo visual, que Luis Caballero, Sin título, 1970
activa ciertas emociones, invitando a quien observa a descifrar la
diferencia, la integración o la significación personal de una obra Algunos de los polípticos más
fragmentada. reconocidos de la historia del arte
La característica principal de estos formatos es que cada uno de los ya no se encuentran con sus
módulos que lo componen (más de tres) representa la escena de un módulos completos, debido a que
acontecimiento, por lo que cada uno puede mirarse como una obra se han dispersado por diferentes
independiente del todo, pero juntos narran una historia o comunican un museos del mundo, como es el caso
mensaje concreto. Observa los siguientes polípticos del artista del políptico de La Misericordia, del
colombiano Luis Caballero. artista Piero della Francesca,
realizado entre 1445 y 1462.
Actividad: representa, en el siguiente políptico, una obra literaria que hayas leído y Indicador de logro: realizo una composición
que te llame la atención. Ten en cuenta que cada uno de los módulos puede contar artística en formato políptico.
una escena independiente, pero que, unidos entre sí, hacen parte de una gran 17
historia. Represéntala con caricaturas, collage, pintura y otras técnicas artísticas.
18
Realiza un políptico. Utiliza como referente las pinturas de un artista con el que te identifiques. Piensa en una forma novedosa de cómo se despliegan y
cierran los módulos.
Nota de interés:
Al igual que los dípticos

y trípticos, los polípticos
no sólo se aplican en las
artes plásticas, sino que
también son un recurso
muy importante en el
mundo editorial, litográ-
fico y publicitario.
Para recordar: Ilusiones ópticas
En la comunicación gráfica y en el arte “La belleza de la provocación es la que proponen los distintos movimientos
de vanguardia y del experimentalismo artístico”. Umberto Eco
visual importan diversos elementos de
forma y color para sacar al/a la es-
pectador/a de la simple observación,
mostrando más allá de esa forma y
de ese color, otras dimensiones en El arte óptico (Op Art)
las cuales se pueden provocar
variadas sensaciones El arte óptico es un movimiento artístico
visuales.
nacido en Estados Unidos en 1958, que se
basa en la composición pictórica de fenómenos
puramente ópticos. Las obras del arte óptico
interactúan con quien las observa, provocando una
sensación de movimiento virtual, mediante efectos de ilusión
óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica en el ojo y
una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Lo
que caracteriza estas obras es el juego que representa para la vista.
Por ejemplo, en la obra de Bridget Riley, las líneas onduladas producen una
sensación de dispersión visual que distribuye la mirada por el espacio de
Victor Vasarely, Vega 200, 1968
manera natural y desprevenida, a la vez del efecto de movimiento continuo y
vibración que genera en nuestra retina.
Otros/as artistas combinan colores y patrones de repetición para producir

efectos tridimensionales que nos adentran al interior de las obras, a la vez
que producen la sensación de rotación y movimiento. Un ejemplo es la
obra Vega 200 de Victor Vasarely.
El arte óptico se preocupa más por los efectos y sensaciones visuales que
pueda provocar, que por representar o pintar los objetos y espacios
cotidianos de manera fiel y realista.
Bridget Riley, Hacia adentro, 1964
El arte de la composición 19
20
El arte visual de las ilusiones ópticas también combina la fantasía con la Todas estas formas de percibir tienen su fundamento en la psicología, las
realidad e induce a un juego visual, que consiste en descomponer la imagen cuales se condensan en las leyes de La Gestalt. Veamos algunas de ellas:
hasta encontrar las formas que la componen. Este tipo de arte pone a prueba
la capacidad perceptiva de quien observa, el cual deja de ser agente pasivo,
para establecer interacción cercana e íntima con la composición. Observa Ley de cierre: la figura se presenta incompleta
las siguientes imágenes. o discontinua, pero tendemos a percibirla
En la primera imagen encuentra los seis rostros de perfil. completa.
Ley de proximidad: se perciben agrupados los

elementos que se encuentran más cercanos
unos de otros; la mente observa unas columnas
o calles.
Ley de simplicidad: al observar una figura, la

En la segunda imagen, percibimos de la manera más simple posible.
¿ves sólo las hojas o Generalmente percibimos, en el gráfico, un
percibes otras figuras? diamante o rombo, pero difícilmente apre-
ciamos dos letras “K”, una frente a la otra.
Ley de similitud: se tiende a percibir agrupados,

los objetos iguales. Apreciamos las filas de cua-
Canu, Violetas con drados y círculos, pero no las columnas.
perfiles, 1815
Ley de figura y fondo: en esta figura se pre-

sentan dos dimensiones: la figura y el fondo. En
este caso: ¿un rostro o un saxofonista?
Sandro del Prete, El sueño llevado
por el viento y el tiempo, s. f.
Actividad: con elementos compositivos simples (cuadrados, círculos, triángulos Indicador de logro: elaboro composiciones ópticas,
o líneas), realiza una composición óptica, ubicando estos elementos para combinando elementos compositivos.
producir efectos visuales de movimiento. Aplica las leyes de la Gestalt y colores 21
complementarios, para lograr un mejor efecto óptico.
22
Realiza una composición gráfica a modo de graffiti, en la cual puedas esconder figuras e imágenes como mensajes ocultos. Luego, píntala con plumones o
marcadores de diversos colores.
Para recordar: Elementos de la composición
La composición es la forma “La calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo”. Pablo Picasso
como se distribuyen los
elementos de una obra
en el espacio.
La composición contiene elementos que son la Punto y línea

materia prima de la comunicación visual y puede
expresar múltiples ideas, las cuales no se encuentran en
la sustancia física (pigmentos, soportes, etc.), sino en la
manera como el artista dispone los elementos que integran su obra.
Algunos elementos compositivos son:
Punto: es el signo más sencillo que puede formar parte de una imagen; es
de dimensión variable. El punto tiene gran fuerza de atracción sobre la
mirada. Cuatro funciones plásticas principales del punto son: 1) crear
pautas figurales o patrones mediante la agrupación y repetición; 2)
convertirse en el foco de la composición; 3) favorecer el dinamismo
mediante la sucesión de puntos; 4) crear líneas y texturas.
Línea: se relaciona con la trayectoria seguida por un punto en movimiento.

La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.
Simetría: se refiere a la correspondencia de las partes de un todo, en cuanto

a la forma, el tamaño y la posición. Wasily Kandinsy, Composición Nº 8, 1923
Asimetría: contrario a la simetría; no hay correspondencia en proporción de

las partes de un todo. La asimetría hace pensar en movimiento y libertad.
El arte de la composición 23
24
Simetría Asimetría Movimiento
Hokusai, La gran ola, 1830
Omar Rayo, Saras, 1977 Movimiento: es un elemento compositivo que permite percibir el despla-
Gustav klimt, Muerte y vida, 1911 zamiento representado mediante elementos relativos a la perspectiva,
estructura, posición e interacción de figuras, su dirección y secuen-
cialidad. Conscientes de la cualidad fija de la pintura, algunos/as artis-
Patrón
tas intentan romper la inmovilidad, ya sea incorporando mecanismos
móviles al soporte plano, o bien, experimentando con la teoría del color y
Patrón: este elemento de composición da la composición geométrica, como es el caso del Op Art.
cuenta de la repetición organizada de una
forma tomada como modelo, que puede Ritmo
ser determinado por la forma, por el color
o por la combinación de los dos. La figura El ritmo: es el orden alternado en la
base no es un patrón en sí misma, sino sucesión y presentación de los ele-
hasta que hace parte de una secuencia mentos (patrón), teniendo como re-
repetitiva. Las formas y elementos toma- ferencia el espacio y el tiempo, que
dos como patrón imprimen, a las obras están subordinados por intervalos y
gráficas, una gran riqueza visual, en secuencia rítmica. El ritmo se logra
cuanto desafían la visión humana a crear en una composición por el juego de
un movimiento donde realmente no repeticiones de los elementos.
Victor Vasarely, Composición G, s. f. existe. Los patrones son el elemento
principal en el Op Art y en el arte cinético.
Victor Vasarely, Vonal Stri, 1975
Actividad: construye un formato políptico y aplica, en él, varios de los elementos compo- Indicador de logro: aplico elementos del arte
sitivos estudiados. Realiza, en éste, el diseño de la carátula de un CD de tu música favorita. de la composición en un formato políptico. 25
26
Realiza, en cada cuadro, una composición, aplicando los elementos compositivos estudiados, donde representes las sensaciones que te producen los
sabores de los alimentos que se encuentran en la parte posterior de la hoja. Escribe debajo de cada cuadro los elementos compositivos que aplicaste.
Eje temático 3
Teoría del color
La riqueza cromática y las posibilidades de obtener nuevas percepciones
cromáticas es infinita. Recordemos la clasificación de los colores:
-Colores primarios: amarillo, azul y rojo; secundarios: resultan de la
mezcla de dos primarios: el verde, el violeta y el anaranjado; terciarios:
resultan de la mezcla de un color primario y un color secundario: naranja
amarillo, rojo violeta, entre otros; cuaternarios: surgen de la mezcla de
los colores terciarios entre sí, por ejemplo el verde oliva; ocres y tierras:
se crean a partir de violetas medios, púrpura y azul. Van desde el
amarillo, hasta los sienas; cálidos: el amarillo, el rojo, el anaranjado;
fríos: el azul, el verde, el violeta y todos los tonos de gris;
complementarios: los opuestos en el círculo cromático, como el amarillo
y el violeta, el azul y el naranja, el rojo y el verde; armonía atonal: aquella
que se realiza con negros, blancos y grises; monocromía: un solo color y
varios valores tonales del mismo color; policromía: varios colores.
Tanto una monocromía como una policromía, pueden ser cálidas o frías;
es decir, podemos hablar de una monocromía cálida o de una
monocromía en colores fríos.
En la actualidad se habla, además, de colores fluorescentes, pasteles y
colores modernos, colores jóvenes, entre otros.
Objetivo: experimentar con la riqueza cromática y simbólica del universo

de los colores.
Énfasis de competencias: perceptiva, técnica y expresiva.
Interdisciplinariedad: artes visuales, plástica, publicidad y diseño.
Tipos de pensamiento: nocional, técnico, creativo y visual.
27
28
Para recordar:
Los colores pardos, ocres o cuaternarios
Los colores ocres o pardos son "Yo nunca he conseguido hacer un cuadro de una sola pincelada". Antonie Tapies
también denominados cua-
ternarios, pues se obtienen
de la mezcla de los colo-
res terciarios entre
sí. Simbología
Desde que el hombre prehistórico ilustró
Algunos colores cuaternarios son: sus cavernas con escenas de caza, utilizó
- El amarillo terciario, mezclado con un rojo colores cuaternarios, especialmente en
terciario, permite obtener un naranja tierra o matices rojos y ocres. Las diversas
naturalizado. culturas han mostrado un vivo interés
por estos colores, a los que han atribuido
- Un amarillo terciario, mezclado con un azul diversas simbologías: los colores pardos
terciario, permite obtener un verde oliva. son colores masculinos, severos,
- Un rojo terciario, mezclado con un azul confortables, son evocadores del
terciario, permite obtener un violeta ciruela. ambiente otoñal y dan la impresión de
gravedad y equilibrio. Es el color realista,
tal vez porque es el color de la tierra que
pisamos. Son de escasa utilidad y poco
tolerantes a las mezclas con blancos.
Antonie Tapies, Ocre sur gris-vert, 1959
Cómo obtener una gama de colores

ocres y tierras: a partir de un violeta
medio, que se crea de un púrpura y
azul, es posible conseguir una
extensa gama de colores ocres que
van desde el amarillo y el sombra
tostada, hasta el siena. Para
conseguir esta combinación es
preciso añadir amarillo a los
distintos violetas que se han creado
Miró, Papier collé, s. f. con los otros dos primarios.
Teoría del color
Teoría del color
El arte prehistórico fue una de las manifestaciones artísticas que
más aplicó la gama de los colores pardos, ocres o cuaternarios,
pues éstos eran extraídos de la tierra como pigmentos naturales:
tierras, minerales, semillas, raíces, conchas, entre otros, los cuales
se aplicaban en cuevas, cavernas, piedras y en el cuerpo mismo.
Actividad: consulta sobre el origen de los colores cuaternarios utilizados en el arte Indicador de logro: diseño tribales a partir
primitivo y realiza tres diseños a manera de tribal, que simbolicen la naturaleza. de las formas de la naturaleza y aplico en
Píntalos con pigmentos naturales de colores cuaternarios; cada color que obtengas, ellos colores cuaternarios.
29
clasifícalo en los óvalos, de menor a mayor intensidad.
30
Con tus compañeros/as de clase, visita una alfarería; descubre y experimenta la extensa gama de colores cuaternarios, desde el amarillo de oro del ocre,
hasta el tostado profundo de las sombras y el color siena de la tierra. Elabora allí, uno o varios objetos tradicionales que sean representativos de tu región y
realiza, sobre él, diseños, tallas o intervenciones gráficas.
Actividad sugerida: elige el diseño del tribal que más te llame la atención y plásmalo en una
parte de tu cuerpo utilizando la técnica del esténcil. Recuerda crear una plantilla resistente
(acetato o papel adhesivo). Aplícalo con pigmentos naturales de colores cuaternarios. Teoría del color
Para recordar: Colores aditivos y sustractivos
Entendemos por color, una sensación que “La luz es color”. Isaac Newton
percibimos gracias a la existencia de la luz y a
la disposición de nuestros órganos visuales.
Desde el punto de vista físico, el color es
luz blanca que se descompone al atra-
vesar un prisma de cristal. Cuando La luz que nosotros percibimos El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. Los
decimos que vemos el color de un como blanca o luz natural es, de objetos reflejan la luz que no absorben hacia su entorno y nuestro campo
objeto nos referimos a la hecho, una combinación de luz de visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que refleja como
impresión de los rayos de luz diferentes longitudes de onda. Si pasamos "color". En la siguiente ilustración, la manzana absorbe los colores del
que refleja el objeto.
un rayo de luz a través de un prisma, cuando espectro, pero sólo refleja el verde y rojo, a partir de los cuales podemos
el rayo sale del mismo, se descompone en distinguir el rojo de la manzana y el verde del tallo. Cuando un cuerpo se ve
diferentes colores, que percibimos como rojos, verdes blanco es porque recibe todos los colores básicos del espectro (rojo, verde y
y azules. Un ejemplo de esto es el efecto que conocemos azul) y los devuelve reflejados, generándose así la mezcla de los tres
como arco iris, que se produce cuando la luz pasa a través de las colores; pero cuando los absorbe todos y no los refleja, es porque el color del
gotas de agua de la lluvia, que hacen el efecto de un prisma y objeto es negro.
descompone la luz en lo que nosotros percibimos como los siete colores del
De esta forma, el color de los cuerpos no es una propiedad intrínseca de
arco iris (aunque en realidad son rojo, verde, azul y sus mezclas intermedias).
ellos, sino que va ligado a la naturaleza de la luz que reciben.
Descomposición de la luz solar
Green Yellow
Cian Red
Luz Blanca Prisma

Los colores primarios son aquellos cuya combinación produce todos los
Blue Magenta demás. El color materia o pigmento (síntesis sustractiva) está compuesto
por el cyan, el magenta y el amarillo y el color luz (síntesis aditiva) está
compuesto por el azul, el verde y el rojo.
Teoría del color 31
32
Color luz (síntesis aditiva) Color pigmento (síntesis sustractiva)
El color luz es inmaterial y proviene del Se entiende por color pigmento o materia,
sol o de proyectores artificiales como el compuesto por pigmentos artificiales:
las bombillas. Es el color producido acuarelas, acrílicos, temperas, óleos, tanto
por luces en el monitor de nuestro sólidos como líquidos o grasos, entre otros.
computador, en el cine, la televisión, Los colores sustractivos son colores
entre otros. El color luz, tiene como basados en la luz reflejada de los pigmen-
colores primarios, el rojo, el verde y el tos aplicados a las superficies.
azul (Red, Green, Blue), también es Forman, esta síntesis sustractiva, el color
llamado (RGB), cuya función es crear y magenta, el cyan y el amarillo. Son los
componer la luz blanca. Por ello, a esta colores básicos de las tintas que se usan en
mezcla se le denomina síntesis adi- la mayoría de los sistemas de impresión.
tiva. Las mezclas parciales de estas
luces dan origen a la mayoría de los La mezcla de los tres colores primarios, en
colores del espectro visible. teoría, debería producir el negro, el color
más oscuro y de menor cantidad de luz, por
lo cual esta mezcla es conocida como
síntesis sustractiva. En la práctica
el color así obtenido no es lo
bastante intenso, motivo por
el cual se le agrega negro
pigmento, conformándose
el espacio de color CMYK
(Cyan, Magenta,Yellow)
Teoría del color

Teoría del color
Indicaciones:
Ubica un prisma sobre la

superficie de la hoja, deja
atravesar un rayo de sol,
observa el proceso de sín-
tesis aditiva.
Actividad: realiza una composición de acuerdo con la ley de figura y fondo de la teoría de la gestalt Indicador de logro: experimento el proceso de
(recuerda que según este principio, se presentan dos dimensiones: figura y fondo, sobre una síntesis sustractiva y síntesis aditiva mediante
misma composición. Luego, sigue las indicaciones de la ilustración. Una vez hayas experimentado un ejercicio práctico.
con el color luz (síntesis aditiva), pinta con color pigmento (síntesis sustractiva) la composición
33
que creaste, teniendo en cuenta los colores observados a través del prisma.
34
Valoración creativa
1 Observa la imagen y responde: 2 Haz una composición artística donde haya uno o más elementos escondidos.
Salvador Dalí, Mercado de esclavos y el busto de Voltaire desapareciendo, 1940
¿Cuáles son las figuras escondidas?
¿De qué elementos se valió Salvador Dalí para producir estas ilusiones
ópticas?
35
36
3 Relaciona el significado de la izquier-

Formato compuesto por tres partes; en ocasiones, las secciones laterales se
da con su correspondiente concepto Ley de similitud
doblan sobre la central.
en la columna de la derecha. Luego,
realiza una composición con dichos Movimiento artístico nacido en Estados Unidos en 1958, que se basa en la Tríptico
conceptos. composición pictórica de fenómenos puramente ópticos.
Ley de la teoría de la Gestalt que tiende a percibir agrupados los objetos iguales. Op Art
Eje temático 4
Géneros artísticos Adolphe-William Bouguereau,
Arion on Seahorse, 1854
Jean-Auguste Dominique
Ingres, La bañista de
Valpinçon, 1808
Paul Cezanne,
El jarrón azul,1885-1887 Alberto Durero,
Los cuatro apóstoles,
1526
Giuseppe
Arcimboldo,
El otoño, 1572
Wifredo Lam,
Autorretrato, 1938 Federico Zandomeneghi,
In bicicletta al Bois, 1896
Frédéric Bazille, Aigues-Mortes, 1867
Piero di Lorenzo,
Objetivo: desarrollar composiciones alegóricas y representaciones Cleopatra, s. f.
del desnudo femenino y masculino.

Énfasis de competencias: perceptiva, ideológica y creativa.
Interdisciplinariedad: artes visuales, publicidad y literatura.
Tipos de pensamiento: simbólico, conceptual, nocional y técnico.
37
38
Para recordar: Alegoría
La palabra “alegoría” proviene del “La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta
griego allegorein que significa de las cosas, no el copiar su apariencia”. Aristóteles
hablar figuradamente, es
decir, utilizar una palabra o
imagen para despertar el
pensamiento de otra.
En las artes, la alegoría es la personificación de ideas
abstractas sobre la vida o la naturaleza humana; es la
explicación del símbolo, su traducción al mundo cotidiano. Al
observar una imagen alegórica, es necesario conocer la simbología
que portan las figuras, es decir, lo que significan sus atributos.
La Edad Media, fue ante todo alegórica, ya que utilizaba sistemas de símbolos para
la representación de toda ciencia, concepto o suceso. En el arte era un saber hacer
que suponía la transformación de una materia, para convertirse en una producción;
de ahí la representación alegórica de ideas abstractas mediante figuras o atributos.
En un principio los encargados de crear los complejos programas alegóricos, fueron
los teólogos. Ellos eran quienes determinaban el sentido figurado de todos los signos.
Eugene Delacroix, La libertad guiando al pueblo, 1830
En el romanticismo, una imagen alegórica reconocida fue la expuesta

por el artista Eugene Delacroix, el cual representa, en su obra La
libertad guiando al pueblo, la figura femenina personificando la
libertad, que levanta la bandera de Francia entre las barricadas.
Alegorismo y simbolismo son dos conceptos teóricos básicos en el
arte. Walter Benjamin sostiene que “la diferencia entre
representación simbólica y alegórica consiste en que esta última no
significa más que un concepto general o una idea que no coincide con
ella, mientras que la primera es la idea misma encarnada y hecha
sensible. En la alegoría tiene lugar un proceso de sustitución”
Sandro Boticelli, Alegoria de la primavera, 1478 (Benjamin, el origen del drama barroco alemán: 157).
Géneros artísticos
Actividad: a partir de imágenes alegóricas, representa, en una Indicador de logro: represento ideas
composición creativa, la idea del principio u origen de la vida. a partir de imágenes alegóricas. 39
40
Observa detalladamente la siguiente pintura alegórica y escribe la idea o concepto que ésta significa. Argumenta tu respuesta. Luego, consulta
sobre la idea que motivó al artista para realizarla y compara las dos percepciones.
El Bosco, El jardín de las delicias (fragmento), 1504
Para recordar: Desnudo femenino y masculino clásico,
Los géneros artísticos son una moderno y contemporáneo
forma expresiva y particular de
“No hay belleza excelente que no tenga algo raro en la proporción”. Francis Bacon
hacer arte, que están sujetos a
los ideales del tiempo y del
espacio del/de la artista y
su obra. En la historia del arte, el desnudo del cuerpo
humano ha despertado, en los y las artistas, el
deseo de plasmar y expresar, a través de él,
emociones y situaciones que se plantean en los
diferentes escenarios donde es ubicado. El desnudo se ha
trabajado desde las diferentes modalidades del arte.
El desnudo, como todo género artístico, ha evolucionado y ha atravesado
cambios que están sujetos a un tiempo y un espacio, una visión del mundo y
unos ideales de belleza que caracterizan las representaciones y Representar plásticamente el
simbolizaciones del cuerpo en cada período histórico. Entre las desnudo no ha sido fácil y ha
representaciones artísticas del desnudo femenino y masculino, existen exigido, por parte de los y las
algunas diferencias según las formas de plasmarlo y el nivel protagónico que artistas, una investigación
cada uno ha tenido en el tiempo. tanto desde lo técnico, que
remite a la creación de ga-
Por ejemplo, en la época clásica predominaba el desnudo masculino, que
mas de colores, sistemas de
era mostrado como un cuerpo fuerte, musculoso y heroico, mientras que el
proporciones, calidades de
femenino era plasmado con gran sutileza, en escenarios idílicos y
líneas, manchas y demás
referenciando una mujer discreta y natural. En este período, se ocultan las
elementos compositivos, co-
partes íntimas del cuerpo de manera discreta y con un elemento que tenga
mo desde lo físico corporal,
que ver con el contexto planteado, como las hojas en el pene y en el pubis en Alberto Durero, Adan y Eva, 1506
que se refiere a la observa-
la obra Adán y Eva, de Alberto Durero.
ción anatómica, a los gestos
Esto cambia en la época moderna, cuando el desnudo femenino hasta corporales, al diálogo que se genera entre el/la modelo y el/la artista, al
nuestro tiempo y por los diferentes movimientos artísticos que se generaron, espacio que ocupa el cuerpo y la intención que se tiene.
es mostrado de manera más abierta, con mayor fuerza compositiva, sin
En cada período histórico, el desnudo femenino y el masculino presentan
ocultar las partes íntimas del cuerpo y explorando los materiales, las
características particulares, que se plantean de manera general, pero que en
superficies, los ángulos, pues ya todos estos elementos le atribuyen valor
cada artista varía según las tendencias, movimientos, estilos e intenciones
artístico al desnudo, convirtiéndose en parte de lo que se desea expresar.
estéticas.
Géneros artísticos 41
42
En la obra anterior, el cuerpo se representa con poco movimiento, con
líneas suaves, por lo general en posición vertical, en gamas de colores que
se aproximan al color real de la piel, con un gesto premeditado y en
temáticas y escenarios que no son de la cotidianidad, sino que tiene que ver
con pasajes bíblicos, mitológicos, acciones heroicas masculinas o mujeres
semidesnudas, donde se resalta la belleza natural en posiciones
recostadas, como la gran cantidad de majas que fueron creadas por varios
artistas.
Pablo Picasso, Mujer desnuda acostada, 1967
En el período contemporáneo, el cuerpo es soporte para el arte. Así, el

desnudo adquiere nuevas configuraciones estéticas, es mostrado a través
del cuerpo real y no solo por una representación gráfica o plástica, es
intervenido y puesto en acción en determinado espacio y tiempo. El desnudo
aquí habla de problemáticas sociales, cotidianas, de relaciones sexuales que
se viven, es elemento publicitario y permite la interdisciplinariedad entre las
modalidades del arte y otras disciplinas como el body art, el happening, el
fluxus, el arte de acción, el arte conceptual, entre otras.
Francisco de Goya y Lucientes, Maja desnuda, 1800
En el período moderno se destacan los múltiples movimientos artísticos,

como el cubismo, el impresionismo, el expresionismo, el fauvismo, entre
otros, que representan el desnudo de diversas formas. Aquí el color de la
piel no sólo remite a la realidad, sino a la percepción que el/la artista tiene
del espacio y del/ de la modelo; se exploran diversas posiciones corporales,
que generan movimientos, soltura y mayor naturalidad en la figura humana.
Las temáticas se abren a acontecimientos cotidianos, a la feminidad, la
masculinidad, la familia y escenarios diversos que fluctúan entre lo público
y lo privado. La investigación en este período se evidencia en el empleo de
diversos materiales, técnicas, superficies y gestos corporales. Eric Fischl, Cultos de carga, 1984
Egon Schiele, Sommet de

l'érotisme (II), s. f.
Francisco Bayeu y Subías, Cautivo desnudo, 1779
Actividad: observa, señala y escribe en las obras, los elementos plásticos que pueden atribuirse al Indicador de logro: identifico diferentes formas de
desnudo. Luego, realiza una intervención plástica sobre las mismas, utilizando una técnica mixta. aplicación del desnudo femenino y masculino. 43
44
Dibuja a lápiz un desnudo femenino o masculino, partiendo de la observación del cuerpo de un/a modelo. Puede ser completo o de manera fragmentada.
Eje temático 5
Sistemas de representación y técnicas artísticas Ejemplos
Sistema de
Técnicas artísticas Aplicaciones Elementos plásticos
representación
Lápiz grafito, de color, de fieltro, acuarelable, Paisajes: urbano, rural o natural, marino, Punto, línea, superficie,
1. Dibujo carboncillo, tizas, tiza pastel, pluma, plumilla, mixtos, objetos, figura humana, arqui- textura, color.
marcador, micropunta, crayón. tectura, geometría, ilustraciones, diseño,
sector industrial.
Técnicas acuosas: acuarela, aguada, gouche, Composiciones, pinturas en técnicas acuo- Color, pigmento,
témpera, vinilo, acrílico; técnicas grasas: óleo, sas u oleaginosas, el cromatismo en la texturas, superficie,
pintura de aceite, ceras; Técnica mural: temple, naturaleza, en la figura humana y en el línea.
2. Pintura fresco. entorno artificial, diseño, color.
3. Grabado Monotipo o monotipia, linóleo, xilografía, agua- Composiciones artísticas figurativas y no Superficies, línea,
fuerte, serigrafía, intaglio, entre otras. figurativas, representación de temas a texturas, color, relieve.
través de la representación múltiple, est-
ampados, diseños múltiples.
4. Fotografía Fotografía clásica, fotografía intervenida, fotogra- Artes visuales, diseño, imágenes digitales, Luz, imagen, color,
fía experimental, fotomontaje, reprografía. publicidad, personal, empresarial e indus- superficie, textura.
trial, arquitectura, ingeniería.
Robert Mapplethorpe,
Orchid, 1985
Objetivo: experimentar composiciones artísticas en diferentes Interdisciplinariedad: artes visuales, diseño y publicidad.
sistemas de representación y técnicas artísticas.
Tipos de pensamiento: conceptual, simbólico y técnico.
Énfasis de competencias: técnica y creativa. 45
46
Para recordar:
El óleo pastel
El óleo pastel son tizas fa- “El misterio es el elemento clave de toda obra de arte”. Luis Buñuel
bricadas con pigmentos, ceras
de hidrocarburos y grasa
animal, similares a las
crayolas y los pasteles
convencionales.
Antes de comenzar a realizar una El raspado: la superficie grasa que propor-
composición artística en óleo pastel, es ciona el trazo del óleo pastel permite
necesario tener en cuenta: desarrollar la técnica del esgrafiado, la
- Papeles rugosos o texturados como el canson, esto cual consiste en abrir blancos o raspar con
para mejorar la adherencia del pigmento. la punta de un punzón o cuchilla.
- En ocasiones se recomienda trazar un boceto con lápiz y luego

aplicar el óleo pastel, o trazar directamente con el material aquello
que se desea expresar.
- Al pintar con óleo pastel se sugiere generar un poco de presión sobre
las tizas, para acumular la cera en el lugar donde queremos que quede
el pigmento.
- Esta técnica posibilita la combinación de colores a partir de la
superposición de los mismos y, además, se tiende a utilizar los dedos y
no los pinceles para difuminar el color.
- Una vez finalizada una composición en óleo pastel se debe aplicar un Mezclar colores: consiste en aplicar
fijador o aerosol especial, para asegurar la adherencia del pigmento a alternadamente tonos oscuros y
la superficie. claros de óleo pastel sobre una
misma área del dibujo, para
- Es importante reconocer que el óleo pastel no se decolora. Su
obtener una gama cromática más
apariencia inicial queda intacta al secado y es ideal para dibujar
amplia, además de una interesante
líneas, puntos y áreas enteras con mucho color. Se puede trabajar
textura.
igual que la tiza pastel convencional y empleada generalmente en la
aplicación de técnicas mixtas, pues su textura permite adherirse a otro
tipo de técnicas, por ejemplo a los lavados o transparencias de la
acuarela. Al realizar una composición artística en óleo pastel, podemos aplicar trementina
por encima del pigmento, para suavizar los colores y crear fondos o zonas
extensas de color.
Sistemas de representación y técnicas artísticas
Las ciudades y la memoria
Partiendo de allá y caminando tres

jornadas hacia adelante, el hombre se
encuentra en Diomira, ciudad con
sesenta cúpulas de plata, estatuas en
bronce de todos los dioses, calles
pavimentadas de estaño, un teatro de
cristal, un gallo de oro, que canta
todas las mañanas sobre una torre.
Todas estas bellezas, el viajero ya las
conoce, por haberlas visto también
en otras ciudades. Pero es propio de
ésta que quien llega una noche de
septiembre, cuando los días se
acortan y las lámparas multicolores
se encienden todas juntas sobre las
puertas de las freiduras, y desde
una terraza una voz de mujer grita:
¡uh!, se pone a envidiar a los que
ahora creen haber vivido ya una
noche igual a ésta y haber sido
aquella vez, felices.
Italo Calvino
Actividad: lee el fragmento escrito por Ítalo Calvino, en un libro denominado Indicador de logro: represento en imágenes, un fragmento
Las ciudades invisibles y representa con tu estilo artístico, en la técnica de literario y aplico, en éste, la técnica del óleo pastel. 47
óleo pastel, la ciudad descrita.
48
Representa la idea de “ciudad invisible” a través de una imagen alegórica donde apliques la técnica del raspado con óleo pastel.

Para recordar: El óleo
El óleo es considerado el más versátil de “El ojo recibe de la belleza pintada el mismo placer que de la belleza real”. Leonardo da Vinci
todos los materiales pictóricos, pues esta
técnica, elaborada a base de aceite,
posee colores vivos y brillantes, ade-
más de tener un secado lento, que
permite hacer correcciones,
La pintura al óleo ha sido una téc- donde se guardaba el pigmento, por los tubos o envases donde actual-
retoques y acabados cuantas nica de evolución. Desde el siglo XV mente se conservan. Esto dio apertura al cambio del taller, espacio donde
veces desee el/la artista. hasta nuestros días ha ido de la mano se llevaba a cabo el trabajo pictórico del óleo, a la pintura al aire libre o
Este proceso puede con la historia del arte universal, pues trabajo directamente desarrollado en espacios naturales.
durar días, meses los/las artistas han encontrado en el óleo una
y hasta años. herramienta de trabajo ideal para la realización de
sus obras.
El óleo es un pigmento de textura espesa y cremosa, que se
compone de pigmentos molidos mezclados con un aceite que se
seca al estar expuesto al aire (aceite de linaza). Éste le da la posibilidad al/la
artista de trabajar sin prisa y retocar la obra constantemente. Sus
propiedades pictóricas permiten la aplicación de la pintura en capas muy
gruesas (empastes) o muy finas, con una gran transparencia (veladuras).
Contrario al aceite de linaza, los/las pintores/as al óleo utilizan la trementina
como disolvente y diluyente del óleo, sustancia que le da consistencia y
propiedades secantes a aquél.
Su origen se remite aproximadamente al año 1433. Se tiene la creencia de
que el pintor holandés Jan van Eyck fue el creador de la técnica pero, en
realidad, algunos estudios demuestran que ya existía alrededor de la Edad
Media. Sin embargo, Jan Van Eyck es considerado el precursor y perfeccio-
nador de la misma.
A éste le siguieron grandes y reconocidos artistas de la historia del arte como
el italiano Antonello da Messina, quien difundió la técnica en Italia, siendo
acogida por gran parte de los artistas del Renacimiento, entre ellos Leonardo
da Vinci, Rafael Sanzio, Miguel Angel Buonarroti, Giovanni Bellini, Tiziano
Vecellio, Michelangelo Merisi da Caravaggio, entre otros, que fueron
perfeccionando la técnica, y junto con los avances de la química a finales del Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini,1434
siglo XIX, pudieron reemplazar o sustituir las bolsas de tripa de carnero

Sistemas de representación y técnicas artísticas 49
50
El lienzo es una tela de lino, algodón o yute, que se dispone sobre un Para tener en cuenta:
bastidor de madera donde se tensa la tela, la cual pasa por un proceso
técnico donde se encola, con el fin de tapar o cerrar los poros de la misma, - Los pinceles: para pintar al óleo
de modo que se evite la absorción del pigmento y proporcione un soporte se recomienda utilizar pinceles
suave dónde pintar al óleo. Sin embargo, es posible utilizar otros soportes redondos y planos, ya sean de
como madera, cartón, vidrio, papel y demás materiales que los/las artistas fibra sintética, pelo de marta o
disponen según sus necesidades expresivas. pelo de cerda. Sus tamaños varían
desde el número 1 al 12. Es
importante tomar el pincel como
un lápiz o una pluma, pero desde
William Turner, Lluvia,
vapor y velocidad, 1844
la parte superior del mango, para
facilitar la aplicación de la pintura
en cualquier dirección o sentido.
- Limpieza de los pinceles: a menos que se empiece otro cuadro, los

pinceles se deben limpiar inmediatamente, puesto que se puede secar el
óleo en ellos y dañar las cerdas del pincel; para ello, se sugiere retirar el
exceso de óleo con un paño limpio y luego sumergir los pinceles en un
recipiente con trementina, limpiarlos de nuevo y repetir esta operación
cuantas veces se considere necesario. Por último, lavarlos con agua y jabón
y, ponerlos a secar con las cerdas hacia arriba.
- Espátulas: también se puede pintar

al óleo con espátulas; instrumentos
con bordes afilados y mango largo,
que emplean los/las pintores/as para
hacer ciertas mezclas y texturas.
Edouard Manet, La estación de tren, 1872-73 Vincent van Gogh, La noche estrellada, 1889
Mientras en el Renacimiento se aplicaba el óleo a través de veladuras y trazos

finos, a partir del siglo XX hay un gusto por los empastes y trazos libres y
espontáneos.
Actividad: busca en internet o en tus registros fotográficos, la imagen de una ciudad vista desde un Indicador de logro: aplico la técnica del
avión, o la imagen satelital de un país o una ciudad. Luego, dibújala en el espacio dado, y pinta con óleo en una composición artística.
óleo cada una de las zonas, diluyendo el óleo con trementina, para lograr un secado más rápido. 51
52
Para recordar: Taller de bastidores para la pintura al óleo
El bastidor es la estructura en “Para mí, la palabra 'artista' siempre estuvo asociada a libertad y ruptura de prejuicios”. Antoni Tapies
forma de marco (usualmente
de madera) a la que se le fija
y ajusta el lienzo de tela
para que éste se man-
tenga tensado. Materiales:
2 Cuando esté listo el bastidor, toma la tela
Molduras de madera o lienzo, ubícala debajo del bastidor y recór-
Lienzo o tela tala, dejando aproximadamente 6 u 8 cm
Pegamento para madera más de distancia que el tamaño del bastidor.
Puntillas o grapas
(ganchos de grapadora)
Pinceles
Imprimante 3 Dobla el lienzo sobre el bastidor y pega el
lienzo de las molduras de madera, utilizando
grapas (ganchos de grapadora) o puntillas,
comenzando por la mitad del lado más largo.
Realiza este procedimiento por cada uno de los
Actividad: con base en las siguientes indicaciones, elabora un bastidor ángulos del bastidor, mientras estiras el lienzo,
para realizar una pintura al óleo. para que quede completamente tensado. Ten
en cuenta doblar las esquinas en diagonal.
Indicador de logro: sigo indicaciones para la elaboración de un bastidor.
Pasos para armar un bastidor
1 Toma cuatro molduras de

madera de las medidas deseadas.
Ten en cuenta que se encuentren 4 Ahora tenemos lista
chaflanadas (corte de 45°) en sus
la tela para imprimar.
ángulos. Pégalas con puntillas y
pegante para madera, para que
quede asegurado.
Sistemas de representación y técnicas artísticas 53
54
Ahora prepara la tela del bastidor: 1 2
El tipo de tela que se utiliza más frecuentemente como soporte para las
pinturas es denominado lienzo, el cual está elaborado por diferentes
materiales naturales o sintéticos, y compuesto por dos tipos de hilos que se
entrecruzan perpendicularmente: la trama (en sentido horizontal) y la
urdimbre (en sentido vertical).
Una vez montado el lienzo en el bastidor, se recomienda imprimar la tela.
Este procedimiento consiste en aplicar a la tela o lienzo, una cantidad
determinada de aglutinante que alise la superficie y la haga menos porosa,
combinando ingredientes químicos que garantizan la calidad de la capa,
evitando su pudrición. Estos imprimantes (selladores) los puedes encontrar
en el mercado. 3
Una vez terminada la imprimación y la tela se haya secado (se aconseja
dejar uno o dos días expuesta al aire), lija la superficie de la tela de modo
que quede lisa.
Tras realizar los pasos anteriores, se puede comenzar a pintar sobre el

lienzo, siguiendo las siguientes instrucciones:
1 Elabora un dibujo a lápiz.
2 Comienza a pintar mezclando el óleo con trementina, si deseas un

secado más rápido, o con aceite de linaza, si deseas retocar e 4
intervenir tu composición de manera más lenta.
3 Comienza a pintar aplicando primero los colores más claros y luego
los más oscuros.
4 Aplica varias capas de pintura para reconocer la textura del óleo y
utiliza diversas pinceladas, según el estilo que quieras otorgarle a la
pintura.

Eje temático 6
Estilos movimientos escuelas y tendencias artísticas
Entre los movimientos y tendencias artísticas que hoy percibimos en nuestro

entorno cultural están:
- Expresionismo: movimiento pictórico caracterizado por el uso de distorsiones y
exageraciones con fines emocionales. Algunos de sus representantes son
Vincent van Gogh, Edvard Munch, James Ensor y Emil Nolde, entre otros.
- Fauvismo: en París, hacia la Primera Guerra Mundial, surge este movimiento
vanguardista, que se centra en la exaltación de los colores puros, delirantes,
fuertes, dando una sensación de agresividad y en ocasiones de fealdad. Su
principal representante es Henri Matisse. Otros son: Maurice de Vlaminck,
Raoul Dufy y André Derain.
- Orfismo: movimiento pictórico francés no figurativo que se empieza a
manifestar hacia 1912 como una reacción al primer cubismo analítico
(recuérdese que el cubismo se divide en analítico y sintético), convirtiendo el
color como primer medio de expresión. A este movimiento también se le conoce
con el nombre de cubismo órfico. Un representante es Robert Delaunay.
- Primitivismo: es la representación, en pinturas y esculturas del siglo XX, de
rasgos formales propios de los pueblos primitivos. En este tipo de arte
generalmente hay ausencia de los principios de la perspectiva y la aplicación del
color es muy personal del/de la artista.
- Dadaísmo: movimiento artístico que tendió a criticar o protestar contra la
totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el
militarismo existente en la Primera Guerra Mundial.
Objetivo: realizar composiciones artísticas, aplicando los conceptos
- Simbolismo: movimiento artístico que surge en Francia entre las décadas del
básicos de algunos movimientos y tendencias artísticas. ochenta y noventa del siglo XIX, en sintonía con la poesía simbolista. Los
Énfasis de competencias: perceptiva, ideológica y técnica. principios del simbolismo los redacta Albert Aurier, que lo define como una obra
ideista, simbolista, sintética, subjetiva, decorativa y emocional. En Alemania el
Interdisciplinariedad: artes visuales, literatura, publicidad y diseño. simbolismo alcanza su máxima difusión.
Tipos de pensamiento: técnico, creativo y conceptual. 55
56
Para recordar: Expresionismo abstracto e informalismo
Una de las estrategias más intere- “Cada artista humedece su pincel en su propia alma y pinta su propia
santes en la composición de imáge- naturaleza en sus pinturas”. Henry Ward Beecher
nes abstractas es aquella en la
que se crean imágenes a partir
de las huellas inconscientes
del pigmento y la materia
sobre las superficies.
Georges Mathieu, Festival en Norwitch, 1957

Garabato realizado por
Hans Namuth, Jackson Pollock
un niño de un año y medio.
pintando, fotografía de 1950
No siempre el informalismo es abstracto. Hay
casos, como los de Antonio Saura, donde hay
Muchas de las obras de los grandes artistas del informalismo y el
seres humanos, pero salvajemente desfigurados.
expresionismo abstracto recuerdan los trazos que hacen los niños/as en
sus primeros años de vida. Antonio Saura, Grito.
Mujer número 7, 1959
El expresionismo abstracto recibió también el nombre de pintura de
acción, porque lo que importaba en sus imágenes era que la pintura fuera
un suceso, una huella de la actividad motriz de quien pintaba y no una
actividad consciente. Un fotógrafo llamado Hans Namuth documentó el
proceso de creación de Jackson Pollock, en el que se ve el uso que hacía
de técnicas como el dripping (goteado) y su posición con respecto al
lienzo, sobre el que se inclinaba con palos y tarros de los que chorreaba el
pigmento. Alberto Burri,
Saco 4, 1954
El expresionismo abstracto es un fenómeno ocurrido en Estados Unidos.
Y a las tendencias parecidas en Europa se les llama informalistas. En la obra de Burri, encontramos que al
También, reciben los nombres de pintura matérica o tachismo, nombres lienzo se le incorporan fragmentos de
que son evidentes cuando miramos estas obras. objetos y materias como arena y fique.
Estilos, movimientos, escuelas y tendencias artísticas
Actividad: realiza una composición informalista en la que emplees diversos tipos de pigmentos y
materiales no convencionales (tierra, arena, trozos de tela, piedrecillas, etc.). Recuerda que
Indicador de logro: compongo a
aunque es un estilo espontáneo, requiere de gran habilidad para que los materiales queden
partir de imágenes informalistas.
adecuadamente fijos al plano y para que se pueda leer adecuadamente el gesto del/de la artista. 57
Ponle un nombre a tu composición, el cual refleje tu estado de ánimo al realizar la obra.
58
Para recordar: Art povera, nuevo realismo y assamblage
“La obra de arte nunca está terminada, sólo abandonada”. Leonardo da Vinci
Las vanguardias artísticas siempre
pretendieron darle características
artísticas a elementos que tradicio-
nalmente no las tenían. Este pro-
ceso, que empieza con el colla- El ready made proponía que, para que un Las posiciones de escándalo han sido frecuentes en la historia del arte
ge cubista y el ready made del
objeto fuera considerado obra de arte, sólo era contemporáneo. Sin embargo, aquellas que han hecho que objetos no
dadaísmo, llegará a su ex-
tremo en las llamadas necesario un contexto y unas personas que tradicionales sean considerados artísticos son las que más les cuesta
poéticas del objeto. dijeran que lo era. Esta posición al principio fue aceptar al público. Lo que comienza con el collage y el ready made
escandalosa, pero es el inicio del arte contemporáneo. llegará en años posteriores a extremos antes impensados. Veamos
algunos ejemplos:
El artista Robert Rauschenberg, en sus pinturas combinadas, anexa
papeles, objetos, cuerdas y hasta un animal disecado a la pintura misma.
Pablo Picasso, Naturaleza muerta con silla, 1912
Ya antes, Pablo Picasso había creado

el collage, técnica en la que se adhe-
rían papeles y trozos de objetos
(cuerdas, tejidos, periódicos) a la
superficie del cuadro.
Robert Rauschenberg, Cañón, 1959
Marcel Duchamp (ready made), Fuente, 1917
Estilos, movimientos, escuelas y tendencias artísticas 59
60
Lovise Nevelson recoge elementos sobrantes, Michelangelo Pistolleto crea una nueva obra
desperdicios de construcciones, los introduce en El artista Gerard Deschamps incorpora prendas de arte a partir de una escultura, a la que le
una caja, los pega y luego los cubre con color. de vestir usadas y viejas sobre la superficie del anexa una montaña de ropa usada, volviendo
lienzo, dándoles la categoría de arte. irónico el ambiente del museo.
Michelangelo Pistoletto, Venus de los trapos, 1967
Louise Nevelson, Catedral celeste, 1959
Gerard Deschamps, Los trapos de la

castra-Corsés rosas, la primavera, 1960
Es probable que, a muchas personas, las anteriores obras no les parezcan arte. Sin embargo, hay que decir que a las corrientes más
recientes no les interesa solamente representar la belleza en dos o tres dimensiones. El arte también busca producir, en quien lo observa
y percibe, una experiencia y una reflexión que le permita definir dónde acaba la vida y dónde empieza el arte. Su búsqueda permanente
le impide conformarse con los medios tradicionales y le permite estar explorando nuevos límites, nuevas materias y nuevas experiencias.

Actividad: aparentemente, realizar una composición de objetos encontrados o con materiales Indicador de logro: realizo una composición
pobres y de desecho es muy fácil. Sin embargo, es evidente que al artista le interesa también la artística con materiales pobres o de desecho.
manera en que esos materiales se articulan en una composición con significado plástico y con una
fuerza comunicativa hacia el/la espectador/a. Elige algunos materiales de desecho y crea una 61
composición. Escribe por qué elegiste esos materiales y por qué al usarlos se vuelven artísticos.
62
1 Elige uno de los conceptos incrustados en los árboles y escribe en el
espacio, el significado del concepto elegido. En la página siguiente,
realiza una composición con base en el concepto elegido.
Ready made
Alegoría
Dadaísmo
Desnudo Art povera
63
64
Eje temático 7
Figura humana
Hermafrodita, Durmiendo, Museo del

Louvre en París. obra del siglo II a.C.
Figura humana Pablo Picasso,

Los tres músicos, 1921
Diversas formas de expresión
Aquí hay seis ejemplos de figura hu-
mana pintados en estilos artísticos
diferentes y en épocas distintas. Te
invitamos a trabajar en tu propio estilo.
Anónimo, Venus de Willendorf

(Australia), 20000 a. C.
Barbara Hepworth,
Madre e hijo, 1934
Objetivo: comprender la figura humana como un todo expresivo y multidimensional.

Énfasis de competencias: perceptiva y creativa.
Oswaldo Guayasamín,
Interdisciplinariedad: artes visuales, diseño, publicidad y todas las profesiones La Espera nº 6, 1968-1969
relacionadas con la comprensión del cuerpo, como por ejemplo, el ámbito de la salud.
Fernando Botero, Pedro, 1971
Tipos de pensamiento: crítico, social y creativo. 65
66
Para recordar: Estudio de la figura humana desde la imagen publicitaria
El cuerpo humano es un todo integral “No hay arte nuevo, hay artistas nuevos”. Egon Schiele
que nos sirve de medio, soporte y he-
rramienta para ejecutar actividades
en, desde y con él, de manera
cotidiana o artística, cuando
conjugamos elementos com- Para realizar esas imágenes publicitarias,
positivos de la imagen
las personas creativas, publicistas o
con un fin estético.
diseñadores/as gráficos/as, recurren a
modelos o elementos para sus ideas,
varios tipos de objetos, símbolos, signos o
señales, que permiten llamar la aten-ción
sobre un producto. Entre estos, es muy
común observar, en la actualidad, la
figura humana como protagonista, o
La publicidad es un proceso creativo y un como un vehículo que, asociado a otros
medio de divulgación de información de objetos-imágenes, llevan al/a la especta-
carácter comercial, que tiene como fin dor/a a centrar su atención sobre algo
agregar valor a un producto o servicio por específico. Por ejemplo, en la imagen 1 se
medio de las imágenes. Su objetivo primor- promociona un perfume, pero la mayor
dial es vender o promocionar, incitando al/a parte de ella la ocupa una figura humana
la espectador/a para que consuma o re- y su expresión corporal en relación con el
flexione algo determinado, ya sea una idea, producto.
como por ejemplo, la prevención del cáncer
de seno o de próstata; un valor social, como
la libertad o el respeto; un servicio, como la
educación; o un producto, como un vestido
o una gaseosa, dependiendo de la intención
que posea quien elabora dicha publicidad.
Imagen 1 - Publicidad de perfume
Figura humana
La figura humana en la imagen publicitaria es y ha sido utilizada tanto para Para la creación de la imagen publicitaria se tienen presentes todos los
vender productos que tienen que ver directamente con el cuerpo, como la elementos compositivos que se trabajan artísticamente en una obra de arte,
ropa interior (véase imagen 2), o para vender otro producto cualquiera, como el formato, la proporción, la teoría del color, el ritmo, los ángulos de
como un carro o una bolsa de leche. El cuerpo humano, en este tipo de encuadre, entre otros aspectos, como el sentido de qué se quiere decir, pues
imágenes, es empleado como un medio, una representación, un modelo de tiene un interés estético y comunicativo, e intenta evocar y suscitar
belleza, o un soporte para ello y es transformado con maquillaje o vestuario experiencias del sujeto para que la imagen quede plasmada en la memoria.
con el objetivo de hacer más llamativa la imagen, cargarla de significado y Así, puede aparecer en la imagen la figura humana incitando movimiento,
comunicar un mensaje claro y contundente. Por eso, es común ver la figura tranquilidad, comodidad, dolor, placer o goce, entre otras emociones, pues
humana vestida, desnuda, en retrato, de cuerpo entero, en fragmentos o son la posición del cuerpo, la ubicación con respecto al resto de la imagen,
reflejando belleza u horror. el contexto donde está ubicada, lo que crea el significado del mensaje que
ésta transmite.
La figura humana como imagen

publicitaria tiene infinidad de
formas de ser abordada y
plasmada, según la creatividad
de quien la elabora. Puede ser
dibujada, pintada, fotografiada,
graficada, digitalizada o com-
puesta por medio de collage,
entre otras modalidades y técni-
cas artísticas (véase imagen 3).
Imagen 3 - Cartel de película de cine
Imagen 2 - Publicidad de ropa interior

Figura humana 67
68
Lo que pretende la imagen publicitaria, con el empleo de la figura humana, Artísticamente, la figura humana ha sido empleada desde el siglo XIX
es comunicar y evocar un cuerpo, empleando desde modelos reales e como imagen publicitaria. Uno de sus pioneros y mayores
imaginarios, hasta maniquíes, que son una forma diferente de representarla, representantes fue Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), quien con
planteando un mensaje diferente y poco convencional, pues el material imágenes de bailarinas y personajes que habitan los cabarets, elaboró
empleado genera también otro lenguaje (véase imagen 4). La figura humana carteles que son medios publicitarios, anunciando espectáculos que se
comunica por sí misma, pero también está al servicio de quien quiera crear llevaban a cabo en el Molino Rojo, lugar popular de su época que él solía
con ella, dándole un texto para que emita un mensaje en forma de imagen visitar (véase imagen 5).
impresa o audiovisual. La clave es partir de una idea, tener claro lo que se
quiere decir, de una manera comprensible, poner en escena un cuerpo o un
fragmento de él, expresando algo que seduzca al consumidor.
Otro medio en el cual se

presentan formas publicitarias,
es la televisión, que acompaña
las imágenes en movimiento
con sonido, y donde la figura
humana adquiere un papel
importante, medio que requiere
una composición creativa de
cada escena por emitir.
Imagen 4 - Alusiva al secuestro

Imagen 5. Cartel del Moulin Rouge
Henri de Toulouse-Lautrec
Figura humana
Figura humana
Actividad: elige un producto o servicio cualquiera que llame tu atención y realiza su Indicador de logro: represento un mensaje
publicidad, a través de un cartel o afiche, donde la figura humana aparezca como imagen social y crítico, a partir de la figura humana.
publicitaria. Adicional, el producto debe proponer un mensaje crítico frente a las injusticias 69
sociales y humanitarias. Utiliza una técnica mixta, aplicando el collage y la pintura.
70
Piensa en una idea o un valor social para promocionar, y realiza el boceto de un minicomercial para televisión de cuatro imágenes, en las que el mensaje que
desees transmitir sea claro y contundente. Ten presente incluir la figura humana de manera total o parcial. En las líneas de la derecha, describe el o los
sonidos que acompañarían las imágenes, en caso de que así lo requiera la ejecución de tu idea.
1 2
Sonido:
3 4
Figura humana
Eje temático 8
Perspectiva
Diferentes formas de
expresión de la perspectiva
Perspectiva paralela Perspectiva angular Perspectiva aérea Proyección isométrica

Un punto de fuga. Dos puntos de fuga. Tres puntos de fuga. No se utilizan puntos de fuga.
Los objetos se Los objetos se observan Los objetos se observan desde Los objetos se presentan tal
observan de frente. de lado, en ángulo. muy arriba o desde muy abajo. como son en la realidad, sólo
que a escala.
Objetivo: desarrollar composiciones artísticas aplicando Interdisciplinariedad: artes visuales, publicidad,

los principios básicos de la perspectiva aérea. arquitectura e ingenierías.
Énfasis de competencias: perceptiva y creativa. Tipos de pensamiento: creativo y técnico. 71
72
Para recordar: Perspectiva aérea
La perspectiva es un sistema de "El escultor piensa en mármol”. Oscar Wilde
representación gráfica que
permite representar, sobre un
plano, las tres dimensiones
de un objeto (ancho, Existen tres tipos de perspectiva:
alto y largo).
1.Perspectiva paralela: en este tipo de perspectiva, los espacios se observan de frente y su principal
característica consiste en la construcción a partir de un solo punto de fuga.
2.Perspectiva oblicua o angular: en esta representación gráfica se observan las dos caras principales
de los objetos y su característica principal es la construcción a partir de dos puntos de fuga.
3.Perspectiva aérea: en este tipo de perspectiva se emplean tres puntos de fuga y se observan tres
caras o vistas del objeto proyectado. Un ejemplo de este tipo de perspectiva es cuando viajas por
avión y observas la ciudad desde arriba al despegar tu vuelo.
Desde la época de los griegos, diversas culturas empleaban métodos

basados en conceptos de perspectiva sin ser definidos aún desde
una teoría científica, para representar los espacios en los cuales
desarrollaban sus actividades culturales y artísticas. Alrededor de
1413, un grupo de artistas dedicados a la investigación en este tipo
de temas, luego de realizar algunos estudios ópticos, geométricos y
espaciales, descubrieron un método para representar espacios y
objetos por medio de dibujos estructurados desde el concepto de
perspectiva.
Perspectiva
Sólo hasta la segunda mitad del siglo XIX, la preponderancia de la
concepción en perspectiva entró en crisis. Por un lado, fueron los
propios artistas (impresionistas) los que rechazaron la perspectiva
como instrumento de representación naturalista; y por otro, el
pensamiento estético cuestionó, en la perspectiva, el principio
mismo de la función mimética del arte.
Además, tanto el examen filológico de las fuentes (tratados) como
los estudios sobre el proceso de la visión, vinculado a la incipiente
psicología experimental, llevaron a rechazar la perspectiva como
una categoría absoluta, única, para investigar históricamente su
desarrollo y su validez en diferentes momentos de la historia del
arte. En este sentido, los primeros estudios sobre la apreciación
visual, constituyen el precedente de la revisión completa y
fundamental de toda la problemática, llevada a cabo por Erwin
Panofsky, en su famoso ensayo Historia del pensamiento estético
(Panofsky, 1978). Mientras que, por primera vez, se duda del valor
mimético y naturalista de la perspectiva, la representación del
espacio se concibe como signo visible y “simbólico” de las
actitudes culturales y filosóficas de un determinado período
histórico. Generalmente se acepta el planteamiento metodológico
de Panofsky y aún hoy se lo sigue, si bien con matices diferentes
(Francastel, 1984).
Perspectiva aérea
Este tipo de perspectiva representa el espacio que envuelve a los
objetos dando una impresión muy real de la distancia. La
característica principal de este tipo de perspectiva consiste en que
son necesarios tres puntos de fuga para su construcción.
Perspectiva 73
74
Perspectiva aérea
La perspectiva aérea se puede representar de dos formas
diferentes, según la posición de la línea de horizonte (LH).
Imagen 2
1. Si la LH (altura de nuestros ojos) la observamos por
encima del objeto, se podrán visualizar las tres caras
principales del objeto (véase imagen 1).
PF 1 Línea de horizonte (LH) PF 2
2. Si la LH (altura de nuestros ojos) la observamos en la
mitad del objeto o en su parte inferior, sólo se podrá
visualizar su cara frontal y su cara lateral; en algunas
ocasiones se visualizará la cara inferior (véase imagen 2).
PF 1 Línea de horizonte (LH) PF 2
PF 3
Imagen 1
PF 3
Perspectiva
Perspectiva
Salvador Dalí, Aparato y mano, 1927
Actividad: inspirándote en la obra de Salvador Dalí, realiza una composición Indicador de logro: grafico objetos y espacios en perspectiva
geométrica a partir del proceso para la construcción de una perspectiva aérea. aérea, empleando elementos clave para su construcción. 75
76
Dibuja en perspectiva aérea un edificio y un mueble.
Edificio Mueble
Perspectiva
Eje temático 9
Disfrutando la literatura
La literatura permite sentir y expresar estados internos del ser

humano. En cuentos, novelas, mitos, leyendas, fábulas, poesías,
alegorías, narraciones orales, entre otras formas literarias, el ser
humano encuentra e interpreta sentidos y concede significados a la
multiplicidad de situaciones que la literatura recrea. La literatura nos
permite transitar por mundos inimaginados y reales; nos permite
evocar olores, sabores, sensaciones percibidas en la infancia o en la
edad adulta.
Entrar al mundo de la literatura es introducirse en una dimensión
mágica, donde personajes, lugares y situaciones, nos invitan a viajar,
a conocer, sin necesidad de salir del lugar donde estamos.
Objetivo: comprender la importancia de la narrativa como dimensión

mágica que recrea la realidad.
Énfasis de competencias: perceptiva, expresiva y creativa.

Interdisciplinariedad: historia y literatura.
Tipos de pensamiento: creativo, conceptual y visual.
77
78
Para recordar: Des_ enredando la lengua
Los acontecimientos de un cuento cons- “Poesía es la unión de dos palabras que uno nunca supuso que pudieran
tituyen los procesos, y éstos pueden ser juntarse, y que forman algo así como un misterio”. Federico García Lorca
de mejoría o de deterioro. Los prime-
ros se refieren a momentos favo-
rables para el protagonista, y los
segundos a circunstancias des-
favorables para el mismo, co-
mo, por ejemplo, cuando Las palabras son mágicas, y lo son no porque
se encuentra en peligro. ellas enriquecen nuestra relación con el mundo
exterior e interior, en nuestro contacto con los
otros y con nosotros mismos.
Conocemos la realidad por medio de nuestros
sentidos, el lenguaje y los signos. A través de los
sentidos, damos una significación al mundo que
nos rodea, por cuanto construimos imágenes
(visuales, olfativas, táctiles, mentales y sonoras)
de los objetos de las personas y del entorno.
A través de la mirada delimitamos el campo
visual, igual que el olfato nos indica qué olores
estamos percibiendo. El lenguaje hace posible
que se determinen los objetos cuando los
nombramos, y que comuniquemos lo que sabe-
mos y sentimos cuando hablamos con otro. Por
su parte, los signos se convierten en verdaderos
mediadores cognitivos y culturales de los seres
humanos. Así, una señal de tránsito, al igual que
una huella, nos indican algo, nos informan sobre
algún aspecto de la realidad natural, social o
cultural.
Las palabras son signos y lenguaje; son signos lingüísticos. Con las palabras Los/las escritores/as, poetas y poetisas, aprovechan la cualidad de
se puede nombrar, comunicar, hacer sentir bien o mal a una persona. Por este comunicar de manera llamativa, que en teoría literaria se denomina
motivo, la palabra dicha, nunca vuelve atrás: ella construye o destruye. Este función poética, para crear mundos posibles, hacerlos verosímiles gracias
es el caso de la literatura, la cual está hecha de palabras que se tejen y hacen a las imágenes, a las metáforas, al juego de palabras… las palabras,
posible un mundo. En este sentido, se puede hablar del uso de la palabra en entonces, se vuelven mágicas.
el lenguaje cotidiano y del uso de la palabra en el lenguaje literario.
¿Pero cómo lo hacen? Igual que en el arte. Así como en la pintura las formas
En la cotidianidad, los seres humanos utilizamos las palabras de acuerdo con “son dueñas” de Picasso, y los cuadros y las relaciones entre ellos hacen de
las necesidades que tengamos. Así, si necesitamos comprar algo, nuestras Picasso el artista que es. En la literatura los personajes adquieren vida
herramientas para hacerlo son las palabras. Si necesitamos decirle a alguien propia, mientras que el poeta “sólo” escribe. Es decir, que el poema ya no le
que lo queremos, utilizamos las palabras. En la literatura, las palabras se pertenece al poeta o la poetisa, y por eso podemos leerlo y sentirlo como
transforman, se matizan, se connotan, adquieren un color distinto. propio, dedicárselo a alguien para transmitir. Se trata del poder sensible del
arte, y la literatura es arte.
Así como los cubistas rompen con una tradición, con una manera de pensar
el espacio, el tiempo y la forma, los/las escritores/as rompen con la sintaxis
y la manera de puntuar. El poema de Aurelio Arturo, Palabra, es un ejemplo
de ésto. Del mismo modo que en un cuadro de Pollock se puede identificar
un universo sensible o seres de sensación, hay, en los textos de los poetas o
las poetisas y escritores/as, erotismo en las palabras. Es el caso del capítulo
68 de Rayuela, la novela de Julio Cortázar. En este sentido, palabra e
imagen pictórica se encuentran. Ambas configuran la realidad, la hacen
cercana y diferente.
Los personajes, los colores y las formas en una pintura tienen movimiento y
ritmo, así mismo como las palabras en un texto poético. Tanto el texto de
Arturo, como el de Cortázar, tienen una forma particular. Esta manera
peculiar de decir le da a ambos textos un vigor tal, que hace que el/la
lector/a tenga sensaciones al leerlo, que las palabras digan más de lo que
pueden decir en la cotidianidad.
Lee el poema Palabra del poeta colombiano Aurelio Arturo, y observa en él
el uso de la palabra, así como lo que dice de ella. Después, lee el capítulo
68 de la novela del escritor argentino Julio Cortázar, Rayuela.
Disfrutando la literatura 79
80
PALABRA Capítulo 68 - Rayuela:
Nos rodea la palabra Apenas le amalaba el noema, a ella se le agolpaba el clémiso y caían en hidromurias, en salvajes
la oímos ambonios, en sustalos exasperantes. Cada vez que él procuraba relamar las incopelusas, se enredaba en
la tocamos un grimado quejumbroso y tenía que envulsionarse de cara al nóvalo, sintiendo cómo poco a poco las
su aroma nos circunda arnillas se espejunaban, se iban apeltronando, reduplimiendo, hasta quedar tendido como el trimalciato
palabra que decimos y modelamos con la mano
de ergomanina al que se le han dejado caer unas fílulas de cariaconcia. Y sin embargo era apenas el
fina o tosca
y que forjamos con el fuego de la sangre
principio, porque en un momento dado ella se tordulaba los hurgalios, consintiendo en que él aproximara
y la suavidad de la piel de nuestras amadas suavemente sus orfelunios. Apenas se entreplumaban, algo como un ulucordio los encrestoriaba, los
palabra omnipresente con nosotros desde el alba extrayuxtaba y paramovía, de pronto era el clinón, la esterfurosa convulcante de las mátricas, la
o aún antes jadehollante embocapluvia del orgumio, los esproemios de merpaso en una sobrehumítica agopausa.
en el agua oscura del sueño ¡Evohé! ¡Evohé! Volposados en la cresta del murelio, se sentían balpamar, perlinos y márulos. Temblaba
o en la edad de la que apenas salvamos el troc, se vencían las marioplumas, y todo se resolviraba en un profundo pínice, en niolamas de
retazos de recuerdos argutendidas gasas, en carinias casi crueles que los ordopenaban hasta el límite de las gunfias.
de espantos de terribles ternuras
que va con nosotros Julio Cortázar
monólogo mudo
diálogo
la que ofrecemos a nuestros amigos
la que acuñamos
para el amor la queja
La lisonja
moneda de sol
o de plata
o moneda falsa
en ella nos miramos
para saber quiénes somos
nuestro oficio
y raza
refleja
nuestro yo
nuestra tribu
profundo espejo
y cuando es alegría y angustia
y los vastos cielos y el verde follaje
y la tierra que canta
entonces ese vuelo de palabras
es la poesía
puede ser la poesía Aurelio Arturo
Actividad: palabras de colores y sensaciones.

Lee nuevamente el texto de Julio Cortázar, sin buscar decodificar un significado a Indicador de logro: realizo un collage a partir del capítulo
cada palabra. Elije algunas palabras del texto, escríbelas y realiza un collage de 68 de la novela de Julio Cortázar Rayuela.
palabras, de acuerdo con el sentido de las sensaciones que te produce el texto. 81
82
Crea una definición de las palabras subrayadas en el texto de Julio Cortázar. Después, lee nuevamente, agregando los nuevos significados al texto, para que
puedas hacer tu propia interpretación. Identifica acciones, personajes y escenarios, y haz un dibujo abstracto en el cual esté presente el ritmo y el movimiento.
Clémiso
Hidromurias
Cariaconcia
Hurgalios
Encrestoriada
Embocapluvia
1 Observa y selecciona un afiche, imagen o cartel publicitario. Analiza y escribe los elementos que encuentres relacionados con los siguientes aspectos.
Aspectos a analizar Con tu estilo, transforma la imagen observada
Idea, producto o servicio promocionado:
Mensaje:
Símbolos presentes:
Aspectos que le cambiarías a la imagen publi-

citaria:
83
84
2 Teniendo en cuenta la relación entre el lenguaje cotidiano y el lenguaje literario, y a partir de la lectura del poema “Palabra” y del capítulo 68
de Rayuela, responde las siguientes preguntas:
A. ¿De qué trata el texto de Julio Cortázar? Explícalo. Ten en cuenta C. Crea cinco palabras nuevas y con ellas escribe un párrafo de 8 renglones,
el sentido a partir de las sensaciones que produce el texto. Piensa, donde se describa una acción en la que aparezcan las palabras inventadas.
por ejemplo, en los actores: ¿quiénes son los personajes del texto?
B. Lee nuevamente el texto de Aurelio Arturo. ¿Qué lo carac-

teriza en su forma? Explica esto de acuerdo con la relación
entre la lengua y la literatura.
Eje temático 10
Historia del arte
El arte surge como necesidad de expresión en los seres humanos, nos

permite comprender el pasado, el presente y proyectarnos al futuro de la
humanidad.
Diversas formas de expresión, comunicación y representación del
mundo, ha utilizado el ser humano a través de los años. Su concepción
del mundo, sus sentimientos hacia los demás seres humanos, sus
Museo de Louvre conocimientos del entorno, su contexto, sus condiciones sociales y
culturales, también los ha manifestado mediante diversas modalidades
artísticas.
Objetivo: comprender la importancia de la historia del arte como necesi-

dad de expresión, comunicación y representación de los seres humanos.
Énfasis de competencias: perceptiva e ideológica.
Museo del Prado
Interdisciplinariedad: antropología, historia y literatura.
Tipos de pensamiento: visual, creativo, crítico, nocional, técnico y
conceptual.
Museo D'Orsay 85
86
Para recordar: El Barroco
El arte renacentista recuperó una serie de “El arte es hecho por solitarios y para solitarios”. Luis Barragán
elementos plásticos propios del mundo
clásico, lo cual le permitió a los artistas ganar
una autonomía particular para hacer
representaciones del mundo natural, del Juego con los límites entre la realidad y
cuerpo humano y de las emociones del
En sus inicios, el término Barroco
se usó despectivamente para la ficción, o entre la realidad del cuadro
hombre. El Barroco, que es el arte de la
Contrarreforma, supone una aplicación señalar que algo era recargado y de y la realidad de la representación.
de estos descubrimientos anteriores, mal gusto.
pero para otros fines, por ejemplo
el religioso, el ornamental o el
Se llama Barroco al arte que surgió en
propagandístico del varios países europeos después del
papado y los Concilio de Trento, una reunión en la que la
cardenalatos. Iglesia romana intentó definir políticas para
contrarrestar la influencia del luteranismo, que ya
Diego Velázquez, Las meninas, 1656
empezaba a extenderse por varias regiones. Aunque el
Barroco posee características diferentes según se dé en
regiones determinadas, algunas de las más generales son: Interés por el realismo y, en algu-
nos casos, por los aspectos más
descarnados, sórdidos y aun de-
Interés por lo dramático y, Rembrandt, La lección de anatomía, 1634
sagradables de la realidad.
por ende, en las represen-
taciones religiosas, por los Mientras en el Renacimiento el interés
mártires y los momentos fundamental se centra en la descripción
de mayor intensidad de la racional del espacio y la realidad, lo cual
historia sagrada. lleva a considerar el arte como una cien-
Búsqueda de lo teatral, lo cia, en el Barroco el interés fundamental
cual se logra con la está en la imaginación y en el arte como la
acentuación del contraste instancia más apropiada para acercarse a
entre luces y sombras los sueños, la ficción y la fantasía.
(claroscuro).
En la arquitectura hay un interés por la
ornamentación a veces excesiva, que re-
Caravaggio, La incredulidad de santo Tomás, 1602 cibirá también el nombre de rococó.
Gianlorenzo Bernini, El éxtasis
de Santa Teresa,1650
Historia del arte

Historia del arte
Michelangelo Merisi da Caravaggio,

Narciso, 1600
Parmigianino, Autorretrato
en espejo convexo, 1524
M. C. Escher, Autorretrato, s. f.
Actividad: una de las más interesantes escenas de la pintura barroca es aquella donde
un observador se enfrenta con su imagen proyectada en un espejo. Alrededor de Indicador de logro: reconozco y aplico di-
1600, Caravaggio utilizó este motivo para hacer una alusión al mito griego de Narciso. ferentes procedimientos que intervienen
Te presentamos otros dos ejemplos de juegos con este motivo, para que realices un en la configuración de la imagen barroca. 87
ejercicio parecido, utilizando la técnica pictórica del óleo.
88
Uno de los legados más importantes del arte barroco ha sido su capacidad para representar las emociones fuertes. Busca, en periódicos y revistas, imágenes
fotográficas donde se representen, con intención “sensasionalista” o no, imágenes con contenido emocional fuerte. Realiza con ellas una galería acompañada
de obras barrocas que tengan motivos semejantes.
Historia del arte

Para recordar: Los inicios de la pintura moderna en Colombia
El arte colombiano de las décadas del “No hay deber en el arte, porque el arte es libre”. Wasilly Kandinsky
treinta y del cuarenta del siglo XX se
caracterizó por su interés en la
representación de situaciones
propias de la cultura colombiana y,
e n p a r t i c u l a r, p o r l a El modernismo en pintura es diferente Esto se ve muy claro en artistas que
representación de los paisajes del modernismo que se da también en la empiezan no sólo a desfigurar la
propios y por un interés literatura colombiana y latinoamericana. representación, sino que también
creciente en los Mientras el primero es un proceso de las mezclan los lenguajes del arte mo-
p r o b l e m a s décadas del cuarenta y del cincuenta, el segundo derno internacional con algunas
sociales y
se da a principios del siglo, fundamentalmente en la manifestaciones del arte popular o
polític
obra de José Asunción Silva y Guillermo Valencia. primitivo, hecho que se manifesta
en la obra de Sofía Urrutia.
Reconocemos como arte moderno en Colombia la actividad de Sofía Urrutia, Playa en el río Cauca, 1952
renovación de los lenguajes plásticos emprendida por artistas, como
Fernando Botero, Enrique Grau, Alejandro Obregón, Eduardo Ramírez
Villamizar, Guillermo Wiedemann y Edgar Negret, quienes incorporaron a su
trabajo las innovaciones plásticas de la vanguardia europea y estadouni-
dense, y las utilizaron para hablar en un lenguaje universal de las cuestiones
propias de la cultura colombiana.
Cada uno, a su manera,

desarrolló una
investigación formal que
le permitió trastocar
géneros como el paisaje,
la naturaleza muerta, el Carlos Correa, La anunciación, 1940 Enrique Grau, Mulata, 1940
retrato, incluso, la
pintura religiosa. Muchas de estas transformaciones, por supuesto, fueron controversiales,
como por ejemplo, La Anunciación de Carlos Correa, en la que la sociedad
de la época vio una especie de desafío a la religión y a las buenas
costumbres, pues un tema sacro se interpretaba de manera profana y, tal
vez, desafiante.
Carlos Correa, El carnaval, 1950
Historia del arte 89
90
Pero, sin lugar a duda, una de las artistas más avanzadas de la época es la
antioqueña Débora Arango, figura que pasó casi desapercibida para los
historiadores/as y críticos/as de arte moderno y que sólo fue valorada en En algunos de sus cuadros
toda su plenitud en los últimos años. Alumna de Pedro Nel Gómez, se ve a políticos de la época a
Débora Arango conoció de su maestro el interés por las temáticas sociales los que trata como figuras
y la inclinación por una figuración expresionista, que en la artista logra abyectas, que recuerdan ani-
niveles de excepcional intensidad. males como los simios, los
vampiros y los sapos.
Débora Arango, La salida de Laureano, s. f.
En su época, Débora Arango no fue completamente

reconocida, entre otras razones, por los prejuicios de
una sociedad que no permitía a artistas como ella
realizar una actividad crítica y desafiante, que
cuestionara no sólo el papel de la mujer en la sociedad
colombiana de su tiempo, sino también el del arte
como elemento fundamental de la experiencia social y
cultural de la nación.
Débora Arango, Montañas, s. f.
Débora Arango, Bailarina, 1986
Son frecuentes en ella los temas donde aborda bruscamente el cuerpo de la Los inicios del arte moderno en Colombia plantean, por primera vez, la
mujer, al que representa como objeto atormentado de vejación y persecución. posibilidad de que los artistas aborden la representación de la realidad
natural y cultural desde su perspectiva personal, sin responder a los estilos
Así mismo, son frecuentes los lienzos donde considera hechos históricos del oficialmente aceptados (academia) y sin la necesidad de que su crítica
país, en los que pone a prueba su capacidad para realizar una ácida crítica social se oriente a través de una manifestación política explícita.
política y social.
Historia del arte
Historia del arte
Temas propuestos
a. El desplazamiento
b. La desigualdad social
c. El trabajo infantil
d. La discriminación
Actividad: uno de los grandes temas que inspiraron a los artistas de inicios del modernismo Indicador de logro: asumo posiciones
fue la reinterpretación personal de la naturaleza y la cultura popular. Elige uno de los temas críticas frente a realidades sociales.
que aquí te proponemos y realiza una composición donde reflejes tu posición crítica como
91
artista colombiano/a que se ve afectado/a por la realidad de su país.
92
Visita un museo de tu ciudad y realiza un análisis sobre la manera como los y las artistas reflejaron su preocupación personal por los problemas sociales y
políticos. Escribe un comentario crítico en el que expreses tu opinión sobre lo visto, e ilústralo.
C o m e n t a r io
c r ít ic o :
Actividad sugerida: la investigación biográfica sobre un artista es muy interesante. Indaga en internet, libros, revistas de arte y
en diferentes fuentes bibliográficas, aspectos sobre la vida de uno de estos artistas: 1. Enrique Grau, 2. Guillermo Wiedemann.
Historia del arte
Para recordar: La pintura moderna
Los precursores de la pintura moderna en Colombia “No se trata de pintar la vida, sino de darle vida a la pintura”. Pierre Bonnard
lograron dos emancipaciones que cambiaron
completamente la fisonomía del arte colombiano. En
primer lugar, la pintura moderna en Colombia se libró
de la academia, que proponía un sistema único de Hacer que los paradigmas Los/las modernos/as, algunos de ellos/ellas
representación de la realidad. Y, en segundo lugar, mentales y culturales cam- figurativos/as, otros/as, abstraccionistas, bus-
permitió que los y las artistas no se sintieran bien no es un hecho fortuito. caban un sistema de representación autónomo,
obligados/as a abordar literalmente los proble- Es un proceso lento y comple- que no dependiera de la realidad externa para
mas sociales del país. Ambos hechos posi-
jo, en el que intervienen muchas ser valorado/a y admirado/a. Críticos/as como
bilitaron una práctica del arte autónoma y
coherente con la evolución del arte con-
personas e instituciones y que Marta Traba (una de las críticas de arte más
temporáneo internacional, lo cual se requiere de muchos esfuerzos. importantes de la historia del país) insistía en
reflejó en el reconocimiento que que el arte abstracto era tan complejo como el
En el arte, los cambios de paradigma,
muchos/as de estos/as artistas arte figurativo, puesto que el artista debía
recibieron y aún reciben
aunque pueden ser más acelerados, tam-
buscar una coherencia en los mismos elemen-
en el exterior. bién toman su tiempo. En Colombia, la moder-
tos plásticos: color, líneas y formas.
nización de las artes fue un proceso complejo y no Guillermo Widemann, La muerte, 1942
exento de discusiones y polémicas, entre los artistas y
En varios de estos casos, lo que la crítica valoraba en estos/as artistas era la
los/las críticos/as defensores/as del nuevo paradigma y
manera en que, pese a utilizar formas abstractas, lograban transmitir
aquellos y aquellas que insistían en una forma del arte nacionalista,
estados de ánimo y visiones personales sobre la realidad circundante. Así,
indigenista o incluso académica.
por ejemplo, lo vemos en el caso de Guillermo Wiedemann, un artista
emigrado de Alemania que captó el esplendor del trópico a través del uso de
colores estridentes y aplicados con exquisitez. En estas obras, puede verse
su paso de la figuración a la abstracción y luego al collage. Asimismo, lo
notamos en la obra de Enrique Grau, quien empieza a darle al género de la
naturaleza muerta un tratamiento muy personal y poético.
Guillermo Wiedemann, Palimeo, 1963 Enrique Grau, Elementos para un eclipse N. 1, 1957
Guillermo Wiedemann, Sin título, 1965
Historia del arte 93
94
En efecto, las palabras construcción y dinámica nos remiten a valores
estrictamente plásticos, en los que no interviene la realidad. Al/a la artista le
interesan los colores, las formas y el movimiento del ojo a través de la
Asimismo, encontramos un croma-
sensación dinámica que produce la composición. El arte elabora sus propias
tismo que se alinea alrededor de
reglas y se refiere sólo a sus propios problemas.
tonos cálidos y una estructura
Podríamos preguntarnos de qué manera un medio hasta cierto punto espacial que no es realista, puesto
conservador en materia artística vio estas manifestaciones que desafiaban que los distintos planos del cuadro
todas sus expectativas. A este respecto hay que decir que la crítica tuvo un nos muestran acciones que podrían
papel determinante para ayudar a que las personas comunes y corrientes estarse realizando en tiempos y
supieran en qué residía el valor estético de manifestaciones como las lugares distantes entre sí.
abstractas y accediera a contemplarlas y disfrutarlas.
El segundo cuadro pertenece a
Estas dos obras, una de Lucy Tejada y otra de Marco Ospina, pueden darnos Marco Ospina, uno de los primeros
una idea más o menos aproximada del panorama de los inicios de artistas que intentó introducir, en la
modernización del arte colombiano. En la primera de estas obras, pintura moderna colombiana, la
observamos varios elementos a tener en cuenta. En primer lugar, está el abstracción total, es decir, una
título, que nos remite a una especie de desprecio por el tema. En efecto, composición que no hiciera
Mujeres sin hacer nada parece referirse al hecho de que al/a la artista ya no referencia alguna respecto de la
le interesa referirse a un tema concreto, sino que este último es una especie realidad. Aunque ya en Europa y
de pretexto para crear cierta disposición plástica de elementos visuales. Estados Unidos la abstracción era
un lenguaje artístico aceptado por
todo el círculo del arte desde hacía
varias décadas, en Colombia esta
inclinación no se había manifestado
de manera directa. Ospina intenta,
en esta composición, ir más allá
incluso que Lucy Tejada, pues ya no
sólo evade el tema, sino que el título
mismo hace énfasis en los mismos
aspectos formales del cuadro.
Marco Ospina, Construcción dinámica, 1957
Lucy Tejada, Mujeres

sin hacer nada, 1957
Historia del arte
Historia del arte
Títulos optativos:
a. Fuerzas contradictorias
b. Depresión
c. Detrás de la luz perdida
d. Edificio inmaterial
e. La agonía y el éxtasis
f. Alegoría desbordada
Actividad: realiza una composición abstracta, no figurativa, en la que representes un estado de Indicador de logro: aplico es-
ánimo o sensación. Aquí te damos una lista de títulos optativos para que hagas tu composición con trategias plásticas de la pintura
95
la técnica gráfica o pictórica que prefieras. Elige aquel que te suscite la mejor composición abstracta. moderna colombiana.
96
Analiza los estados de ánimo y las visiones de la realidad que nos ofrecen estas obras abstractas de la pintura moderna colombiana, invéntales un título y
hazles un comentario. Socializa tus comentarios con tus compañeros/as de clase.
Eduardo Ramírez Villamizar, 1959
Armando Villegas, 1958 María Teresa Negreiros, 1962

Título: Título: Título:
Comentario: Comentario: Comentario:
Actividad sugerida: realiza una visita a un museo y busca pinturas abstractas; discute con tus compañeros/as
de clase el posible significado de estas obras y el estado de ánimo que generan en el/la espectador/a.
Historia del arte
Eje temático 11
Modalidades artísticas
La música, la danza y el teatro son formas de expresión artísticas

que posibilitan al ser humano tener experiencias sensibles de sí
mismos y del mundo que les rodea. Estas modalidades permiten
que nos expresemos con nuestro cuerpo: gestos, miradas,
sonrisas, tonos de voz, volumen, posturas corporales, manejo de
los espacios y las distancias. Ritmos y melodías, y represen-
taciones dramáticas que cobran sentido cuando expresamos,
comunicamos y representamos con nuestro cuerpo.
Objetivo: comprender la importancia de la música y la danza

como representaciones sensibles.
Énfasis de competencias: expresiva, creativa y social.
Interdisciplinariedad : música, danza, teatro y artes visuales.

Tipos de pensamiento: simbólico, creativo, crítico y social.
Referencias Imágenes de arriba a abajo:

Juanes, Mi sangre, 2004
Foto de John Ross, Pina BauschNelken, 2005
Charles Chaplin y Merna Kennedy en una escena de El Circo, 1928
97
98
Para recordar: Grandes personajes de la música
Los instrumentos folclóricos pertenecen a un “La música permite entender que está pensando cada cultura”. Anónimo
país o cultura determinada, lo que genera que
el conocimiento de su técnica, registro sonoro
y demás elementos de funcionamiento sean
tan específicos que, para interpretarlo, se
requiera de academias especializadas o
de aprenderlo a tocar en sus lugares de
origen. El guitarrista flamenco espa-
ñol, Paco de Lucia, es uno de los
grandes personajes de la
música, reconocido por la
interpretación de la gui-
tarra flamenca.
Grandes personajes de la música
La historia de la música siempre ha contado con grandes

personajes que la han ayudado a transformarse a medida que
pasa el tiempo, ya que, según la época, la música ha tenido unos
fines específicos. Por ejemplo, en Occidente, en la Edad Media,
la música tenía una gran relación con la Iglesia católica; en el
Barroco, la música fue considerada por algunos autores como
demasiado exuberante y algo grotesca; en el periodo Clásico se
dio paso a la perfección y equilibrio entre forma y contenido
musical. En el Romanticismo, primó el sentir de cada individuo.
Así, poco a poco llegamos a lo que es la música hoy, un lenguaje
que permite expresar, transformar y comunicar todo lo que somos
y queremos y que es representada, en su momento, por grandes
personajes.
Kurt Cobain
Elvis Presley
Bob Marly ¿Cuál fue su aporte y por qué consideras
Beethoven que fue importante para la música?
Toto la Momposina
Mozart
Carlos Gardel
Michael Jackson
Petrona Martínez
Carlos Vives
Celia Cruz
Daddy Yankee
Vicente Fernández
Shakira
Madona
Sean Paul
Charly García
Silvio Rodríguez
Juanes
John Lennon
Eminem
Rubén Blades
Pérez Prado
Otro
Actividad: los personajes que arriba se mencionan, ayudaron a transformar la música. Elige uno Indicador de logro: reconozco algunos persona-
de ellos y teniendo en cuenta la técnica del óleo pastel, realiza el dibujo de su rostro y de algo jes importantes en la historia universal de la
99
que lo caracterice (puede ser un símbolo). Consulta cuál fue su aporte en el ámbito musical. música y su contribución al mundo del arte.
100
Realiza un trabajo artístico del personaje que elegiste, el cual puede ser físico, como un álbum, un afiche informativo o un escrito digital, como una página
web, un blog, una presentación en Power Point, y compártelo con tus compañeros/as y tu profesor/a.
Para recordar: El hip hop
En las calles de las ciudades se ha dado origen a “Danzar es pensamiento en movimiento”. Tito Fernández
movimientos culturales que traen consigo más
que un estilo de vida que traspasa las barreras
culturales de los países, un interés particular de
ver el mundo a través de la música, la plástica
y la misma danza. El hip hop es una muestra
de esas expresiones que se han construido
en las calles de las grandes urbes y que,
por su aporte al enriquecimiento de otros
géneros artísticos, puede considerarse
como un espectáculo en el que la
plástica, la música y el baile
conjugan los elementos Mucho se ha hablado del hip hop,
necesarios de toda una
pero pocos son los que saben que tras
puesta escénica.
este término no sólo se encuentra la
creación musical (el rap), sino que también es
de vital importancia el baile y el arte plástico. El hip
hop es un movimiento cultural surgido a principios de
1970 en las comunidades hispanoaméricanas y afroamericanas El Breakdancing o (BBoying): es la danza con movimientos acrobáticos,
de los barrios neoyorkinos de Bronx, Queens y Brooklyn. La concepción algunos retomados de las danzas ancestrales africanas, la gimnasia olímpica,
clásica del hip hop se centra en la existencia de cuatro aspectos o "pilares" las artes marciales, incluso la capoeira. El breakdance se constituye de varios
de esta cultura: estilos o ramas, que dotan esta danza de una diversidad y un mundo de
posibilidades para la invención de movimientos y pasos. Algunos de los estilos
El MCing (o rapping): elemento de la cultura hip hop, que encierra el rap son: el old style breaking, consiste en juegos rítmicos y enredados de los pies,
como género y música. Implica la producción creativa contextualizada. en las figuras congeladas del cuerpo, donde juega la fuerza y el equilibrio. El
new style breaking es el estilo que encierra los giros o movimientos fuertes,
El DJing (o turntablism), deejay o Dj: es el elemento constituido de la
rítmicos también conocidos como power moves; los más representativos son
cultura hip hop. Equivocadamente se confunde con el disc jockey de las
los giros en la cabeza, en la espalda y en los hombros.
emisoras, pero es mucho más que eso: el Dj cumple con las funciones de
productor musical, dinamiza las fiestas con nuevas creaciones y mezcla Los B.Boy o B.Girl es la denominación con la cual se reconoce a los/las
cazando el beat apropiado en los vinilos, generando estados de ánimo. En bailarines/as de break dance. Alude a la manera como Dj Koll Herc nombró a
los conciertos o show de Dj se enlazan los beats o bases musicales de rap los bailarines de las pausas o intermedios musicales en las primeras fiestas de
y con sus tornamesas maneja efectos como el scratch o arañado; utilizan hip hop, breakboy y breakgirl. Otra connotación tiene que ver con el diminutivo
los samplers o fragmentos de otras músicas. El conjunto de trucos es de breakdancer o persona, hombre o mujer del beat o la danza break.
denominado beat junkies.
Modalidades artísticas 101
102
El graffiti es la principal expresión del hip hop en las artes plásticas.
Consiste en firmar con rotulador o pintar con pintura en aerosol sobre
superficies urbanas como muros de cualquier material, así como
trenes, puertas, mobiliario urbano, entre otros. Lo más común es que
los/as artistas grafiteros/as dediquen sus obras a pintar su nombre. La
estética del graffiti ha influido en la historieta (como en las tiras de The
Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos.
Hay quienes dan la misma importancia a otros "pilares",

como el beatboxing, el activismo político, el diseño de ropa,
el de complementos, entre otros.
Actividad: de acuerdo con las imágenes de graffiti del contenido, diseña un boceto para Indicador de logro: diseño el boceto de un graffiti.
un graffiti. Ten en cuenta comunicar un mensaje de protesta en contra de la violencia. 103
104
Organiza con tus compañeros/as tres equipos, con el mismo número de personas, para hacer una intervención en un espacio de la institución
educativa de la siguiente manera:
Equipo uno: responsables de gestionar un espacio de la institución y

de encargarse de que todos/as los/las compañeros/as del curso
entreguen el graffitti realizado en la actividad principal, para hacer
un mural con los trabajos seleccionados por el grupo.
Equipo dos: a partir de videos o de la colaboración de personas que
practiquen el hip hop, montar una coreografía sencilla.
Equipo tres: conseguir prendas de vestir, música y demás elementos
característicos de esta expresión artística urbana.
Equipo cuatro: hacer un plegable con los aspectos más importantes
de esta cultura urbana, para repartirlos a compañeros/as de otros
cursos.
Una vez todos los equipos estén preparados, según la orientación
del/de la docente, intervenir un espacio de la institución con el
mural, la coreografía y la explicación del trabajo a los demás cursos a
través de los plegables.
Eje temático 12
Apreciación artística
Hacia una lectura visual significativa

En el desarrollo de una lectura visual es importante determinar los datos
básicos o explícitos de la imagen u obra de arte, como por ejemplo: quién
es el autor, de qué país es, en qué año la realizó, en qué técnica, las
dimensiones de la obra, la teoría del color aplicada, la ideología estética y
política del/de la artista, los elementos de composición y su peso visual.
Tipos de imágenes
En la percepción del mundo visual que nos rodea, se puede hacer la
siguiente clasificación:
Imagen descriptiva: presenta a un objeto o realidad como es físicamente;
por ejemplo, la fotografía de un auditorio vacío o tu foto de identidad.
Imagen expresiva: genera impacto en el/la observador o receptor/a,
expresa emociones y permite manifestar sentimientos. A este grupo de
imágenes pertenecen las obras de arte y las fotografías documentales,
entre otras. Los noticieros de televisión, la radio, las revistas y la prensa,
también utilizan con frecuencia este tipo de imágenes.
Imagen simbólica: todo tipo de señales, signos y símbolos. Objetivo: aplicar procesos de lectura visual y audiovisual a
las imágenes u obras de arte que nos interpelan.
Imagen construccional o estructural: permite apreciar el todo con las
partes de una imagen, indicando el nombre de las mismas. Énfasis de competencias: perceptiva e ideológica.
Imagen funcional: permite observar el proceso de evolución o desarrollo, Interdisciplinariedad: lengua castellana, sociales y filosofía.
paso a paso, de cualquier tipo de realidad.
Tipos de pensamiento: creativo, crítico, simbólico, social,
Imagen algorítmica: se refiere al manejo de todo tipo de gráficos con- visual, analítico y conceptual.
ceptuales.
105
106
Para recordar: Lectura visual objetiva y subjetiva
“El arte es la más hermosa de todas las mentiras”. Claude Debussy
Realizar procesos de apreciación artís-
tica o de lectura visual, permite ¿Qué inspiró esta obra?
observar aguzadamente, interpre- Mondrian se inspira directa-
tar y analizar una imagen. Es mente en la ciudad, en el
importante recordar que Antecedentes (contexto): en esta fecha, callejero rectilíneo de Man-
Armonía cromática predominante:
existen diferentes en la que Mondrian pinta esta obra, él hattan, y los combina con
colores primarios.
enfoques en el se traslada a Nueva York, después de los ritmos de jazz, que era el
momento de su dos años de experimentar con una ritmo musical que predomi-
aplicación cuadrícula negra, fondo blanco y colores naba en Nueva York por
. primarios. En este contexto, cambia de esos tiempos.
rumbo y llega a la realización de esta
obra.
Ficha de lectura
Aportes de esta obra:
Autor: Piet Mondrian
Propone un nuevo arte ra-
Título: Broadway Boogie Woogie cional sin necesidad de la
Técnica: óleo sobre lienzo ¿Qué significa esta obra en el
neoplasticismo? descripción explícita y del
Datación: 1942-1943 uso del figurativismo o del
Un cambio de rumbo, una mutación
Dimensiones: 127 x 127 cm realismo.
tardía de este estilo. Le da un nuevo
giro, un nuevo enfoque al neoplas- Aporta ingenio, creatividad
ticismo, le incluye ritmo y lo libera de y seguridad en la intención
Tendencia artística: neoplasticismo. sus restricciones. del arte abstracto.
Es un término acuñado por Piet Mondrian
para referirse a la austera abstracción
geométrica de las formas de las obras Elementos de composición:
realizadas por él en esta línea.
Patrón: (los cuadrados, los rec-
Época: siglo XX. 1942-1943 tángulos, el color amarillo, el azul
Vanguardias y el rojo se repiten; esto hace que
Características: gran pureza plástica, sean un patrón).
composiciones rectilíneas y uso cons- Una frase significativa y coherente con
el estilo e ideología de Piet Mondrian: Ritmo: las figuras geométricas y
tante de colores primarios.
si el arte va a ser una realidad viva para los colores se intercalan entre sí.
el hombre moderno, tiene que ser una Contraste: en los tamaños de las
Lugar donde se encuentra la obra:
Código: pintura expresión pura de la nueva conciencia figuras geométricas y en el cambio
Museo de Arte Moderno de Nueva brusco de los colores amarillo,
de la época.
York, Estados Unidos. azul, rojo y fondo blanco.
Sub-código: óleo sobre lienzo
Actividad: aprendiendo a conocerme. En el centro del cuadro, haz tu propio diseño u obra de arte
a color y aplica el método de lectura visual aquí estudiado. La idea es que hables de tu contexto
como artista, de tus intenciones simbólicas en la obra, posibles críticas, reflexiones, ideología o Indicador de logro: aplico ejercicios de lectura
alegoría que se reflejan en tu obra. En los antecedentes, comenta sobre tu experiencia en el área visual a mis propias composiciones.
de educación artística en el colegio; en el contexto, escribe sobre el estado emocional en el que te 107
encuentras, además de la situación social y política por la cual atraviesa tu país, ciudad o región.
108
Para recordar: Apreciación cinematográfica
Un género cinematográfico es "El arte es el reflejo del mundo. Si el mundo es horrible, el reflejo también lo es". Paul Verhoeven
la manera en la que se puede
clasificar el contenido te-
mático y el desarrollo
del mismo dentro de
una película.
Desde sus inicios, el cine clasificaba en los géneros sólo los
aspectos básicos de las películas, centrándose en cuestiones
de ritmo y estilo del argumento; o sea, de la historia. La razón e
importancia que estos elementos tienen radica en que despiertan o
provocan algún tipo de sentimiento en quien observa.
Las películas se clasifican según el argumento, en:
1. Comedia: plantea y desarrolla situaciones que buscan provocar risa en los/las
espectadores/as.
2. Suspenso: también conocido como suspense. Es el cine que crea situaciones
de tensión. En muchas ocasiones están relacionadas con asesinatos, hechos no
esclarecidos que los personajes van revelando durante el desarrollo de la película.
3. Terror: crea atmósferas en las que se siente y desarrolla el miedo en los/las
espectadores/as. Caracterizado por claroscuros, sombras y siluetas que no dejan
descubrir al personaje antagónico de la historia.
4. Drama: este género es el que más verosimilitud tiene con la vida real. Muestra
situaciones cotidianas, generalmente con grandes desgracias, desdichas y
desilusiones, que generan, en el/la espectador/a, la sensación de sufrimiento por
la que pasó el personaje, sintiéndose en ocasiones identificado con él.
5. Cine negro: se caracteriza por situaciones dramáticas con tendencia al
existencialismo y el nihilismo.
6. Cine de misterio: se relaciona con el género de suspenso. Su diferencia radica
en que las situaciones problemáticas se desarrollan y solucionan paso a paso, con
una serie de pistas que se encuentran y esclarecen.
7. Cine romántico: crea atmosferas donde el amor, la pasión y los momentos
altamente emotivos se encuentran a lo largo de toda la película.
8. Aventura: se mezclan situaciones heroicas desarrolladas por el personaje
principal. Momentos de peligro y riesgo, persecuciones y espectaculares
huidas, todo con un toque de fantasía.
9. Acción: los estereotipos de este género son muy particulares y se rigen por
la contienda entre un personaje malo en contra de uno bueno, la lucha
prolongada entre éstos donde el daño hecho al rival, sus familiares, amigos o
pertenencias es lo que desencadena la sed de venganza, la cual prolonga la
lucha hasta el final mediante la violencia y la fuerza física.
El cine comenzó a desarrollar un sinnúmero de técnicas que mejoraron
considerablemente su contenido, y esto llevó a que fuera necesario tener en
cuenta nuevos aspectos para poder clasificar las películas por géneros, los
cuales podemos resumir en ambientación y audiencia.
1. Deportivo: historias que giran en torno a la práctica de algún deporte. No
sólo se habla de la vida de un deportista o sus hazañas, sino también de sus
testimonios.
2. Bélico: historias recreadas en el campo de batalla, donde se desarrollan las
historias ocurridas en ese contexto.
3. Del oeste: también conocido como western. Son las películas que tratan
temas y situaciones que tuvieron lugar en el Oeste de Estados Unidos desde la
época colonial hasta la moderna. Reconocida por sus vaqueros/as, pueblos
fantasmas, bandidos/as a caballo, indios/as aborígenes, entre otros.
4. Policiaco: es la eterna lucha de las organizaciones del bien en contra de las
del mal: gángsteres, traficantes, estafadores y asesinos, perseguidos por la
policía, los agentes federales o los investigadores privados.
5. Ficción: ubica a sus personajes en lugares y situaciones salidas de la
imaginación.
Apreciación artística 109

110
Por último, tenemos la clasificación por audiencia. Aquí se mira si el contenido película.
global de la película es apto para un público infantil, familiar o adulto. Las
características de estos tres grupos son: 4. “R”: público restringido para menores de 17 años, se recomienda
el acompañamiento de los padres, madres o un/a adulto/a
1. Infantil: películas pensadas para los niños y las niñas. Sus contenidos no responsable. Estas películas tratan temas para personas adultas,
tratan temas que para los/las más pequeños/as signifiquen un trabajo complejo llegando a tocar la sensibilidad de los mismos; por tal, su contenido
de asimilación. No hay palabras ni escenas fuera de los parámetros de entendi- no es apto para adolecentes o niños/as. Se pueden exponer
miento de los mismos. situaciones de sexo y violencia, pero sin detalles.
2. Familiar: aptas para personas de todas las edades. Sus palabras y situa- 5. “NC 17”: restringido para menores de 17 años. Son materiales
ciones pueden ser interpretadas por todos y todas, aunque convencionalmente con alto contenido de palabras obscenas y groseras, hay un uso
estas películas buscan a la población joven.
3. Adultos: contiene palabras de la realidad cotidiana y según un contexto
social para este tipo de público. Generalmente tienen imágenes de violencia y
sexo explícito. Sus tramas giran en torno a temas inquietantes y complejos para
los y las jóvenes y los/las niños/as.
La Asociación Cinematográfica de los Estados Unidos (M.P.A.A. Motion Picture
Association of America). Conformada por las productoras de cine más grandes
y reconocidas de este país, como lo son la Sony Pictures, Paramount Pictures,
20th Century Fox, Buena Vista, Universal Estudios y Warner Bros. Ellos, en
defensa de la producción cinematográfica estadounidense y sobre todo de sus
espectadores/as, desarrollaron y adaptaron un sistema de calificación y clasifi-
cación de contenidos por audiencias:
1. “G”: público en general. Apto para todas las audiencias. Admite todas las
edades.
2. “PG”: a las películas con esta calificación se les permite contener palabras
que expresan groserías, escenas de violencia y pueden tener escenas con
desnudos leves, nunca de sexo explícito.
3. “PG 13”: en ellas se observan escenas donde se muestra el uso de drogas,
palabras obscenas y groseras, sin llegar a ser el centro de atención de la
Actividad: tres películas colombianas, son: 1. El Colombian Dream, de Felipe Aljure; 2. Satanás,
de Andrés Baiz; 3. La sombra del caminante, de Ciro Guerra. Conforma un equipo no mayor a 5
personas y decidan cuál de estas tres películas colombianas van a analizar. El objetivo, después Indicador de logro: identifico los mecanismos
de observarla, es comprender las características que posee esta película para poder pertenecer a que utiliza el cine para clasificar sus películas
un determinado género. Toma los elementos técnicos básicos del argumento, pero no dejes de en los diferentes géneros cinematográficos.
tener en cuenta los factores que intervienen en la clasificación por ambientación y por audiencia,
realiza una crítica propositiva con base en el filme. Compártela con tus compañeros/as de clase. 111
112
Clasifica tres películas por género. Te sugerimos que consigas este filme: Metropolis. Las dos últimas películas por clasificar las propones tú. Llena las
siguientes fichas con los datos de cada película y expón ante tus compañeros/as las razones por las cuales llegaste a la conclusión de ese género para cada
una de ellas.
Título: Director:
Año: Género:
Sinopsis:
Título: Metrópolis Director: fritz lang
Año: Género:
Sinopsis:
Título: Director:
Año: Género:
Sinopsis:
Actividad sugerida: con un grupo de

compañeros/as, escribe una historia
para ser desarrollada audiovisualmente,
teniendo en cuenta los elementos estu-
diados en el contenido de “Apreciación
cinematográfica”.
1 Redacta una actividad que implique el desarrollo de una composición artística
aplicando elementos de composición, teoría del color y un movimiento artístico
de la historia del arte. Finalmente, resuélvela en el espacio dado.
113
114
2 Elige una pintura, una escultura o una película y aplícale un ejercicio de lectura visual o audiovisual.
Valoración de procesos
1 Elige un/a artista estudiado en cada uno de los ejes temáticos abordados, y escribe el nombre de alguna de sus obras más representativas.
Teoría del color
Sistemas de representación
y técnicas artísticas
Estilos, movimientos, escuelas

y tendencias artísticas
Figura humana
Perspectiva
Historia del arte
115
116
Valoración de procesos
2 Completa los espacios de acuerdo con la información requerida: concepto 3 Marca la respuesta correcta:
o significado:
Concepto Significado
El lenguaje del diseño gráfico consta de tres partes
fundamentales:
A. La forma, el color y el concepto

El barroco
B. El color, el fondo y el método.
C. El método, la forma y el color.
Consiste en combinar, cruzar, relacionar y D. La simetría, asimetría y movimiento.

juntar ideas, elementos y conceptos que
permiten dar origen a otra idea.
Simetría es:
El arte óptico (Op Art) A. Correspondencia de las partes de un todo, en cuanto

a forma, tamaño y posición.
B. Selección personal de una posición o detalles.
C. Una obra o imagen formada por más de tres partes.

Esta técnica permite el uso de acuarelas,
acrílicos, témperas, óleos, tanto sólidos
como líquidos o grasos, entre otros.
Índice curricular
Énfasis de Tipos de
Eje temático Objetivo Interdisciplinariedad Temas Indicador de logro
competencias pensamiento
1. Creatividad, Realizar composiciones a partir de los métodos Creativa y Todas las áreas del Creativo, Métodos para el Realizo composiciones artísticas aplicando la
diseño y expresión. de desarrollo de pensamiento creativo y los expresiva. conocimiento conceptual, técnico desarrollo técnica de las asociaciones forzadas.
fundamentos básicos del diseño gráfico. y nocional. delpensamiento
creativo: analógico,
antitético y aleatorio
El diseño gráfico Realizo propuestas de diseño gráfico a partir de:

forma, color, concepto, maquetación y tipografía.
2. El arte de la Diseñar composiciones artísticas creativas con Perceptiva Artes visuales, Conceptual, espacial Los polípticos Realizo una composición artística en formato políptico.
composición. el formato políptico y las ilusiones ópticas. y técnica. publicidad y diseño. y creativo.
Ilusiones ópticas Elaboro composiciones ópticas, combinando
elementos compositivos.
Elementos de la Aplico elementos del arte de la composición en
composición un formato políptico.
3. Teoría del color. Experimentar con la riqueza cromática y Perceptiva, Artes visuales, plástica, Nocional, Los colores pardos, Diseño tribales a partir de las formas de la
simbólica del universo de los colores. técnica y publicidad y diseño. técnico, creativo ocres o cuaternarios naturaleza y aplico en ellos colores cuaternarios.
expresiva. y visual.
Colores aditivos y Experimento el proceso de síntesis sustractiva y
sustractivos síntesis aditiva mediante un ejercicio práctico.
4. Géneros Desarrollar composiciones alegóricas y Perceptiva, Artes visuales, Simbólico, Alegoría Represento ideas a partir de imágenes alegóricas.
artísticos. representaciones del desnudo femenino y ideológica y publicidad y literatura. conceptual,
masculino. creativa. nocional y Desnudo femenino Identifico diferentes formas de aplicación del
y masculino clásico,
técnico. desnudo femenino y masculino .
moderno y
contemporáneo
5. Sistemas de Experimentar composiciones artísticas en Técnica y Artes visuales, diseño Conceptual, El óleo pastel Represento en imágenes, un fragmento literario y
representación diferentes sistemas de representación y creativa. y publicidad. simbólico y aplico, en éste, la técnica del óleo pastel.
y técnicas técnicas artísticas. técnico.
artísticas. El óleo Aplico la técnica del óleo en una composición artística.
Taller de bastidores Sigo indicaciones para la elaboración de un bastidor.
para la pintura al óleo
6. Estilos, Realizar composiciones artísticas, aplicando Perceptiva, Artes visuales, Técnico, creativo y Expresionismo Compongo a partir de imágenes informalistas.
movimientos, los conceptos básicos de algunos movimientos ideológica y literatura, publicidad conceptual. abstracto e
escuelas y y tendencias artísticas. técnica. y diseño. informalismo
tendencias
artísticas.
117
118
Énfasis de Tipos de
Eje temático Objetivo Interdisciplinariedad Temas Indicador de logro
competencias pensamiento
Art povera, Realizo una composición artística con materiales

nuevo realismo y pobres o de desecho.
assamblage
Comprender la figura humana como un todo Perceptiva y Artes visuales, diseño, Crítico, social Estudio de la figura Represento un mensaje social y crítico, a partir de
7. Figura humana expresivo y multidimensional. creativa. publicidad y todas las y creativo. humana desde la la figura humana.
profesiones relacionadas con imagen publicitaria
la comprensión del cuerpo,
como por ejemplo, el ámbito
de la salud.
8. Perspectiva Desarrollar composiciones artísticas aplicando Perceptiva y Artes visuales, publicidad, Creativo y Perspectiva aérea Grafico objetos y espacios en perspectiva aérea,
los principios básicos de la perspectiva aérea. creativa. arquitectura e ingenierías. técnico. empleando elementos clave para su construcción.
9. Disfrutando la Comprender la importancia de la narrativa Perceptiva, Historia y literatura. Creativo, conceptual Des-enredando Realizo un collage a partir del capítulo 68 de la
literatura como dimensión mágica que recrea la realidad. expresiva y y visual. la lengua novela de Julio Cortázar Rayuela.
creativa.
10. Historia Comprender la importancia de la historia del arte Perceptiva e Antropología, historia Visual, creativo, El Barroco Reconozco y aplico diferentes procedimientos que
del arte como necesidad de expresión, comunicación y ideológica. y literatura. crítico, nocional, intervienen en la configuración de la imagen barroca.
representación de los seres humanos. técnico y
conceptual. Los inicios de la Asumo posiciones críticas frente a realidades
pintura moderna sociales.
en Colombia
La pintura moderna Aplico estrategias plásticas de la pintura moderna
colombiana.
11. Modalidades Comprender la importancia de la música y la Expresiva, Música, danza, teatro Simbólico, creativo, Grandes personajes Reconozco algunos personajes importantes en la
artísticas danza como representaciones sensibles. creativa y social. y artes visuales. crítico y social. de la música historia universal de la música y su contribución al
mundo del arte.
El hip hop Diseño el boceto de un graffiti.
12. Apreciación Aplicar procesos de lectura visual y audiovisual a Perceptiva e Lengua castellana, Creativo, crítico, Lectura visual Aplico ejercicios de lectura visual a mis propias
artística las imágenes u obras de arte que nos interpelan. ideológica. sociales y filosofía. simbólico, social, objetiva y composiciones.
visual, analítico y subjetiva
conceptual.
Apreciación Identifico los mecanismos que utiliza el cine para
cinematográfica clasificar sus películas en los diferentes géneros
cinematográficos.
120
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fiori.jpg
images/ed48/cine-espanol5.jpg

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Presentación

Así es Creación artística............................................................ 5 Actividad sugerida…………………………...……………………….. 30

Valoración creativa……………………………………..…………….. 63 La pintura moderna en México.................................................... 93

Eje temático 9: disfrutando la literatura……………………………...........77 Eje temática 12: apreciación artística......................................................105

2. El desarrollo de competencias para la comprensión, el análisis, la reflexión y la crítica, mediante la

Para experimentar la creatividad y ser reconocido como sujeto creativo no

Objetivo: realizar composiciones a partir de los métodos de desarrollo

Énfasis de competencias: creativa y expresiva.

Interdisciplinariedad: todas las áreas del conocimiento.

Tipos de pensamiento: creativo, conceptual, técnico y nocional.

El método analógico: apunta a los procesos de Interpretemos las asociaciones forzadas

Técnicas para el desarrollo del pensamiento creativo

Técnicas del método analógico: el euridrama, soñar despierto, entre otras.

Técnicas del método antitético: check list o quebrantamiento, el brainstor-

Técnicas del método aleatorio: asociaciones forzadas, ideogramación,

Creatividad, diseño y expresión

Creatividad, diseño y expresión 11

La tipografía, al igual que el color y otros elementos del diseño, pueden

Concepto planteado en el diseño gráfico:

Público al que va dirigida la propuesta gráfica:

Tipo y estilo de maquetación:

Simbología del color:

Simetría Asimetría Patrón Contraste Encuadre Formatos

Correspondencia Ausencia de Elemento que Contraposición o Espacio

Al igual que los dípticos

Otros/as artistas combinan colores y patrones de repetición para producir

Bridget Riley, Hacia adentro, 1964

Ley de proximidad: se perciben agrupados los

Ley de simplicidad: al observar una figura, la

Ley de similitud: se tiende a percibir agrupados,

Ley de figura y fondo: en esta figura se pre-

La composición contiene elementos que son la Punto y línea

Algunos elementos compositivos son:

Línea: se relaciona con la trayectoria seguida por un punto en movimiento.

Simetría: se refiere a la correspondencia de las partes de un todo, en cuanto

Asimetría: contrario a la simetría; no hay correspondencia en proporción de

Hokusai, La gran ola, 1830

Objetivo: experimentar con la riqueza cromática y simbólica del universo

Cómo obtener una gama de colores

Descomposición de la luz solar

Luz Blanca Prisma

Color luz (síntesis aditiva) Color pigmento (síntesis sustractiva)

Teoría del color

Ubica un prisma sobre la

Salvador Dalí, Mercado de esclavos y el busto de Voltaire desapareciendo, 1940

¿Cuáles son las figuras escondidas?

3 Relaciona el significado de la izquier-

Frédéric Bazille, Aigues-Mortes, 1867

del desnudo femenino y masculino.

Eugene Delacroix, La libertad guiando al pueblo, 1830

En el romanticismo, una imagen alegórica reconocida fue la expuesta

El Bosco, El jardín de las delicias (fragmento), 1504

Pablo Picasso, Mujer desnuda acostada, 1967

En el período contemporáneo, el cuerpo es soporte para el arte. Así, el

Francisco de Goya y Lucientes, Maja desnuda, 1800

En el período moderno se destacan los múltiples movimientos artísticos,

Egon Schiele, Sommet de

Francisco Bayeu y Subías, Cautivo desnudo, 1779

- En ocasiones se recomienda trazar un boceto con lápiz y luego

Partiendo de allá y caminando tres

Sistemas de representación y técnicas artísticas

siglo XIX, pudieron reemplazar o sustituir las bolsas de tripa de carnero

- Limpieza de los pinceles: a menos que se empiece otro cuadro, los