PALACIO DE BELLAS

ARTES
Exposición Temporal:

“El Arte De La Música” ♪♫

ABRIL UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

2016 FACULTAD DE QUÍMICA

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 El Arte De La Música ♪

PALACIO DE BELLAS ARTES

HISTORIA

El Palacio de Bellas Artes tiene como antecedente inmediato

al edificio que albergaba al antiguo Teatro Nacional,
considerado el más importante en su género en la vida
artística y cultural de nuestro país durante la segunda mitad
del siglo XIX.

Al iniciarse el siglo XX, como parte del programa de obras arquitectónicas con las que se
estaba embelleciendo a la Ciudad de México, se pensó primero en renovarlo, pero se
optó por demolerlo para construir otro, acorde al crecimiento urbano y cultural de la
Ciudad.

La ubicación del nuevo teatro fue objeto de un minucioso estudio tanto por parte de las
autoridades como por su arquitecto, el italiano Adamo Boari. Finalmente, en 1901 ya se
había decidido que se situaría a un costado de la Alameda Central.

La historia de la construcción del nuevo Teatro Nacional, llamado después Palacio de

Bellas Artes, es compleja y tiene una dinámica singular; dos épocas importantes de la
historia de nuestro país la definen: el régimen de Porfirio Díaz y la Revolución Mexicana.

A partir de 1930, bajo la presidencia de Pascual Ortiz Rubio, el arquitecto Federico E.

Mariscal fue el encargado del proyecto de la conclusión del Teatro Nacional; sin
embargo, no es sino hasta 1932, con el apoyo del secretario de Hacienda, Alberto
J.Pani, que la obra fue revitalizada con las instrucciones precisas de concebir un edificio
que albergara varios museos, de ahí que por primera vez en 30 años se cambiara el
nombre del edificio, de Teatro Nacional al de Palacio de Bellas Artes.

Debido a la fuerte inversión que se requería para acabar el recinto, éste debía
responder a una necesidad social y ser de utilidad pública.
Así, el Palacio de Bellas Artes fue concluido por el arquitecto Mariscal el 10 de marzo
de 1934.

La altura del edificio es de 53 metros hasta el espiral y 42,5 m hasta el techo. Cuenta
con 4 pisos y un estacionamiento subterráneo. Además de la sala principal, hay otros
espacios, como la Sala Manuel M. Ponce, la Sala Adamo Boari, una cafetería, una
librería y salas de exposiciones tanto temporales como permanentes.
HISTORIA DE SU COLECCIÓN
Este recinto alberga diversos escenarios y salas
para la práctica y exposición de obras de arte.
Destaca la gran sala de espectáculos. Tuvo un
aforo para 1 977 personas, pero después de
su modernización perdió 300 butacas.
El escenario es de veinticuatro metros de
longitud. En él se encuentra el gran telón anti
fuego (único en el mundo dentro de un teatro de
ópera) con la imagen de los volcanes Popocatépetl e Iztaccíhuatl. En el techo de la sala
se encuentra la lámpara de cristales, que fue diseñada por el húngaro Geza Marotti y
en la que se representa al dios griego Apolo rodeado de las musas de las artes.
Inaugurado con el nombre de Museo de Artes Plásticas el 29 de noviembre de 1934,
fue el primer museo de arte en México, es decir, el primer recinto cultural dedicado a
exhibir objetos artísticos para su contemplación. En su acervo se incluían piezas desde el
siglo XVI hasta los murales de 1934 de Diego Rivera y de José Clemente Orozco, así
como una sala de escultura mesoamericana, otra de estampa mexicana y un Museo de
Arte Popular, que albergaba la colección de Roberto Montenegro.
En 1947, aprovechando la creación del Instituto Nacional de Bellas Artes, el museógrafo
y promotor cultural Fernando Gamboa y los pintores Julio Castellanos y Julio Prieto
modificaron el proyecto en el Museo Nacional de Artes Plásticas. A su vez incorporó un
amplio panorama de arte mexicano, un nutrido programa educativo y un vasto plan de
publicaciones que promovía a distintos niveles la riqueza artística nacional.
A partir de 1968 se conoce al conjunto de las salas de exhibición del Palacio con el
nombre de Museo del Palacio de Bellas Artes, que no solamente fue el primer museo
dedicado a la producción plástica, sino también el origen indiscutible del sistema de
museos de arte en México. Desde entonces, el museo se ha encargado de constituir la
principal plataforma de acción y espacio de exhibición de artistas nacionales e
internacionales.
De la enorme colección que albergó durante la primera mitad de su historia, el Museo
del Palacio de Bellas Artes exhibe de forma permanente murales realizados por Diego
Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, Roberto
Montenegro, Manuel Rodríguez Lozano y Jorge González Camarena, pinturas que no
son obras estáticas, sino que mantienen una dinámica permanente relacionada con la
historia nacional y universal, mantiene un intenso programa de exposiciones temporales,
así como una gran cantidad de actividades para todo público.
La Orquesta Sinfónica Nacional, la Compañía Nacional de Teatro, la Compañía Nacional
de Ópera y la Compañía Nacional de Danza presentan sus temporadas en este recinto.
PROPÓSITO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES
Entre algunos de los propósitos se encuentran preservar y
difundir el patrimonio artístico nacional, difundir y promover la
creación de las artes e impulsar la educación e investigación
artísticas con la participación de los tres niveles de gobierno y
de la sociedad para mejorar la calidad de vida de los
mexicanos.
También fomentar, estimular, crear e investigar las bellas artes
en las ramas de la música, las artes visuales, el teatro, la danza,
la literatura y la arquitectura en todos sus géneros.

ESPECÍFICOS

⦿ Mantener, impulsar, fortalecer y expandir un sistema nacional de formación artística,

a fin de que el arte sea constitutivo de la formación integral de los mexicanos.

⦿ Velar por la preservación del patrimonio artístico nacional a través del fortalecimiento
y actualización de los mecanismos de catalogación, registro, conservación, protección y
restauración, tanto en aspectos normativos como en los técnicos y de gestión.

⦿ Fomentar la creación artística mediante una oferta de programas y servicios

integrales de calidad que propicie el acercamiento y la sensibilización de la sociedad.

⦿ Posicionar al INBA como una institución en pro del bienestar social a través del
fomento, creación, estímulo, investigación y difusión del arte.

⦿ Fortalecer las opciones y modalidades de formación artística de calidad en el país,

tanto en la educación formal como no formal.

⦿ Consolidar la asistencia y participación del público existente, a la vez que se generen

nuevos públicos para la apreciación y creación artística en todos sus rubros.

⦿ Creación de un modelo de participación infantil y juvenil, en todos los ámbitos

artísticos que el INBA ofrece, a través de talleres y presentaciones que involucren a este
sector en crecimiento de la sociedad.

⦿ Fomentar la interculturalidad artística con otros países.

Es así como se ha logrado ubicar a este museo como un recinto histórico y moderno capaz
de despertar el interés de visitantes nacionales y extranjeros
“El Arte De La Música”
La exposición que organiza el Museo del Palacio de Bellas
Artes, en colaboración con el Museo de Arte de San Diego,
es una exploración multifacética sobre el diálogo entre el
arte y la música, así como un repertorio de formas que los
artistas visuales han desarrollado a partir de sus
elementos.

Pretenden acercar al público a los enfoques y análisis teóricos sobre la influencia de la

música en el arte. El arte de la música presenta una perspectiva interdisciplinaria sobre
las coincidencias y diferencias conceptuales que han existido entre la imagen y el sonido
a lo largo del tiempo. Asimismo, aborda las conexiones musicales entre las artes de Asia,
África, el continente americano y Europa desde la antigüedad hasta nuestros días.

Los artistas plásticos han buscado representar la música retratando actividades humanas
que involucran rituales y escenas cotidianas. Con estas premisas se han elegido más de
un centenar de piezas de artistas nacionales y extranjeros elaboradas en diversas
técnicas, las cuales ofrecen un amplio panorama de la iconografía de la música en las
artes plásticas.

Examina los motivos de la música y su naturaleza simbólica en las obras de arte, tomando
como punto de partida la antigüedad grecorromana pasando por las sociedades
prehispánicas hasta las expresiones de artistas de la modernidad que han tomado a la
música como un tema de representación.

La música tuvo un papel tan importante para la antigüedad clásica que los panteones
griego y romano se plagaron de dioses y héroes involucrados con esta forma de arte,
algunos de ellos se consideraban portadores de un encanto seductor gracias a su
capacidad de tocar música, hechizando a hombres y bestias.

Por otro lado, en el mundo prehispánico la representación del objeto musical en ocasiones
evoca las actividades del hombre en su contexto social y cultural; en la agricultura, por
ejemplo, el “acto ritual” del hombre que consistía en tocar la flauta, el silbato, el cascabel
o el tambor, era un acercamiento a cierta divinidad tutelar que favorecía dicha
actividad.
LOS INSTRUMENTOS MUSICALES EN EL ARTE
Es creencia común que las musas inspiran a los artistas y los dotan de cualidades creativas
que les permiten realizar obras de arte; tocados por esos atributos, se les considera
especiales. Los pintores han querido plasmar lo musical a través de la representación de
instrumentos y quienes los ejecutan, poniendo énfasis en ese momento de encuentro entre
ambos.
En otros casos, los instrumentos tienen una función social pues adoptan formas
relacionadas con las actividades cotidianas, tal como se aprecia entre las culturas
prehispánicas.

OBRAS ELEGIDAS

La primera obra que llamó mi atención y me

gustó tanto el manejo del color y la técnica
para pintar fue “Orfeo guía a Eurídice fuera
del inframundo” de Jean Baptiste Camille
Corot ya que al verla es como si tu estuvieras
viendo desde lejos de pie como va Orfeo por
el bosque guiando a Eurídice, me quedé
mucho tiempo observándola porque al fondo
aparecen más personas, pero están como si nada estuviera ocurriendo, es decir parece
que están en un día normal.

Ésta obra está llena de detalles sobre todo en las pinceladas que casi no se notan y casi
logró dejarme con la boca abierta es como si al estarla mirando de repente estuvieras
dentro del cuadro en esa escena en pleno bosque. ¡Con razón es la portada de la
exposición! Hermosa obra que le hace justicia
al mito griego hay una imagen gigante de
ella cuando entras a bellas artes
promocionando la exposición.
 La Segunda obra que me gustó fue Apolo y las
Musas de un pintor anónimo ya que después de
las clases en la que se habló de cultura griega me
llamó la atención que los griegos tenían un dios
para cada cosa, sentimiento o situación, en este
caso Apolo es el centro de atención y
protagonista del cuadro.

De acuerdo con la mitología griega había muchas figuras míticas que tenían la
capacidad de tocar música de tal forma que nosotros los humanos caíamos hechizados
con esas melodías. De las 9 musas de acuerdo con la información del museo Euterpe,
Eraro, Polimnia y Terpsícore están asociadas a la música. En cuanto a Apolo él es Dios
del vaticinio y de la música hijo de Zeus y Leto; dios pastoral, cuyos amores con las Ninfas
y los mancebos lo unen íntimamente con la vegetación y la Naturaleza; pero también es
un dios guerrero capaz de enviar desde lejos una muerte rápida y dulce.
Me gustó el cuadro porque ¡logró engañarme! Yo creí que era una escultura de mármol
o yeso pegada en la pared con un fondo pintado, pero resultó ser una pintura muy bien
hecha logrando un efecto de tercera dimensión.
En el centro apreciamos a Apolo con una especie de
Arpa y las musas parecen observarlo, dándole ideas
para que componga alguna melodía y quedando
encantadas con lo que va componiendo.

Fue difícil elegir la tercera obra pues estaba

una de los Sex Pistols de Hans Burkhardt en
el apartado de Rock y contracultura (Sex
Pistols es una de las bandas que me gustan
porque mi género musical favorito es el Punk
Rock) pero decidí que la elegida seria Pitos,
Máscaras y Escaleras III es una obra de
Jazzamoart hecha en México, llamó mi
atención el músico que parece tocar un
saxofón y otras figuras que parecen seguir la
armonía con sus instrumentos también y al mismo tiempo bailar mientras suben o bajan
la escalera, al ver esta pintura parece que hicieron una fiesta en una casa vieja y
abandonada con poca iluminación. La técnica de este pintor me pareció muy buena ya
que en ninguna parte del cuadro hay curvas más que en los instrumentos, en todo hay
siempre líneas rectas y distintas tonalidades de color azul blanco, amarillo y negro.
Sobre el pintor encontré una frase que me gustó:
“Si Jazzamoart pinta como prolongación más que como
respuesta a la música del universo sus colores, sus trazos,
sus pinceladas se vuelven ígneos y hacen que esa
condición a veces rocosa sea también de carácter líquido.”

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De las 3 obras elegidas decidí quedarme con la obra de Orfeo porque fue la que mejor
me dio el mensaje acerca de “El Arte de la Música” y supongo que era el objetivo pues
es la portada de la exposición.

ICONOGRAFÍA
La pintura está hecha en óleo sobre tela y los colores
que predominan en ella son el color verde, café,
negro y amarillo.
Fue la elegida de entre las tres por el manejo del
pintor en sus pinceladas ya que son muy pequeñas y
logran un buen efecto para hacer las copas de los
árboles y dar una sensación de que hay niebla en el
bosque o es un día nublado además de que es como si el pintor hubiese tomado la foto
desde lejos pues la forma en que la ropa de ambos personajes está pintada nos da una
sensación de movimiento, el manejo de la luz en esta pintura se centra en el centro del
cuadro donde esta Orfeo y Eurídice ya que está el color blanco y da la impresión del
que al fondo y a lo lejos más allá de donde están las personas no hay absolutamente
nada. La expresión de los personajes no podemos adivinarla fácilmente porque no están
mirando hacia el espectador, Orfeo mira hacia el lado contrario y Eurídice mira de perfil
muy seria que es lo único que se puede ver.
ICONOLOGÍA
Orfeo guía a Eurídice fuera del inframundo es una obra hecha en
1861, lienzo de Jean Baptiste Camille Corot, incluido en la
exposición El arte de la música. El cuadro fue adquirido por el
Museo de Bellas Artes de Houston, con recursos proporcionados por
el Agnes Cullen Endowment Fund de Texas.
El tema principal de la obra es la historia trágica de Orfeo y
Eurídice. Orfeo, hijo de Apolo, era poeta y músico. Tocaba la lira
que su padre le regaló de tal forma que cautivaba a los hombres
e hipnotizaba a las bestias.
Un día se enamoró de Eurídice y se casó con ella. Una tarde que paseaba Eurídice por
el valle del río Peneo se encontró con Aristeo quien intentó besarla. Al huir del ataque
pisó una serpiente que la mordió. En poco tiempo el veneno la mató. Orfeo, dolido por
la muerte de su amada entonó a orillas del río Estrimón la música más triste jamás oída.
Las ninfas y los dioses conmovidos lo persuadieron de bajar al inframundo y traer a
Eurídice de vuelta. Así lo hizo Orfeo quien con su música seducía a todos lo que encontró
a su paso incluso a los mismos dioses del inframundo: Hades y Perséfone.
Orfeo logró llevarse a Eurídice no sin antes escuchar que Hades le advertía “debes
caminar delante de ella y sin volverte a mirarla. La podrás ver sólo cuando ambos hayan
llegado a la luz y ella haya sido bañada de pies a cabeza por los rayos del sol”. Al
salir a la luz Orfeo se volvió a mirar a su amada, sin darse cuenta que uno de sus pies
aún estaba en la sombra. Eurídice desapareció y Orfeo la perdió para siempre.
Jean-Baptiste-Camille-Corot, uno de los artistas participantes en El Arte de la música,
retrata de manera sublime el viaje emprendido por los enamorados en ésta obra, él fue
un pintor francés de paisajes, uno de los más ilustres de dicho género y cuya influencia
llegó al impresionismo.
Corot es el precedente más claro de los impresionistas, ya que fue el primero que le dio
carta de naturaleza a la pintura al aire libre. La revolución impresionista radicaba
precisamente en la fidelidad a la sensación óptica obtenida ante la naturaleza en
determinadas condiciones de atmosféricas y de luz. Corot fue el primer pintor que
expresó esa sensación en sus cuadros.
Charles Baudelaire y Théophile Gautier le dedicaron artículos elogiosos. Fue un hombre
sencillo y generoso con sus amigos y alumnos, tanto en lo que se refiere al dinero como
al tiempo (llegó incluso a firmar cuadros de compañeros poco afortunados), lo cual le
valió el sobrenombre de père Corot (padre Corot).
Camille Corot falleció el 22 de febrero de 1875 en París.
CONCLUSIÓN
la exposición del museo me pareció muy buena pues desde la primera pintura logra
dejarte el mensaje de que la música es arte. Me parecieron buenos los recursos utilizados
como fueron audífonos con música relacionada con las pinturas. La música ha estado
siempre presente en cada una de las culturas del mundo como se apreció en todo el
museo, desde los griegos donde es más representativa hasta en nuestro país.
La exposición logra que utilicemos nuestros sentidos de la vista y el oído al máximo pues
son indispensables para lograr comprender todos y cada uno de los mensajes en las
pinturas.
Me gustó la exposición porque yo siempre estoy escuchando música casi a todas horas y
toco la guitarra, mis géneros favoritos son el country y el rock, de este último hubo
pinturas casi al final de la exposición con el título de Rock y contracultura. Fue más que
una tarea de ciencia y arte una buena experiencia para distraerse de la rutina, en mi
clase de Relaciones Humanas el profesor también nos recomendó ir.
Fui al museo con mi amiga Selene que estudia psicología, espero que le haya gustado
tanto como a mí, el día que asistimos no estaba tan lleno, pero si había algo de gente
que se amontonaba en las partes donde había audífonos o pantallas. Me gustó que el
museo ofreciera también una lista de reproducción en Spotify ya que así entras en
ambiente y si algún día en el futuro escuchas las canciones recordarás la exposición.