Manifestaciones culturales de la sociedad francesa actual

"Hoy día se quiere explicar todo. Pero si se pudiera explicar un cuadro,

no sería una obra de arte. ¿Debo decirle a usted qué cualidades
constituyen a mi juicio el verdadero arte? Debe ser indescriptible e
inimitable... La obra de arte debe cautivar al observador, envolverle,
arrastrarle. En ella comunica el artista su pasión; es la corriente que
emite y por la que incluye el observador en ella".

"Yo pongo ante mí el objeto tal y como yo lo quiero. Entonces empiezo y

pinto como un niño. Me gustaría que un rojo sonara como el tañido de
una campana. Si no lo consigo la primera vez, tomo más rojo y otros
colores, hasta que lo tengo. No soy más listo. No tengo más reglas ni
métodos. Cualquiera puede probar el material que uso o verme mientras
pinto: se dará cuenta de que no tengo secretos".

Pierre-Auguste Renoir (uno de los grandes maestros del

impresionismo francés, perteneciente a la época de
Monet).

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IMPRESIONISMO-luz y fugacidad ---------------------------------------------------------

EXPRESIONISMO-emoción e intensidad

1. Introducción al impresionismo.

Antes de empezar a desarrollar todo el trabajo del impresionismo me gustaría

introducirlo con la definición que el Diccionario de la Real Academia (vigésima
segunda edición -2001-) ha dado al respecto de la palabra anteriormente citada:

-impresionismo: m. Corriente pictórica del siglo XIX que representa su objeto

según la impresión que la luz produce a la vista, y no de acuerdo con la supuesta
realidad objetiva.

 Introducción histórica sobre la época:

El Impresionismo fue un movimiento pictórico iniciado en Francia entrada ya la 2ª

mitad del siglo XIX, aunque en España se retrasó un poco y empezó en el último tercio.

En un principio, la sociedad rechazó este arte, y se rechazaron o fueron declaradas

nulas también la mayoría de sus obras.

Los artistas y seguidores del Impresionismo vendían sus cuadros para obtener
beneficios de ellos, aunque en ocasiones estos movimientos de venta no tenían éxito y
eran un fracaso rotundo por el rechazo del la sociedad. Con el tiempo, el Impresionismo
fue adquiriendo mayor aceptación y llegó un momento en el que las agrupaciones de
ventas de cuadros impresionistas se podían ganar de sobra el sustento con la venta de
cuadros. También se creó una “Sociedad Anónima de Pintores y Grabadores” cuando el
impresionismo empezó a tener éxito. Con ésta sociedad, los pintores y seguidores del
Impresionismo podían defender mejor sus derechos, y con ella se ponían de acuerdo
para organizar las ventas ya mencionadas de cuadros.

A parte de al arte, el impresionismo también se aplicó a la música, diferenciándose

de otros movimientos musicales por su color vocal destacado.

La literatura también estuvo de acuerdo con el impresionismo y lo destacó como un

gran movimiento artístico.

En esta época la burguesía estaba en el poder político, que había ganado a la nobleza
que lo tenía tiempo atrás. Ésta clase social se imponía sobre las demás gracias a su
dedicación a la banca que era el sector mas beneficiado de este tiempo.

 Breve historia:……………….. …………………………………………..

Hasta la segunda mitad del siglo XVIII el estilo que primó fue el Clasicismo. A

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partir de este momento se dará un giro radical en la Historia de la Pintura. Lo habitual

era el que los artistas expusieran en el Salón Oficial. Los nuevos artistas (conocidos
como "Los Rechazados") por el contrario, tenían que buscar otros lugares alternativos
que les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo
lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar. Se presentaron bajo el
nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Intervinieron entre
otros artistas de la talla de Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, o Cézanne.
A partir de este momento las exposiciones se irán sucediendo progresivamente en el
tiempo y con sedes diferentes. Al esplendor del estilo le sucederá el declive, ya que se
verá desbordado por la aparición de otras preocupaciones y presupuestos diferentes. Así
surgirán varios estilos diferentes que se engloban bajo el nombre genérico de
"Neoimpresionismo".

 Origen del término "Impresionismo":………………… ………………….

Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos bajo este apelativo. El

término les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy, al ver la obra
de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente pintada en 1872 y expuesta en
la exposición del 74. Al día siguiente de ésta, parafraseando el título del cuadro para
burlarse de él, Leroy bautizó el nuevo movimiento: Al contemplar la obra pensé que
mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni
revés ..., ¡Impresión!, desde luego produce impresión..., el papel pintado en estado
embrionario está más hecho que esta marina. Así fue como el término "Impresionismo"
pasó a ser el nombre del movimiento del que luego el propio Leroy se envanecería.
Provocaron un gran escándalo, proceso similar al que experimentó Manet. El
refinado público del momento no estaba preparado para aceptar una revolución como la
que ellos proponían. Las burlas y duras críticas a que fueron sometidos les llevarían a
posteriori al éxito. Su máximo reconocimiento se afianza ya entrado el siglo XX.

 Cambios y características: …………………………………………………

El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de

"Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto historico-social:

• Impacto del ferrocarril: Por vez primera se experimentó el concepto de

"velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada".
• Impacto de la fotografía: La fotografía demostró que lo que determina la visión
es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas
anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan
utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.
• Impacto del óleo en tubo: se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una
consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar
cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al
aire libre.
• Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva
realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya proyección es posible el color.

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• Impacto del Tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona
al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de
una pincelada rápida y hábil.

Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas:

• El paisaje como tema principal:………………………

………………………...
Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos
los intereses de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con
la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del
tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro
del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua, de la nieve y
el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-
lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo
hace es rodeada de paisaje. (Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje,
mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no
haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan
temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la
instantánea.

• Técnica:

Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas

cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a
la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos
sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas,
sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un
precedente para este tipo de pincelada.

• Color:

Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo

hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual,
el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan
por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la
superficie del lienzo.

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• Ausencia de perspectiva:……………………………………………………….

Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había

regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el
"primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque
en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su Pífano.

Pintores representativos del impresionismo:

• En Francia:
o Un precedente, Manet
o Monet
o Degas
o Renoir
o Pissarro
o Sisley

2. Desarrollo del tema a tratar: Claude Monet en su contexto.

Oscar Claude Monet……………………………………………………………………..

(pintor impresionista francés)……………

…………………………………………….
Nació el 14 de noviembre de 1840 en la Rue Laffitte de París, aunque se crió en
Le Havre, donde se trasladó a los cinco años y donde cursó estudios de dibujo y pintó
marinas junto a Eugène Louis Boudin. Ganó algo de dinero dibujando caricaturas. En
1855, a los quince años, goza ya de cierta reputación como caricaturista. En 1857, con
diecisiete años, ve morir a su madre. Un año después, en 1858, participará por primera
vez en la Exposition Municipale du Havre, celebrada ente los meses de agosto y
octubre, con el cuadro titulado Vue prise à Rouelles, fechado en ese mismo año. Con el
apoyo de su padre y de su tía Jeanne-Marie Lecadre, que le recomienda al pintor
Armand Gautier, viaja a París en 1859. Allí acude a una academia libre, la Académie
Suisse, donde dispone de modelos para ejercitarse en el dibujo de figuras y se une a un
pequeño grupo de jóvenes pintores. Su familia renuncia a pagarle su reemplazo en el
servicio militar, viéndose así interrumpido su aprendizaje artístico al partir hacia Argelia
en la primavera de 1861. Un año después cae enfermo y es repatriado hacia Francia para
una convalecencia de seis meses, asumiendo su tía los gastos de su reemplazo en la
milicia durante los cinco años que aún le restan por cumplir. Ingresa en el estudio
Gleyre, donde conocerá a Bazille, Renoir y Sisley. Frecuentaría este estudio hasta el
invierno de 1863-64. El 8 de agosto de 1867, nace su primer hijo, Jean, ignorado por la
familia del pintor. En mayo de 1868 vive en Fécamp con su mujer Camille y su hijo
Jean. Su situación familiar es muy difícil y tras un fallido intento de suicidio en el mes
de junio, recibe ayuda económica de Gaudibert. En ese mismo verano se traslada a El

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Havre, donde es condecorado con la medalla de plata de la Exposition Maritime

Internationale du Havre. Monet se casa con Camille el 26 de junio de 1870 y se
trasladan a Normandía, a Trouville, donde son sorprendidos por la declaración de la
guerra franco-prusiana. Monet, de ideas republicanas, no desea luchar por su Imperio y
viaja a Londres. Allí, y tras enterarse de la muerte de su tía y protectora Jeanne-Marie el
7 de julio, se encontrará con Pissarro, Sisley y Daubigny. Gracias a este último Monet
entra en contacto con el marchante parisino Durand-Ruel. Así, a partir del mes de
septiembre, una obra del artista figurará en la exposición organizada por dicho
marchante en Londres. Tras la muerte de su padre, ocurrida el 17 de enero de 1871,
Monet abandonaría Londres a finales de mayo camino de Holanda. Fascinado por sus
paisajes se instala en Zaandam, ciudad próxima a Amsterdam, donde permanece hasta el
mes de octubre ya que, una vez terminada la guerra, regresa a París. Pintaba al aire libre
paisajes y escenas de la sociedad burguesa, y gozó de cierto éxito en las exposiciones
oficiales. Según su estilo evolucionaba, transgredía los convencionalismos en beneficio
de una expresión artística más directa. En 1874, junto a sus colegas, organizan sus
propias exposiciones. Se autodenominaron los independientes, aunque se les aplicó
burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras
(como una primera impresión) y también porque una de las pinturas de Monet llevaba el
título Impresión: sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Intentó captar las
variaciones del color a través de sus series sobre un mismo tema, a distintas horas o
durante estaciones diferentes. Paulatinamente fue acentuando los efectos luminosos
hasta llegar en ocasiones a difuminar las formas o incluso a fundirlas entre sí. En 1878,
Monet se establece provisionalmente en París, donde el 17 de marzo de este año nace su
segundo hijo, Michel, hecho que quebrantará definitivamente la salud de Camille. La
muerte de Camille el 5 de septiembre de 1879 lo deja sin saber cómo organizar su vida
y la de sus hijos. A mediados de la década de 1880, esta considerado como el dirigente
de la escuela impresionista, alcanzando el reconocimiento y una buena posición
económica. Valorado como maestro de la observación meticulosa. En 1890 adquirió una
propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo
jardín (hoy abierto al público) -un estanque con nenúfares atravesado por un puente
japonés colgante con sauces y matas de bambú-. El 16 de julio de 1892 se casa con
Alice Hoschedé. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que
están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York. Continuó pintando, a pesar de que la vista le
fallaba, casi hasta el momento de su muerte, el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

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 Obras:

• IMPRESIÓN, SOL NACIENTE

Catalogación

Obra pictórica de Monet (1840-1926), perteneciente al Impresionismo. Con esta

obra se inaugura definitivamente el movimiento impresionista.

Este cuadro fue famoso porque lo expuso en 1874, en la exposición que se

realizó en el estudio del fotógrafo Nadar. Fue precisamente este cuadro el que dio
nombre a la corriente artística del Impresionismo, cuando el periodista Louis Leroy, en
un artículo burlón publicado en una revista, utilizó el nombre de Impresión para dar a
entender el contenido del cuadro.

Análisis material

Se trata de un óleo sobre tela. Esto consiste en que la pintor diluye los colores en
un tipo de aceite para darle brillantez, después se aplica sobre el lienzo.

Análisis formal

Iconografía

Representa una vista del puerto de Le Havre con la niebla de la mañana que
empieza a extenderse por los efectos del sol, que surge por la línea del horizonte.

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Algunas barcas se hacen a la mar, mientras que al fondo del cuadro se insinúan las grúas
del puerto y los mástiles de los barcos.

Iconología

El objetivo del tema era doble: representar la transparencia del agua, sus
vibraciones, y los cambios de la atmósfera.

Composición

En la elección de este tema se ve la influencia que van a sufrir los impresionistas

de dos hechos:

o Los gravados japoneses en madera, que se vendían en esta época en Francia. De

estos Monet cogerá la claridad de la luz, los colores lisos y planos, la ausencia
de sombras y modelados, y, sobre todo, la habilidad para captar los cambios y
los efectos fugitivos de la atmósfera, del viento y del agua.
o La fotografía, que acababa de nacer en 1840, y que permitía ver otras
posibilidades de representar la realidad como era la detención del movimiento y
fijar de manera rápida e instantánea un objeto en el espacio y el tiempo.

Para Monet había dos cosas fundamentales:

o La relación entre el color y la luz. Él parte del principio de que todos los
colores se transforman en función de la luz, (Teoría del Prisma Óptico)

o El aire en su densidad y en su calidad, de tal manera que el cuadro varía

de un momento a otro según el autor pueda ver que la atmósfera cambia
en función de la luz.

Los impresionistas, concretamente Monet, tratan de representar las emociones, y

se van a ver influenciados por la filosofía de Locke. La sensación, para los
impresionistas, es la base de todo conocimiento. Las sensaciones alimentan nuestra
vista, que es la puerta de nuestra experiencia. Por lo tanto, las formas no les preocupan.
No dan importancia a la línea, ni al volumen, ni al claro-oscuro, porque supone una idea
preconcebida que no viene de la sensación, sino de la pintura tradicional. Por lo tanto,
los objetos tienen poca importancia, son un pretexto, lo que importa es la luz y el color,
que transmiten sensaciones. Esto explica que muchos títulos sean convencionales. Así
pues, en lugar de preocuparles el dibujo, lo que hacen es desarrollar una pincelada
suelta a base de pequeñas partículas, y las pinceladas quedan separadas, como si se
tratara de un mosaico. Es por eso que el cuadro, visto de cerca, parece como un boceto y
sólo cuando nos alejamos vemos la correcta visión de la pintura al fundirse las pequeñas
pinceladas en la retina. Ellos prefieren dar la sensación de manchas pastosas y gruesas
para conseguir vibraciones atmosféricas. Precisamente esta técnica es lo que les lleva a
coger un caballete y salir al campo a pintar a “plein air”, a pleno aire, para poder ver los
colores en estado puro y reproducir el tema qu7e han elegido en estado puro.

No les preocupan los elementos tradicionales de la composición, sólo el color y

la luz:

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Los colores que utiliza Monet en esta obra se reducen a una gama muy simple:
los colores primarios y los binarios. Pero la fusión de estos colores no se hace en la
paleta, sino en la retina del espectador. Por lo tanto, pueden utilizar los colores
directamente del tubo. El negro no se utiliza nunca, porque supone la negación de la luz,
y además no existe en la naturaleza. Se basan en el contraste de colores puros y en la
complementariedad de los colores. Así es que, las sombras dejan de ser oscuras y se
reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias.

Los impresionistas reaccionan contra la luz artificial y de contrastes que habían

utilizado los románticos o los realistas. Y es que, la función de la luz, para los
impresionistas, es la de recomponer los colores en sensaciones lumínicas. Para los
impresionistas, había que estudiar el color como una modalidad de la luz. Así pues, el
cuadro se convierte en un conjunto de tonalidades luminosas. Por eso encontramos esta
preocupación por la luz del cuadro, que les lleva a pintar el agua, porque tiene un
carácter líquido, está siempre en movimiento y es algo fugaz.

Aproximación histórica

Monet estuvo en Paris, allí conoció a Delacroix y a Courbert, de quienes se va a

ver influenciado. Pero estuvo también metido en un grupo de pintores e intelectuales
juntamente con Zola, Nadar, Renois, Degas, Césanne. El objetivo de este grupo era
acabar con el arte oficial y buscar la verdad de la pintura fuera de la pintura tradicional.

Los impresionistas vivieron en el París de la segunda mitad del siglo XIX, etapa
en que se desarrolló la Revolución '48, el Segundo Imperio, la Comuna y la Tercera
República. Es el París que vive una gran expansión urbanística, con la construcción de
los grandes bulevares, las Exposiciones Universales, con la creación de monumentos
emblemáticos como la Torre Eiffel. Es una época de especulación urbanística que
favorece los grandes negocios y la aparición de una burguesía de nuevos ricos. Todo
este ambiente tiene sus efectos en el arte porque los artistas e intelectuales se reúnen en
los Cafés donde discuten de arte, de política, de poesía y de avances científicos.

Los impresionistas tendrán asiduas reuniones en el Café Guerbois, donde se ve

su gusto por la bohemia, la izquierda política y donde destacan los intelectuales críticos
al poder. El mundo aristocrático gira entorno a los salones y a las grandes exposiciones
anuales organizadas por las academias bajo el patrimonio del gobierno. Sólo se podían
exponer las obras que superaran la selección oficial, pero poco a poco se irá perdiendo
la dependencia del Salón Oficial y va apareciendo con fuerza la figura del Marchante,
(persona que aconseja y dirige al artista y al cliente). Empieza a aparecer la crítica
escrita en el arte, y es significativo que el Impresionismo tomara su nombre de una frase
crítica despectiva que hizo Louis Leroy, un crítico de arte.

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• EL ALMUERZO CAMPESTRE

Hay que destacar este cuadro, en este trabajo, puesto que es el que más me gusta
entre todas las obras del impresionismo francés.

El almuerzo campestre es un óleo sobre tela, fragmento central (248 x 217 cm).
Pintado en 1865-1866.

Localización actual: París, museo de Orsay.

Exposiciones: París, 1940, 1952, 1980, 1990; Zurich, 1952; La Haya, 1952;
Bruselas, 1953.

Monet tenía apenas 25 años en 1865, cuando empezó a ejecutar esta inmensa
composición, en la que se vio a la vez un homenaje y un desafío al pintor Manet, su
predecesor.

En efecto, dos años antes, Manet había presentado al Salón de los rechazados
una tela con el mismo título. La obra fue piedra de escándalo e impresionó intensamente
al joven Monet.

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La obra:

El almuerzo campestre de Manet representa a unos hombres durante un picnic en

la hierba, con una mujer desnuda. Por ello Monet no cree responder a su predecesor en
el mismo terreno. En la Pascua de 1863, descubrió cerca de Fontainebleau el pueblo
encantador de Chailly-en-Bière. Allí pasó varios veranos en compañía de Bazille y allí
fue donde, en 1865, situó el almuerzo campestre. En el bosque, elige un claro cerrado al
sol y a la vista por una espesa cortina de árboles.

El cuadro:

Demasiado grande para ser pintado al aire libre (la tela medía 4,60 m de altura
por más de 6 m de longitud), ejecutó el cuadro en el taller, siguiendo los estudios del
natural. Según Monet, sus dimensiones tenían que impresionar la imaginación del
jurado del Salón. De hecho, el cuadro jamás sería expuesto: inacabado, se pudrió
durante cerca de veinte años en el sótano de un acreedor de Argenteuil, a quien Monet
lo dejara en garantía. Cuando lo recuperó en 1884, el pintor lo cortó para hacer de la
parte central (en la foto) un cuadro completo. Conservó también la parte izquierda, y
ambos fragmentos permanecieron hasta su muerte en su casa de Giverny. La parte
derecha parece definitivamente perdida. Afortunadamente, un boceto muy adelantado
del conjunto de la composición (de dimensiones más reducidas: 1,30 x 1,81 m),
conservado en Moscú, permite hacerse una idea. En él se comprueba que Bazille posó
para cuatro de los personajes del cuadro y que otro amigo de Monet, el pintor Lambron,
sirvió de modelo para otras dos figuras. En cuanto a las mujeres, tuvieron por modelo a
Camilla, la futura esposa del pintor. En el hombre barbudo de edad madura sentado
frente al mantel muchos han reconocido al pintor Courbet.

La historia:

Rescatado por Monet de manos del propietario de la casa que alquiló en

Argenteuil, pasó a manos de su hijo Michel en 1926. Fue adquirido por el Estado
francés en 1987 y expuesto en el museo de Orsay.

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 Manifestaciones culturales de la sociedad francesa actual

El almuerzo campestre de Manet provocó un escándalo. El pintor había

representado a una mujer desnuda comiendo con varios hombres.

-Algo que me ha llamado la atención sobre el cuadro de Monet es que si esta joya
impresionista fuera puesta a la venta en nuestros días, probablemente superaría los 10
millones de euros. Un pastel de un período anterior, Un cazador y su perro en un barco,
fue vendido por más de 15.000 euros en 1994.

• EL ESTANQUE DE LAS NINFEAS

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 Manifestaciones culturales de la sociedad francesa actual

El estanque de las ninfeas es un óleo sobre tela, 90x92 cm, pintado en 1904.

Localización actual: Caen, museo de Bellas Artes.

Exposiciones: París, 1909, 1980.

Durante más de treinta años, Monet se sentó cada día a orillas de este estanque
japonés buscando penetrar el tranquilo misterio de las ninfeas.

En febrero de 1893, Monet compró una porción de terreno debajo de su casa de

Giverny, situado entre la vía férrea y el Ru, un estrecho brazo del Epte. Allí soñó con
hacerse construir un estanque y plantarlo de ninfeas, especie de grandes nenúfares que
se adaptan a un agua que debe renovarse sin cesar. El único modo de conseguir tal cosa
era desviar el Ru en provecho propio. El ayuntamiento se opuso, pero Monet ganó el
pleito y construyó su estanque.

La obra:

Durante muchos años, pasó las tardes a orillas del estanque pintando las ninfeas
y el puente que cruzaba el plano de agua.

A partir de 1893, el estanque fue su preocupación esencial, y Monet se concentró

en “estos paisajes de agua y reflejos que se han convertido en una auténtica obsesión”.
Quebrando la representación figurativa, pinta toques de color que tienden a la
abstracción. Esta serie debía ser objeto de una exposición en la galería del marchante
Durant-Ruel, que fue pospuesta varias veces, tanta era la ansiedad del pintor ante su
tema. Por fin tuvo lugar, en mayo de 1909, con el título Ninfeas, Paisajes Acuáticos, y
obtuvo un resonante éxito. Lucien Descaves, escritor y amigo de Monet, le escribió:
“Salgo de la exposición de usted deslumbrado y maravillado”. Y romaní Rolland
ponderaba en una carta al pintor: “En un momento en que me encuentro a disgusto ante
la mediocridad de la literatura y de la música actuales, no tengo más que volverme hacia
sus Ninfeas para reconciliarme con mi época…”.

La crítica:

La idea de que tal conjunto pudiera verse disperso conmovió a varios críticos, y
el mismo Monet propuso decorar con el mismo una sala, a fin de “procurar la ilusión de
un todo sin fin”. Este proyecto fue aprobado por Clemenceau, y así fue como pasaron a
decorar las salas de la Orangerie, en París, que fueron inauguradas el 17 de mayo de
1927, tras la muerte del pintor. Pues, insatisfecho de su trabajo, Monet retocaba sin
cesar estos cuadros, rehusando entregarlos. Las Ninfeas y la tentación de lo abstracto
que de ellas fluye constituyen un paso decisivo del arte de este siglo.

La historia:

Tras pasar por varias colecciones privadas y ventas, el cuadro fue atribuido al
Louvre en 1950 por la Oficina de Bienes Privados, y luego presentado en el Jeu de
Paume antes de pasar como depósito del Estado al museo de Bellas Artes de Caen en
1975.

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Cotización:

Se encuentran numerosas versiones de las Ninfeas en las subastas. Una de ellas,

de la misma época y de un formato algo mayor, cambió de manos por la suma
astronómica de 20,8 millones de euros en el año 2000. En contrapartida, se desconoce la
cotización de sus bocetos.

• LA URRACA

La Urraca es un óleo sobre tela 89x130 cm, pintado hacia 1868-1869.

Localización actual: París, museo de Orsay.

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 Manifestaciones culturales de la sociedad francesa actual

Exposiciones: Zurcí, 1952; La Haya, 1952; Roma, 1955; Edimburgo, 1957;

París, 1959, 1970, 1980, 1990.

Una simple urraca en un paisaje invernal: en unas cuantas pinceladas y con

poquísimos colores, el maestro de la luz refleja en esta obra toda la magia del invierno.

Durante el invierno de 1868 a 1869, y aprovechando una estancia cerca de

Étretat, en Caux, Claude Monet, que entonces tenía 28 años, realizó esta obra maestra
de equilibrio.

La obra:

Un estudio en profundidad deja entrever en la tela un primer esbozo de otro

cuadro, lo que permitió al experto Wildenstein fechar La urraca con gran exactitud. En
efecto, en una carta dirigida a Bazille durante su estancia en Étretat, Monet pide a su
amigo que le mande “una tela de 60 en que ya hay un esbozo, pero que él desea
aprovechar”. Las dimensiones de un “60 puntos” corresponden exactamente a las de La
urraca. El aprovechamiento de la tela explicaría este formato, poco usual en un paisaje.

El pintor –ya muy sensible al juego de contrastes- juega con la sombra y la luz
sirviéndose de una gama de colores reducida a la mínima expresión: blanco, negro,
marrón y azul. Un ejercicio peligroso, pues Monet expresa las distintas densidades de la
nieve con efectos de blancos puros o menos coloreados, que confieren al conjunto una
luminosidad excepcional.

La composición:

La inquietud que emana del cuadro no sólo depende de su tratamiento cromático,

sino también de su rigurosa composición. El murete divide la tele en dos partes: por una
parte, el campo de nieve y la sombra que se perfila; por otra, los tejados y el cielo. Esta
horizontalidad queda compensada por la vertical de los árboles, y sólo la urraca aparece
descentrada y se inclina, como para quebrar este acuerdo demasiado perfecto.

Monet escribía a su amigo Bazille: “ Voy al campo, que aquí es hermoso y que
aún encuentro más grato en invierno que en verano”. La exposición de La urraca, la
obra maestra indiscutible de sus paisajes de nieve, fue vetada por el jurado del Salón de
1869. ¡Demasiado innovador! Con esta tela, pintada cinco años antes del nacimiento
oficial del impresionismo, Monet aparece como el evidente jefe de filas del
movimiento.

La historia:

La tela fue adquirida por el coleccionista Calander y, sucesivamente, por el

marchante de cuadros Durand-Ruel y por la sociedad Guerlain, en 1957. Revendida a un
coleccionista privado, pasó a propiedad del museo de Orsay en 1984.

Cotización:

Junto con Rendir, Monet es uno de los impresionistas cuyas obras en el mercado
son especialmente numerosas. La playa de Trouville, del mismo periodo, encontró

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 Manifestaciones culturales de la sociedad francesa actual

comprador por 16 millones de euros en una subasta en el año 2000. Au large, un pastel
de la misma época, fue adjudicado por cerca de 150.000 euros en una venta pública en
1998.

• LA ESTACIÓN DE SAINT-LAZARE

La estación de Saint-Lazare es un óleo sobre tela, 75x104 cm, pintado en 1877.

Para captar la imagen exacta del tren entrando en la estación, Monet pidió
cambiar los horarios y las disposiciones de la estación de Saint-Lazare.

Mientras Manet y Caillebotte quedaban fascinados por las rugientes máquinas y

sus humaredas elevándose por encima del puente de Europa, Monet descendía al nivel
de los raíles para bosquejar esta estación de Saint-Lazare, que en aquella época
simbolizaba los domingos de remo en el Sena o Argenteuil. De allí salían los trenes que
llevaban a los impresionistas al encuentro de sus temas.

La obra:

Fiel al sistema de ejecutar series sobre el mismo tema, que repitió durante toda
su vida, Monet bosquejó buen número de telas sobre este asunto a partir de enero de
1877 y, en abril del mismo año, presentó siete estaciones a la tercera exposición
impresionista. “Monet ha expuesto este año soberbios interiores de estaciones. Se oye el
rugido de los trenes hundiéndose en ellas, se ve desbordarse el humo invadiendo los
grandes hangares. Allí está hoy la pintura…”, anota Émile Zola en la reseña de la
exposición destinada a la prensa.

La composición:

Al contrario que otras, ésta es una luminosa visión que prefigura el trabajo del
pintor años después, cuando captó la fachada de la catedral de Ruán en distintos
momentos del día. Monet no sólo busca traducir la atmósfera de algarabía, ruido y
frenesí que reina alrededor de la máquina, sino que también intenta proporcionar gracia

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 Manifestaciones culturales de la sociedad francesa actual

y ligereza a la escena, que no pintó del natural. Monet quedaría hacer coincidir muy
exactamente cierta hora del día con la salida del tren de Ruán. Además, quería que la
locomotora estuviera bajo fuerte presión para que escapara un máximo vapor y de humo
y, por fin, que los andenes no estuvieran muy llenos. Así pues, pidió al jefe de estación
que accediera a todos sus deseos… y lo consiguió.

La historia:

Gustave Caillebotte, pintor y coleccionista, compró la tela a Monet el 10 de

marzo de 1878 por 685 francos, y la legó al Estado francés en 1894. Dos años después,
entraba en el museo del Luxemburgo, antes de ser trasladada al Louvre, luego al Jeu de
Paume y, por fin, al museo de Orsay.

-He de decir que el pintor, fiel a su método de pintar series, ejecutó otras
versiones de al estación de Saint-Lazare.

Cotización:

No ha aparecido ninguna vista de una estación en las subastas de los últimos

años, ya que todas ellas figuran en museos o en colecciones. Por su parte, los Almiares
se cotizan entre los 95.000 euros y los 10,3 millones de euros, los Álamos entre los 5,6 y
los 9,6 millones de euros y las famosas Ninfeas entre los 15.000 euros y los 27,7
millones de euros.

3. Opinión personal: El impresionismo.

El impresionismo no solo ha marcado la historia del arte con una técnica y una
visión del mundo totalmente innovadora para los patrones que existían en el arte de la
época, sino que además el impresionismo marca nuestras propias vidas, las vidas de
todos los que hemos observado alguna vez un cuadro de Renoir, Monet, Degas, Manet,
Toulouse, etc.

Pues sus cuadros no solo nos muestran un paisaje o una escena simplemente, sino
que a través de sus cuadros es posible ver la atmósfera del momento, el aire, los olores,
el frío o el calor, todo esto gracias a esas pequeñas pinceladas que nos describen la luz
en el momento, y es que a través de la luz es posible captar todo el sentimiento del autor
en el momento que miraba esta escena, esa es la diferencia al pintar al aire libre, es que
el pintor no solo está pintando sino también sintiendo.

El afán de los pintores impresionistas por captar la luz de la escena hace que en sus
cuadros se pierdan los contornos de los elementos que se están observando de manera
que si vemos uno de estos cuadros impresionistas vemos de la misma manera que
cuando soñamos y finalmente se siente como si estuviéramos dentro de una atmósfera a
medio camino entre la realidad y un sueño, un sueño tan lleno de luz como los más
hermosos, pues es la luz la que nos muestra las cosas bellas de la vida.

Esta, creo yo, que es la esencia del impresionismo, pues si logramos observar todo
aquellos que la luz puede tocar entonces sabremos encontrar algo bello en ello.

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4. Bibliografía.

 [Grandes maestros del impresionismo]. -- Madrid: Club internacional del libro,

D. L. 1989.
 Colección de cuadros del impresionismo adquirido a través de Planeta
Deagostini.
 He adquirido información en algunas páginas de internet, como por ejemplo:
www.wikipedia.com

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