HISTORIA DEL

ARTE DEL
SIGLO XX

Profesora: Bettina Riverón

Robert Delaunay: "Formas circulares" (1930)
“No existe, realmente, el Arte. Tan solo hay
artistas”
“ARTE:
tal palabra puede significar muchas
cosas distintas, en épocas y lugares diversos,
y debemos advertir que el Arte, escrita la
palabra con A mayúscula, no existe, pues el
Arte con A mayúscula tiene por esencia que
ser un fantasma y un ídolo.”
E. H
Gombrich
Algunos de los
problemas que
nos enfrentamos
en el análisis del
arte:
• El gusto por ver en él lo que también nos
gustaría ver en la realidad.
Esto puede ser nocivo si nos lleva a rechazar obras
que representan asuntos menos agradables.
Por otra parte, se debe tener en cuenta que los gustos
e ideales de belleza son altamente variables.
• Querer admirar la destreza del artista al
representar los objetos, y lo que, a
algunos, más les gusta son aquellas
obras en las que algo aparece «como si
fuera de verdad».
Nunca deberemos condenar una obra por estar
“incorrectamente” realizada, a menos que estemos
completamente seguros de que el que está equivocado
es el artista y no nosotros.
• Propendemos a aceptar colores o formas
convencionales como si fuesen exactos.

Pero deberíamos apreciar el arte con una mirada

limpia y encontraríamos que las cosas pueden
adoptar las coloraciones y formas más sorprendentes.
A NO OLVIDAR:
 No existe mayor obstáculo para gozar de
las grandes obras de arte que nuestra
repugnancia a despojarnos de
costumbres y prejuicios
 Las que nosotros llamamos obras de arte
no constituyen el resultado de alguna
misteriosa actividad, sino que son
objetos realizados por y para seres
humanos.
 “Sobre gustos no hay nada escrito» puede
ser verdad, pero no debe negarse el
hecho comprobado de que el gusto
puede desarrollarse.
 Nunca se acaba de aprender en lo que al
arte se refiere. Siempre existen cosas
nuevas por descubrir.
Miremos el arte con ojos
limpios para poder
aventurarnos en un
verdadero viaje de
descubrimiento.
 El arte del siglo XX es un fenómeno complejo, lo cual es
lógico ya que el siglo XX es complejo.

Será un “arte nuevo para un siglo nuevo”, en el cual se

vive un clima general de cambio.

El siglo XX es de crisis, y su arte será reflejo de ello.

Dos Guerras Mundiales, genocidios, consumo, tecnología ,
valores de mercado, globalización… etc, generarán sus
efectos en todas las producciones humanas.

Pablo Picasso. “Guernica” (1937)

El arte del siglo XX lo podemos dividir en
dos grandes vertientes:

- EL ARTE MODERNO (principios de siglo hasta la

década del ‘60).

- EL ARTE CONTEMPORANEO (a partir de la

década del ‘60 hasta finales de siglo)
 ARTE MODERNO

W. Kandinsky“Der Blaue Reiter”. (1903)

Cuando la gente habla de arte moderno, piensa
generalmente en un tipo de arte que ha roto por
completo con las tradiciones del pasado y que
trata de realizar cosas que jamás hubiera
imaginado un artista de otras épocas; pero en
realidad es mucho más complejo.
Los artistas modernos procuraron ser originales en lugar de perseguir la
maestría que admiramos en los grandes artistas del pasado.

Durante la revolución artística que alcanzó su apogeo antes de la

primera Guerra Mundial, el entusiasmo y la admiración por la escultura
negra fue el denominador común de todos los jóvenes artistas, también
fue un volver a los egipcios y a su procedimiento de representar en una
pintura todo lo que conocían, y no lo que veían.

Los rebeldes del siglo XIX ya habían propuesto proceder a una limpieza
de todos los convencionalismos
Las bases del arte Moderno las podemos rastrear
en Van Gogh, Gauguin y Cézanne.

El común denominador será aquella búsqueda de

expresividad, estructura y simplificación que los
nuevos movimientos habían heredado de los
experimentos de estos tres rebeldes solitarios
  Van Gogh
(1853 – 1890)

Figura clásica de
artista excluido,
que no se
identifica con la
sociedad en la que
vive ni con su
cultura… no se
siente parte. Busca
la dimensión ética
del arte.

Vincent van Gogh, “Autorretrato con sombrero de fieltro gris” (1887)

 Gauguin
(1848 – 1903)
Se aleja de la cultura en la
cual no se siente cómodo.
Y pone su mirada sobre
otras culturas, según él, no
contaminadas por el
capitalismo
Paul Guaguin. “Autorretratro con
sombrero”. (1893)
  Cézanne
(1839-1906)

Se preocupa por
las formas y el
color. Mirará el
objeto con
preocupaciones
formales.Realiza
investigaciones
plásticas que serán
inspiración para
sus sucesores.

P. Cézanne. “Autorretrato con boina” (1900)

 Van Gogh y Gauguin harán que los artistas
se apasionen por los colores simples e
intensos y se aventuren a «bárbaras»
armonías.
En todos ellos ya se aprecian las principales
características de quienes serán sus sucesores,
los artistas modernos.
 LAS
VANGUARDIAS
El término VANGUARDIA ha sido uno de los más utilizados para
el desarrollo del arte en el siglo XX.
Para algunos el vanguardismo, o arte de vanguardia es una
característica del modernismo.

El término es de origen medieval, formando parte del lenguaje

militar. Ya en el siglo XIX empezó a ser utilizado en sentido
figurado con relación al arte, y, en el XX constituye un término
clave para el mundo del arte.
Literalmente implica la idea de lucha, de combate, de pequeños
grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan
por delante.
En lo que refiere al arte, la vanguardia, se manifestó, como acción de
grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos
establecidas y aceptadas por la mayoría.
Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios
asumidos por las clases altas económicas e intelectuales hablando con
ánimo de ruptura.
Estos en ocasiones fueron movimientos provocadores y agresivos.

Por lo tanto se hace imposible comprender el concepto de Vanguardia sin

asociarlo con actitudes progresistas y un elemento transformador.

Una pieza clave para comprender los movimientos de vanguardia son los
“Manifiestos” que a modo de declaración pública recogía los propósitos
de actuación, en ocasionas con términos y lenguaje contundente, al igual
que los documentos políticos.
El Manifiesto de los pintores Futuristas (redactado en Milán,
en 1910 ), da una buena plasmación del
carácter más típico vanguardista en general, pero también
claramente explícitos la euforia, el
desafío la provocación y, frente a los valores establecidos , la
originalidad y la innovación, así como
una significativa fe en el progreso, fe en el avance y
transformación de la Humanidad hacia una
situación, supuestamente, mejor, está en la base del concepto
de vanguardia, con su dinámica
sucesión de “ ISMOS”.
Es fundamental contextualizar estos movimientos en un período de
rupturas, como la I Guerra Mundial. En lo referente al arte
específicamente, nacen allí los Salones de París, en lo cuales los
artistas de Vanguardia fueron muchas veces rechazados. Tal vez fue
allí el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y el
intelectual de la época

Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y

comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese
mundo convulso que provocaba situaciones miserables y
desafortunadas.
Aquel era un mundo que gritaba a voz en
cuello que estaba cambiando:
♦ La segunda revolución Industrial (con el surgimiento del motor
de explosión).

♦ La publicación de la Teoría de la
Relatividad.

♦ La interpretación de los sueños de Sigmund Freud.

♦ La popularización de la fotografía.

♦ El nacimiento del Cine…

 IMPRESIONISMO
(1874 – 1910)

C. Monet. “Impresión, salida del sol” (1873)

Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de
vanguardias al Impresionismo, fue el primer movimiento que se rebeló
contra los gustos que imperaban en la época. En su caso,
el Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba
de la acogida que pudiera tener su trabajo, en favor de una nueva manera
de captar la realidad que tarde o temprano se acabaría reconociendo
Manet fue su precursor, abandonando la pintura tradicional por la pincelada
directa y cargada.
El Impresionismo nace como tal en una exposición celebrada en los salones
del fotógrafo Nadar. Participaron treinta y nueve pintores, conscientes ya de
formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que defender.

Ponen toda su atención en captar la realidad, el

instante, la impresión.
Es una pintura de aire libre, que se resuelve ante el motivo en cuestión.
Dado que las condiciones lumínicas de los paisajes cambian a cada segundo,
requiere una pincelada rápida y directa, que permita resolver una obra en
pocos minutos. Es lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura.
En 1910 no encontramos con los Postimpresionistas, los
verdaderos padres del arte moderno, como ya fue
mencionado.
Van Gogh, Gauguin… les une el hecho de haber comenzado
su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan
su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, de
manera muy personal e innovadora y de con una visión más
subjetiva y manipulada del mundo.
 PAUL GAUGUIN 
"¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?", 1897 
CHILDE HASSAM
"La Avenida bajo la lluvia" - 1917. 

(Este artista fue una figura clave del Impresionismo americano.)

 CLAUDE MONET 
“Nympheas (nenúfares)" 1920-1926.
La serie de los nenúfares realizada por Monet ha sido descrita como "La
Capilla Sixtina del Impresionismo". 
 FAUVISMO
(1905 -1907)

H. Matisse. “La mesa roja” (1908)

Surge en el Salón de arte de 1905, cuestiona el Arte como representación
de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por
medio del color.

Su nombre parte del termino Fauve, que es en francés “fiera salvaje”. Los
críticos denominaron así por su violencia cromática, su abierto desdén por
las formas de la naturaleza y su complacencia en los colores violentos.
Es un movimiento artístico muy sentimental, muy ligado a las
circunstancias del momento. Es más expresivo que realista, plasmando
formas simples y colores.
Para algunos historiadores del arte fue una reacción al Impresionismo.

Uno de sus principales exponentes es Henri Matisse.

Esta corriente será una gran influencia para el expresionismo.
MATISSE
“La Raya Verde” 1905
 MATISSE

“La alegría de
vivir” 1905
ANDRÉ
DERAIN

“Puente de
Charing Cross”
1906
 EXPRESIONISMO
(1905 -1913)

Munch. “El Grito”. (1893)

Forma, color y textura están al servicio de la
transmisión de los estados de ánimo del
autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en
sentido estricto ya que se desvincula por fin del
referente.
Es una pintura subjetiva que deforma y exagera.
Una de las grandes influencias de esta corriente
fue el noruego Edvard Munch
Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados
“Die Brücke” (el puente) fundado en Dresde, en 1906 y “Der blazer
Reiter” (el jinete azul) fundado en Munich en 1912; ambos con rasgos
comunes aunque con alguna diferencia estilística.

Los expresionistas sintieron tan intensamente el sufrimiento humano, la

pobreza, la violencia y la pasión que se inclinaron a creer que la
insistencia en la armonía y la belleza en arte sólo podían nacer de una
renuncia a ser honrado.

Según su doctrina, lo único que importaba en arte no era la imitación de

la naturaleza, sino la expresión de los sentimientos a través de una
selección de líneas y colores.
VASILY KANDINSKY
“Pareja a Caballo”
1906
FRANZ MARC

“Caballo azul I” 1911

EDWARD
MUNCH

“Amor y
dolor” 1894
Algunos de sus principales exponentes
fueron:
Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee,
Ernst Kirchner y Emil Nold.
 CUBISMO
(1907 – 1914)

P. Picasso. “Violín y uvas”(1912)

Este es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado
principalmente por el español Pablo Picasso.
Él había aprendido de Gauguin y Matisse la posibilidad de elaborar
imágenes de rostros u objetos con unos cuantos y simples elementos.

Picasso pide consejos a Cezanne: “¿Acaso no existirían medios para

evitar esta carencia de volumen al elaborar la imagen de objetos
sencillos y, sin embargo, conservar un sentido de profundidad y
solidez?”
Este le responde: “contemplar la naturaleza traduciéndola en cubos,
conos y cilindros.”
Picasso tomará este consejo al pie de la letra.
Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una
misma imagen, superando así a su rival representativo, la
fotografía. Abandona la perspectiva renacentista, volviendo a una
especie de bidimencionalidad.

Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos,

mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color
superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de
técnicas como el collage.

Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el

artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia,
nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella,
sino aportar más información, incluso, que la propia realidad.
Esta vanguardia, analiza, descompone y sintetiza la forma. Pierde la
relación con el modelo.

El cubismo manifiesta en parte un retorno a los llamados principios

egipcios, aquellos que plantean que un objeto debe ser dibujado
desde el ángulo que deje ver mejor sus características.
Existe una desventaja en este procedimiento de elaborar la imagen
de un objeto, de la que los creadores del cubismo se dieron perfecta
cuenta. Su típico estilo de composición puede realizarse con formas
más o menos familiares, pues los que contemplan el cuadro deben
conocer previamente el objeto que allí esta pintado para poder
reconocerlo.
Algunos de sus principales exponentes
fueron:
Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert
Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris y Guillaume
Apollinaire

Su principal legado: cambia el concepto de la pintura y el

arte, transformándose en la espina dorsal del mismo.
Rompe con el arte figurativo. Olvida el plano frontal y
analiza las tres dimensiones, trata de mostrar todos los
puntos de vista.
PABLO PICASSO
“Las señoritas de Avignon”
1907
MARCEL DUCHAMP
“Desnudo bajando la escalera”
1912"
GEORGE BRAQUE
“Hombre con guitarra”
1911
 FUTURISMO
(1909 – 1916)

Humberto Boccioni, “Dinamismo de un ciclista”(1913)

El más violento de los ismos de principios del siglo XX nació en Italia
con la rabiosa voluntad de crear un mundo nuevo, mecanizado y
brillante lejos del clasicismo, el arte clásico y la Academia, y basó su
manifiesto en la “quema” literal de los museos e instituciones culturales
de su propio país y en el ensalzamiento de la guerra y la violencia como
única vía de crecimiento para el Arte y la sociedad.

“Un automóvil rugiente, que parece correr

sobre una estela de metralla, es más bello que
La Victoria de Samotracia”.
Filippo
Marinetti, 1909
Con tremenda fuerza se presentaba El Manifiesto Futurista en 1909. El
mismo retrataba como pocos el ambiente de la Europa de principios del
siglo XX, un ambiente encendido por cambios políticos, filosóficos,
religiosos y, sobre todo, científicos.
Según los futuristas: “el progreso triunfante de la ciencia hace
inevitables los cambios profundos en la humanidad”.

Estos artistas volcaron en grandes lienzos estudios sobre el

movimiento, la velocidad, paisajes industriales, chimeneas
humeantes y locomotoras, masas revolucionarias, cables eléctricos
y aeroplanos “cuya hélice flamea al viento  como una bandera y
parece aplaudir sobre una masa entusiasta”, como rezaba el
manifiesto.
El arte no ajeno a su contexto, quedó inmerso en
la realidad política de la Italia de la época, un
movimiento artístico y nacionalista de estas
características pronto coincidió con las tesis de los
fascios.
En uno de sus puntos el Manifiesto Futurista
aseguraba “queremos glorificar la guerra, única
higiene del mundo”.
Algunos de sus principales exponentes fueron:
Boccioni, Giacomo Balla, Gino Severini, Carlo Carrá,
Luigi Russolo.

Su principal legado, además del entusiasmo, fue el de

la representación de la velocidad el de “figurar, con
medios estáticos, el movimiento real”, enseñanza que
ha definido por completo, por ejemplo, el desarrollo
del cómic.
 UMBERTO
BOCCIONI
“La ciudad se
levanta”
1910
GIACOMO
BALLA
“Velocidad +
sonido”
1913
 UMBERTO
BOCCIONI
“Formas únicas
de continuidad en
el espacio”
1913
DADAISMO
(1913 – 1919)
Si el Futurismo era el más violento de los ismos de principios del siglo
XX el Dadaísmo será el más radical.
Fue una vanguardia anarquista, en el sentido de destruir los cánones de
la historia del arte. Se mostró rotundamente en contra de cualquier
norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador,
basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso. Se presenta
como una ideología total, como una forma de vivir.

Al rastrear los orígenes de esta Vanguardia, llegaremos a que el mismo

se da en Suiza. Con respecto al origen del termino Dada son varias las
explicaciones, muchas de ellas provenientes de sus propios
protagonistas, por lo cual hace muy difícil definir cual es la correcta.
Pero hay un punto en que todas estas explicaciones convergen, “Dada es
un sin sentido”.
 Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la
provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se
basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus
escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron
también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp

que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin
valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de
exponerlos en un museo bajo un nombre, una firma y una fecha) trató
de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués.
Algunos de sus principales exponentes fueron:
Además de Duchamp, Jean Arp, Kurt Schwitters, Raul Hausmann,
Max Ernst, Man Ray…

Su principal legado fue: el Arte abrió sus fronteras y

aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue
su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy
denominamos arte conceptual.
MARCEL DUCHAMP
“LHOOQ”
1930
 JEAN ARP

“Collage con
cuadrados
dispuestos según las
leyes del azar”
1917
 SUPREMATISMO
(1915 – 1919)

Wassily Kandinsky “Línea transversal” (1923).

Es una Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de
Casimir Malevitch de 1915. En escencia se enfoca en formas
geométricas predominando el círculo y el cuadrado, no queriendo decir
con esto que no aparezcan otras.

Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico

nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita
cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos
geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el
uso del blanco, negro, rojo, azul y verde.
Es un arte liberado de fines prácticos. Accede a la
abstracción geométrica.

Malevich define el arte como la habilidad de construir

"sobre la base del peso, la velocidad y la dirección del
movimiento" Los objetos son el estado momentáneo de
"una masa de movimientos en el tiempo" y cualquier
imagen fija es constitutivamente inestable. Lo
permanente es el movimiento activo "que, mediante una
multiplicación, genera nuevas formas“.
 KAZIMIR
MALEVICH
“Blanco sobre
blanco”
1818
 KAZIMIR
MALEVICH
“Aeroplano en
vuelo”
1918
 CONSTRUCTIVIS
MO
(1915 -1927)

Naum Gabo “Cabeza nº 2” (1916)

Esta Vanguardia no solo es contemporánea al Suprematismo, sino que
también, tiene como lugar de origen Rusia.
El Constructivismo, cuenta con una alta carga política e ideológica
propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura,
escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las
escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Este hecho se
debe a que varios constructivistas fueron profesores en dicha escuela
alemana.

Este fue un movimiento sumamente completo, incluyendo el cine.

Su manifestación cinéfila por excelencia es “El acorazado Potemkin” de
Eisenstein.
Sus obras fueron difusoras de las propagandas
Revolucionarias. Realizaban carteles, propagandas,
fotografías, ilustraciones, etc. Tenían un predominio de la
tridimensionalidad y las líneas inclinadas, también,
poseían motivos abstractos, utilizaban formas
geométricas y lineales.

Sus autores principales fueron: Vladimir

Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum
Gabo.
 VLADIMIN
TATLIN
“Maqueta del
Monumento a la
III
Internacional”
1919 - 1920
 EL
LISSITZKY
“Golpead a los
blancos con la
cuña roja”
1919
 NEOPLASTICISMO
(1916 – 1934)

P. Mondrian. “Composición en rojo, amarillo, azul y negro” (1921)

Este es un movimiento artístico de origen holandés, el grupo que lo
desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de
la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban
sus escritos.

Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque

sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento por
aunar disciplinas en proyectos completos.
Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las paredes,
colocación de los mismos…) en un mismo proyecto porque entendían
que no eran conceptos distintos.
Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas
geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios
y el negro para dar contraste.
Uno de los mayores exponentes de esta corriente fue: Piet
Mondrian, quine decidió construir sus obras basándose en los más
simples elementos: líneas rectas y colores puros . Aspiraba a un
arte claro y disciplinado, que de algún modo reflejara las leyes
objetivas de la naturaleza.
“Es muy posible que un cuadro que no contenga más que dos
rectángulos pueda causarle a su autor más inquietudes que las
que le produjo a un artista del pasado pint.ar una madona. […] ”

Gombrich.
 PIET
MONDRIAN
"Broadway,
Boogie-
Woogie" 1942-
43
 THEO van DOESBURG
Composición VIII “The Cow”
1918
SURREALISMO
(1924 – 1940)
Comienza con un manifiesto escrito por el poeta André Breton. Y su
denominación es acuñada por el escritor Apollinaire.
Se desarrolla en un periodo inestable de entreguerras en el que los
intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre,
los sueños, lo inconsciente.

Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes

grupos de pintores surrealistas.
♦FIGURATIVO: entre sus figuras más destacadas se
encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall.
Ellos exploraron el surrealismo desde una óptica de
realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y
transformaciones, nunca abandonaron la referencia real
de los objetos.

♦ ABSTRACTO: contabacon Yves Tanguy, Miró, Klee y

Hans Arp.

Parte fundamental esta tendencia fue la escultura.

Los artistas de esta Vanguardia pretendieron crear algo más
real que la propia realidad.

Se vieron impresionados e influenciados por los escritos de

Sigmund Freud, quien mostró que cuando los pensamientos
que caracterizan el estado de vigilia se adormecen, el niño y
el salvaje que viven en nosotros se hacen con el control. Fue
esta idea la que llevó a proclamar al surrealismo que el arte
nunca puede ser producido por el pensamiento consciente.

“La razón puede darnos la ciencia pero solo lo

inconsciente puede producir arte”.
Se obsesionaron con los estado anímicos que
pueden hacer aflorar cosas escondidas en lo
profundo de nuestro espíritu.
Como bien lo plantea Klee: “un artista no
debe planear su obra, sino dejarla surgir”.
La idea de experimentar con cuadros
“soñados” de verdad valía la pena. En los
sueños experimentamos a menudo la extraña
sensación de que las personas y los objetos se
combinan y cambian de lugar.
MAX ERNST
“El elefante
de las
Celebes” 1921
 SALVADOR
DALÍ
"Suburbios de la
ciudad
paranoico-crítica.
Por la tarde en
las afueras de la
Historia
Europea“
1936
 RENÉ
MAGRIETT
E
“Golconda”
1953
 ARTE
CONTEMPOR
ANO

Andy Warhol “Campbell's Soup Cans”(1962)

Es necesario en primera instancia definir a que nos referiremos nosotros
con ARTE CONTEMPORANEO.
Más allá que este concepto define diferentes momentos del arte según el
historiador que se analice, nos refreiremos al Arte que nace a partir de la
II Guerra Mundial. Existen quienes lo dividen en dos grades momentos:

- las segundas vanguardias (desde el fin de la II Guerra mundial hasta

el final de la década del ‘60).
- el Arte Postmoderno (a partir del final de la década del ’60 hasta el
surgimiento de la hipermodernidad).
Luego de la II Guerra Mundial ya nada fue igual y por supuesto el
arte como gran reflejo de ese gran quiebre, tampoco lo sería,
porque el humano había cambiado y por supuesto, el artista.

El eje del mundo artístico también se había trasladado. Europa

entra en una crisis cultural y política que permite que la capital
mundial del arte pase de París a Nueva York.
Las principales escuelas artísticas se van a desarrollar en los
Estados Unidos, lugar al que muchos artistas van a refugiarse. Sin
embargo, no debemos olvidar que en el resto del planeta se
mantiene la herencia del pasado, o se desarrollan otras nuevas,
debido sobre todo a la aparición de países emergentes que quieren
demostrar su independencia creando o profundizando en sus
propias tendencias. 
Estas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los
nuevos medios de comunicación de masas, cada vez más
efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez
de un modo más natural.

En este período el artista pierde su rol de incomprendido y

muchas veces toma un rol de celebridad en la sociedad,
generará vínculos. El espectador también jugara un rol
fundamental, se transformará en una figura clave, será un
legitimador del arte, rol que anteriormente era exclusivo de
los críticos.
Podemos señalar como otras características:
- No hay un alegato contra el pasado.
- Está unido con la reflexión filosófica.
- Existen estilos y movimientos, pero también muchas CORRIENTES
INDIVIDUALES.
- Complejo, ecléctico, hibrido…
- Muchas veces contradictorio y ambiguo.
- Ya no hay únicamente imagen.
- Muchas veces se incluye una obra dentro de otra, arte dentro de arte.
- Los medios de comunicación se incorporan como parte del arte.
- Se transforma en algo incomprensible e inarticulado, en un grito
desgarrador que destruye y critica una sociedad que denuncia.
Aparecen así tendencias como
el Informalismo o Expresionismo abstracto en el que
mediante el collage se mezclan pinturas, arena, yeso,
arpilleras y otros materiales para crear lienzos con la
tridimensionalidad de la escultura. La Neofiguración, el
Pop Art, el Hiperrealismo, el Arte Conceptual; el
arte Posmoderno en el que se observa una libertad
absoluta a la hora de crear. Performance… etc., etc.
 INFORMALISMO O EXPRESIONISMO
ABSTRACTO

Jackson Pollock, “One: Number 31”, 1950

Es la primer corriente artística que surge luego de la II Guerra Mundial.
Nos presenta una pintura “desnuda”, que ya no representa.
Hereda del surrealismo el automatismo, la improvisación psíquica
como revelación del mundo subjetivo del artista. Se aprecia una
negación a lo racional y una exaltación de la improvisación.

Los artistas del expresionismo abstracto compartieron muchas veces,

estudio exposiciones y reflexiones, pero a pesar de ello cada uno
individualmente logró diferenciarse del grupo y alcanzar fama y
reconocimiento
Algunos artistas destacados:
- Jean Fautrier,
- Jean Dubuffet,
- Willem de Kooning,
- Jackson Pollock

Este último creador del action paiting o Dripping.

El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en
ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que
se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama
compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El
artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable.
 NEOFIGURACIÓN

Francis Bacon “Study for Three Heads”. 1962

Surge como alternativa a las tendencias dominantes en esa época,
la abstracción y el nuevo realismo.
Propone un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a
representar la figura humana pero con las técnicas del
informalismo.

Se aprecian tendencias expresionistas en las que, se adoptan formas

orgánicas y deformadas o monstruosas, compuestas de manera
desordenada.

Presentan un cromatismo intenso y muchas veces violento.

Tiene un alto contenido de crítica y denuncia.
 ANTONIO
SAURA
“Retrato
imaginario de
Felipe II”
1963
KOONING
“Mujer I”
1950 - 52
 MINIMAL ART

Sol LeWitt “Cubic-Modular Wall Structure, Black”1966

Parte del lema “menos es más”; reproduce imágenes limpias,
aparentemente vacías y simples, pero con una gran carga estética y
no tanto funcional.

Surgió en Estados Unidos en los años 60 y se considera que es una

negación a las figuras del expresionismo abstracto.
Esta corriente pretende reducir el arte a figuras geométricas simples
por medio de materiales industriales. Las obras de esta corriente
expresan estados mínimos de complejidad, reducen los elementos
que constituyen la obra. Es una arte que aspira a expresar sencillez
y orden.
Algunos artistas destacados:
- Frank Stella,
- Sol LeWitt,
- Carl Andre.
 POP ART

Roy Lichtenstein. “Drowning Girl“ 1963

Es una corriente neo representativa de origen norteamericano
inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la
ilustración y el cartel.
Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje
bidimensional, mostrando en muy pocas ocasiones la
pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo
que muchos de los artistas pop recurren al grabado, a la litografía y
a la serigrafía.

También esta muy vinculado con la sociedad de la época,

estereotipada y consumista. Remite por lo tanto a iconos del
momento.
Será también un renacer del “ready made”.
Se basa en imágenes de los medios, objetos publicitarios, y figuras
pertenecientes al mundo popular para expresarse a través de ellos
en contraposición con la “alta cultura” existente. La ironía, la
parodia y el sinsentido son parte esencial de esta corriente que dio
inicio a la idea de arte posmoderno.
¿Es o no es un cuestionamiento al capitalismo y sus iconos?

Sus principales componentes:

- Roy Linchestein,
- Andy Warhol,
- Jasper Jons
- David Hockney.
 HIPERREALISMO

Laurencena, “Dos sentidos” 2002

 Se entiende como una prolongación o evolución natural del Pop
Art.
En particular, los retratos e imágenes Pop, poseen el atractivo de
ser similares a la realidad debido a su origen (muchas de estas
imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron
directamente de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la
mayoría de las ocasiones reducciones de color, dos o tres tonos
saturados con el retrato en negro. El grado de iconicidad de una
obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a valorarse.
Este movimiento tiene por objetivo conseguir el mayor parecido
posible con la realidad, hasta límites nunca alcanzados
anteriormente.
Por tanto, posee un alto poder técnico y de una meticulosidad
exagerada en su ejecución.
Principales exponentes:
- Andy Warhol,
 ARTE CONCEPTUAL

Joseph Kosuth. Una y tres sillas, 1965

El mismo nace a partir del Dadaismo, pero con le tiempo se
conformará como una corriente diferenciada.
Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco
concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de
incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados
relativos al mundo artístico y a su mercado.

Sus primeras expresiones son tautológicas, hablan de si mismas.

Son bastante atorreferenciales.
Principales exponentes:
- Kosuth
- Piero Manzoni
- John Latham
 ARTE POVERA

Mario Merz. Igloo Ticino, 1990

Sobre los años 70 surge el arte povera, del término “arte pobre”
en italiano, en un esfuerzo por hacer del arte algo que no fuera una
mera producción comercial.

Esta corriente se destacaba por usar materiales de fácil obtención y

carentes de valor.
Este movimiento intenta generar un quiebre con el arte de la época
y rechaza la producción artística que fomentan los mass media.
Invita a repensar la relación entre el objeto artístico y su forma.
Propone un modelo marginal que ayude a exaltar la creatividad
utilizando materiales simples, sin significación cultural.
Principales exponentes:

- Mario Merz
- Michelangelo Pistoletto
- Antonio Tápies
- Govanni Anselmo
 ARTE CINÉTICO

Alexander Calder Spider 1939

Su principio básico el movimiento, de manera que ha estado más
presente en escultura que en pintura.

Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres

subcategorías:
1. obras con movimiento propio;
ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios
eléctricos) o por acción de algún elemento independiente (música,
viento, temperatura).
2. Obras de ilusión óptica;
en estas se encuadra la pintura cinética.
3. Obras interactivas:
el espectador debeaccionar o ejecutar alguna acción.
Principales exponentes:

Alexander Calder
Eusebio Sempere
Duchamp…
La primera exposición de arte cinético se llevó a cabo en 1955 la
galería Denise René, París, titulado “El Movimiento” se reunió
obras de Calder, Duchamp, Agam, Pol Bury, Tinguely e Yves
Klein.
 PERFORMANCE

Joseph Beuys “I Like America, America Likes Me” 1974

La performance nació como una forma de arte conceptual, y trata de
diferentes expresiones artísticas en la que cobra especial importancia el
artista más que la obra.

En esta corriente la obra es el artista, quien recrea y utiliza como

instrumento de expresión su cuerpo. La performance nace como
contraposición al concepto de arte como objeto, donde el arte pasa a
ser el sujeto y su expresión.

Las primeras expresiones artísticas de este tipo nacerán junto con el

dadaísmo y el futurismo, pero tomará independencia y relevancia en la
década del ’60.
Se ha constituido en una de las disciplinas más dinámicas y
multifacéticas de las artes visuales. El Arte Performance tiene sus
raíces en la diversidad, lo multidisciplinario, su capacidad de cruzar
libremente entre distintas disciplinas, lo multicultural, el uso de
medios diversos, integrados entre sí aparece ya en sus orígenes.

Es un arte sensitivo, emocional que busca el apoyo de diversas

disciplinas y técnicas artísticas para llegar al punto más alto de la
expresión. 

Este “Arte en Vivo”. Está ligado a los happening, a

los behaviour art, a los fluxus event y al body art entre otros.
Principales artistas de performance

Alan Abel, Marina Abramovic, Laurie

Anderson, Joseph Beuys, George Breelit,
Alexander Brener, Stuart Brisley, Günther
Brus, Chris Burden
 HAPPENING

Allan Kaprow « Yard » de 1967, New York

Proviene del inglés que significa: “evento, ocurrencia, suceso”.
Como ya mencionamos está muy vinculada con el Performance
Art, pero no son lo mismo, ya que la primera tiene más elementos
“teatrales”.
Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957 en
una convención artística para describir algunas de las piezas a las
que habían asistido.

Consiste en realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí

misma, como acto, se considera una obra de Arte. Suele
ser no permanente, efímero, ya que busca una participación
espontánea del público.
En este arte intervienen, muchas veces, tres medios expresivos: el
plástico-visual, el musical (sonidos y ruidos) y el teatral
(monólogos y diálogos), aunque a veces incorporaban olores.
 A pesar de que hablamos de espontaneidad, no se trata de mera
improvisación. El artista prepara “un guion”, en el que se indica el
escenario, las acciones áun que, también deja detalles libres al
resultado de la interacción con los espectadores.

Sus formas y estructuras hacen de esta forma de arte bastante poco

compatibles con las tradicionales instituciones formales de difusión
del arte. Lo propios artistas pretendieron mantenerse alejados de
estos y también de los lugares de comercialización del arte.
“No se suministraba al espectador un modelo de libreto
y carácter; en cambio se lo bombardeaba con
sensaciones que debía ordenar bajo su propia
responsabilidad.”

Principales Referentes:
Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales
realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor, Joseph
Beuys, George Brecht, Bazon Brock, Jim Dine, Red Grooms, Al
Hansen, Roy Lichtenstein, Youri Messen-Jaschin, Marta
Minujín, Claes Oldenburg, Yōko Ono, Robert Rauschenberg, Wolf
Vostell y Robert Whitman, Charlotte Moorman, Marta Minujín.
 FLUXUS

George Marciunas. “Piano Piece 13”. 1962

Su nombre nos habla de un “fluir”, dejar correr…

Este movimiento fue creado por George Maciunas en 1962 y que

reunió a más de medio centenar de artistas plásticos, músicos,
poetas y performers bajo consignas cercanas al dadaísmo. Es
heredero también del surealismo; es una corriente alternativa y
radical. Los artistas de esta corriente buscan la parte irracional y no
convencional de la creación artística. Ellos mismo declarararon a
su creación anti-arte.

En palabras de Marciunas: "Fluxus purga el mundo de la locura

burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada.
Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte
artificial..."
 INSTALACIÓN

Claes Oldenburg, various works exhibited at the Green Gallery, New York, 1962
Esta forma de arte comenzó a tomar gran impulso en la década del
’70. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una
experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. 

El artista utiliza, como parte de la composición, el propio medio

(como paredes, piso, luces e instalaciones) además de objetos
diversos. En muchas ocasiones, los materiales escogidos, llenan
más o menos el espacio y el espectador es invitado a moverse
alrededor de la obra o interactuar con la pieza, en esos casos el
espectador mismo deviene parte de esa obra en ese preciso
momento y ese preciso tiempo.
La instalación se supedita a los sitios de arte o emplazamientos para
los que ha sido o fue concebida. Algunas instalaciones son sitios
específicos de arte y sólo puede existir en el espacio para el que fue
creada.

En el arte de la instalación los artistas pueden hacer uso de

cualquier medio o material, pueden usar desde materiales
naturales y tradicionales hasta los más novedosos medios de
comunicación, incluso existen artistas que han llegado a
utilizar la energía pura como el plasma o el fuego. Otro
elemento importante a acotar dentro del género instalativo es
que existen instalaciones en las que el artista incorpora
sonidos, olores, sensaciones térmicas, etc., contribuyendo así
a propiciar lecturas más profundas y ricas en los espectadores
Artistas más representativos:

- Claes Oldenburg
- Larry Bell
- Richard Wilson
- James Turrell
- Bill Viola
- Donald Judd
- Christo
 BODY ART

Chris Burden. The Flying Kayak. 1983

El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening,
aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona
acerca de él y lleva a cabo sus manifestaciones mediante el propio
cuerpo.

Ha sido definido como uno de los constitutivos principales

del posmosdernismo debido a su subversión frente a los principios
rígidos del modernismo. Es el trabajo en conjunto con los sujetos
frente al individualismo del modernismo.

Algunas formas de expresión del Body Art, son las antes

mencionadas, Happenings, Performance, así también como el Body
Painting.
 Es efímero, usa al cuerpo como material y forma expresiva, se
fusiona con otras formas artísticas.

Algunos represenbtantes de este género

han sido: 

Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri

Messen-Jaschin y Eduardo Sanguinetti.
 INTERVENCIÓN O ACCIÓN
ARTÍSTICA

N. García Uriburu. Colorea el Gran Canal de Venecia 1968 durante la Bienal.

Modifica alguna o varias de las propiedades de un espacio u objeto,
que pasa a ser una actividad artística por el simple hecho de que un
artista decida desarrollar sobre él su actividad.

Su condición de obra de arte no es evidente en un sentido material,

puesto que la mayor parte de las veces estas intervenciones son por
su propia naturaleza arte efímero, no destinado a perdurar, sino a
desmontarse pasado un breve tiempo, y sus restos materiales no
tienen la condición de obras de arte, sino de material de desecho.
Muy habitualmente no hay consenso social sobre la condición
artística de una intervención. La polémica que suele acompañar las
intervenciones es considerada por los artistas como parte del
resultado artístico que buscan, como provocación, y suscitan la
reflexión sobre los límites del arte mismo y su relación con las
instituciones y el mercado de arte, así como con los mismos
conceptos de mercado, poder y sociedad.

Toda intervención artística tiene un objetivo: puede ser aumentar la

conciencia social frente a un determinado hecho, exponer
realidades diferentes, demostrar que se puede hacer mucho con
poco, romper con la cotidianidad y hacer reaccionar a las personas,
etc. Pero cualquiera que sea la intervención deberá tener un
objetivo
Algunos artistas destacados:

- Grippo
- Nicolás Garcia Uriburu
- Joseph Beuys
 VIDEO ARTE

Nam June Paik. Buddha T.V. 1974

Sus primeras manifestaciones estaban vinculadas con un explorar algo
nuevo, como lo era la televisión y un reflexionar sobre la misma. La
intención de hallar una aplicación artística o estética de los medios de
comunicación. De este modo, un televisor deja de ser un aparato para
transmitir noticias, eventos deportivos o películas y se convierte en
un dispositivo que exhibe ciertas imágenes dispuestas por el artista.

A diferencia del cine, el videoarte puede no tener narración.

Esto quiere decir que el videoarte no se propone contar
una historia, sino transmitir un concepto o generar sensaciones.
Por eso, más allá de que sus características formales lo acercan
al cine experimental o a la televisión, los expertos suelen
vincular el videoarte a la pintura y a la fotografía por su
intención.
Algunos artistas destacados:

- Vostell
-Jam Peak
- Nan Hoover
El siglo XXI avanza y la noción y los criterios del Arte son cada vez mas discutidos y
controvertidos.

“¡El arte ha muerto, viva el arte!” dijo André Malraux (1901 -1976).

“Sus movimientos actuales no reflejan la menor vitalidad; ni siquiera muestran las

agónicas convulsiones que preceden a la muerte; no son más que las mecánicas
acciones reflejas de un cadáver sometido a una fuerza galvánica”. Arthur Danto.

¿Será esto vedad en nuestro tiempo?

Que papel ha jugado la Posmodernidad y ahora la Hipermodernidad de
Lipovetsky, las cuales define como “La era del vacío y El imperio de lo efímero”,
respectivamente, en un Arte vacío y efímero… o tal vez individualista o tal vez no
comprendido … o tal vez…