El problema de la

estética
contemporánea:
cuando el arte
deviene filosofía

Magritte. La condición humana

Magritte. La puerta a la libertad. 1936
“El arte contemporáneo se
encuentra con la filosofía del
arte a mitad de camino: uno
puede hablar del arte mismo
filosofando.”
(Arthur Danto en Philosophizing
Art)

Ventana contra
ventana: el arte
como protagonista
 Jean van Eyck. La virgen del canciller
Rolin. 1436
La metáfora de la
ventana: arte y
representación

La pintura es como “una ventana abierta al mundo”

(León Batista Alberti, s. XV)
 Murillo. Las gallegas a la ventana. 1670

Caspar David Friedrich. Mujer frente a la

ventana. 1822
Rembrandt. Paisaje con puente. 1630
Vermeer. Mujer durmiendo sobre una
mesa. 1657
Impresionismo: el oscurecimiento
progresivo de la ventana

Monet. Impresión al amanecer. 1890

 Frente a los nuevos
medios de registrar la
visualidad –la
fotografía, y
posteriormente el cine–
la pintura se verá
obligada a girar sobre sí
misma, a preguntarse
por su propia esencia.

Fotografía. Hotel de la Ville. París. 1890

Monet. Boulevard des Capucines. 1890

Los“Desde
almiares
entonces,
son sólo la
excusa
aunquepara registrar algo
aún
más. “El motivo es algo
inconscientemente,
secundario
los objetospara mi. Lo que
se me
quiero
aparecieron
reproducir es lo que
haydesacreditados
entre el motivo y yo”
[…]como
“por elementos
encima de todo, el
paisaje
esenciales
no existe
en lapara mi…
su pintura”
apariencia cambia
permanentemente… pero
Kandinsky en
vive a través de lo que lo
Mirada
rodea: el aire y la luz.”
Retrospectiva
(Monet, 1895)

Serie de los almiares. 1891

La pintura es “el
hacerse visible como
tal.”
(Hegel en Lecciones
sobre la filosofía del
arte)

La preocupación por
registrar la esencia de la
pintura: la luz, no los
objetos. Hacer visible
aquello que hace visible a
todo lo demás: hacer visible
lo invisible.
El color como el lugar donde
la luz se hace visible

“El color puro, a él hay que sacrificarlo

todo. El color, como tal, es enigmático en
las sensaciones que despierta en nosotros.
Por tanto, también hay que utilizarlo de
manera enigmática cuando nos servimos
de él: no para dibujar, sino por los efectos
musicales que de él parten, de su
naturaleza peculiar, de su fuerza interior,
misteriosa, inescrutable. […] Examinad a
los japoneses: sólo se sirven de los colores
como de una combinación de armonías. De
la misma manera me gustaría mantenerme
alejado de lo que produce un efecto
ilusionista. […] Hay que intuir la
superficie, el muro; las tapicerías no
necesitan ninguna perspectiva”
Gauguin en Sobre el color.
Paul Gauguin. 1892
La pintura como tapiz, como muro: progresiva
“desmaterialización” de la pintura, progresivo
abandono de lo representativo. Para Hegel, esto
pone a la pintura “más cerca del Espíritu”. El
color, dice Hegel, es el verdadero protagonista de
la pintura: él es, en esencia, el hacerse visible de
la luz. La pintura, ahora, se pinta a sí misma:
desencubre su propia esencia.

Ahora de lo que se trata es de

“embadurnar de colores el cristal de la
ventana”: paso al arte abstracto
anunciado desde la última década del S.
XIX a partir del protagonismo del color:
“Un cuadro, antes de ser un caballo de
guerra, una mujer desnuda o cualquier
otra anécdota, es esencialmente una
superficie cubierta por colores” (Maurice
Denis, 1890)
Matisse. Armonía en rojo. 1907.
 “La pintura como
improvisación es la expresión
principalmente inconsciente
de procesos de carácter
interno”
Kandinsky en De lo espiritual
en el arte.

Kandinsky. Improvisación 7, 1910.

Kandinsky. Composición IV, 1911.
“Me quedó claro, entonces, que el
arte podía ser mucho más
poderoso de lo que yo siempre
había pensado, y que la pintura
podía desarrollar poderes
similares a los de la música”
“Todo me mostró su rostro, su ser
más interno, su alma secreta. Cada
punto quieto y móvil se me
apareció como profundamente
vivo y me reveló su alma. Esto fue
suficiente para mí para entender
con todo mi ser y mis sentidos la
posibilidad de la existencia de ese
arte que hoy llamamos abstracto”

(Kandinsky en Mirada
restrospectiva)

Kandinsky. Composición VII, 1913.

El arte es así el acceso al “alma de las
cosas”, que aparece ante nuestros ojos a
través del color, del sonido, de las
palabras en la poesía. Para Klee,
contemporáneo y colega de Kandinsky, el
arte se encuentra “entre el cielo y la
tierra”, al ser el único capaz de “hacer
visible lo invisible”, lo que de otro modo
no puede verse. El artista continúa de
esta manera, tal y como también lo
pensaba Kandinsky, con la labor creadora
de la naturaleza.
(Paul Klee en Sobre el arte moderno)

Klee. Sonido ancestral, 1932.

 Como sucede con el arte de
Rothko o de Barnett Newman,
no queda otra cosa que el
silencio (“silence is so
accurate”, diría Rothko
tratando de describir la
diferencia en la experiencia del
arte abstracto): la
contemplación de la aparición
del color, de la esencia de la
pintura, ante nuestros ojos. Ya
no es ni siquiera el hacerse
visible de lo invisible, como
para Kandinsky y Klee, sino la
aparición de lo visible mismo.

Rothko. Sin título. 1960

"...art to me is an anecdote of the
spirit, and the only means of
making concrete the purpose of
its varied quickness and stillness."
(Rothko)

La pintura, el arte en general,

ahora reflexiona sobre sí misma:
no requiere de la filosofía para
ser interpretada, porque ella es
ya, en sí misma, su propia
interpretación.
Barrett Newman. Be I. 1970
Esto conducirá progresivamente a
entender que lo importante no es el
objeto, la obra de arte, sino el evento que
inaugura, que hace posible.

El paso al arte como acontecimiento

Jackson Pollock. One: Number 31 . 1950

 "walk around it, work from all four
sides, and be in the painting,
similar to the Indian sand painters
of the West."

Pollock y el “action
painting” (1950’s): la
inauguración del arte
como performance
Lo que queda es simplemente el relato
de lo que sucedió: la obra está en el acto,
en el performance. El lienzo final es sólo
un testimonio.

Jackson Pollock. Lavender Mist . 1950

El arte ya no es, como en la metáfora de
la ventana, una “isla rodeada de
realidad”. Se introduce en la vida como
acontecimiento, como acción. Arte y
vida será la consigna de las vanguardias,
y de artistas como Beuys.

Joseph Beuys. I like America and

America likes me . 1974
 En este intento por “escapar de
la metáfora”, por hacerla
explícita en el proceso de su
propia negación, aparecerán
respuestas aún más radicales,
que pondrán aún más en
evidencia la progresiva
conversión del arte en filosofía,
en pensamiento sobre sí
mismo.

Duchamp. Fresh Widow. 1917

Magritte. La puerta a la libertad. 1936

Magritte y sus
“pensamientos
pintados”: la
representación de la
paradoja visual de la
representación
Toda la obra de Magritte es una reflexión sobre la naturaleza
misma de la pintura: la paradoja entre su estar condenada
siempre a la representación, y su búsqueda contemporánea
por volver a la presencia.

Es para Magritte la misma

condición del hombre en el
Magritte. La condición humana
mundo contemporáneo.
“Me interesaban las ideas, no sólo
los productos visibles. He querido
poner una vez más la pintura al
servicio de la mente. Y mi pintura
naturalmente fue considerada
“intelectual, literaria”. Era verdad
que estaba luchando por situarme
lo más lejos posible de las
“placenteras y atractivas”
cualidades materiales de los
cuadros. […] Esa es la dirección
hacia la que debería encauzarse el
arte: hacia una expresión
intelectual”
(Marcel Duchamp)

Duchamp. L.H.O.O.Q.
Rueda de bicicleta. 1913

Tal será el sentido, finalmente, de sus

famosos “readymades”: la negación de la
pintura en su esencia, que no lleva a otra
cosa que a la conversión del arte en
discurso sobre sí mismo.

Fuente. 1917

Hegel consideraba que la historia del arte se acabaría una

vez éste se transformara en interpretación sobre sí mismo,
en filosofía. Tal era, quizás, el objetivo de Duchamp, pero en
un sentido inverso al de Hegel: la filosofía del arte tiene su
fin en el acontecimiento contemporáneo del arte
filosofando.
Este proceso alcanza su punto más alto
con el pop art en los años sesenta, y,
especialmente, con el arte-reflexión de
Andy Warhol.

“Lo hizo como lo habría

hecho un filósofo –señala
Edmund White– Violó
toda condición que
pudiera pensarse como
necesaria para el ser de
una obra de arte, y
haciéndolo,
desenmascaró la esencia
del arte”

Andy Warhol. Brillo Box. 164

“La filosofía está en la obra y
a través de la obra, no en lo
que se dice acerca de ella”
Danto en Philosophizing art

“El pop había descubierto

finalmente la forma auténtica de
la pregunta filosófica acerca del
arte: el problema de cómo se
distingue filosóficamente entre
la realidad y el arte cuando
ambos se asemejan uno al otro a
nivel perceptual”
Danto en Philosophizing art
 Ya Benjamin lo decía en
su ensayo sobre La obra
de arte en la época de la
reproductibilidad
técnica: ¿qué sucede
cuando la obra de arte
pierde su “aura”, lo que
la hace única e
irrepetible? ¿Qué sucede
cuando el sentido de la
obra misma es la de que
se pueda reproducir las
veces que sea necesario?
(como es el caso del cine,
por ejemplo)