Música Clásica Del Siglo XX

13/5/2019 Música clásica del siglo XX - Wikipedia, la enciclopedia libre
Música clásica del siglo XX

La música clásica del siglo XX (también llamada música culta,
académica, erudita, contemporánea, docta o seria) fue Historia de la música
extremadamente diversa. Comenzó con la continuación de los movimientos
vigentes a finales del siglo XIX tales como el estilo romántico tardío y Música en la Historia antigua
(hace 50 000 años-500 d. C.)
posromántico de Serguéi Rajmáninov, Gustav Mahler y Richard Strauss, el
impresionismo de Claude Debussy y Maurice Ravel, y los fervores del Música en la Prehistoria
nacionalismo en Latinoamérica, Norteamérica, y Europa fuera de Música en la Antigüedad
Alemania, Francia, e Italia que dominaron por siglos la cultura musical del
Música antigua
continente. (500-1600)
A partir de la segunda década del siglo, la forma y lugar que había ocupado Música de la Edad Media
la música durante los pasados tres siglos en la sociedad y para darle un Música del Renacimiento
toque mas moderno utilizaron todo tipo de escalas exóticas y así cambiaron Período de la práctica común
para siempre con la irrupción del modernismo musical, dando fin al (1600-1910)
período conocido como práctica común, y entrando en una nueva era Música del Barroco
musical de constante búsqueda de lo original, rompiendo Música del Clasicismo
permanentemente con la tradición. Esto generó una enorme diversidad de Música del Romanticismo
géneros y movimientos de difícil categorización y definición, lo que hacia el Música del impresionismo
último cuarto del siglo, luego de la decadencia de los ideales de la
modernidad, dio paso a la música contemporánea, siendo cada vez más Período moderno y contemporáneo
(1910-presente)
compleja su diferenciación de otras músicas como el jazz o el art rock,
Música modernista
debido a la creciente globalización y masificación de los medios de
Jazz
comunicación y de la cultura popular.
Música popular
Música contemporánea
Vivimos en un tiempo en el que creo que no hay una corriente
principal, sino muchas corrientes, o incluso, si se quiere pensar
Este artículo forma parte de la categoría:
en un río de tiempo, que hemos llegado a un delta, puede que Historia de la música
incluso más allá de un delta, a un océano que se extiende hasta
el cielo. Véase también: Portal:Música
John Cage, 1992.1
Índice
Reseña
Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)
Nacionalismo
Post-Romanticismo
Impresionismo
Modernismo (1910 - 1975)
Futurismo
Crisis de la tonalidad y atonalismo
Primitivismo
Microtonalismo
Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Música_clásica_del_siglo_XX 1/19
Neoclasicismo
Música electrónica y concreta
Música aleatoria y vanguardismo radical
Micropolifonía y masas sonoras
Minimalismo
Influencias del jazz
Música cinematográfica
Música contemporánea (1975 - actualidad)
Nacimiento del posmodernismo
Poliestilismo
Nueva simplicidad
Espectralismo
Libre improvisación
Nueva complejidad
Arte sonoro
Música contemporánea latinoamericana
Otros estilos y conceptos musicales
Véase también
Enlaces externos
Editoriales
Referencias
Reseña
En un principio la música siguió su práctica común, a partir de 1910 tomó diversos caminos de alejamiento del sistema
tonal que ya venían observándose desde finales del siglo pasado con un uso cada vez más extendido del cromatismo. A
partir del inicio del modernismo se dio paso al atonalismo y la experimentación, llegando a mundos sonoros tan
distantes y diversos como el primitivismo de Igor Stravinsky y Bela Bartok, el dodecafonismo de Arnold Schoenberg
noriega y sus pupilos, la música microtonal adoptada por Charles Ives, Julian Carrillo y otros, el neoclasicismo de
Dimitri Shostakovich y Sergéi Prokófiev durante el realismo socialista en la Unión Soviética, la música concreta de
Pierre Schaeffer y Edgar Varèse, el serialismo integral de Olivier Messiaen, Pierre Boulez, y Luciano Berio entre otros,
la música aleatoria de John Cage, el experimentalismo de Karlheinz Stockhausen, la micropolifonía de György Ligeti y
Krzysztof Penderecki, o la repetición de notas de los compositores minimalistas como Steve Reich y Philip Glass, y un
sin número de movimientos y compositores que se movían en nuevos estilos de forma simultanea.
El siglo XX fue también una época en la que los avances tecnológicos como la grabación y la radiodifusión cambiaron
las relaciones sociales y económicas inherentes a la música. Una persona del siglo XX en el mundo industrializado
tuvo acceso al gramófono para la reproducción de música grabada en discos, la radio, la televisión y, más tarde, a la
música digital con los discos compactos. El cine también tuvo un impacto importante en la música y la cultura a partir
de los años 30', con compositores tales como Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold, Alfred Newman, Bernard
Herrmann, Ennio Morricone, Jerry Goldsmith, y John Williams quienes trabajaron en diversos estilo, gruesamente
catalogados dentro del neorromanticismo.
A mediados de los años setenta se considera el fin del modernismo musical, gracias a la decadencia de sus valores y los
cambios socioculturales de la globalización y los medios de comunicación de masas, dando pie a lo que se conoce
generalmente como música contemporánea o postmoderna, que contiene otra serie de movimientos musicales tales
como la nueva simplicidad, el espectralismo, el poliestilismo, el arte sonoro, la nueva complejidad, el art rock, o la
música contemporánea latinoamericana de Egberto Gismonti y Astor Piazzolla.
La música docta tuvo también una intensa fertilización cruzada con el jazz, muchos de sus compositores fueron
capaces de trabajar en ambos géneros, como George Gershwin, o de incluir sonoridades del jazz en música de
concierto. A partir de los años 70's ocurrió algo similar con el rock y la música popular en general.
Debe tenerse en cuenta que este artículo presenta un vistazo sobre la música clásica del siglo XX, y muchos
compositores mencionados dentro de diferentes tendencias o movimientos pueden no identificarse en forma exclusiva
con éstos y pueden ser considerados como participantes de diferentes movimientos. Por ejemplo, en distintos
momentos de su carrera, Ígor Stravinski puede ser considerado romántico, primitivista, neoclásico y serialista.
Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)
Nacionalismo
El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que son reconocibles
como nacionales o regionales. Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica, y
el uso de melodías, ritmos y armonías inspirados por la misma. El nacionalismo
también incluye el uso del folclore como base conceptual, estética e ideológica de
obras programáticas u óperas.
El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo del romanticismo y

Postromanticismo de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, al cual
se le incorporan elementos locales o folclóricos, aunque existen evidencias del
nacionalismo desde inicios del siglo XVIII. El término también es usado
frecuentemente para describir la música del siglo XX de regiones no dominantes
en la música, sobre todo de Latinoamérica, Norteamérica y Europa Oriental.
Históricamente el nacionalismo musical del siglo XIX ha sido considerado como
una reacción contra el dominio de la música romántica alemana.
Los países relacionados con mucha frecuencia al nacionalismo son: Rusia,

Checoslovaquia, Polonia, Hungría, Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucrania,
España y Gran Bretaña en Europa, y Estados Unidos, México, Brasil, Argentina,
El compositor brasileño
Chile y Cuba en América. Algunos de los compositores más importantes
Heitor Villa-Lobos (1887-
comúnmente asociados al nacionalismo en el siglo XX fueron: el brasileño Heitor 1959) fue el principal
Villa-Lobos (el primer y más importante compositor latinoamericano en destacar exponente del nacionalismo
en los círculos musicales de Europa), el checo Leos Janacek, el finés Jean Sibelius, en Latinoamérica y uno de
el húngaro Bela Bartok, el español Manuel de Falla, el mexicano Silvestre los compositores no
europeos más importantes.
Revueltas, o el estadounidense Aaron Copland, entre muchos otros.
Post-Romanticismo
Particularmente en la primera parte del siglo, muchos compositores escribieron música que fue una extensión de la
música romántica del siglo XIX. La armonía —salvo mayor complejidad— fue tonal, y los agrupamientos
instrumentales tradicionales, como la orquesta o el cuarteto de cuerdas, se mantuvieron como los más usuales. Los
músicos más representativos de este movimiento fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey Rachmaninov sin
embargo muchos de los grandes compositores modernistas comenzaron sus carreras en este estilo tales como Bela
Bartok, Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg.
Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri Kabalevski, Dmitri Shostakóvich y Benjamin Britten—
hicieron significativos avances en el estilo y la técnica romántica mientras continuaban empleando un lenguaje
melódico, armónico, estructural y textural relacionado con el del siglo XIX, accesible al auditorio promedio.
Impresionismo
El Impresionismo musical es un movimiento
musical surgido a finales del siglo XIX y
principios del XX sobre todo en la música
francesa. En el Impresionismo musical se da
mucha importancia a los timbres, con los que
se consiguen diferentes efectos y también se
caracteriza porque los tiempos no son
lineales sino que se ejecutan en sucesión de
impresiones. Se relaciona de esta manera con
el Impresionismo pictórico, que conseguía las
imágenes mediante pequeñas pinceladas de
El compositor austriaco color. Fue encabezado por los compositores
Gustav Mahler (1860-1911) franceses Claude Debussy y Maurice Ravel, El compositor francés Claude
fue el principal exponente del aunque su precursor fue Erik Satie.2 El Debussy (1862-1918) fue el
postromanticismo junto con movimiento, influido por los pintores foco creador del impresionismo
Richard Strauss.
impresionistas franceses y por la poesía de
Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane
Mallarmé, acentúa el color tímbrico y el humor en vez de estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía.
Debussy, que también era crítico musical, enfocó el impresionismo como reacción tanto al interés formal del
clasicismo de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y la vehemencia emocional del romanticismo en
compositores como Robert Schumann y Franz Schubert. Para la consecución de este fin Debussy combinó elementos
innovadores y tradicionales. Por una parte, utilizó la escala de tonos enteros e intervalos complejos que hasta ese
momento no se habían utilizado, desde la novena en adelante. También recurrió a los intervalos de cuartas y quinta
paralelas propios de la música medieval. Estos recursos técnicos aparecen en el temprano poema sinfónico Preludio a
la siesta de un fauno de 1894, basado en un poema de Mallarmé. La extensa obra pianística de Debussy requirió
nuevas técnicas interpretativas, que incluían un generoso pero sensible uso de los pedales para crear un torrente
indiferenciado de sonido.
La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel. Otros compositores de esta
escuela en Francia fueron Paul Dukas, Gabriel Fauré, Albert Roussel, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y Florent
Schmitt. También influyó fuertemente en los compositores de la vecina España tales como Isaac Albeniz, Manuel de
Falla, Joaquín Rodrigo y Enrique Granados quienes le dieron un toque nacional al estilo. El impresionismo, concebido
por Debussy como tendencia contraria al romanticismo, fue visto como la fase final de la música romántica.
Modernismo (1910 - 1975)

Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en el concepto de que, siendo el siglo XX una
época de fundamentales cambios sociales y tecnológicos, el arte debe adoptar y desarrollar estos principios como
fundamento estético. El modernismo toma el espíritu progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del
avance tecnológico, por lo que lo despega de las normas y formalismos del arte de la época y la tradición. De esta
manera la característica principal del modernismo es la pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje
musical en particular asumió una posición dominante.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de los períodos
anteriores:
La expansión o abandono de la tonalidad.

El uso de las técnicas extendidas.
La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.
Futurismo
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del
Siglo XX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo
Tommaso Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de
febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los
signos convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida
contemporánea, esto por medio de dos temas principales: la máquina y el
movimiento. El futurismo recurría a cualquier medio de expresión; artes
plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y música; con el fin de
construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910,

mismo año en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los
Luigi Russolo (1885-1947) principales compositores futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella
compositor italiano que
y Luigi Russolo. Russolo concibe en este manifiesto El arte de los ruidos de 1913,
adhirió al manifiesto futurista
como una consecuencia a los estudios previamente realizados por Pratella. La
y creó El arte de los ruidos
como manifestación musical «música de ruidos» fue posteriormente incorporada a las performances, como
de este movimiento. música de fondo o como una especie de partitura o guía para los movimientos de
los intérpretes, además inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o
"entonador de ruidos", que fue duramente criticada en su época. Entre sus obras
más significativas destaca Los Relámpagos de 1910.
Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se utilizaba cualquier sonido, fuese
este uno producido por la naturaleza o por la técnica (técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
Crisis de la tonalidad y atonalismo

Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se
encuentran en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya
se hablaba de una "crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso
cada vez más frecuente de acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos
probables, y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro de
la música tonal. La distinción entre lo excepcional y lo normal se hizo más y más
borrosa, y como resultado, se produjo un aflojamiento concomitante de los
enlaces sintácticos a través de los cuales los tonos y armonías habían sido
relacionados entre sí. Las conexiones entre las armonías eran inciertas, las
relaciones y sus consecuencias se volvieron tan tenues que apenas funcionaban en
absoluto. A lo sumo, las probabilidades del sistema tonal se habían vuelto Aleksandr Skriabin (1872-
demasiado oscuras; en el peor de los casos, se estaban acercando a una 1915) fue uno de los
uniformidad que proporcionan pocas guías para la composición o la escucha. A iniciadores del atonalismo,
principios del siglo XX compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, famoso por la utilización de
su acorde místico.
Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinski y
Edgar Varèse, escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente, como
atonal. Aleksandr Skriabin realizó un particular estilo de impresionismo y
atonalidad, basando obras como Mysterium, Poema del éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en un acorde por
cuartas y tritonos llamado "acorde místico", muy alejado de los habituales acordes de tríada formados por intervalos
de tercera.
La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como "atonalidad libre" o "cromatismo
libre", implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este
periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg. El primer
período de piezas libremente atonales de Schoenberg (de 1908 a 1923), tienen a menudo como un elemento integrador
a una célula interválica que, además de la expansión se puede transformar en una fila de tonos, y en el que las notas
individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, para permitir la superposición de estados de una
célula básica o la interconexión de dos o más células básicas". Otros compositores en Estados Unidos como Charles
Ives, Henry Cowell y más adelante George Antheil, produjeron música impactante para la audiencia de la época por su
desprecio de las convenciones musicales. Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o
politonalidad, extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció el
concepto de contrapunto disonante, una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.
Primitivismo
El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el
folclore más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al
nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó
además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y
otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro de la
música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el
húngaro Bela Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la
denominación "primitivista".
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo

algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que
compuso para Diáguilev. Estos ballets tienen varias características
compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente
grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y
llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo como en su Igor Stravinsky (1882-1971), su
instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es obra La consagración de la
notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la primavera es considerada la
obra más importante del siglo
orquestación. Petrushka (1911), también se anota distintamente y es el
XX.
primero de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa.
Pero es en el tercer ballet, La consagración de la primavera (1913), el que
generalmente es considerado la apoteosis del "Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la
brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos
abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos en esta obra, pero dos son de nota particular:
el primer tema basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque
rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e
ir desplazando su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco por las cuerdas y
haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los bronces
los acordes que resultan acentuados cada vez. La consagración es generalmente considerada no sólo la obra más
importante del primitivismo o de Stravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto por su ruptura con la tradición, como
por la influencia en todo el mundo.
Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y
Las bodas (1923), instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal.
En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.
Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e

investigador de música folclórica de la Europa oriental (especialmente de
los Balcanes). Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología,
basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología. A partir de
sus investigaciones desarrolló un estilo muy personal e innovador.
A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y

las canciones folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los
movimientos nacionalistas. Toma entonces conciencia de la necesidad de
preservar la memoria musical tradicional de su país. Junto con Zoltán
Kodály, comenzó a recorrer los pueblos de Hungría y Rumanía para
Bela Bartok (1881-1945) fue el recoger miles de melodías y canciones que transcribieron y grabaron con
creador de la etnomusicología, y
un gramófono. Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos de
gracias a sus investigaciones creó
numerosas obras basadas en el la Europa central y hasta Turquía. Anteriormente, se pensaba que la
folclor europeo. música folclórica húngara se basaba en melodías zíngaras. Pero Bartók
descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalas
pentatónicas, al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió
una buena cantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creó acompañamientos para
canciones populares.
Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro Ernö Lendvai quien dedicó gran parte
de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus
investigaciones con el folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto
a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas secciones;
son el sistema diatónico, basado en la música folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros
procedimientos que no entraremos a valorar, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se
basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea. Su obra más puramente "primitivista" sea
probablemente Allegro Barbaro (1911), junto con una gran cantidad de canciones y danzas folclóricas que Bartok
recopiló y musicalizó provenientes del oriente Europeo. Ese mismo año escribió la que fue su única ópera, El castillo
de Barba Azul. Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de madera y El mandarín
maravilloso, seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente unas de sus más
complejas piezas. Su afán de experimentación lo llevó a un estilo cada vez más único y genial, con obras como la
Música para cuerda, percusión y celesta, la Sonata para dos pianos y percusión, además de 6 cuartetos de cuerda, la
obra para piano Mikrokosmos, y los tres conciertos para piano y orquesta.
Microtonalismo
El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que un semitono). El músico
estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del
piano”. Experimentando con el violín en 1895, el mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos
claramente diferentes entre las notas Sol y La emitidas por la cuarta cuerda de violín. Llamó a estas distinciones
microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría de la música y la física de la música. Inventó un simple notación
numérica para representar las escalas musicales sobre la base de cualquier división de la octava, como tercios, cuartos,
quintos, sextos, séptimos, y así sucesivamente (incluso escribió, la mayoría de las veces, para cuartos, octavos y
dieciseisavos combinados, la notación es la intención de representar cualquier subdivisión imaginable). Inventó
nuevos instrumentos musicales, y otros los adaptó para producir microintervalos. Compuso una gran cantidad de
música microtonal y grabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920, los cuartos de tono y otras subdivisiones
de la octava recibieron la atención de otros compositores como Charles Ives, Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan
Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y escalas no octabables), Ferruccio Busoni (quien hizo algunos experimentos
infructuosos en la adaptación de un piano de tercios de tono), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin Schulhoff dio
clases de composición con cuartos de tono en el Conservatorio de Praga. Destacados

compositores microtonales o investigadores de los años 1940 y 1950 incluyeron a
Adriaan Fokker (31 tonos iguales por octava), y a Groven Eivind. La música microtonal
nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi exclusivamente
por los músicos de Vanguardia.
Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo

Una de las más significativas figuras en la
música del siglo XX es Arnold Schoenberg. Sus
primeros trabajos pertenecen al estilo
romántico tardío, influenciado por Richard
Wagner y Gustav Mahler, pero al final
abandonó el sistema de composición tonal
Charles Ives (1874- para escribir música atonal. Con el tiempo,
1954) fue uno de los
desarrolló la técnica del dodecafonismo,
más prominentes
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la
compositores de música
microtonal, y el pionero organización tonal tradicional.
en Estados Unidos.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg
también desarrollaron y profundizaron el uso
del sistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas Arnold Schoenberg (1874-1951),
propias. Los tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, músico austriaco fundador de la
o la Segunda Escuela Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta segunda escuela de Viena y
creador del dodecafonismo.
Nueva Música tuvo el mismo efecto innovador que la Primera Escuela de
Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.
El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala
cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema
mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música
dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar
las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio de que todos los doce semitonos o notas
son de igual importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas.
El compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.
La música de Schoenberg y la de sus seguidores fue muy controvertida en sus días, y así permanece todavía en alguna
medida. Como carece de un sentido de melodía definida, algunos oyentes la encontraban —y todavía la encuentran—
difícil de seguir. A pesar de ello, actualmente se siguen interpretando, estudiando y escuchando obras como Pierrot
Lunaire, mientras que se han olvidado otras composiciones contemporáneas que en su momento se consideraban más
aceptables. En gran medida, la causa de esto es que su estilo pionero resultó muy influyente, incluso entre
compositores que continuaron componiendo música tonal. A partir de ellas, muchos compositores han escrito música
no basada en la tonalidad tradicional.
El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada por el que fue discípulo de
Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la
sucesión de las diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los
niveles de intensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series se repiten durante el transcurso
de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo.
Irónicamente, después de años de impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en el que los sonidos individuales
son cuidadosasmente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia— se convirtió en norma en
Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre
compositores de la postguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano
Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.
Neoclasicismo
El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una
práctica común de tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los
timbres y los ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos
sincopados, como punto de partida para componer música. Ígor Stravinski,
Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los
compositores más importantes usualmente mencionados en este estilo, pero
Anton Webern (1883-1945)
también el prolífico Darius Milhaud y sus contemporáneos Francis Poulenc y
discípulo de Schoenberg,
Arthur Honegger.
desarrolló las ideas
dodecafónicas y creo el
El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos
serialismo integral.
racionales en las artes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más
pequeño, más escaso, más ordenado fueron las tendencias concebidas como
respuesta a la saturación emocional que muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo en
cuenta que los problemas económicos favorecían grupos más pequeños, la búsqueda por hacer “más con menos” se
tornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del soldado de Stravinski es por esta razón una semilla de pieza
neoclásica, como sucede también en el concierto Los robles de Dumbarton, en su Sinfonía para instrumentos de
viento o en la Sinfonía en do. La culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del libertino («Rake's
Progress»), con libreto del bien conocido poeta modernista W. H. Auden.
Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo, mezclando punzantes
disonancias, polifonía y cromatismo libre dentro de un estilo utilitario. Hindemith produjo trabajos de cámara y
orquestales en este estilo, quizá el más famoso de ellos sea Mathis der Maler. Su producción de cámara incluye su
Sonata para corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de detalles oscuros y conexiones internas.
El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de

Nadia Boulanger promulgó ideas musicales basadas en la comprensión de la
música de Stravinski. Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos
como Elliott Carter (en su primer época), Aaron Copland, Roy Harris, Darius
Milhaud, Astor Piazzolla y Virgil Thomson.
El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como
intervalo fijo, y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato, bloques
armónicos y mezcla libre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran
aceptación de la audiencia con rapidez, y fue internalizado por aquellos
opositores al atonalismo como la verdadera música moderna.
En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de

Serguéi Prokófiev (1881-1953) Iósif Stalin, el neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue
fue un destacado compositor una corriente estética cuyo propósito fue expandir el conocimiento de los
ruso. problemas sociales y las vivencias de los hombres por medio del arte. De esta
manera los prominentes compositores Serguéi Prokófiev y Dmitri
Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente en este estilo,
incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues cualquier tipo de vanguardia se consideraba como
parte de la decadencia de la burguesía de occidente.
Música electrónica y concreta

Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios electrónicos para producir
sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama
concreta porque según Pierre Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los
abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso de esos medios fue Edgar
Varese, quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951,
Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran
interés, y entre los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier Messiaen,
Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis, Michel Philippot y Arthur
Honegger. La producción compositiva entre 1951 y 1953 comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez,
Timbres-durées (1952) por Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y La voile
d’Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, las piezas mezcladas Toute la
lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry, y la música para película Masquerage (1952) por Schaeffer y
Astrologie (1953) por Henry. En 1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio para trabajar en las partes en cinta de
Déserts y La rivière endormie. En Alemania en cambio la forma de usar la tecnología se llamó música electrónica, que
es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer concierto tendría lugar en Darmstadt
en 1951, sin embargo la primera obra de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de
1956. En EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para crear música. Otros compositores abandonaron
los instrumentos convencionales, y usaron cintas magnéticas para crear música, grabar sonidos, y manipularlos de
alguna manera. Hymnen (de Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario Davidovsky)
ofrecen unos pocos ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores simplemente incorporaron
instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las
Ondas Martenot en cierto número de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la película Los pájaros (de
Alfred Hitchcock) usando el trautonium, un instrumento electrónico que él mismo ayudó a desarrollar. Morton
Subotnick proveyó la música electrónica para 2001, una odisea del espacio. Otros compositores como Luigi Russolo,
Mauricio Kagel y Joe Meek también aportaron a la investigación y exploración de la música electrónica.
Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos (incluido uno
inventado por él) en muchas composiciones. Algunos de estos trabajos electrónicos son piezas suavemente
ambientadas, y otras muestran una violenta y salvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y
David Tudor crearon e interpretaron música electrónica en vivo, a menudo diseñando sus propios instrumentos o
usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de instituciones especializas en música electrónica, siendo
quizá el IRCAM de París la más conocida.
Música aleatoria y vanguardismo radical

Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se refiere a los movimientos más
radicales y controversiales, donde el concepto de música llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando
elementos como ruidos, grabaciónes, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro, el absurdo, el ridículo, o
la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro de esta corriente radical se encuentra la música
aleatoria, la música electrónica en vivo, el teatro musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening
musical, o la música intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que incursionaron en
estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa.
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a elementos no regulados por
pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no
estructuradas. Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia
interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la
estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la
interpretación simultánea de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una

notable difusión a partir de la década de 1950. Las corrientes aleatorias
tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones
del estadounidense John Cage con Music of Changes (1951) o 4′33″
(probablemente la obra más radical del siglo XX, famosa por consistir en la
indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos). También fue notable el
uso del I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, el
cual se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage. Conocido
también por la invención del piano preparado, compuso varias obras entre las
que destaca Sonatas e interludios. El alemán Karlheinz Stockhausen con
Hymnen (1967), y la electrónica Gesang der Jünglinge, fueron hitos
importantes. Otros compositores como los italianos Bruno Maderna y Franco
Donatoni, el polaco Witold Lutosławski, el griego Iannis Xenakis, el húngaro El compositor alemán Karlheinz
Gyorgy Ligeti, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, y Stockhausen (1928-2007) fue
pionero en muchas de las
Mauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también fueron
formas musicales vanguardistas
significativos. del siglo XX, especialmente en
las más radicales.
Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en
la música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones
interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el llamado work in
progress, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse
instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores,
distorsionadores y cintas grabadas.
Micropolifonía y masas sonoras

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad
de diferentes líneas, ritmos y timbres».3 La técnica fue desarrollada por
György Ligeti, quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces
individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las
armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en otras; una
combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de
esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está
tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de
ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».3 El primer
ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo
movimiento de su composición orquestal Apparitions.4 También son
pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta
Atmosphères y el primer movimiento de su Requiem, para soprano,
mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última obra alcanzó gran
popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la película de
Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio Gyorgy Ligeti (1923 - 2006) fue
el principal exponente de la
La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más técnica micropolifónica, así
grandes o con instrumentos musicales polifónicos como el piano.3 Aunque el como también de las masas
Poème Symphonique para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una sonoras. Su música y estilo
trascendió además al ser
complejidad sin parangón».5 Muchas de las piezas para piano de Ligeti son
utilizada por Stanley Kubrick en
ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas rítmicos derivados del varias de sus películas
complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de los pigmeos.
Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o

masa sonora que es una textura musical cuya composición, en contraste con
otras texturas más tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas
musicales individuales para preferir la textura, el timbre y la dinámica como
principales formadores del gesto y el impacto».6
Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el

modernismo musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia
finales de los años 1950 y 60. La masa sonora «difumina la frontera entre el
sonido y el ruido».6 Una textura puede disponerse de tal manera que «esté
muy próxima al status de conjunto fusionado de timbres de un único objeto,
El griego Iannis Xenakis (1922-
por ejemplo el hermoso acorde Northern lights, en una distribución muy
2001) trabajó bajo técnicas que
interesante de alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en un
utilizaban modelos matemáticos,
masas sonoras y micropolifonía. redoble de platillo suspendido.»7
Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco

Krzysztof Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con su obra
Metástasis.
Minimalismo
Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que
ahora llamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo
refiere al dominio de los procesos en música donde los fragmentos se
superponen en capas unos a otros, a menudo se repiten, para producir la
totalidad de la trama sonora. Ejemplos tempranos incluyen In C (de Terry
Riley) y Drumming (de Steve Reich). La primera de estas obras hizo que Riley
fuera considerado por muchos el padre del minimalismo; es una pieza
formada por celdas melódicas comprimidas, que cada intérprete en un
conjunto toca a su propio tempo. La onda minimalista de compositores —
Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams y Michael
Nyman, para nombrar los más importantes— deseaban hacer la música
accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones específicas y
concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino
Philip Glass (1937) fue uno de
más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores y menores de los iniciadores del movimiento
la música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional. minimalista en Estados Unidos,
y es actualmente uno de los
Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de compositores doctos más
diferentes celdas "fuera de fase", a gusto de los intérpretes; compare esto con famosos del mundo.
la obertura de El oro del Rin de Richard Wagner, donde a pesar del uso de
triadas de celdas, cada parte está controlada por un mismo impulso y se
mueve a la misma velocidad.
La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus críticos la encuentran demasiado
repetitiva y vacía, mientras que sus defensores argumentan que los elementos fijos que a menudo son permanentes
producen mayor interés en los pequeños cambios. De todas formas, el minimalismo han inspirado e influenciado a
muchos compositores habitualmente no etiquetados como minimalistas (como Karlheinz Stockhausen y György
Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavener y Henryk Górecki, cuya Sinfonía N.º 3 fue el álbum clásico más
vendido en los años noventa, encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de
profundo sentido religioso.
La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son

llamados minimalistas por algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el
compositor de ópera John Adams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La
expansión del miminalismo de un sistema musical a música dependiente de la
textura para acompañar el movimiento ha generado una diversidad de
composiciones y compositores.
Influencias del jazz

Desde principios del siglo la música
Steve Reich (1936), creador de afroamericana y el jazz influyó
los efectos de fase repetidos y
notablemente a compositores dentro y
otras de las técnicas más
fuera de Estados Unidos. Dentro del
utilizadas en el minimalismo.
país americano destacó Charles Ives y
por sobre todos George Gershwin. Sin
embargo compositores afroamericanos más vinculados al jazz también
incursionaron en obras que estaban en un límite poco claro entre ambas
músicas. Compositores tales como Will Marion Cook, Scott Joplin y Duke
Ellington tuvieron una influencia indiscutida en la música docta de Estados
Unidos. Algunas de las obras más importantes de principios de siglo que
combinaron elementos del lenguaje del jazz con estilos clásicos fueron
Rhapsody in Blue de George Gershwin, Children's Corner de Claude Debussy,
George Gershwin (1898-1937)
los conciertos para piano en Re y en Sol de Maurice Ravel, el Ragtime para 11
compuso tanto en el jazz como
instrumentos de Ígor Stravinski, o la Suite para piano 1922 de Paul en la música clásica y fue el
Hindemith, entre muchas otras. pionero en crear la fusión de
ambos de manera exitosa
En la segunda mitad del siglo XX surgió el movimiento llamado Third Stream,
literalmente Tercera corriente, aplicado a un estilo de hacer música que en los
años 50 y 60 pretendió ofertar una vía de desarrollo que integraba las técnicas tanto del jazz como de la música clásica.
El término Third Stream fue acuñado por el compositor y solista de trompa, Gunther Schuller, a finales de los años 50,
para describir la música que estaban desarrollando algunos artistas intentando establecer un puente entre las
disciplinas y formas musicales europeas y el espíritu y la técnica del jazz. A tal fin, Schuller fundó un "Third Stream
Department", en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. En sentido amplio, la tercera corriente es parte de un proceso
general de abolición de barreras musicales entre las diferentes clases de música.8 El origen del estilo suele fijarse en la
evolución generada a partir de los postulados del Cool y el West Coast jazz, lo que sitúa a muchos otros músicos en la
frontera entre ambos. El trombonista y violonchelista David Baker, el pianista Ran Blake, o el saxofonista y arreglista
Bob Graettinger, fueron algunos de los músicos más implicados en la búsqueda de una verdadera third stream,
aunque en el entorno de este estilo se han movido un importante número de músicos de peso en la historia del jazz:
Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo, George Russell, sin necesidad de irse a fusiones mucho más
evidentes, como los arreglos de Jacques Loussier sobre la música de Bach.
Las opciones menos pretenciosas de esta corriente, acaban generando la aparición de un género típicamente europeo,
asentado en sellos como ECM, que se conforman en grupos inusuales, dúos o solistas, que prescinden de un gran
número de los elementos que habían caracterizado el jazz de los años 40 y 50: Explosiva energía, dureza, expresividad,
intensidad, éxtasis y aceptación de la fealdad, para impulsar una estetización del jazz.9 Hacia finales del siglo XX el
jazz europeo contemporáneo y la música clásica contemporánea se encuentran un estado de indiferenciación casi
absoluta.
Música cinematográfica
Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30', la música
cumplió un rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes
compositores de la década tales como los rusos Prokófiev y Shostakovich,
incursionaron también en esta área. Sin embargo llaman la atención ciertos
compositores que se dedicaron casi exclusivamente a trabajar a través del cine.
Aunque las musicalización de largometrajes durante los años 1940 estaban
rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en el campo de la música
de concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para el cine modernista.
El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y las obras
disonantes y trabajó con Alex North, cuya partitura de A Streetcar Named Desire
(1951) combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan también se
acercó a Leonard Bernstein para musicalizar On the Waterfront (1954) y el
resultado fue una reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Igor John Williams (1932) creador
Stravinsky, con sus "jazz basados en armonías y emocionantes ritmos aditivos". de la música de Star Wars y
Un año después, Leonard Rosenman, inspirado por Arnold Schoenberg, otras de las más taquilleras
películas de Hollywood.
experimentó con la atonalidad en sus calificaciones de al Este del Edén (1955) y
Rebelde sin causa (1955). En sus diez años de colaboración con Alfred Hitchcock,
Bernard Herrmann experimentó con ideas en Vertigo (1958), Psycho (1960) y Los pájaros (1963). El uso de la música
no-diegética de jazz fue otra innovación modernista, como la musicalización de la estrella del jazz Duke Ellington a la
obra de Otto Preminger Anatomía de un asesinato (1959).
Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The Informer (1935), Now, Voyager
(1942), y Since You Went Away (1944), King Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y
Gone with the Wind (1939). Erich Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin Hood. Alfred Newman con; How
the West Was Won,The Greatest Story Ever Told. Bernard Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew
Too Much, Citizen Kane, The Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The
Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The Untouchables (1987), y Cinema Paradiso. Jerry
Goldsmith; Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist. John Williams con;
las dos trilogías de Star Wars, Tiburón, Superman: la película, Indiana Jones, E.T., el extraterrestre, Hook, Parque
Jurásico, La lista de Schindler, y Harry Potter entre muchísimas otras. Otros de los grandes compositores,
especialmente del último cuarto de siglo en adelante han sido Danny Elfman, Nino Rota, Vangelis, Howard Shore,
James Horner, Alan Silvestri, , Hans Zimmer y Henry Mancini.
Música contemporánea (1975 - actualidad)
Nacimiento del posmodernismo

El posmodernismo puede ser considerado una respuesta al modernismo que defiende los productos de la actividad
humana —particularmente los manufacturados o artificiales— como el sujeto central del arte misma, y la idea de que
el propósito del arte es focalizar la atención del público sobre objetos para su contemplación, tal como el crítico Steve
Hicken lo explica.
Esta teoría del modernismo vuelve a la Escuela dadaísta ejemplificada por Duchamp, y al collage de música concreta,
así como los experimentos con música electrónica de Edgard Varèse y otros. No obstante, el posmodernismo defiende
que éste fue el modo primigenio de existencia humana, un buceo individual en el mar de producción del hombre.
John Cage es una figura prominente en la música del siglo XX; su influencia fue creciendo durante su vida, y hoy es
recordado por muchos como el fundador de la música postmoderna. Cage cuestionó la misma definición de música en
sus piezas, e insistió en la filosofía de que todos los sonidos son esencialmente música. En su 4’33” confronta al oyente
con su idea de que los sonidos no intencionales son tan músicalmente válidos como los originados por un instrumento.
Cage también usó notablemente música aleatoria, y sonidos hallados con el objetivo de crear un estilo de música
interesante y diferente. Su música no solamente se basa en el argumento de que no hay “música” o “ruido” sino sólo
“sonido”, y que las combinaciones de sonidos hallados constituyen eventos musicales, sino también en la importancia
de focalizar la atención y en la “invención” como esenciales al arte.
Cage, sin embargo, ha sido catalogado por algunos como demasiado vanguardista en su enfoque; por esta razón,
muchos encuentran su música antipática. Resulta interesante analizar que la aparente oposición al indeterminismo de
Cage, la música sobrestructurada de los serialistas, ha producido piezas de sonoridad similar, incluso muchos
serialistas como por ejemplo Pierre Boulez o Karlheinz Stockhausen han utilizado procedimientos aleatorios. Michael
Nyman dice en música experimental que el minimalismo fue una reacción generada por y contra el serialismo y el
indeterminismo.
El posmodernismo encontró a la música y la pintura en momentos muy similares; por un lado la sobriedad, pureza,
amor por la mecánica, abstracción y la trama en la que muchos rasgos modernistas fueron preservados, como el
énfasis sobre el estilo personalizado y la experimentación. Sin embargo, los posmodernistas rechazaron la instancia
hermenéutica del modernismo (la necesidad de estar en el ambiente del modernismo). En lugar de ello, el
posmodernismo toma lo popular y lo reduce a su guía estética. Uno de los primeros movimientos que rompió con el
modernismo se inspiró en el trabajo de Cage, y su énfasis en los sonidos por capas: el minimalismo.
Poliestilismo
Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado
una característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y se acentúa en
el siglo XXI. Es importante distinguir entre la actitud ecléctica, que es la de quien
recolecta material de diferentes fuentes de modo pasivo y la actitud poliestilista,
que es la de quien fusiona las fuentes de modo coherente, deliberado y propio. El
compositor poliestilista no emplea necesariamente su canon de estilo y técnica en
un solo trabajo sino que en el conjunto su obra se advierte diferentes "estilos".
Esta corriente, pese a haber sido anticipada en una temprana tendencia que
unificaba elementos de folk o de jazz en trabajos clásicos, se desarrolla realmente
desde finales del siglo XX, y mientras más y más estilos entran en juego en el
nuevo siglo, el movimiento se hace cada vez más importante y diverso. Los
compositores poliestilistas han usualmente comenzado su carrera en una
corriente para moverse a otra a la vez que guardando elementos importantes de la
anterior.
John Zorn (1953), músico
estadounidense de origen Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio,
judío, poliestilista y ecléctico
William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg,
que ha trabajado en diversos
estilos dentro y fuera de la Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky,
música académica. Valentín Silvestrov, Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John
Zorn.
Nueva simplicidad
La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los componentes de la generación más
joven de compositores alemanes de comienzos de los ochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente
contra la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también contra la más amplia
tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso

creativo y su resultado musical (en contraste con la elaborada planificación
precompositiva característica del vanguardismo), con la intención de crear
una comunicación más fácil con las audiencias. En algunos casos, ello significó
una vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX así como a las formas musicales
(sinfonía, sonata) y a las combinaciones instrumentales (cuarteto de cuerda,
trío con piano) tradicionales, que habían sido evitadas en su mayor parte por
la vanguardia. Para otros compositores, significó trabajar con texturas más
simples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. De entre
los compositores identificados de una forma más cercana con este
movimiento, solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación
significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Arvo Pärt (1935) compositor
Abrahamsen, Alfred Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav estonio, una de las principales
figuras de la nueva simplicidad,
Kupkovic, György Kurtág, Roland Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt
como también del post-
Schwertsik y Howard Skempton han sido relacionados ocasionalmente con los
minimalismo
“nuevos simplicistas”. Al menos dos autores han ido aún más lejos al asegurar
que uno de los compositores vanguardistas contra el que se había rebelado
más ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se habría anticipado a sus posiciones con la
simplificación radical de su estilo que se produjo entre 1966 y 1974.
Espectralismo
La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre
musical y en la descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción del timbre. El espectralismo
se originó en Francia en la década de los setenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al
Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail, Hughes Dufourt y Michael Levinas). En Alemania tuvo
repercusión y se formó un grupo de investigación liderado por los compositores Johannes Fritsch, Mesias Maiguashca,
Peter Eötvös, Claude Vivier, y Clarence Barlow. En Rumania existió un movimiento importante de esta tendencia
liderado por Ştefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu Dumitrescu.
Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien
Lévy, Magnus Lindberg, y Kaija Saariaho permanecen desarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve
Lehman ha introducido técnicas espectrales en el campo de la música improvisada. El movimiento se ha ido
ensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporáneas de composición y en muchos de los
compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o
Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson
en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por citar algunos.
Libre improvisación
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías
previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales
reconocibles. El término es en alguna forma paradójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada
por cualquier músico que quiere olvidarse de géneros rígidos y formas) y como género reconocible en sí mismo. La
improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década de 1960
en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los
artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista
Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
Nueva complejidad
La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la década de los 80's en el
Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de múltiples capas de interacción de los procesos evolutivos que
ocurren simultáneamente en todas las dimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal,
caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Esto incluye el
uso de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables, microtonalidad, contorno melódico altamente discontinuo
y complejos ritmos de capas, cambios bruscos en la textura, y así sucesivamente. También se caracteriza, a diferencia
de la música de los serialistas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, por la dependencia frecuente
de sus compositores en concepciones poéticas, muy a menudo implicados en los títulos de las obras individuales y en
los ciclos de trabajo de cada compositor.
Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James
Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.
Arte sonoro
Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal objetivo diferentes nociones
del sonido, la escucha y la audición. Existen normalmente diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo del
arte así como de la percepción por los artistas del sonido.
Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonor es interdisciplinario por naturaleza, tomado formas
híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el
noise, los medios de audio y la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la
exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de temas creciente
Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte incluyen a Luigi Russolo y su
Intonarumori, y los experimentos que a continuación realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la
diversidad del arte sonoro, existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte visual
como de la música experimental. El arte sonoro también está relacionado con el arte conceptual, el minimalismo, el
spoken word, la poesía avant garde y el teatro experimental.
Música contemporánea latinoamericana

La música de tradición europea en Latinoamérica ha sido sumamente diversa y compleja, tanto musicalmente como
también en cuanto al lugar que ésta ocupa en la sociedad. Uno de los principales obstáculos han sido las dificultades
económicas de la región durante casi la totalidad del siglo, por una parte, y la falta de acceso e interés de la mayoría de
la población a la música docta, por la otra. Desde el punto de vista musical y estilístico siempre se ha generado una
pugna entre producir correctamente el legado de la música docta europea, y desarrollar elementos originalmente
latinoamericanos y nacionales en la misma. Es por esto que muchos de los compositores de esta región han sido
catalogados como pertenecientes al nacionalismo musical, independientemente del estilo o técnica que el compositor
haya utilizado. La música contemporánea latinoamericana, más que un estilo, comprende una inmensa diversidad de
obras, conceptos, técnicas y estilos que se han elaborado en la región desde que se ha propuesto la música docta como
un desafió creativo, por sobre la noción de música docta como la mera asimilación cultural repetitiva de la música
culta europea.
Durante el siglo XX un grupo significativo de compositores de América Latina alcanzaron el reconocimiento

internacional. Alberto Ginastera, Carlos López Buchardo, Carlos Guastavino, Luis Gianneo, y Astor Piazzolla de
Argentina; Heitor Villalobos, Camargo Guarnieri, Luciano Gallet y Francisco Mignone, Ricardo Santoro y Osvaldo
Lacerda de Brazil; Luis Humberto Salgado de Ecuador; Antonio Lauro, Juan Bautista Plaza , Antonio Estévez e
Inocente Carreño de Venezuela; Manuel Ponce, Carlos Chávez, y Silvestre Revueltas de México; Domingo Santa Cruz,
Pedro Humberto Allende,

Carlos Isamitt y Juan Orrego-
Salas de Chile; Guillermo
Uribe-Holguín, Luis Antonio
Escobar, Roberto Pineda
Duque, Antonio María
Valencia, Francisco Zumaqué,
Blás Emilio Atehortúa, Jesús
Pinzón Urrea de Colombia;
El compositor y multinstrumentista
Teodoro Valcárcel de Perú;
Egberto Gismonti (1947), ha compuesto
Roque Cordero de Panamá,
en diversos estilos que incorporan
elementos del jazz, la música popular Eduardo Caba de Bolivia,
brasileña, la música indígena, y el uso de Ernesto Lecuona de Cuba y
sintetizadores, junto con la música Héctor Tosar y Eduardo El argentino Astor Piazzolla
modernista neotonal y también la Fabini de Uruguay. Mientras (1921-1992) compuso en un
vanguardia. estilo que fusionaba elementos
que durante el último tercio
tradicionales como el Tango, con
de siglo los compositores la música clásica e incluso el
destacados se acrecentaron destacando además: Mario Davidosky y Osvaldo jazz.
Golijov de Argentina; Leo Brouwer, Aurelio de la Vega y Tania León de Cuba;
Gabriela Ortiz y Mario Lavista de México; Héctor Campos-Parsi y Roberto
Sierra de Puerto Rico; Juan Carlos Núñez y Paul Desene de Venezuela; Gustavo Becerra Schmidt de Chile; José
Serebrier y Miguel del Águila de Uruguay; Edino Krieger, Egberto Gismonti y Marlos Nobre de Brasil, quienes son
reconocidos a nivel mundial por calidad artística.
Otros estilos y conceptos musicales

Otros estilos y conceptos generalmente asociados a la música contemporánea son el conceptualismo, el post-
minimalismo, el neorromanticismo, el neotonalismo, la música experimental, la tonalidad postclasicista, la música
electrónica, el art rock, el jazz contemporáneo, la música del mundo, la música postmodernista, la música
computacional, el historicismo musical, etc.
Véase también
Música del siglo XIX
Música modernista
Modernismo y modernidad
Vanguardismo
Música académica contemporánea
Música experimental
Música del siglo XXI
Historia de la notación en la música occidental
música clásica canadiense
Enlaces externos
IRCAM.fr (http://www.ircam.fr) (instituto de investigación parisiense)
UDayton.edu/~Music/Faculty/Magnuson/Microcosms/Index.html (https://web.archive.org/web/20060523153259/ht
tp://www.udayton.edu/~music/faculty/magnuson/microcosms/index.html) (Microcosmos: A Simplified Approach to
Musical Styles of the Twentieth Century, de Phillip Magnuson).
'Disonancia y emancipación: comodidad en/de algunas estéticas musicales del siglo XX' (https://web.archive.org/
web/20070626025407/http://www.tallersonoro.com/espaciosonoro/04/Articulo1.htm), por Miguel Álvarez-
Fernández.
Dolmetsch.com/MusicTheory40.htm (http://www.dolmetsch.com/musictheory40.htm) (música del siglo XX, en

inglés)
WikiLearning.com/Comunidad_Musicologia-xkcom-599.htm (http://www.wikilearning.com/comunidad_musicologia
-xkcom-599.htm) (enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial (https://web.archive.org/web/*/http://www.wikilearnin
g.com/comunidad_musicologia-xkcom-599.htm) y la última versión (https://web.archive.org/web/2/http://www.wikilearning.com/comuni
dad_musicologia-xkcom-599.htm)). (comunidad de musicología en Wiki-learning).
ArtOfTheStates.org (https://web.archive.org/web/20050728162639/http://artofthestates.org/) (la nueva música de
los Estados Unidos, en inglés).
Disonancia (http://groups.yahoo.com/group/disonancia) (lista de correo dedicada a la difusión y crítica de la
creación musical contemporánea, con una atención especial hacia el caso español).
Modisti.com (http://modisti.com/) (entorno virtual interactivo en el que circula información acerca de actividades
de diferente tipo en el ámbito de la música experimental).
Editoriales
Boosey.com (http://www.boosey.com/) (editorial de música Boosey & Hawkes).
BabelScores (http://www.babelscores.com/) Difusión y Promoción de la Música Contemporánea.
PERIFERIA Sheet Music (https://web.archive.org/web/20080927072723/http://www.periferiamusic.com/) (Editorial
de música contemporánea).
Schott-music.com (http://www.schott-music.com/) (editorial Schott Music International).
(editorial Suvini Zerboni de Milán). (http://www.esz.it/)
http://www.uemusic.at/
Archivado (http://web.archive.org/web/20070613000823/http://www.uemusic.at/) el 13 de junio de 2007 en la
Wayback Machine. (editorial Universal Edition de Viena)
Verlag433.de (http://www.verlag433.de/) (4’ 33” München Musikverlag, en alemán).
Referencias
1. El Ruido Eterno, Alex Ross, pag425
2. http://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=4404 (http://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr
&GRid=4404). «his ideas anticipated Impressionism, Neoclassicism, Minimalism, and Ambient Music, and
influenced many composers.» Falta el |título= (ayuda)
3. Cope, 1997, p.101.
4. Steinitz, 2003, p. 103.
5. Griffiths, 2001.
6. Edwards 2001, pp. 326-327
7. Erickson, 1975, pp. 166, 168
8. Clayton & Gammond: Op. Ref., pag. 281
9. Berendt, Joachim E.: Op. Ref., pag. 70
Obtenido de «https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Música_clásica_del_siglo_XX&oldid=115769094»
Esta página se editó por última vez el 7 may 2019 a las 00:24.
El texto está disponible bajo la Licencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0; pueden aplicarse
cláusulas adicionales. Al usar este sitio, usted acepta nuestros términos de uso y nuestra política de privacidad.
Wikipedia® es una marca registrada de la Fundación Wikimedia, Inc., una organización sin ánimo de lucro.

Música Clásica Del Siglo XX

Cargado por

Información del documento

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Música Clásica Del Siglo XX

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

13/5/2019 Música clásica del siglo XX - Wikipedia, la enciclopedia libre

Música clásica del siglo XX

John Cage, 1992.1

Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)

El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo del romanticismo y

Los países relacionados con mucha frecuencia al nacionalismo son: Rusia,

Modernismo (1910 - 1975)

La expansión o abandono de la tonalidad.

Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910,

Crisis de la tonalidad y atonalismo

El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo

Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e

A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y

clases de composición con cuartos de tono en el Conservatorio de Praga. Destacados

Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo

El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de

En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de

Música electrónica y concreta

Música aleatoria y vanguardismo radical

El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una

Micropolifonía y masas sonoras

Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o

Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el

Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco

La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son

Influencias del jazz

Música contemporánea (1975 - actualidad)

Nacimiento del posmodernismo

En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso

Música contemporánea latinoamericana

Durante el siglo XX un grupo significativo de compositores de América Latina alcanzaron el reconocimiento

Pedro Humberto Allende,

Otros estilos y conceptos musicales

Dolmetsch.com/MusicTheory40.htm (http://www.dolmetsch.com/musictheory40.htm) (música del siglo XX, en

También podría gustarte