RENACIMIENTO ll

Angelica Chaves
Luisa Solanilla
Milena Vasquez
RENACIMIENTO ITALIANO
Renacimiento italiano se inició en un época de grandes cambios culturales, en los
siglos XV y XVI, se produjo en Italia un formidable movimiento artístico y de grandes
logros que superó al de otros países.

La palabra Renacimiento (Rinascimento en italiano) tiene un significado explícito,

que representa el renovado interés del período en la cultura de la antigüedad clásica,
luego de lo que allí mismo se etiquetó como la “edad oscura”.

Estos cambios, aunque significativos, estuvieron concentrados en las clases altas, y

para la gran mayoría de la población la vida cambió poco en relación a la Edad Media.
Puede afirmarse que el renacimiento italiano dio sus mejores frutos, por las siguientes
razones:

1. Por las estrechas relaciones de Italia con las culturas antiguas, ya que en su suelo se
desarrolló la cultura romana y parte de la cultura griega.
2. Por la ayuda que brindaron a los artistas acaudalados señores italianos.
3. Por el hallazgo de algunas obras célebres de la Antigüedad, tales como el Laoconte y
el Apolo de Belvedere, notables esculturas de estilo clásico, que despertaron el
entusiasmo de los artistas del Renacimiento
Principales figuras del Renacimiento
Italiano
Las Escuelas
En la pintura y la escultura del Renacimiento italiano, se pueden
distinguir cuatro escuelas:
1.La Escuela Florentina, Cuyo jefe era Miguel Angel, y cuya característica era la
grandiosidad en la concepción y en la ejecución de las obras.

Miguel Angel (1475-1564)

como pintor hizo los estupendos frescos de la Capilla Sixtina, por encargo del Papa
Julio II.

Entre ellos sobresalen dos: El de la creación del Mundo y del Juicio Final.
Como escultor no tuvo rival en el Renacimiento italiano.
El Juicio Final

De 1508 a 1512, Miguel Ángel pintó el techo de la capilla. Ese fue un

trabajo intensivo en el cual se demuestra un dominio total de la técnica del
fresco y del dibujo
La Piedad de Miguel Ángel es
una escultura en mármol
ejecutada entre los años 1498 y
1499, y es una de las mayores
aproximaciones a la completa
perfección en el campo del arte.
En 1501 Miguel Ángel
regresa a Florencia y
comienza el David, una
escultura en mármol con más
de cuatro metros realizada
entre los años 1502 y 1504.

Esta obra fue realizada entre los años 1503 y 1504. En ella se
representa a la Sagrada Familia de una manera muy poco
convencional.
Tumba del papa Julio II

En 1505 el papa Julio II llamó a Miguel Ángel y le

encomendó su tumba en Roma. En un comienzo
quería hacer un gran mausoleo, lo que agradó al
artista.

Pero más allá de la grandeza de la obra, el papa,

de personalidad inconstante, decidió que quería
ser sepultado en la Capilla Sixtina.
La creación de Adán (La obra maestra del Miguel Ángel - 1511)
Una de los frescos estrella de la Capilla Sixtina es esta representación del episodio bíblico del Génesis en el que Dios da vida al primer hombre.
 Expulsión del Paraíso
(El escultor Miguel Ángel "se rebaja" a pintar
estos frescos ya inmortales - 1512)

Caída del Hombre, pecado original y expulsión

del Paraíso» es el sexto fresco que este genial
artista pintó en la inmortal Capilla Sixtina,
joya del Cinquecento.
2. La Escuela Romana, cuyo jefe era Rafael Sanzio, y cuya característica era una
técnica muy depurada en el dibujo y en el modelado.

Rafael Sanzio (1483-1525) fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento. Además de
su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes
aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y
conservación de los vestigios grecorromanos.
La disputa del Sacramento
representaría la verdad
teológica frente a la verdad
filosófica.
En su parte superior, se puede
ver a la Eucaristía y en la zona
inferior se puede ver a
algunos de los padres de la
Iglesia, entre ellos San
Agustín, San Jerónimo o
Gregorio Magno.
Liberación de San Pedro

Representa la liberación de San

Pedro de la cárcel de Agripa I el
Grande (conocido como Herodes en
el Nuevo Testamento).
La Fornarina

Un cuadro lleno de sensualidad en el

que se representa, al igual que en La
Velada, a Margherita Luti, esta vez
semidesnuda y dirigiendo la mirada al
espectador.
3. La Escuela Lombarda, encabezada por Leonardo Da Vinci, que se
distinguió por la belleza del colorido.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Entre las grandes figuras del Renacimiento italiano, Leonardo Da Vinci figura en
primera fila. Fue un artista florentino de cualidades geniales.

Se reveló como pintor, filósofo y hombre de ciencia.

La Mona Lisa

También conocida como La Gioconda,es un óleo sobre madera

pintado por Leonardo entre 1503 y 1506.

La pintura es un retrato de Mona Lisa, la joven esposa de de Giorgio

Vasari (1511-1574), pintor, arquitecto, y biógrafo de varios artistas
del Renacimiento italiano.

Franceso de Giocondo, según el testimonio

La última cena

La última cena es una pintura mural ejecutada por Leonardo da Vinci entre los años 1493 y
1498. Se encuentra en la pared del comedor del Convento de Santa Maria Delle Grazie en
Hombre vitruviano

Hacia el año 1487 o 1490, Leonardo creó el llamado

Hombre vitruviano, un dibujo en tinta sobre papel de
dos figuras masculinas superpuestas con brazos y
piernas separadas dentro de un círculo y un cuadrado.
 La Dama con armiño es un
óleo sobre madera pintado
alrededor de los años 1489-
1490 por Leonardo.

Los análisis de la pintura han revelado una puerta en el fondo original. Además de eso, se descubrió también que Leonardo podría
haber cambiado de ideas al pintar la figura y que originalmente la posición de los brazos de la dama sería diferente. A esto se suma el
hecho de que el armiño se agregó posteriormente.
4. La Escuela Veneciana, Su característica era una gran serenidad y
quietud en todos los personajes y escenas.

cuyos jefes más notables fueron Pablo Veronés, Ticiano y el Tintoretto.

Paolo Caliari o Cagliari (Verona, 1528 - Venecia, 1588), fue un pintor italiano,
figura central del Manierismo veneciano.

Las bodas de Caná, detalle de los

invitados, 1563, Veronese (París,
Museo del Louvre)
Marte y Venus
unidos por
Amor
 Pablo III y sus nietos Alejandro y
Octavio Farnesio

Dánae recibiendo la lluvia de oro

El Tintoretto, (1518 -1594) A aunque no desdeñó el retrato o algunos cuadros de
carácter histórico, su mayor volumen, o al menos el mayor volumen que ha quedado, son cuadros de
carácter religioso.

El Lavatorio
 Apoteosis de san Roque
La presentación de Jesús en el Templo
 Cinquecento Italiano 1530–1600

Si Florencia había sido la ciudad del Quattrocento italiano, Roma será la del Cinquecento; a lo largo del
s.XVI la capital artística de Italia va a "trasladarse" a Roma, principalmente por la enorme influencia
del Papado, el cual se convertirá en gran protector de los artistas y contratante de obras (además,
debido a su enorme herencia clásica, continuaba siendo una ciudad con un enorme tránsito de artífices
a la búsqueda de aprendizaje).
 Giorgione (1477–
1510)
Giorgio Barbarelli da Castelfranco.
Murió con sólo 33 años, la incerteza sobre
cuántas y cuáles obras pintó y su asombrosa
técnica hacen de él una leyenda, más aún
sabiendo lo admirado y querido que fue por sus
colegas coetáneos.
 La vieja (Esta señora nos
recuerda que vamos a
envejecer)
la técnica pictórica de Giorgione era puro
color veneciano aplicado sin contornos,
sin dibujo, algo de extraordinaria
modernidad y una de las contribuciones
fundamentales de este misterioso artista
a la evolución de la pintura occidental

● Título original: Vecchia

● Museo: Gallerie dell'Accademia, Venecia
(Italia)
● Técnica: Óleo (68 × 59 cm.)
Rafael Sanzio (1483–
1520)
Raffaello Sanzio fue uno de los más talentosos
(sino el que más) de los artistas del alto
renacimiento italiano.
Considerado uno de los pilares del Cinquecento,
es también uno de los genios indiscutibles de la
pintura de todos los tiempos por la perfección y
gracia de sus trabajos.
 La escuela
de Atenas
(1511)
Obra magna del renacimiento y
de la historia del arte universal.

● Título original: Scuola

di Atene
● Museo: Museos
Vaticanos, Roma (Italia)
● Técnica: Fresco (500 x
770 cm.)
 El triunfo de
Galatea
(1511)
Galatea intenta escapar como puede de las
flechas del amor carnal. Lo suyo es el rollo
platónico.

● Título original: Trionfo di Galatea

● Museo: Villa Farnesina, Roma (Italia)
● Técnica: Fresco (297 × 225 cm.)
 MADONA SIXTINA
(1514)

Rafael, el niño prodigio del

renacimiento (y con tortuga ninja
propia), plasma a su amante «la
Fornarina» como la Virgen María
en este espectacular cuadro en el
que ya se podia oler el Barroco
(esos cortinajes, la máquina de
humo y sobre todo los dos ángeles
reposando en la parte inferior).

● Técnica: Óleo (265 cm × 196 cm. )

 El milagro de
los panes y
los peces
(1515)

Rafael realizó esta obra para la Capilla

Sixtina, sabiendo que rivalizaría con su
"enemigo" Miguel Ángel.

● Título original: La moltiplicazione

del pane e dei pesci
● Técnica: Temple (360 x 400 cm. )
Cupido y las tres
gracias
(1518)

Maravilloso fresco del joven

Rafael en plena época
dorada.

● Técnica: Fresco
 Rafael y un
amigo
(1520)

El artista se retrata con un

amigo anónimo.

● Técnica: Óleo (99 × 83 cm.)

 ARQUITECTURA
Tras la muerte de Lorenzo el magnifico, la capital del arte
renacentista se mueve de Florencia a Roma, debido a la gran
influencia de los papas Julio II y León X.
Los estados pontificios inician una expansión militar y los
papas se convierten en los mecenas de los artistas. La basílica
de San Pedro será el edificio que marque la pauta durante
todo el siglo.
Es la época de arquitectos como Miguel Angel, Rafael Sanzio,
Bramante o Palladio, que darán lugar al Manierismo.
 Características generales
● En esta etapa los edificios tienden a la
monumentalidad y grandiosidad.
● En los templos se busca un nuevo
planteamiento con el desarrollo de las plantas
centrales. La construcción por excelencia de
este periodo es la iglesia de San Pedro en
Roma.
● El Manierismo, típico de finales del siglo XVI,
introduce en la arquitectura edificios cada vez
mas suntuosos, con decoraciones rebuscadas y
elementos que pretenden captar la atención del
espectador.
● Equilibrio, austeridad y robustez ,
predominando la arquitectura sobre la
ornamentación decorativa .
● Se emplean los volúmenes con un sentido
plástico, buscando contrastes y
desarrollando la utilización de la luz como
un elemento más.
● Predomina en este momento la idea de
riqueza y lujo que va a ser el origen del
Barroco.
 Donato dÀngelo
Bramante (1444-1514)
Tuvo una formación quattrocentista, pero su plenitud
artística la alcanza en el siglo XVI. Su arquitectura se
caracteriza por la severidad y el uso de planta central
cubierta con cúpula.
En 1503 es nombrado arquitecto pontificio, llevando a
cabo dos grandes proyectos: El Palacio de los Papas y la
nueva basílica de San Pedro, que no llegó a comenzar.
 San Pietro in
Montorio.
Roma (1502)
● Es una rotonda de 16 columnas
dóricas que se convierte en símbolo de
la vuelta al espíritu romano.
● Esta considerado uno de los edificios
más armoniosos del Renacimiento.
● A pesar de su tamaño, cumple con las
proporciones y simetría de las
construcciones Renacentistas.
En el claustro de la iglesia de Santa
Marie della Pace Bramante
superpuso dos galerías: la inferior
con arcos de medio unto y la
superior con columnas jónicas que
alternan con pilastras sin ningún
adorno.
La basílica papal de San Pedro (1506)
Michelangelo Buonarrotti
Cúpula de San Pedro del Vaticano
(1558-1561)
● Miguel Ángel vuelve a participar en el proyecto
arquitectónico del que fue expulsado.
● Tras un intento de modificación de la planta original
por recomendación de Rafael Sanzio,
Miguel Ángel vuelve a proponer el modelo original
de Bramante con pequeñas modificaciones en
cuanto a la utilización de la luz.
● Su gran aportación es la cúpula , a la que modificó
suprimiendo el anillo con columnas y dándole un
perfil más elevado , convirtiéndose en el elemento
predominante al suprimir las torres .
Sacristía Nueva
(1520-1534)
Rompe las cadenas de
la arquitectura
iniciando un nuevo
estilo en el empleo de
cornisas, basamentos
y tabernáculos.
 Biblioteca
Laurenziana (1524-
1534)
Utiliza los métodos clásicos
de forma anticlásica .

Consta de sala de lectura y

vestíbulo, en el que se
modifican las columnas para
disimularlas , empleando la
escalera central como
elemento unificador .
 Andrea Palladio
(1508- 1580)

➢ Llamado “Palladio” por su manera de

revivir la armonía grecorromana .
➢ Adapta las formas de la Antigüedad a
las necesidades modernas .
➢ Desarrolla también obras civiles que
se sitúan en el mismo nivel de
esplendor que las obras religiosas.
La Basílica de Vicenza ( iniciada en 1549)
La Villa Capra o La Rotonda
San Giorgio Maggiore de Venecia
Música renacentista italiana
La música italiana se vio condicionada por el papel que
ocuparon los compositores flamencos como: Adrian
Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo
polifónico holandés.

Existían dos tipos de formas musicales: las frottole

(frottola en singular), eran canciones estróficas,
silábicamente musicalizadas a cuatro voces, con
esquemas rítmicos marcados. Se solía ejecutar cantando
la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de
acompañamiento y la contrapartida religiosa de la frottola
fue la lauda.
RENACIMIENTO FRANCES
1. Como en el resto de Europa, en Francia penetró el Renacimiento a principios del
siglo XVI primeramente en detalles decorativos mal asimilados por artistas nativos y
superpuestos a la estética gótica. Más adelante, y muchas veces por medio de
artistas italianos, va profundizándose la influencia clásica y manierista.
Francisco I de Francia (1515 – 1547)

Este rey era un fanático de las artes y un aficionado

de todo lo que provenía de Italia. n Protegió a
importantes exponentes de las artes italianos,
solicitando sus servicios para la Corte francesa,
incluyendo al mismo Leonardo Da Vinci. n
Emprendió un ambicioso programa de
revitalización cultural que revolucionó el desarrollo
de las artes en el país.
El arte francés es de carácter elegante y refinado, cosa que se proyecta en sus obras arquitectónicas. n Los arquitectos franceses del Renacimiento y del
período neoclásico son especialistas en construcciones palaciegas, poseen los castillos más bellos del mundo.
Los Castillos del Valle del Loira

Muestran los rasgos más

característicos del Renacimiento
francés y quizá lo más novedoso: una
perfecta integración de los edificios en
la naturaleza circundante. Un gran
grupo de castillos constituyeron la
arquitectura de Francisco I
 Castillo de Villandry

Muchos lo consideran como

el jardín más hermoso de
Francia. Estos jardines, de
estilo renacentista, incluyen
un jardín acuático, flores
ornamentales y una gran
variedad de vegetación.
Están distribuidos con
patrones formales creados
con arbustos pequeños.
Castillo de Chenonceau.

El castillo presenta una planta

cuadrada, con un vestíbulo central al
que se abren cuatro habitaciones, una
por cada lado. Desde el final del
vestíbulo se accede a la galería que se
encuentra sobre el río Cher. n En la
planta baja se encuentran igualmente
la habitación de Francisco I y el salón
Luis XIV.
Castillo de Blois
En realidad,el Castillo de Blois se compone de varios edificios que fueron construidos entre el siglo XIII y XVIII alrededor del patio central. Esto
explica los distintos estilos arquitectónicos de esta edificación.
Se compone de 4 alas formando un cuadrado regular , rodeado de un vasto patio.
Ala Luis XII

Si se entra en el castillo por el ala Luis XII, llama la

atención su policromía de ladrillo y piedra. La entrada
está coronada por una estatua ecuestre del soberano.
Esta ala es de estilo gótico como lo atestiguan las
molduras, los tribulados y los pináculos de los tragaluces.
Se pueden encontrar, también, algunos elementos de
estilo renacentista, como un pequeño candelabro.
Ala Francisco I
Ala Francisco I La arquitectura y la ornamentación son de estilo italiano. El elemento central es la monumental escalera. Adornada con delicadas
esculturas, se ilumina por medio de grandes ventanales que dan al patio de castillo.
Ala Gastón de Orleans

La realización del ala Gastón de Orleans fue confiada a François Mansart. Esta ala ocupa el fondo el patio, frente al ala Luis XII. La antesala tiene tres
tramos en los que se puede distinguir la superposición de los órdenes dórico, jónico y corintio.
Castillo de Azay le Rideau
Las largas proporciones y las decoraciones
esculturales de Azay son italianizantes Las
torres coronadas por conos puntiagudos, los
montones verticales de ventanas y la alta
azotea de pizarra inclinada son
inequívocamente franceses. La escalera
central es el rasgo principal que un visitante
se encuentra al entrar. Está incorporada
dentro del edificio, más que elevarse
helicoidalmente, en parte encajado en la
pared y visible desde fuera, del modo francés
que es familiar en el Castillo de Blois.
Castillo de Chambord
En la región de los Países del Loira, es uno de los castillos más reconocibles en el mundo debido a su arquitectura renacentista francesa muy distintiva
que mezcla formas tradicionales medievales con estructuras clásicas italianas. n Es el castillo más grande de los Castillos del Loira
El castillo tiene un planta en forma de cuadrilátero rodeado por cuatro torres en sus esquinas dando la apariencia de un
estanque, en cuyo interior se sitúa el torreón que es el edificio principal. Dentro del torreón, en el cruce de los grandes
vestíbulos perpendiculares a los que dan aposentos, la escalera de tramos dobles une las circulaciones verticales y
horizontales y le permite subir a las terrazas o bajar hacia el patio.
El castillo está rodeado por 52,5 km² de árboles, que forman un bosque de 31 kilómetros.
El torreón y escalera de doble hélice

Iniciado en 1519, este cuerpo central del

castillo ya está inspirado en la
arquitectura italiana con sus fachadas y
molduras horizontales. Está rematado por
una torre linterna decorada alrededor de
la cual se despliegan las terrazas. n En su
centro se eleva la famosa escalera de
tramos dobles cuyo decorado esculpido
es una de las obras maestras del
Renacimiento francés.
CHIMENEAS

Las chimeneas eran un síntoma de lujo, imprescindible en una residencia real; sobresalían con un alzado esbeltísimo
sobre el techo del castillo.
Las lumbreras, o ventanas sobre las cornisas responden a un cometido práctico : proporcionar luz natural a las grandes
áreas bajo las cubiertas, pero evidentemente su función primordial es ornamental : y se demuestran un recurso
estupendo.
DETALLES DECORATIVOS

El edificio, como otros de su condición, fue suntuosamente decorado, con ornamentación labrada de calidad. En estos
detalles se quería imitar los motivos romanos antiguos, tal y como los ejecutaban los artistas italianos de comienzos
del siglo XVI.
RENACIMIENTO ALEMÁN
Parte del Renacimiento nórdico, fue un movimiento cultural y
artístico que se extendió entre los pensadores alemanes en
los siglos XV y XVI, que se desarrolló a partir del
Renacimiento italiano.
Johannes Gutenberg (c. 1398–1468)
Nacido Johannes Gensfleisch zur Laden, Johannes
Gutenberg es ampliamente considerado como la persona
más influyente del Renacimiento alemán. Como pensador
libre, humanista e inventor, Gutenberg también creció
dentro del Renacimiento, Su trabajo más reconocido es la
Biblia de 42 líneas (se refiere al número de líneas
impresas en cada página), que se considera el primer libro
impreso con tipografía móvil
Invención de la impresión

La invención de la impresión con tipos móviles

por Johannes Gutenberg en 1450 significaba no
sólo para revolucionar el “panorama de los
medios”, revolucionando los gráficos y su
establecimiento como una forma de arte
independiente.
MARTIN LUTHER (1483-1546), reformador
fue un teólogo y fraile católico agustino que comenzó e impulsó la reforma religiosa en Alemania y en cuyas enseñanzas se
inspiraron la Reforma Protestante y la doctrina teológica y cultural denominada luteranismo.

Biblia de Lutero de 1534

 ERASMUS DE ROTTERDAM
(1469-1536)

fue un humanista, filósofo,

filólogo y teólogo neerlandés,
autor de importantes obras
escritas en latín.

La versión griega que Erasmo

hizo del Nuevo Testamento es la
base de la versión inglesa.
Retrato de Erasmo de Róterdam (1523) por Hans Holbein el Joven.
PHILIPP MELANCHTHON (1497-1560), reformador, humanista fue el creador de la palabra psicología para designar la disciplina a la que se
refería como "el estudio del alma".

Cabeza de una estatua de

Melanchton en una escuela de
Fráncfort del Meno.
Ellos permitieron una reforma de la Iglesia Católica,
dando lugar a la nueva Iglesia Comunidad Cristiana:
a la fe evangélica o protestante.
El líder protestante Martin Lutero enseñó en la
Universidad de Wittenberg, se convirtió en un
refugio de la reforma de la iglesia.
 La pintura de Renacimiento en Alemania
En el siglo XV hay una pintura religiosa basada en los primitivos flamencos, pero con
una fuerte carga de patetismo y violencia.

Los pintores alemanes asumen los problemas de la reforma luterana y los transmite a
la imagen religiosa.
1.Matthias Grünenwald (1.475-1.528) Pintó
principalmente obras religiosas, especialmente
escenas de crucifixión sombrías y llenas de dolor.

Juan Evangelista (largo tiempo

considerado un autorretrato) de
Grünewald
La Crucifixión, tabla central del Retablo
de Isemheim
2.-Alberto Durero (1.471-1.528) fue pintor,
grabador y teórico del arte, era un estudioso de
la vida interior, lo que queda patente en retratos
y autorretratos, para él tan dignos como
cualquier pintura religiosa.
“Adán y Eva”.
“El caballero, la muerte y el diablo”.
3.- Hans Holbein el Joven fue retratista de
la corte de Enrique VIII. Preocupado por la
exactitud y la representación realista y
minuciosa, mostrando atención por el
detalle y la precisión de sus pinceladas.
El Cristo muerto de Holbein
Arquitectura
La arquitectura renacentista en Alemania fue inspirada primero por filósofos y artistas alemanes como
Alberto Durero y Johannes Reuchlin que habían visitado Italia.

mucho las figuras geométricas , ya que para Alberti estas figuras representan la verdadera fe, porque
demuestran significados ideológicos.

Pilastras
Arcos de Medio Punto
Arcos Apuntados
Cruz Latina
La primera construcción de tipo renacentista es la de la capilla de Fugger, en la iglesia de Santa Ana, en
Augsburgo.
Munich

“Michaeliskirche” Iglesia de “Alten Münzen” o la Antigua

San Miguel Casa de la Moneda.
Heidelberg schloß
Schloss Johannisburg

Escudo de armas sobre el

muro del foso
El Ayuntamiento de Augsburgo
“Rathaus Augsburg”
 Renacimiento del Weser
Es una denominación historiográfica con la que se designa el estilo arquitectónico tardo renacentista, típico
del noroeste de Alemania donde estuvo en boga entre 1520 y 1640 y que ha sido bien conservado en los pueblos y
ciudades de la región.

se caracteriza por el amplio uso de gabletes, pináculos entre otros y se utilizó principalmente en la construcción
de edificios públicos.

Pináculos
Gabletes
 Castillos en estilo renacentista del Weser

Castillo de Neuhaus en Paderborn.

Castillo en Celle, acondicionado por Ernesto

el Confesor en estilo renacentista a partir de
1530.
Schloss Hämelschenburg
Ayuntamientos en estilo renacentista del
Weser

Ayuntamiento en Lemgo
Histórico Ayuntamiento de Paderborn
Ayuntamiento de Bremen (Bremer Rathaus)
Edificios en estilo renacentista del Weser

Casa de archivo en Rinteln, según la ciudad, el edificio más pequeño

Brodhaus en Einbeck creado en estilo renacentista del Weser
 Escultura Alemana
A los escultores alemanes les costó
abandonar los ropajes góticos y que
sus personajes adquiriesen el
espíritu clásico

Veit Stoss en el retablo de la Virgen en Santa María de Cracovia

Relieves de la catedral de Bamberg
Como «mundo esculpido» se trata a menudo de altares de dos y hasta cuatro hojas
totalmente esculpidas, con agujas y altos pináculos que albergan, en su parte central,
la «caja», con una escena religiosa. Vasari, conocedor del estilo alemán, decía sobre
él:

(...) paciencia y sutileza grandísima... los escultores operan

continuamente de guisa que reducen las cosas a tanta sutileza que dejan
pasmado al mundo.
Caja central del altar de Blaubeurer obra de Michel Erhart .
Michael Pacher; entre sus obras
se destaca el altar mayor de San
Wolfgang, de once metros de
altura y donde se combina
magistralmente la pintura con la
escultura.
Peter Vischer
Mausoleo del emperador Maximiliano en Innsbruck, que debía agrupar
a cuarenta estatuas de tamaño mayor del natural y cien estatuillas
menores con cuarenta bustos de emperadores.

De este trabajo sólo se llegó a realizar una tercera parte, y las

esculturas realizadas fueron fundidas en bronce.
Mausoleo del emperador Maximiliano en Innsbruck
 RENACIMIENTO ESPAÑOL
El Renacimiento se extendió de Italia a España de forma tardía y el
Renacimiento en España llegó a su auge en la segunda mitad del siglo
XVI y a principios del siglo XVII, principalmente en la literatura y el
arte.
Lope de Vega
(1562~1635)
llamado Fénix de los ingenios por Miguel
de Cervantes, es el padre del drama
nacional de España. Renovó las fórmulas
del teatro español en un momento en el
que el teatro comenzaba a ser un
fenómeno cultural de masas. Su obra
maestra es Fuenteovejuna.
Miguel de Cervantes
(1547~1616)

Es el escritor más grande en la historia

literaria de España. Sin duda alguna, su
obra maestra Don Quijote de la Mancha
es conocida hasta los rincones de toda la
España.
El Greco（1541~1614）
Fue un pintor del final del Renacimiento
que desarrolló un estilo muy personal en
sus obras de madurez. Nació en Creta,
residió diez años en Italia, donde se
transformó en un pintor renacentista y
luego llegó a España.
La Trinidad (1577)
La Trinidad es una de las obras pictóricas
realizadas en óleo sobre lienzo por el
artista del manierismo Domenicos
Theotokopoulos, más conocido como El
Greco.
Estilo Plateresco
El Plateresco se desarrolló en España durante el primer tercio del siglo XVI. Sus
características son:
● Continuidad y permanencia de las estructuras góticas.
● Decoración abundante de estética ya renacentista: conchas, motivos heráldicos,
sillares almohadillados, elementos arquitectónicos clásicos como frontones y
entablamentos...
La decoración se realiza con mucha minuciosidad. Se aplica a todo tipo de arquitectura:
civil (universidades, palacios) y religiosa (conventos, iglesias).
Palacio de Cogolludo en Guadalajara.
Arquitecto: Lorenzo Vázquez de Segovia
Fachada de la Universidad de Salamanca.
CATEDRAL DE GUADIX
Monasterio de el Escorial
OBJETUAL
 La Vestimenta en el Renacimiento
El Renacimiento estará marcado por el nuevo paradigma de pensamiento, que es el antropocentrismo basándose
en la idealización de la figura humana. Por ello esta idea se verá reflejada en el desarrollo de la industria textil,
las prendas eran confeccionadas por sastres, y se adapta a los gustos de la clientela. Gracias a la mejora de los
medios de comunicación, en especial los medios marítimos con nuevas técnicas e instrumentos de navegación
favorecieron al transporte de mercancías de lujo. Siendo las industrias de textil más importantes: Lyon, Amberes,
Flandes.
CARACTERÍSTICAS DE LA VESTIMENTA EN EL RENACIMIENTO
Indumentaria Femenina
La indumentaria básica era una camisa interior de lino blanco, manga
larga, sobre ella un vestido de cintura alta de color contrastante. A
fines de siglo el escote se hizo en forma de V hasta la línea de la
cintura, se añadió una pieza de tejido rígido para tapar el pecho a
modo de triángulo invertido llamado tassel. Las mangas se abrían a la
altura de los hombros y de los codos, en la parte posterior, para dejar
asomar por las aberturas las mangas de la prenda interior.
Indumentaria Masculina
Se mantuvieron las prendas de la Edad Media, añadiendo colores
brillantes, en forma de parches, rayas, cuadrados y triángulos. Los
nobles podían vestir a sus sirvientes con los mismos colores que
usaban ellos, en actividades específicas tenían reservados ciertos
colores, como por ejemplo, el rojo se utilizaba en las actividades
rurales. Las prendas acentuaban el físico, los hombros, pectorales, se
acolchaban los abrigos con heno y se colocaba un cinturón en la
cintura. Se dejaron de usar las calzas, siendo reemplazadas por las
medias, acentuándose por medio de la bragueta la entrepierna. El
calzado que se utilizaba en la Edad Media, en punta fue reemplazado
por el denominado “pico de pato” que poseía su punta ancha y
redondeada en la puntera.
El traje de Italia va estar caracterizado por mangas amplias, camisa, escote cuadrado y cintura ceñida y
cuchillas.
LA ROPA FRANCESA
Estaba compuesta por Corset, Verdugado
Español (falda casi de tambor) y mangas
estrechas, pliegues, usaban bragas como
ropa interior, calzas ( medias de seda) y
camisa. Como tercera piel usaban el
marlotte y como accesorios usaban el
Attifet, gorguera y cuchilladas. Otra
característica de la prenda Francesa estaba
marcada por el tambor.
Los hombres y mujeres de la clase media
utilizaban prendas con mangas
desmontables o con doble manga, una
estrecha sujeta a la prenda interior, y otra
más amplia sujeta al cuerpo del vestido,
permitiendo de esta manera cambiar el
aspecto de una prenda.

La vestimenta cumplia el objetivo de

acentuar el aspecto físico femenino,
resaltando los hombros que se
manifestaban amplios, el talle largo y
estrecho y las caderas amplias.
Peinado

HOMBRES
Se usaba cabello corto, prolijo y con barbitas muy bien
cuidadas. Los jóvenes seguían con el corte “paje”. La
barba daba importancia a quien la llevase, era un
símbolo de status (no había rey o aristócrata que no la
usase). El aspecto “cuidado” de los varones era muy
atractivo a los ojos femeninos.
MUJERES
En Francia se usaban cabellos sueltos con pequeñas
vinchas o con torzadas, pero siempre el pelo estaba “a
la vista”, tornándose en un objeto de deseo. No así en
otros países: Las mujeres recogían sus cabellos en
rodetes tirantes o lo sostenían con redecillas
adornadas en la nuca. Algo muy común en todo el
mundo fue usar unas coronas con forma de vincha y
con telas cayendo por detrás para preservar el cabello
de la suciedad y el polvo. Estas telas eran de raso, seda
o terciopelo. Jamás se usaron en Francia: Como
siempre, Francia “marcaba estilos”.
CABELLO SUELTO EN FRANCIA
PEINADO CON TORZADAS

RODETE
TOCAS CUBRIENDO EL CABELLO
ANA BOLENA Y CABELLO SIN TOCA
Pelo Masculino
Un caso aparte es Isabel Primera, Reina
de Inglaterra, hija de Ana Bolena y
Enrique VIII, quien gustaba afeitarse la
parte superior de su frente pues
consideraba que “la frente ancha
denotaba mayor inteligencia”. Y
ciertamente esta Reina fue mucho más
inteligente que el resto: Fue la que le dió
la grandeza y el poder a Inglaterra
durante su largo reinado.
Maquillaje
La tendencia era llevar cejas finas y tez muy blanca
haciendo también uso de los coloretes. Las mujeres
depilaban la frente para darle amplitud y las cejas al
punto de hacerlas desaparecer. Se maquillaban los
ojos, los ojos se delineaban con negro, mientras que
los párpados eran coloreados con azul o verde y los
labios llevaban colores rojos intensos en forma de
corazón. También solían pintarse lunares, ya que se
consideraban estéticos.
Se teñían el pelo color rubio y adornaban sus tocados.
Se siguió manteniendo la poca higiene corporal, pero
se aplicaban perfumes para ocultarlo.

También solían pintarse lunares, ya que se

consideraban estéticos. Se teñían el pelo color rubio y
adornaban sus tocados. Se siguió manteniendo la poca
higiene corporal, pero se aplicaban perfumes para
ocultarlo.
GRACIAS