3.

HUMANIDADES
3.1. ÉTICA
3.2. FILOSOFÍA
3.3. LITERATURA

Copyright © 2024 por ESCUELA XOOK

Cursos Propedéutico 2024-2025. Todos los derechos reservados.

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3. HUMANIDADES
3.3. LITERATURA
3.3.1. Libertariedad
3.3.2. Géneros literarios
3.3.3. Épocas literarias

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3.3.1. LITERARIEDAD

La noción de literariedad no forma parte del diccionario de la Real Academia Española (RAE). Sin
embargo, el término se utiliza en la filología y en otras ciencias para aludir al conjunto de las
cualidades y las propiedades estéticas y lingüísticas que permiten calificar a un texto como literario.

Un texto literario pertenece al terreno de la literatura. A su vez, la literatura es un arte. Puede

afirmarse que la literariedad es aquello que posibilita la inclusión de un texto en la literatura y que,
por lo tanto, lo convierte en una manifestación artística.

La narración de una historia de ficción, el uso del lenguaje con finalidad estética y la escritura
en verso son rasgos que suelen dotar de literariedad a una obra. Aunque pueden aparecer en otros
tipos de contenidos, en los textos literarios se emplean de manera más amplia y se les otorga un
papel preponderante.

Es importante considerar que, si bien la literariedad contribuye a diferenciar entre lo que es

literatura y lo que no lo es, no se vincula a la calidad de dicha literatura. Que una narración tenga
literariedad no quiere decir que sea buena literatura.

La literariedad, en definitiva, es la especificidad de una obra literaria. Está dada por diversos
elementos que provocan que un texto sea tomado como un hecho literario.

Marcas de literariedad

Las marcas de literariedad son aquellos indicadores dentro de un texto que sirven para constatar
su carácter poético o literario, esto es, que le indican al lector que dicho texto es de naturaleza
artística. Estas señales o “marcas” fueron propuestas por la tradición del formalismo literario, una
de las principales escuelas de teoría literaria de la historia, con el propósito de estudiar el texto
literario y dar con sus rasgos distintivos.

Lenguaje connotativo y denotativo: El lenguaje connotativo es el que se emplea de forma figurada

o simbólica. De esta forma, no comunica únicamente información, sino que también aporta
sentimientos y sensaciones. Este tipo de lenguaje se utiliza mucho en diferentes entornos, como el
uso cotidiano y coloquial, pero también se encuentra bastante en los textos literarios. Se debe a que
se refiere a las posibilidades sugestivas y ambiguas del lenguaje, de modo que su estética es definida

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y con estilo, capaz de expresar emociones de manera subjetiva, lo que lo lleva a permitir diferentes
lecturas o interpretaciones. En resumen, la connotación permite el uso de una palabra en sentido
figurado, apoyado en hechos circunstanciales que dependen del contexto, pudiendo usarse como
comparación, poesía, etc. Veamos algunos ejemplos de lenguaje connotativo:

• Más vale pájaro en mano que ciento volando.

• La Luna nueva es la risa del cielo.

El lenguaje denotativo es el que usa la palabra acorde a la realidad, en sentido totalmente objetivo.
Es decir, cuando se usa una forma de expresión para decir algo tal cuál es, se dice que se ha hecho
utilizando este tipo de lenguaje, de manera objetiva, comunicando con total claridad, en el ánimo
de ser perfectamente entendible sin necesidad de que el receptor u oyente tenga que hacer ningún
tipo de interpretación, y sin uso de simbologías. Es un lenguaje que se utiliza para informar y
transmitir información, de forma que solo se puede leer de una forma y no admite interpretaciones
varias o libres, aunque podría tener cierta complementación respecto a la connotación, pero no es
lo habitual. En este caso, ejemplos de lenguaje denotativo son:

• He leído esta página del periódico.

• El elefante es un paquidermo.

El predominio de la función poética del lenguaje: De acuerdo a las propuestas de la escuela teórica
del formalismo ruso, el lenguaje tiene un conjunto de funciones determinadas, que le permiten
desempeñar diferentes roles. Así, por ejemplo, la función referencial sirve para describir las cosas y
la función exhortativa para influir en la conducta del interlocutor.

Por su parte, la función poética sirve para observar el lenguaje desde un punto de vista estético,
es decir, lúdico, reflexivo. De allí que en los textos literarios esta sea la función predominante, ya
que la literatura cumple con la función de producir belleza y brindar al lector una experiencia
estética, humana, e invitarlo a la reflexión y la imaginación.

En esto se diferencian fácilmente los textos

literarios del resto: mientras que las
instrucciones de una lavadora sirven para
emplear correctamente el aparato, y el
texto de una advertencia en la calle sirve
para prevenir al transeúnte de algún
peligro, el texto literario no persigue
ningún propósito definido. En palabras de
Oscar Wilde: “todo arte es profundamente
inútil”

La polisemia textual: La polisemia es la posibilidad de que un mismo término tenga múltiples

significados asociados. Es un rasgo propio del lenguaje verbal, que alcanza en la literatura sus más
potentes manifestaciones, porque en ella una palabra puede emplearse para evocar o combinar
significados que normalmente no le corresponden.

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 En la poesía se puede observar claramente este fenómeno.
Así, cuando el poeta chileno Pablo Neruda (1904-1973) habla
en su “Poema 1” de un “Cuerpo de mujer, blancas colinas,
muslos blancos, / te pareces al mundo en tu actitud de
entrega”, las palabras “blancas colinas” aluden al cuerpo de
la mujer, comparado en su palidez y su redondez con una
colina blanca, es decir, confiriéndole a las palabras un nuevo
significado que ordinariamente no tienen.

La utilización arbitraria de la sintaxis y el vocabulario: Las obras literarias son, ante todo,
arbitrarias. Esto quiere decir que su composición, sus formas y las relaciones que surgen dentro de
ellas son elementos intencionales, que el autor construye de manera más o menos expresa, a través
de la elección y selección de las palabras y las fórmulas sintácticas. Eso es, de hecho, lo que se conoce
como “estilo”: la elección específica de una palabra en lugar de otra, de una frase en vez de otra o
de un lugar en vez de otro para colocar cada palabra. De esta manera, el lenguaje literario se
distancia del lenguaje ordinario y cotidiano no solo en su mensaje, sino en su forma de construir
las oraciones.

La utilización de figuras retóricas: las figuras retóricas son un conjunto de procedimientos

creativos de la lengua que le permiten a un emisor dar un giro inesperado, original, expresivo o
juguetón a lo que dice. Este tipo de recursos se utilizan cotidianamente en el lenguaje hablado, pero
alcanzan la belleza y la potencia estética sobre todo en la literatura. Esto se debe a que una obra
literaria es valorada no solo por lo que dice, sino por cómo lo dice. En todos los géneros literarios se
utilizan las figuras retóricas. A veces de manera más convencional y predecible, y en otros casos de
un modo radicalmente distinto, novedoso y atrevido.

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 PRÁCTICA ABIERTA

1. INDICACIÓN: En el siguiente cuadro indica con una X si la expresión es denotativa o

connotativa.

2. INDICACIÓN: Relaciona los nombres de las figuras literarias y los ejemplos de versos que se
encuentran en el siguiente cuadro.

3. INDICACIÓN: Investiga los múltiples usos polisémicos de las siguientes palabras.

Gato:

Pluma:

Conejo:

Caja:

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3.3.2. GÉNEROS LITERARIOS

Narrativo

Las narraciones son actos comunicativos que suponen la existencia de un emisor (escritor, autor),
un receptor (lector) y, entre ambos, un mensaje que, al codificarse, completa el circuito
comunicativo. La obra literaria (impresa bajo la forma de libro o en formato electrónico o digital) es
el vehículo de los mensajes.

En el texto narrativo, la comunicación se da de dos formas: externa e interna. En la comunicación

externa, el autor escribe un relato que va dirigido hacia el lector dentro de un contexto determinado.
En la comunicación interna, el narrador se encarga de contar una historia a través de hechos
organizados de manera particular al narratario, quien es el receptor dentro del texto narrativo.

Elementos del género narrativo

Los relatos o narraciones generalmente se cuentan en tiempo pasado. En esa narración un

personaje (protagonista) que permanece y perdura, es el sujeto de las acciones. Sin embargo, en la
mayoría de los relatos tradicionales, antes de que comience la acción, se presenta una breve
ubicación de lugar y tiempo:

Era una noche oscura y tempestuosa. Desde la loma se escuchaba fuerte el tronar de la creciente.
(Ubicados lugar y tiempo)

Después de una relativamente breve descripción en tiempo copretérito (o imperfecto) se presenta

la acción detonante con un verbo en pretérito indefinido.

De repente, el río abandonó su cauce y enfiló su rumbo hacia el poblado. (Inicia la acción).

De ahora en adelante los verbos de acción que constituyen la columna vertebral de la narración,
girarán alrededor del protagonista, quien ejecutará tales acciones o las padecerá. Sin embargo, gran
parte de la narrativa actual no es tradicional, tales como los relatos que siguen una secuencia no
lineal, se basan en la coincidencia y no en la relación causa-efecto y dejan el final abierto.

A ese alguien que cuenta la historia escrita le llamamos narrador. Ejemplo: Una persona blanca que
cuenta una historia sobre un terremoto, hará ver como héroes a la gente blanca, como más

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inteligentes que los de otro color; más fuertes, más nobles y dignos que los de otro color, etcétera.
Identificamos entonces un narrador y una perspectiva o punto de vista. En la ficción que se nos
cuenta hay agentes que ejecutan acciones y que no son equivalentes a las personas de la vida real
pero que se comportan como si lo fueran, se les llama personajes.

El punto máximo de la crisis se llama clímax, que generalmente lleva a un cambio en el carácter del
protagonista. Por ejemplo, de cobarde que era, de repente se da cuenta que se ha vuelto valiente;
o de ignorante pasa a saber algún secreto demoledor. Después del clímax, la narración lleva al
desenlace y se termina la historia.

El personaje principal es el protagonista, al cual casi siempre identificamos como héroe o sujeto.
Sale en busca de una persona, o de la solución de un problema, o de un objeto. Se le conoce como
persona buscada, objeto deseado, o simplemente objeto.

Clasificación de los personajes

Desde la perspectiva de las funciones de los personajes en una historia, podemos decir con una
amplia generalidad que los textos narrativos, los cuentos, por ejemplo, nos hablan de un personaje
(sujeto, al que generalmente designamos como héroe) el que, por alguna razón, sale en busca de
algo o alguien (objeto deseado), efectivamente puede ser un objeto o una persona). Alguien le
solicita que haga ese mandado (destinador), y lo hace para beneficiar a alguien (destinatario).

Probablemente él héroe sólo con sus propias fuerzas no pueda rescatar a la princesa puesto que
está en manos de un ogro o de un dragón (opositor); necesita la ayuda de una persona (ayudante,
puede ser un mago, o puede ser un sabio o un maestro) quien le proporcionará armas especiales o
el don mágico: una espada, unas sandalias especiales para volar, un escudo, un anillo que lo vuelve
invisible, etcétera.

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Ordenación de los hechos: historia y trama

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Subgéneros narrativos

Fábula: es una narración breve, concisa y ficticia en donde los personajes pueden ser personas,
animales o seres inanimados, que conlleva una intención moralizante. A través de sus acciones se
reprueba o enaltece la conducta de los hombres para ejemplo de los demás. Inicialmente, las fábulas
eran escritas en verso, en la actualidad se escriben en prosa. Parte importante dentro de la fábula
es la moraleja, cuyo propósito siempre es dejar una enseñanza (conclusión de la fábula). Por esta
razón se le considera un género didáctico.

Leyenda: La leyenda es un subgénero, escrito en verso en la antigüedad, a horcajadas entre el mito

y la historia. Se refiere a personas y sus hazañas extraordinarias. Un personaje histórico comienza a
volverse legendario cuando la voz popular lo relaciona con hechos extraordinarios. Por ejemplo, se
llega a decir de un personaje que siempre no murió, y si es verdad que murió, hay varios lugares
donde se dice que está enterrado, o cosas por el estilo.

Mito: Los mitos son historias que nos explican en forma cuasi-científca la realidad: por qué hay
estaciones, cómo surgió la vida y el ser humano, por qué hay muchas lenguas. Para explicar estas
cosas era necesario hacer intervenir dioses. Todos los pueblos primitivos tienen sus mitos. Algunos
se repiten en diferentes culturas. Los mitos más recientes son el de Don Juan y el de Fausto, el sabio
viejo que le hace una apuesta al diablo a cambio de juventud.

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Epopeya: es un relato de gran extensión, generalmente escrito en verso largo o prosa, en el que se
conjugan acontecimientos históricos de importancia nacional o universal. Estas historias describen
batallas y otras modalidades de combate entre hombres, dioses y seres sobrenaturales. Es histórica
y legendaria, incluso algunos pasajes están basados en hechos reales. Sus protagonistas son héroes
superiores que representan las altas virtudes y, aunque existieron, posteriormente se les
atribuyeron características divinas. A menudo describe acciones que poseen poderes
sobrenaturales en las que intervienen dioses y divinidades, por lo que presenta situaciones
fantásticas justificadas. La epopeya, en Grecia, representó la forma en la que se manifestaban sus
costumbres, creencias y sentimientos; y que generalmente, mostraban grandes heroísmos.

Cuento: es una narración breve y concisa escrita en prosa, donde se relatan hechos imaginarios (que
pueden considerar aspectos de la realidad). Presenta un argumento sencillo, por lo que los
ambientes y los personajes son escasos y rara vez descritos. Generalmente aborda un solo tema,
presenta un clímax y un desenlace rápidos. Hay dos tipos de cuento, el folklórico, o de hadas,
generalmente crudo y cruel. Posteriormente esas mismas historias ya civilizadas y carentes de la
rudeza, se volvieron a contar como historias para niños. La Caperucita roja, por ejemplo. El otro tipo
de cuento es el literario, el cual sigue las reglas y protocolos de alguna corriente literaria. Después
llegará el cuento literario con Bocaccio al inicio del Renacimiento.

Novela: es una narración extensa, escrita en prosa, que presenta situaciones reales o ficticias. Tiene
la intervención de muchos personajes que son estudiados y descritos detenidamente. A diferencia
del cuento, tiene un desarrollo más completo en cuanto al argumento, por lo que adquiere un
carácter complejo y ramificado en el que interviene más de una intriga, lo cual puede derivar en
varios clímax antes del desenlace. La presencia de varios personajes y el abordaje de varios temas
importantes, producen diferentes efectos en el lector, a quien se le exige que atienda y contribuya
en la construcción de significados de las acciones que se desarrollan.

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PRÁCTICA ABIERTA

1. INDICACIÓN: Relaciona las siguientes características colocando dentro del

paréntesis correspondiente, 1 si corresponde para la fábula y 2 si corresponde a la
epopeya.

( ) Narración breve, concisa y ficticia.

( ) Acontecimientos históricos de importancia nacional o universal.

( ) Relato de gran extensión.

( ) Reprueba o enaltece la conducta de los hombres.

( ) Héroes con altas virtudes y atribuciones divinas.

( ) Intervienen personas, animales o seres inanimados.

( ) Histórica y legendaria.

( ) Intención moralizante.

( ) Contiene una moraleja.

( ) Presenta batallas y combates físicos entre hombres, dioses y seres sobrenaturales.

INDICACIÓN 2. Tripas de gato. A continuación, encontrarás recuadros con información relacionada

con el tema el mito o la leyenda. Une cada recuadro con el par que le corresponda. Debes tener
cuidado de no tocar con las líneas los bordes de los recuadros ni cruzarlas con las otras líneas.

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3. INDICACIÓN: Lee el siguiente texto y responde las preguntas.

El cuento parece ser el género natural de la humanidad por su incorporación espontánea a la vida
cotidiana. Tal vez, lo inventó sin saberlo el primer hombre de las cavernas que salió a cazar una
tarde y no regresó hasta el día siguiente, con la excusa de haber librado un combate a muerte con
una fiera enloquecida por el hambre. En cambio, lo que hizo su mujer cuando se dio cuenta de que
el heroísmo de su hombre no era más que un cuento chino, pudo ser la primera y quizás la novela
más larga del siglo de piedra.

García Márquez, G. ¿Todo cuento es un cuento chino?

1. ¿Por qué se puede considerar el cuento como una incorporación espontánea a la vida
cotidiana?

2. ¿Por qué el autor se cuestiona ¿todo cuento es un cuento chino?

3. ¿Por qué razón, la mujer al escuchar lo acontecido a su hombre, pudo haber creado la
primera novela más larga del siglo de piedra?

4.- . Da una definición de la novela, con tus propias palabras y a modo de acróstico, esto significa
que con cada letra de la palabra inicies una oración relacionada con la novela.

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Lírico

Es difícil establecer un momento específico o un hecho que haya impulsado el surgimiento del
género lírico; sin embargo, a medida en que el lenguaje y las ideas de los hombres primitivos se
volvieron más complejos, sintieron la necesidad de expresarse más allá de las actividades cotidianas.
En la antigua Grecia había cantores que recorrían los poblados contando historias que acompañaban
con la lira, de ahí surgió el nombre de género lírico. En otras culturas encontramos expresiones de
este género, en los hebreos con los Cánticos de Moisés, el Cantar de los Cantares atribuido al rey
Salomón, los Salmos de David y en antiguos textos de la India como El Ramayana escrito por Valmiki
y El Mahabharata.

Describamos ‘poesía lírica’ como un tipo de literatura que manifiesta sentimientos profundos y la
reflexión, poniendo énfasis en las palabras y su organización. Dos características son esenciales en
este tipo de poesía: la primera es la ‘forma’ y la segunda es el ‘contenido’. La diferencia entre forma
y contenido se aprecia con la imagen de un vaso con agua. El vaso es la forma y el contenido es el
agua, pero el agua adopta la forma del contenedor. Al igual que con el recipiente y el líquido, tanto
la comunicación cotidiana como un poema suele comunicar una emoción o un sentimiento
utilizando una forma de decir apropiado a lo que se está diciendo.

Características del género lírico

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El aspecto formal de la poesía

En español, la poesía se organiza tomando en cuenta los siguientes aspectos:

 Verso
 Estrofa
 Rima
 Métrica
 Ritmo

El Verso: es cada uno de los conjuntos de palabras que ocupan una línea de la hoja en el poema. Se
trata de ideas cortas que van formando un mensaje poético que será más evidente al final de la
lectura de un poema.

Las estrellas apagadas

llenan de ceniza el río

verdoso y frío.

Estrofa: Los versos se organizan en estrofas. En general las estrofas están marcadas por un espacio
o línea vacía entre ellas.

Las estrellas apagadas

llenan de ceniza el río

verdoso y frío.

La fuente no tiene trenzas.

ya se han quemado los nidos

escondidos. (Federico García Lorca)

La estrofa recibirá su nombre dependiendo de la cantidad de versos que tenga y de la extensión de

cada verso. Un pareado, por ejemplo, es una estrofa de dos versos, un terceto es una de tres. Hay
varios tipos de estrofas que van de cuatro a diez versos: Cuarteto (cuatro versos), quintilla y quinteto
(de cinco); sexteto y sextilla si son de seis versos, septeto de siete, octava de ocho y décima de diez
versos.

La rima: Es un eco o repetición producida por los sonidos de las palabras al final de un verso. Este
surge a partir de la vocal acentuada. En español hay varios tipos de rima, pero las dos principales
son la rima consonante y la rima asonante:

Rima consonante: Es cuando todos los sonidos de la última sílaba coinciden.

La luna ignora que es tranquila y clara (a)

Y ni siquiera sabe que es la luna; (b)

La arena que es la arena. No sabrá una (b)

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Cosa que sepa que su forma es rara. (a) (Jorge Luis Borges)

Rima asonante: Es cuando la rima se produce, al igual que la rima consonante, en la última sílaba de
un verso, pero aquí sólo riman las vocales.

¿De dónde vengo?… El más horrible y áspero

de los senderos busca;

las huellas de unos pies ensangrentados

sobre la roca dura,

los despojos de un alma hecha jirones

en las zarzas agudas,

te dirán el camino

que conduce a mi cuna. (Gustavo Adolfo Becker)

La métrica: La poesía es todo ritmo y estructura. En español la poesía suele mantener regularidad
entre sus versos. A esta regularidad se le llama métrica y se refiere, específicamente, a la cantidad
de sílabas con que cuenta cada verso.

Arte mayor y Arte menor: En la poesía en español se hace una división entre los versos a partir de
la cantidad de sílabas que estos tengan. A todos los versos de hasta ocho sílabas se les denomina
verso de arte menor. A todos los versos con más de ocho sílabas, se les llama de arte mayor.

Clasificación de versos según su métrica: Los versos se clasifican por su extensión en sílabas:
bisílabos si son de dos sílabas, trisílabos de tres; tetrasílabos de cuatro, pentasílabos de cinco,
hexasílabos de seis, heptasílabos de siete y octosílabos de ocho. El verso más común en la poesía en
español es el verso de ocho sílabas. A partir de ahí tenemos el eneasílabo (nueve), el decasílabo
(diez), el también muy común endecasílabo (once) y el dodecasílabo (doce). Los versos de más de
doce sílabas no son comunes, pero reciben su nombre, igual que los anteriores, a partir de la
cantidad de sílabas que contengan.

Subgéneros liricos

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Oda: Se deriva del griego ode que significa canto, es una composición por medio de la cual se
resaltan las virtudes de alguien o algo. Originalmente estaba destinada a ser cantada con
acompañamiento musical. Trata temas de diversa índole: religiosa, heroica, moral o amorosa.
Emplea un lenguaje elevado en el cual imperan los sentimientos.

Elegía: Tiene como fin expresar el dolor por la muerte o pérdida de alguien, aunque en sus orígenes
tenía un carácter íntimo, también refleja algunos acontecimientos que afectan a una colectividad,
como alguna desgracia nacional (guerras, desastres naturales, etc.) o la muerte de un personaje
público. En ese caso se clasifica como una elegía heroica.

Himno: Tiene ciertas semejanzas con la oda, porque desde su origen tiene la intención de alabar y
se acompaña de música, pero su diferencia radica en que los ideales que expresa son un reflejo del
sentir de una comunidad completa. El himno, de manera estructural, se compone de varias estrofas
y un coro que se repite. En la actualidad, bajo el término de himno se encuentran algunos cantos
religiosos, así como poemas con sentido nacionalista y patriótico.

Soneto: Es una de las combinaciones métricas más empleadas en la literatura española, aunque su
origen es italiano se introdujo en España en el siglo XVI. El soneto es una composición poética de 14
versos, distribuidos en dos cuartetos y dos tercetos. Su rima puede ser consonante o asonante y
generalmente sus versos son endecasílabos. El soneto clásico presenta una introducción, desarrollo
y conclusión. El planteamiento de un tema se hace en los cuartetos y la resolución o conclusión en
los tercetos. Los cuartetos tienen por lo general la misma rima ABBA, ABBA (el primer verso rima
con el cuarto y el segundo con el tercero), mientras que los tercetos suelen tener otras
combinaciones CDC, CCD, CDD (el primer verso rima con el tercero, el primero con el segundo o el
segundo con el tercero).

Madrigal: Es una breve composición generalmente sobre algún cortejo amoroso que encierra
pensamientos ingeniosos. Transmite espontaneidad y delicadeza, y utiliza una estructura conocida
como silva (serie continuada de versos de siete y de 11 sílabas que se combinan libremente y riman
de manera variada).

Redondilla: Es una composición que combina cuatro versos de ocho sílabas (octosílabos) de rima
consonante, ya sea alternada (ABAB) o abrazada (ABBA). Muchas piezas de música tradicional
emplean la estructura de la redondilla. Aquí algunas estrofas del poema Redondillas de Sor Juana
Inés de la Cruz. Si tienes oportunidad lee este poema completo.

Romance: El romance es un poema de origen español característico de la tradición oral, que se

popularizó en el siglo XV, cuando por primera vez se recopilaron por escrito en colecciones
denominadas romanceros. Los romances son generalmente poemas narrativos de una gran
variedad temática, según el gusto popular del momento y de cada lugar. Se interpretan declamando,
cantando o combina, el canto y la declamación. Su composición consta de grupos de versos de ocho
sílabas (es decir, octosílabos), en donde los versos pares poseen una rima asonante (riman las
palabras en las que coinciden las vocales acentuadas de cada sílaba, a partir de la última vocal
tónica). El romance puede tener una cantidad indefinida de versos.

Copla: La copla es una de las formas poéticas más antiguas y fecundas en castellano. Surgió en
España en el siglo XVIII aunque es muy común que se siga cultivando y está muy difundida en
Latinoamérica. Se define como una composición poética popular, que se ha transmitido de

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generación en generación y permite expresar todo tipo de emociones. Su nombre proviene de la
voz latina copula, que significa “lazo”, “unión”. Las coplas están compuestas por tres o cuatro versos
de arte menor, que son aquellos de ocho sílabas o menos, y es común que la rima se localice entre
el segundo y el cuarto verso de la estrofa. En ocasiones se combinan versos de cuatro sílabas
(tetrasílabos), con lo cual adquieren un ritmo y musicalidad muy particulares. Muchas coplas se
convierten en canciones populares.

Epigrama: Composición poética muy breve que expresa un solo pensamiento ingenioso o satírico
con gran precisión y agudeza. El epigrama se usa tanto para mostrar defectos ajenos como para
expresar elogios.

PRÁCTICA ABIERTA

1. INDICACIÓN: Lee detenidamente el siguiente texto y contesta lo que se te pide.

¿Cuántos versos tiene el poema?

¿Cuántas estrofas componen el poema?

El poema tiene rima. ¿Qué tipo es?

Describe el contenido del poema.

Analizando todo lo anterior. ¿Podrías señalar a que subgénero de la lírica pertenece? ¿Por
qué?

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Dramático

El género dramático es connatural al ser humano. Desde niño juega juegos de adultos en los que
realiza diversas actividades. Después ya como adultos, su principio básico es una conversación con
otra persona (diálogo) o consigo misma (monólogo). Posiblemente sea el primero de los géneros
literarios en el que se habla para afirmar, para interrogar, para manifestar sorpresa. Por supuesto
que la sola conversación o el diálogo no son suficientes, se requiere además el elemento ficcional,
es decir, hacer como que se hace, lo cual implica una problemática muy profunda entre lo serio y lo
fingido. Posiblemente el teatro griego comenzó interrogando o cuestionando a la divinidad, acerca
de las causas de la miseria humana y por conocer los designios de los destinos de los hombres. El
hablar sin interlocutor está bien pero puede ser cansado. Por eso se añadió otro personaje en la
dimensión mágica de un escenario escueto, vacío de ornamentos en el cual no aparecía nada, ni
muebles, ni paredes, ni escenarios, solamente los humanos dialogando.

Los orígenes del teatro se dan en Grecia y están relacionados con la evolución de los rituales con la
caza y con la recolección de frutos y alimentos propios de la agricultura, que desembocaron en
ceremonias dramáticas a través de las cuales se rendía culto a las divinidades como Dionisos (dios
del vino) o Ceres (diosa de la agricultura, las cosechas y la fecundidad). Estos rituales también
sentaban y reflejaban los preceptos espirituales del grupo social. El término teatro procede del
griego theatrón, que puede concebirse como el espacio o el sitio para la contemplación. Por otra
parte, el concepto de teatro se utiliza para nombrar al género de la literatura que abarca aquellos
textos pensados para su representación en escena, y también al edificio donde se representan las
piezas teatrales.

Elementos del texto dramático

El texto dramático es el documento escrito en el que se encuentran la historia e indicaciones que se

deben realizar para llevar a cabo la representación. Entre sus elementos más representativos
podemos mencionar:

La modalidad discursiva puede ser de los siguientes tipos:

• Diálogo: conversación entre dos o más personas, es la forma de expresión básica del teatro, ya
sea en prosa o verso. El diálogo es la manera en la cual se transmite el mensaje teatral, es decir, con
él se construye el mundo externo e interno de la ficción y de los personajes.

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• Monólogos: forma discursiva en la cual el personaje está solo en el escenario, donde plantea dudas
acerca de las decisiones o compromisos que tomará su debate interno. Es la expresión de
pensamientos y sentimientos sin esperar respuesta. Recuerda acontecimientos y descubre el
mundo interior del personaje.

• Soliloquios: forma discursiva en la que el personaje habla en voz alta, está solo y hace referencia
al acontecer con presencia de un auditorio.

• Aparte: en algún momento un personaje, se aparta del resto o desvía su mirada, para hacer un
comentario en voz alta destinado al público/lector, que no es oído por el resto de los personajes.
Este recurso se denomina aparte. Mediante los apartes, los personajes realizan reflexiones en voz
alta, hacen comentarios malintencionados o declaran un pensamiento que puede ser de utilidad
para el desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es informar al público.

Acotaciones: son indicaciones del autor de la obra acerca del montaje, la actuación, el vestuario, los
gestos y el comportamiento de los personajes, aparecen siempre entre paréntesis. Dentro de este
conjunto se organiza la estructura del mundo dramático, es decir, marca con medios estrictamente
literarios las posibilidades de la representación física. En las acotaciones se especifican las
condiciones de enunciación que afectan al diálogo, por ejemplo, cuando se pide algo, se puede decir
enojado, asustado, emocionado, triste, etc.

Historia o trama: es lo que relata la obra. Cada texto se hace en función de la dramaticidad y la
teatralidad de su época. La historia se presenta en forma segmentada, distribuida en actos y escenas
que los personajes exponen durante el diálogo.

Lenguaje artístico: El teatro reúne una multitud de elementos heterogéneos no verbales como:
escenografía, iluminación, música y vestuario, los cuales se convierten en el lenguaje teatral. En
éste, la palabra es sólo uno de los elementos de idioma teatral que empapa al protagonista y al
espectador en un mundo ficticio. Finalmente, no se debe hablar de lenguaje en teatro sin antes
mencionar su carácter apelativo que pretende llamar la atención del público, y se manifiesta en el
diálogo de los personajes y la búsqueda de respuesta de otros. Esto se logra mediante la relación de
seres que entran en conflicto y tratan de provocar una reacción.

Espacio: es el lugar donde ocurren los hechos. Cuando se habla de espacio teatral nos referimos
tanto al lugar ficcional como al lugar físico en que se lleva a cabo la obra. En las obras dramáticas, la
información sobre los espacios en donde se desarrolla la acción, se indica mediante las acotaciones.

El tiempo se clasifica en tres tipos:

 Época: etapa histórica en la que se sitúan los hechos.

 Tiempo de la historia u objetivo: es la duración de los hechos. El tiempo que transcurre en

el mundo dramático se puede considerar desde dos puntos de vista: por un lado, el tiempo
total en que se supone transcurrió el conflicto, y por el otro, se puede tomar en cuenta
únicamente el tiempo ficticio que transcurre desde que comienzan hasta que terminan los
hechos contados en la obra.

 Tiempo subjetivo: es el tiempo que transcurre en la mente de los personajes a través de

recuerdos, sueños o anticipaciones.

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Personaje: proviene de la palabra persona, término de origen griego, πρόσωπον, que significa
“máscara de actor”, o “personaje teatral”. Son cada una de las personas o seres, ya sean humanos,
animales o de cualquier otra naturaleza, reales o imaginarios, que aparecen en una obra artística.
En varios espectáculos teatrales, puestas en escena y películas (con excepción de las animaciones),
los personajes son protagonizados por actores, bailarines y cantantes. Para las animaciones y títeres
existen actores vocales que le dan vida al personaje.

Tipos de personajes según su grado de importancia

Dentro de la obra existen diferentes tipos de personajes:

o Protagonista: personaje más importante que representa al grupo. • Antagonista: personaje

que se opone a los fines del protagonista.

o Personajes secundarios: son aquellos que no representan una de las dos fuerzas en
conflicto, sino que se suman a una de las dos, dando su apoyo al protagonista o al
antagonista.

o Personajes colectivos: tipo de personajes que, a pesar de ser una sola persona, representan
a muchas otras; es como si fuera la encarnación de un grupo. Por ejemplo, un representante
del pueblo o de los súbditos de un rey.

o Personajes alegóricos: constituyen la encarnación de cosas abstractas que no son personas.

Evidentemente, son personajes simbólicos a los que se les dan las características de aquellas
cosas a las que representan. Esto ocurre en aquellas obras donde participan como
personajes “La Primavera”, por ejemplo, o “La Muerte”, representada como una mujer
vestida de negro.

Tipos de personajes según su modificación durante el desarrollo de la acción

 Estáticos: son invariables en sus rasgos, no evolucionan. Se comportan de una misma

manera desde el comienzo hasta el término de la obra.

 Dinámicos o evolutivos: varían, experimentan cambios de manera conjunta con el desarrollo

de la acción. Modifican su modo de ser.

Estructura del texto dramático

El texto dramático, además, contiene una estructura externa y otra interna. Revisemos de qué se
trata cada una de ellas.

Estructura externa

Con base en la representación escénica, una historia se divide en:

Acto: Es cada una de las partes en que se encuentra dividida una obra dramática. En cuanto a su
amplitud, es la parte de mayor extensión respecto al cuadro y la escena. Los actos están
determinados por las acciones principales de los personajes y señalan cambios bruscos de tiempo y
lugar. Se indican con la caída del telón, y en el caso del teatro griego antiguo, con la intervención del
coro. En general, una obra puede estar dividida en el número de actos que requiera la historia, sin

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ACREDITA-BACH 2024-25
embargo, la mayoría de las obras están compuestas de tres, cinco o uno solo. Por ejemplo, una obra
de tres actos se conforma como en el siguiente esquema:

Cuadro: indica cambios de lugar mediante la variación de las luces que iluminan diversas partes del
escenario (decorado). Por ser divisiones menores, pueden comprenderse dentro de los actos.
Muestra una particularidad del problema y lo desenvuelve en un mismo lugar o con el
desplazamiento de un personaje. El cuadro no se limita por las acciones sino por los espacios
representados.

Escena: Unidades mínimas de construcción dramática que están marcadas por la entrada o salida
de algún personaje. También se considera como escena a la parte del escenario en donde se
representan las acciones, de ahí que éstas puedan ser abiertas o cerradas dependiendo del tipo de
espacio en el cual se lleve a cabo.

 Escenas cerradas: Se desarrollan en un escenario cerrado, es como una caja que tiene una
cara abierta (se le llama la cuarta pared). Es la más común y el público percibe la obra sólo
al frente.

 Escenas abiertas: Es aquella que se genera casi al aire libre, mientras el público la está
rodeando en 180 grados. El ambiente y la profundidad le permiten al público sentirse parte
de la obra misma.

Estructura interna

El esquema estructural de la obra dramática no es muy diferente del que conforma a la narrativa,
pero cuenta con una terminología particular.

Situación inicial: Por lo general son escenas cortas que aluden a los antecedentes de la obra. En
estas escenas se dan a conocer los personajes y la situación donde se genera la obra.

Ruptura de equilibrio: También es llamada comienzo de la acción y se refiere al momento en que

algo rompe con el equilibrio de la situación inicial, es una fuerza que aparece en conflicto. Esta lucha,
que puede representarse de diversas formas, es la que mantiene la tensión dramática de la obra.

25
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Desarrollo: En este momento de la obra cuando ya se estableció el conflicto, da inicio la lucha entre
varias fuerzas para lograr la superioridad, generalmente entre el protagonista y el antagonista de la
obra. Aquí se desarrolla una serie de obstáculos que el protagonista debe librar para alcanzar sus
objetivos, que pueden ser muy variados, reconquistar a la persona amada, salvar su vida, liberar a
su pueblo, luchar con sus miedos etc. La obra puede tener varias escenas donde se generan
conflictos de distinto carácter que van creando tensión en el espectador o público. Aquí mismo,
también se llega al clímax, que es el momento en que se presenta la máxima intensidad de la acción
dramática, incluso puede ser un choque frontal del protagonista con el personaje antagonista.
Podemos decir, que es el momento más emocionante de la obra.

Desenlace: Una vez que pasa el punto crítico o clímax, se desarrolla un nuevo orden de equilibrio.
Es el momento en que culminan todas las acciones de los personajes y sobreviene el regreso al
orden inicial. En este momento, el protagonista logra su objetivo y se presenta una solución, en
ocasiones alegre y en otras de desgracia, dependiendo del género dramático de la obra.

Subgéneros dramáticos

El género dramático es el género literario que comprende todas aquellas obras escritas que tienen
por finalidad ser representadas. El término “dramático” proviene de la palabra “drama”, la cual
corresponde al nombre genérico de toda creación literaria en la que un artista, en este caso, el
dramaturgo, concibe y desarrolla un acontecimiento dentro de un espacio y tiempos determinados
Existe una diferencia relevante, debido a que las formas mayores del género dramático, son
composiciones más extensas, que logran constituirse como una “Obra dramática”. En cambio las
formas menores, no logran pasar más allá de un acto o simplemente no tienen la extensión
necesaria.

Subgéneros mayores

Comedia: Del latín comoedia, del griego komodia, komodos-comediante. Esta forma teatral tiene la
finalidad de divertir al espectador poniendo en escena los caprichos, extravagancias y debilidades
humanas. Busca provocar la risa del espectador, emplea con frecuencia recursos humorísticos, así
como el ingenio verbal. Se caracteriza porque regularmente tiene un desenlace festivo o placentero.
Se le reconoce como el género cómico. La comedia actual sigue siendo un género que presenta una
problemática sencilla de fácil solución, es decir, sin complicaciones.

Tragedia: Forma dramática en la que el héroe padece las consecuencias de una lucha, ya sea real o
simbólica, en la que es vencido frente a su incapacidad para superar las fuerzas que lo avasallan: su
destino. El estilo de la tragedia siempre es elevado y su desenlace funesto, fatal. Se caracteriza por
el horror, la desgracia y la muerte. El protagonista suele ser el héroe, que representa un ideal de
comportamiento humano. La tragedia sigue diciendo algo al hombre actual, que enfrenta la misma
problemática que el de hace siglos.

Drama: Obra literaria mayor que pone en escena un conflicto serio, donde están en juego valores
importantes como el amor, la honradez o la dignidad. A diferencia de la tragedia, sus protagonistas
pueden ser de cualquier condición social y el conflicto se sitúa en la vida cotidiana. Representa
situaciones en torno al hombre y los diversos problemas que enfrenta: soledad, odio, venganza,
celos, muerte. En el desenlace, el protagonista obtiene un triunfo moral, aunque a costa de muchos
sufrimientos.

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Subgéneros menores

Auto Sacramental: Se denomina auto sacramental a una obra de teatro de carácter religioso. Se
trata de un drama litúrgico que suele tener un acto y se basa en alegorías. Desde el siglo XVI y hasta
el siglo XVIII, era habitual que el auto sacramental se representase durante el Corpus Christi. Sin
embargo, en 1765 este género fue prohibido por impulso de los pensadores ilustrados. Con el
tiempo, diversos autores retomaron los autos sacramentales, como Rafael Alberti y Gonzalo
Torrente Ballester.

Sainete: piezas que se enmarcan en el género dramático, tienen contenido jocoso y que se
desarrollan en un solo acto. En la antigüedad, estas obras se llevaban a cabo durante un corte
intermedio o tras el término de una función. Cabe resaltar que esta palabra también se aprovecha
para nombrar a la obra de teatro, por lo general de características cómicas, que cuenta con una
ambientación y personajes populares y que se organiza en uno o más actos, como una puesta en
escena independiente.

Paso: pieza dramática de breve duración, asuntos sencillos y tono cómico. Se intercalaba entre las
partes de las comedias. Está considerado como el precedente del entremés y se caracteriza por su
lenguaje realista.

Entremés: obra dramática de tono jocoso estructurada en un único acto, que en la antigüedad se
representaban entre una y otra jornada de la comedia o incluso en medio de una jornada. Solía estar
protagonizado por personajes de las clases populares. Entre finales del siglo XVI y hasta su
prohibición en 1780, los entremeses eran habituales en el teatro español.

Farsa: es una pieza cómica, por lo general bastante breve, cuyo único objetivo es hacer reír a los
espectadores. El sentido de la farsa como género teatral es desvelar ciertas normas y demostrar su
calidad de fatuas. Suele utilizarse este estilo para criticar la forma en la que viven los seres humanos,
manifestando diferentes posturas en torno a la organización social y a las imposiciones que los
individuos siguen a rajatabla y que en el fondo no los llevará a ninguna parte.

Melodrama: Es uno de los subgéneros del género dramático caracterizado por la forma en la que se
interpreta, donde interviene con una pieza dramática profunda en la que expone toda la
interpretación y expresión emocional de un personaje. En últimas, el melodrama funde las palabras
con la música, turnándose para manifestar la expresión del personaje.

Opera: proviene de la lengua italiana y hace referencia a la obra teatral cuyo texto se canta con
acompañamiento de una orquesta. El concepto de ópera comenzó a utilizarse alrededor del año
1350. El género forma parte de la tradición de la música clásica occidental e implica diversos tipos
de composiciones, entre los que encontramos el aria, el recitativo y la canción. La ópera puede ser
cantada por dúos, tríos u otras formaciones, y pueden requerir la presencia de un coro, tanto para
piezas exclusivamente corales como para acompañar ciertas arias, por ejemplo. Con el tiempo,
surgieron varios géneros vinculados a la ópera aunque con algunas características particulares,
como el musical británico y estadounidense, la zarzuela española y la opereta vienesa.

Zarzuela: es un género escénico que combina declamaciones, cantos y partes instrumentales. Su

nombre procede del Palacio de la Zarzuela, el lugar donde se representó por primera vez este tipo
de obra dramática y musical. Considerada un subgénero de la opereta, la zarzuela se diferencia de

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ésta ya que su acción transcurre en alguna provincia española y, además, siempre incluye algún
fragmento musical inspirado en la música típica de España.

PRÁCTICA ABIERTA

1. INDICACIÓN: A continuación, se presenta un fragmento del primer cuadro, primer

acto de la obra Bodas de Sangre del dramaturgo español Federico García Lorca.
Después de leerlo, identifica algunos de los elementos que componen el texto dramático y
anótalos en el cuadro correspondiente.

(Escenografía, se sugiere una habitación pintada de amarillo)

Novio: (Entrando) Madre.

Madre: ¿Qué?

Novio: Me voy.

Madre: ¿A dónde?

Novio: A la viña. (Va a salir).

Madre: Espera.

Novio: ¿Quieres algo?

Madre: Hijo, el almuerzo.

Novio: Déjalo. Comeré uvas. Dame la navaja.

Madre: ¿Para qué?

Novio: (Riendo) Para cortarlas.

Madre: (Entre dientes y buscándola) La navaja, la navaja... Malditas sean todas y el

bribón que las inventó.

Novio: Vamos a otro asunto.

Madre: Y las escopetas, y las pistolas, y el cuchillo más pequeño, y hasta las azadas

y los bieldos de la era.

Novio: Bueno.

Madre: Todo lo que puede cortar el cuerpo de un hombre. Un hombre hermoso, con

su flor en la boca, que sale a las viñas o va a sus olivos propios, porque son de él,

heredados...

Novio: (Bajando la cabeza) Calle usted.

Madre: ...y ese hombre no vuelve. O si vuelve es para ponerle una palma encima

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o un plato de sal gorda para que no se hinche. No sé cómo te atreves a llevar una

navaja en tu cuerpo, ni cómo yo dejo a la serpiente dentro del arcón.

Novio: ¿Está bueno ya?

Madre: Cien años que yo viviera no hablaría de otra cosa. Primero, tu padre, que

me olía a clavel y lo disfruté tres años escasos. Luego, tu hermano. ¿Y es justo y

puede ser que una cosa pequeña como una pistola o una navaja pueda acabar con

un hombre, que es un toro? No callaría nunca. Pasan los meses y la desesperación

me pica en los ojos y hasta en las puntas del pelo.

Novio: (Fuerte)¿Vamos a acabar?

Madre: No. No vamos a acabar. ¿Me puede alguien traer a tu padre y a tu hermano?

Y luego, el presidio. ¿Qué es el presidio? ¡Allí comen, allí fuman, allí tocan los

instrumentos!

Mis muertos llenos de hierba, sin hablar, hechos polvo; dos hombres que eran dos

geranios... Los matadores, en presidio, frescos, viendo los montes...

Novio: ¿Es que quiere usted que los mate?

Madre: No... Si hablo, es porque... ¿Cómo no voy a hablar viéndote salir por esa

puerta? Es que no me gusta que lleves navaja. Es que.... que no quisiera que

salieras al campo.

Novio: (Riendo) ¡Vamos!

Madre: Que me gustaría que fueras una mujer. No te irías al arroyo ahora y

bordaríamos las dos cenefas y perritos de lana. (Continúa.)

Elemento Ejemplo

Modalidad Discursiva

Personajes

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 Acotaciones

Espacio

Tiempo

Tema

Ensayo Literario

Un ensayo literario es un escrito en prosa que analiza o reflexiona en torno a un tema libre elegido
por el autor. Forma parte del género didáctico, uno de los grandes géneros literarios, junto con
la narrativa, la poesía y la dramaturgia, entre otros.

Existen diversos tipos de ensayos que tratan sobre diferentes temas, en áreas como la política,
la sociedad, la filosofía y las artes. Siempre implican un abordaje subjetivo y personal del autor,
aunque riguroso. Esto significa que un ensayo cuenta con opiniones y argumentaciones, pero
sustentadas en la lógica y la información.

El ensayo puede variar en extensión y estructura, pero siempre es un texto organizado que utiliza
recursos estilísticos para dar fuerza poética y argumentativa a las ideas que desarrolla. Está dirigido
a un público amplio, por lo que usa un vocabulario y un estilo que buscan ser comprendidos por
todos.

Características de un ensayo literario

Las principales características de un ensayo literario son:

 Es un texto en prosa que trata sobre un tema específico elegido por el autor.
 Es riguroso, ya que incluye información y datos chequeados, pero también es subjetivo,
porque incorpora argumentos y opiniones del autor.
 Utiliza recursos estilísticos y literarios para dotar al texto de sentido estético.
 Su estructura suele estar formada por tres partes principales: introducción, desarrollo y
conclusión.
 Tiene una extensión variable, que puede ir desde unas pocas páginas hasta un libro entero.
 Suele producirse en el ámbito académico y suele estar dirigido a un público más general.

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  Puede tratar temas dentro de variadas disciplinas, como la filosofía, la literatura, el arte,
entre otras.
Partes de un ensayo literario

La estructura de un ensayo es sumamente libre, ya que se trata de un tipo de escrito en el que el

autor busca argumentar y reflexionar sobre un tema. Sin embargo, a grandes rasgos, el ensayo como
género suele contar con tres partes principales: la introducción, el desarrollo y la conclusión.

Introducción. El autor expone en los primeros párrafos del escrito el tema sobre el que va a tratar
el texto.

Desarrollo. El autor expone sus argumentos y teorías u opiniones sobre el tema elegido. Además,
puede incluir datos o información que permitan al lector comprender más acerca de la cuestión que
se está abordando. El desarrollo es la parte más larga y central de un ensayo.

Conclusión. El autor destaca las ideas principales del ensayo o aquellas ideas que quiere rescatar
porque reflejan sus opiniones o conclusiones sobre el tema tratado. Las conclusiones se ubican al
final del ensayo y no suelen ser muy extensas.

Todo ensayo debe contar, además, con un apartado de referencias bibliográficas, en el que el autor
enumera las fuentes que fueron citadas en el documento con sus datos completos, de modo que el
lector pueda recuperarlos si así lo deseara. También puede incluirse un apartado de bibliografía, en
el que se suman las fuentes que fueron consultadas para hacer el escrito, pero no citadas.

Tipos de ensayo literario

Los ensayos se pueden clasificar según la metodología que se use al momento de la redacción. Las
clases de ensayo más frecuentes son:

 Ensayo expositivo. Tipo de ensayo que busca transmitir información clara y precisa para
explicar un tema. El foco está puesto en la información en sí misma, y no en los argumentos
o las opiniones del autor.

 Ensayo argumentativo. Tipo de ensayo en el que el autor plantea su punto de vista sobre
una temática determinada y lo defiende con la intención de convencer al lector.

 Ensayo descriptivo. Tipo de ensayo que se centra en describir de forma minuciosa a una
persona, objeto o lugar. Suele transmitir imágenes vívidas y hacer uso de figuras literarias.

 Ensayo crítico. Tipo de ensayo en el que se analiza un objeto o elemento y se plantean sus
ventajas y desventajas, o virtudes y defectos. Implica una observación profunda sobre el
objeto, que suele ser un producto cultural, como un libro o una película.

 Ensayo analítico. Tipo de ensayo en el que se analizan todas las partes de un elemento por
separado para poder comprenderlo en su totalidad.

Origen del ensayo literario

Muchos estudiosos sostienen que algunos textos de la Antigüedad griega y romana funcionaron
como fuente para el surgimiento del ensayo. Tal es el caso de los Diálogos de Platón y los escritos
de intelectuales y políticos romanos como Cicerón, Plutarco y Séneca. Sin embargo, el ensayo tal

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ACREDITA-BACH 2024-25
como se lo conoce en la actualidad surgió durante el siglo XVI con la obra de Michel de Montaigne
(1533-1592), quien es considerado el padre de este género.

Montaigne fue un filósofo y político francés del Renacimiento que redactó y publicó, a partir de
1580, una gran cantidad de textos en prosa que agrupó en tres volúmenes bajo el nombre de
Ensayos. En cada uno de ellos, reflexiona y da su punto de vista sobre un tema en particular, como
en “De la tristeza”, “De la ociosidad”, “Del miedo”, “De la amistad”.

Montaigne buscaba, a través del análisis de un tema, reflexionar sobre su propia existencia para
poder conocerse mejor a sí mismo. Se considera que con estos textos sentó las bases del ensayo
moderno, al tratar un tema de forma subjetiva, incluyendo opiniones y puntos de vista, bajo una
extensión y una estructura no fijas.

Fueron muchos los pensadores que continuaron el legado de Montaigne y, con ello, terminaron de
delinear el género. Uno de los más reconocidos fue el pensador inglés Francis Bacon (1561-1626),
considerado el iniciador del género ensayístico en su país. Bacon escribió un total de 58 ensayos
sobre temas muy variados, entre los que se encuentran “De la honra y la reputación”, “De los
acompañantes y amigos”, “De la muerte”, “Del ateísmo”.

Otros autores de ensayos destacados a lo largo de la historia fueron Charles Lamb (1775-1834),
William Hazlitt (1778-1830), Miguel de Unamuno (1864-1936), José Ortega y Gasset (1883-1955),
José Martí (1853-1895), George Orwell (1903-1950), Octavio Paz (1914-1998), entre muchos otros.

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 PRÁCTICA ABIERTA

1. INDICACIÓN: Analiza el siguiente ensayo y responde las preguntas.

El mundo simbólico, los mitos y la epilepsia

El hombre es, por su sensibilidad su capacidad de raciocinio, el ser más maravilloso de la creación, pero
también una criatura de gran debilidad física. ante las fuerzas de la naturaleza se encuentra muchas veces
impotente, estas le revelan su finitud le recuerdan su pequeñez en el universo, pero una capacidad que él solo
posee entre todos los demás animales le permite trascender sus limitaciones la posibilidad de organizarse
socialmente gracias a su aptitud para la comunicación, con base en la cual genero el lenguaje, herramienta
con la que excede los límites de su e existencia corporal.

La posibilidad de acceder a lo simbólico da a los seres humanos la oportunidad de abstraerse de sus

limitaciones corporales. Ante ellas y frente a las fuerzas naturales que muchas veces los rebasan, los hombres
crean mitos, símbolos que los compensan dan impulso a su aliento vital.

Debido al carácter religioso que el mito tuvo en la antigüedad, Simón Brailowsky alude en su obra Epilepsia:
Enfermedad sagrada del cerebro, al origen divino que se le atribuyó a esta enfermedad en diversas culturas
como la mesopotámica, en la que se le relacionaba con “la mano del pecado” con el dios de la Luna.

El hombre ha tendido siempre a dar interpretaciones mágico-religiosas a aquellos fenómenos naturales que
escapan a su comprensión, creando en torno suyo relatos fabulosos en los que agentes impersonales que la
mayoría de las veces son fuerzas de la naturaleza personificadas, realizan acciones con sentido simbólico.

Terry Eagleton ha señalado que el hombre como ser cultural se distingue por su carácter simbólico, a
diferencia de otros animales “cuyos cuerpos so lo les dejan un poder limitado para liberarse de los contextos
que los determinan”. Los símbolos míticos revelan a los seres humanos poderes que van más allá de los
naturales que, en el caso de la calidad sagrada que se concedió a la epilepsia, sirvieron para explicar el porqué
de las capacidades superiores de ciertos hombres que padecieron ese mal como Hércules, Sócrates, Mahoma,
Dostoyevsky, Lord Byron, Flaubert y Van Gogh, a quienes Brailowsky menciona.

La historia humana está poblada de mitos porque “el mito, igual que la ciencia, tiene la ambición de explicar
el mundo haciendo inteligibles sus fenómenos. Igual que ella, pretende ofrecer al hombre un modo de actuar
sobre el universo, asegurándole su posesión espiritual material. Ante un universo lleno de incertidumbres y
misterios, el mito interviene para introducir lo umano”.3 No se trata de un ensueño gratuito sino de una
hipótesis de trabajo, de un intento de salir de la impotencia en que el ser humano se encuentra.

James G. Frazer en La rama dorada relaciona los distintos mitos con un número considerable de cuestiones a
las que los hombres quisieron dar explicación por medio de ellos el dominio del tiempo, el poder benéfico de
los árboles, las estaciones del año, la muerte, la vegetación, los poderes espirituales, el mal y los elementos.
Este autor da gran importancia a la religión en virtud de cuyos mitos se suple las limitaciones humanas ante
el poder ilimitado de los dioses.

Los mitos entonces, como parte de la cultura, ayudan a sobrevivir al hombre porque llenan vacíos de su
naturaleza material al colmar necesidades que esta no les permite satisfacer.

(Margarita Alegría, “La lecto-escritura como herramienta” en Leamos la ciencia para todos, manual. pp. 30-
31)

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  ¿Cuál es la tesis del ensayo anterior?

 ¿Qué argumentos emplea para defender dicha tesis?

 ¿Por qué la epilepsia se relaciona con los mitos?

 ¿A qué conclusiones llega el ensayo?

ÉPOCAS LITERARIAS

Literatura griega y romana

Antigua Grecia: Aunque hay mitos griegos que se

remontan al siglo XIII a.C, fue el V a.C. el siglo griego
por excelencia, el siglo en que Atenas fue la gran
vencedora de las Guerras Médicas, que culminaron
con las victorias de Maratón y Salamina. Su
decadencia vendría tras la guerra del Peloponeso
contra Esparta. Los griegos concibieron la democracia como la forma más justa e igualitaria para
gobernar a los pueblos. Las ciudades griegas recibían el nombre de polis. La población se agrupaba
en tres clases sociales: los nobles, grupo militarizado y preponderante; los hombres libres, grupo
mayoritario formado por artesanos, ganaderos y los labradores independientes; los jornaleros,
normalmente formado por los extranjeros de los pueblos vencidos. La economía estaba basada en
la agricultura mediterránea: cereales, viñas y olivos. Un 80% de la población estaba dedicada a ella.
La madera estuvo explotada de forma intensiva. Tuvo también importancia el comercio marítimo y
poca la ganadería de ovejas y cabras. Desarrollaron La apicultura. La miel era el único producto que
usaban para endulzar.

Literatura griega: No hubiera sido posible una literatura tan perfecta sin una lengua rica y
desarrollada, adaptable a la prosa y al verso, a la expresión del sentimiento y de las ideas. Y el idioma

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griego lo fue, por la abundancia de su vocabulario, la flexibilidad de su sintaxis y su entonación casi
musical. Donde más destacaron los griegos fue en los géneros propiamente literarios: la poesía
épica, la poesía lírica y el teatro, aunque cultivaron también la filosofía, la historia y la oratoria. La
razón de la perdurabilidad de las grandes obras de la literatura griega es que en ellas se ofrecen
imágenes muy certeras de la existencia humana en situaciones tales que ponen en evidencia las
luces y las sombras del hombre esencial.

La poesía épica y la lírica griega: La literatura de la Grecia clásica se nutre de los mitos y leyendas.
Sus protagonistas son dioses, semidioses y héroes con los mismos sentimientos que el común de los
hombres. La épica es un género narrativo propio de sociedades iletradas. Tuvo su origen en la
transmisión oral. Las epopeyas y los poemas épicos cantan las hazañas de héroes, ensalzándolos
como modelos humanos. Los temas suelen apoyarse en un trasfondo histórico. Homero (ss. IX-VIII
a.C.) dio forma definitiva a los dos grandes poemas épicos con que se inicia la literatura occidental:
la Ilíada, un canto guerrero que narra la cólera de Aquiles, uno de los héroes griegos que asedian
Troya, que da muerte al héroe troyano Héctor para vengar a su amigo Patroclo; y la Odisea, que
relata el regreso del héroe griego Ulises (Odiseus) a Ítaca, su patria, después de la caída de Troya.
Es como una novela de aventuras. Mientras que la epopeya nace en un mundo feudal, la poesía
lírica surge con las formas de vida urbanas (ss. VII-V a.C.). Es individualista y subjetivista. Los temas
son el amor, la amistad, la muerte. Al principio, se cantaba con acompañamiento de una lira, y
conservará siempre la armonía y el ritmo. En Alceo (s. VII a.C.) hallamos todavía un estilo apasionado
y directo. Safo (ss. VII-VI a.C.), poetisa de origen noble, cantó el amor en versos de una delicada
sensibilidad, y Anacreonte (ss. VI-V a.C.), los placeres amorosos, de la buena mesa y el buen vino,
sin eludir la amargura y la tristeza. Píndaro (s. V a.C.) destacó en la lírica coral en honor a los
vencedores de los Juegos olímpicos.

El teatro griego: El teatro griego nació ligado al ámbito religioso-mitológico: la tragedia, de las fiestas
en honor del dios Dionisos, y la comedia, de unos bailes burlescos de los campesinos, cuando a
ambos fueron incorporándose personajes-actores. Los temas de la tragedia se reunían en tres obras
encadenadas (trilogía), y los protagonistas se enfrentan a la fuerza del destino. De Esquilo (ss. VI-V
a.C.) se conservan la trilogía de la Orestíada (Agamenón, Las Coéforas, Las Euménides) y obras
dispersas (Los persas, Prometeo encadenado). Sus personajes son aún esquemáticos, y el lenguaje
es solemne y poético. Sófocles (s. V a.C.), en obras como Antígona y Edipo rey, creó personajes más
humanizados. Eurípides (s. V a.C.) puso en escena los impulsos y sentimientos humanos (Alcestes,
Las troyanas, Orestes). Aristófanes (ss. V-IV a.C.), el más célebre comediógrafo griego, sobresale por
la viveza de los diálogos, mostrando en sus comedias (Las nubes, Las ranas, Las aves) un mundo
variopinto y vitalista. Sin embargo, El comediógrafo griego más importante fue Menandro, quien
dotó a la comedia de una mayor dignidad evitando la chocarrería que se encuentra en Aristófanes.
Sus mejores obras son El misántropo y El arbitraje.

Antigua Roma: Los romanos habitaban en la península itálica. La conocida como Roma clásica
políticamente tuvo tres períodos, el de la Monarquía, el de la República y el del Imperio. La
consecuencia inmediata tras la victoria de Roma en la II Guerra Púnica contra los fenicios, librada
entre 218 y 201 a.C., fue el asentamiento de Roma como potencia indiscutible y la etapa crucial de
su engrandecimiento fue el siglo III a.C. La rivalidad entre las dos grandes ciudades-estado, Cartago,
la Túnez actual, y Roma, se saldó con la hegemonía de esta última. Sin el Imperio romano la
civilización europea habría sido algo muy distinto de la que conocemos. Roma tenía una lengua

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indoeuropea; Cartago, semítica. Los cartagineses mantenían de forma habitual los sacrificios
humanos; los romanos, los fueron abandonando. Los cartagineses practicaban el despotismo; los
romanos buscaron medios institucionales para evitarlo.

Los romanos dominaron todo el Mediterráneo durante unos seis siglos y medio y se extendieron
por Europa, África y Asia. Los principales factores de sus victorias fueron la solidez de sus
disciplinadas legiones, una hábil diplomacia, que siempre le proporcionó aliados y la tenacidad de
los grupos dirigentes de la República que consiguieron una gran unidad en torno a la capital. Pero
el imperio terminó siendo un gigante con pies de barro, ya que acabó convirtiéndose en un mundo
que carecía de todo ideal que no fuera el de aumentar el número de placeres. Las antiguas y
vigorosas tradiciones campesinas, la piedad religiosa, el trabajo duro, el sentido de la justicia, el
rechazo a las ambiciones particulares, decayeron en beneficio de las ideas y formas de vida refinadas
y lujosas del helenismo.

Corrientes de pensamiento y creencias religiosas: Los pensadores latinos más importantes fueron
Cicerón y Séneca. Aunque los romanos vencieron a los griegos por la fuerza de las armas, sintieron
una gran admiración por su pensamiento y su cultura y trataron de aprender de ellos cuanto
pudieron. No tuvieron nunca un pensamiento autónomo. Terminaron desdivinizando el mundo
religioso griego y fomentaron el culto a la diosa Roma y al emperador. La religión romana era
supersticiosa, puramente ritualista y se limitaba a ofrecer sacrificios para aplacar a unos dioses
vengativos a los que no temían, pero tampoco amaban. Sus dioses paganos podían ser sobornados
mediante ritos y ofrendas para que concedieran favores a sus devotos, pero nunca planteaban
exigencias morales. No obstante, mientras se mantuvo la religiosidad, el imperio fue fuerte. Cuando
el helenismo introdujo en las capas superiores el escepticismo religioso, dando por sentado que el
bien es el placer y el mal el dolor, las costumbres se relajaron, se extendió el desinterés por tener
hijos y en la sociedad romanas se extendieron ritos orgiásticos importados de Oriente. El pensador
Cicerón rechazó el ateísmo y el escepticismo y el español Séneca, el filósofo romano más destacado,
criticó el culto a los dioses inspirado por el miedo y no por el amor. El emperador Marco Aurelio, de
ascendencia hispana, defendió que el hombre que comprende su ser como parte mínima del Todo,
sabe que vida y muerte son solo cambios en la marcha del universo. El cristianismo terminaría
convirtiéndose en la única religión oficial el año 380 d.C. en el mandato de Teodosio, otro
emperador de origen hispano.

Literatura romana: La vida humana tenía poco valor en Roma y ello se ve plasmado en su literatura.
La figura del héroe se distinguía por una sabiduría ecuánime, la cual afirmaba gozosamente por
encima de todo lo demás. Considera que todo lo que no entra en el orden y valor de la naturaleza y
de lo natural, es decir, lo irracional, era nocivo y malo, aun cuando procediera de la divinidad. Para

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los romanos el matrimonio era una tapadera social, al margen de la cual marido y mujer tenían su
vida sexual y amorosa. Por lo tanto, la vida familiar era prácticamente inexistente.

Al Imperio Romano hay que agradecerle la vivificación y la difusión de la cultura griega, cuando ya
había entrado en franca decadencia. Gracias a Roma, la literatura, el arte y el pensamiento clásicos
fueron universalmente conocidos y aceptados. Las primeras manifestaciones fueron de escritores
griegos afincados en Sicilia.

Tres rasgos caracterizan a la literatura latina:

• Su dependencia de la griega: los principales géneros (la epopeya, la lírica, el teatro) se cultivan
siguiendo los modelos griegos, lo que, sin embargo, no les resta a las obras calidad y grandeza.
Incluso la mitología, el más rico filón del que siguen extrayendo sus argumentos los escritores
romanos, es un calco, con ligeras variantes, de la griega. Sólo en los géneros secundarios (oratoria,
historia, sátira) se percibe una mayor originalidad en los cultivadores latinos.

• Su gran extensión en el tiempo: no sólo abarca las producciones realizadas mientras perduró el
Imperio Romano (siglo III a.C.- siglo V d.C.), sino mucho de lo escrito durante toda la Edad Media
(siglos V - XV), ya que la lengua latina siguió siendo el vehículo transmisor de la cultura en Occidente.
Incluso en el Renacimiento los humanistas redactaron muchas de sus obras en latín clásico. Y la
iglesia católica lo ha utilizado en el culto hasta el siglo XX.

• Su preferencia por los géneros didácticos (tratados morales, historia, oratoria, ciencia...) y por un
lenguaje sobrio y austero, como corresponde a un pueblo de mentalidad eminentemente práctica,
que acostumbraba a yuxtaponer, o anteponer, lo útil a lo bello.

La poesía latina: La literatura en lengua latina surgió con traducciones e imitaciones de obras
griegas. Influyó en toda la cultura europea, en particular en las lenguas romances, hijas del mismo
latín. La poesía alcanzaría su plenitud en la época imperial (s. I a.C.). Virgilio (70-19 a.C.) trató con
pulcro estilo, en las Bucólicas, los temas clásicos del amor idílico, y en las Geórgicas, las tareas del
campo. Con la Eneida creó la epopeya nacional romana. Horacio (65-8 a.C.) logró en sus Odas una
muestra de la mejor lírica universal. Ovidio (43-18 a.C.) es conocido por su Arte de amar, tratado
sobre el amor profano y sensual, pero sobre todo por sus Metamorfosis, donde se producen
transformaciones de los personajes.

El teatro latino: Aunque se mantuvo dentro de las pautas trazadas por el teatro griego, dio mayor
importancia a la comedia y, en cambio, relegó la tragedia. La comedia latina tuvo dos figuras
señeras: Plauto (254-184 a.C.), que adaptó en sus obras (Anfitrión, La olla, El soldado fanfarrón) la
comedia griega al gusto romano, y sobresalió por el dominio del lenguaje coloquial más que por la
trama o los caracteres; y Terencio (190-159 a.C.), conocido sobre todo por Heautontimorumenos (El
que se atormenta a sí mismo), que ahondó en los matices psicológicos.

La novela: El Satiricón de Petronio y El asno de oro de Apuleyo. Ambas servirán como modelo a la
novela picaresca.

La historia: Julio César con Guerra de las Galias y Salustio, La conjuración de Catilina.

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La literatura medieval

La Edad Media se extiende desde la caída del Imperio romano de Occidente en el siglo V d. C., hasta
la caída en poder de los turcos de Constantinopla, último resto del Imperio romano de Oriente, en
el siglo XV. El régimen político-social que regía la Edad Media era el feudalismo, basado en la
desigualdad. La sociedad estaba compuesta por la nobleza (hacía la guerra), el clero (es el que reza)
y el pueblo llano (es el que trabaja). En torno a los artesanos va a desarrollarse al final del periodo
una nueva clase social: la burguesía.

En la sociedad medieval convivían judíos, musulmanes y cristianos, lo que propició un clima de

diversidad cultural y de permeabilidad ideológica. Tras las invasiones árabes, comenzaron las de los
vikingos, también conocidos como normandos. Fueron los fundadores de Rusia e Inglaterra. La era
vikinga duró dos siglos, hasta el siglo XI, cuando fueron cristianizados.

En Tierra Santa durante dos siglos las Cruzadas mezclaron heroísmo con dosis de crueldad. Política
y militarmente concluyeron a finales del siglo XIII en un tremendo fracaso. Paradójicamente,
rindieron cuantiosos frutos económicos a diversas ciudades italianas como Génova y Venecia. De
las Cruzadas surgieron las órdenes militares. El siglo XIV, por otro lado, fue muy convulso. Una gran
epidemia de peste bubónica, la llamada peste negra, transmitida por las pulgas de las ratas, diezmó
la población europea en un cuarenta por ciento, aproximadamente.

La cultura en la Edad Media estaba restringida a los monasterios. En ellos, los monjes cristianos
manuscribían códices y transmitían el saber. Fue la estructura eclesiástica la que permitió salvar, en
gran parte, la cultura grecolatina, recuperar la agricultura y la ganadería, crear hospitales y

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hospederías y emprender una labor misionera. Si la civilización no cedió a un largo periodo de
oscuridad se debe de modo sobresaliente a la Iglesia.

Características de la literatura medieval: En la Edad Media, cada género literario surge en íntima
relación con uno de los estamentos en que estaba dividida la sociedad. Los ideales de la primitiva
nobleza son recogidos en los cantares de gesta, que el pueblo escuchaba también complacido; más
tarde, al convertirse de guerrera en cortesana, la clase dirigente generará a su alrededor una lírica
amorosa (provenzal, dolce stil nuovo) y unos relatos fantásticos (poemas caballerescos) que
transmiten su idea del mundo y de la vida.

La Iglesia optará por una literatura moral y religiosa. La burguesía, que comienza a abrirse camino
en el siglo XIV, deja constancia de su espíritu práctico en relatos humorísticos y satíricos en prosa.
El pueblo llano entona unas cancioncillas líricas, la mayoría de las cuales se han perdido porque
nadie se ocupó de recogerlas por escrito.

La literatura medieval occidental se caracteriza por:

- Está fuertemente enraizada en las ideas teocéntricas, cargadas de simbolismo espiritual, donde lo
importante es el ejemplo moral. El cristianismo será en centro de todas las manifestaciones
religiosas.

- La mayoría de los textos muestran un estado inicial de las distintas lenguas vernáculas. Nacen las
lenguas germánicas (inglés, alemán, danés, noruego, sueco…) y las románicas (italiano, francés,
provenzal, castellano…).

- La guerra era un hecho cotidiano. Será la juglaría la encargada de difundir las noticias bélicas.

- Importancia de las manifestaciones literarias épicas en las que se cuenta la historia de un pueblo.
Son la épica y la poesía lírica los géneros literarios que sobresalen en la Edad Media.

- Continúa la influencia de la cultura grecolatina porque la Iglesia se esforzó en conservarla. Fue muy
importante en la conservación de esa cultura la labor de Boecio, Casiodoro y San Isidoro.

- Importancia de la transmisión oral. Gran parte de la literatura se difundía mediante la recitación,

dado que la población era analfabeta en su mayoría.

- Carácter anónimo de sus autores. Al principio, sobre todo, la literatura surge de la colectividad y
luego va siendo modificada por los juglares o quienes la transmiten. Lo importante para la literatura
medieval no es quien escribe la obra, sino qué dice y cómo.

- La finalidad didáctica o moralizante. La influencia religiosa determina que, en muchos casos, la

literatura se utilice para influir en los oyentes. Otras veces sirve de propaganda de los valores de un
rey o de un pueblo, como ocurrirá con los cantares de gesta.

- Uso del verso. Hasta bien entrada la Edad Media (siglo XIV), el verso será el modo usual de escribir,
dada su facilidad para la recitación.

- Empleo frecuente de la alegoría para establecer dos planos: el literal y el profundo, ya que la
realidad estaba cargada de un gran sentido sobrenatural.

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Los cantares de gesta: Las epopeyas románicas, francesas y españolas, reciben el nombre de
cantares de gesta (del latín gesta: hechos, hazañas), ya que eran cantados por los juglares (mester
de juglaría) ante un público diverso. Los temas son de carácter histórico. Entre los más antiguos y
bellos cantares de gesta franceses sobresale el Cantar de Roldán (s. XI), que narra la derrota de
Carlomagno en Roncesvalles durante la campaña contra los infieles. En castellano sólo se ha
conservado íntegro el Cantar del Mio Cid (s. XII), que recoge la historia de Rodrigo Díaz de Vivar,
personaje histórico que cayó en desgracia ante el rey Alfonso VI, realizó grandes proezas durante su
destierro y recuperó el honor y el favor de su rey. Los cantares de gesta castellanos son más realistas
que los franceses, ya que se refieren a hechos y paisajes mejor conocidos por el auditorio.

Desde finales del siglo XIV, a partir de fragmentos de los cantares de gesta que se cantaban como
poemas autónomos, surgieron en la literatura castellana los romances viejos, que añadían asuntos
novelescos a los temas tradicionales de las viejas gestas. Los poetas cultos castellanos del siglo XVI
crearon los romances nuevos, posteriormente recogidos en los Romanceros. Más tarde, resurgirán
con los poetas románticos y, de nuevo, en la lírica contemporánea.

La epopeya medieval: Las epopeyas de los pueblos europeos, igual que ocurrió con las epopeyas
homéricas, eran composiciones anónimas de transmisión oral. Los temas son también las hazañas
de los héroes nacionales. En el siglo VII surgen las primeras muestras de la épica germánica, que
corresponden a pueblos de fuerte tradición guerrera. El fragmento más antiguo que se conserva de
un poema épico medieval es el Canto de Hildebrando. Del siglo XII es la creación literaria más
notable de la epopeya germánica, el Cantar de los Nibelungos, que narra las aventuras del héroe
Sigfrido, además de una bárbara historia de amores y de sangrientas venganzas. Su núcleo
argumental procede de antiguas tradiciones orales que un poeta culto debió de refundir y trasladar
a la escritura alrededor de 1200.

la narrativa culta: En el siglo XII, cuando la tradición oral de los cantares de gesta se hubo convertido
en narrativa escrita, fueron apareciendo las primeras manifestaciones de una narrativa culta en
verso. Las primeras muestras del llamado roman courtois corresponden a la «materia de Bretaña»,
conjunto de antiguos motivos legendarios de origen bretón que comprenden el ciclo artúrico (del
legendario rey Artús y los caballeros de la tabla redonda). Chrétien de Troyes (1135-1190) fue el
autor más importante y el primer novelista moderno. En Lancelot o el caballero de la carreta narra
las aventuras del enamorado de la reina Ginebra, esposa del rey Artús, y en Perceval o el cuento del
Grial, el protagonista, caballero de la corte artúrica, tiene que preservar el Santo Grial (el vaso
sagrado en el que, según la tradición, san José de Arimatea había recogido la sangre de Cristo
crucificado). Dentro de la materia de Bretaña, María de Francia (s. XII) compuso narraciones cortas
(Lais) inspiradas en temas amorosos.

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Las novelas de caballerías: Los relatos cultos se diversificaron y surgieron unas narraciones en prosa
que añadieron a las gestas caballerescas asuntos cortesanos, dando origen a las novelas de
caballerías. Aunque las novelas cortesanas y de aventuras tuvieron un origen francés, en la literatura
castellana las novelas de caballerías adquirieron características propias, alcanzando su máximo
esplendor durante el Renacimiento. En ellas, un caballero andante, modelo de heroísmo y de
fidelidad amorosa, lleva a cabo toda clase de proezas. Amadís de Gaula (ss. XV-XVI), la más
importante del género, enmarca el ideal caballeresco en un mundo fantástico.

La nueva poesía culta y cortesana: En Italia, la lírica provenzal influyó sobre todo en el norte. Sin
embargo, con la decadencia del amor cortés provenzal, tanto los poetas sicilianos y toscanos como
los trovadores del norte adoptarían el dolce stil nuovo, en el que el culto a la mujer aparece
entendido de una manera metafórica e idealizada: un ser perfecto para un arte que apuntaba a la
perfección. Dante Alighieri (1265- 1321) representa la culminación del nuevo estilo y tiende un
puente entre la Edad Media y el Renacimiento. En su Vita Nuova canta su amor platónico por Beatriz,
idealizada como suma de virtudes. Con la Divina Comedia, extenso poema que relata un viaje del
poeta a las tres regiones de ultratumba (infierno, purgatorio y paraíso), acompañado por Virgilio
como guía, y en el que aborda todos los problemas de la humanidad, alcanzó las más altas cumbres
de la literatura. En la lírica castellana, la poesía culta y cortesana no producirá su obra más notable
hasta la segunda mitad del siglo XIV, con Juan Ruiz, arcipreste de Hita (h. 1283-1350), que en el Libro
del buen amor entremezcla el tema amatorio con sermones morales, fábulas, cantigas y sátiras. En
el siglo XV, el marqués de Santillana (1398-1458) escribió sus Sonetos fechos al itálico modo, y el
cordobés Juan de Mena (1411-1456) imita el poema alegórico de Dante con el Laberinto de Fortuna
o Las Trescientas. Más tarde, Jorge Manrique (1440- 1479) desarrollará aún los temas medievales
de la fugacidad de la vida en una de las obras maestras de la lírica española, las Coplas por la muerte
de su padre.

la lírica trovadoresca: Al lado de la epopeya tradicional, en los albores del siglo XII, apareció en el
Mediodía francés una lírica culta en lengua provenzal, la poesía trovadoresca. Surgida en el
ambiente aristocrático de las pequeñas cortes feudales de Provenza, en las que se celebraban justas
poéticas, rendía culto a la mujer idealizada con el llamado amor cortés, en el que el trovador
reproducía ante su dama el vasallaje feudal. Junto al tema amoroso, la poesía trovadoresca trató
además asuntos diversos (debates, lamentos, etc.), creando formas estróficas específicas para cada
uno. Su influencia se extendió a toda la lírica culta europea. El primer trovador conocido es
Guillermo de Poitiers (1071-1126). En Alemania, el influjo trovadoresco aparece en los Minnesänger.
En España, al lado de la poesía culta del mester de clerecía, en la que destaca Gonzalo de Berceo
(1195-1268), que adoptó el arte de los juglares para cantar los hechos de los santos y la Virgen
(Milagros de Nuestra Señora), florecieron la escuela arábigo-andaluza, representada por las jarchas,
breves coplillas de tema amoroso, y la galaico-portuguesa, con composiciones, en su mayor parte,
de carácter refinado y cortés (cantigas de amor).

El teatro medieval: A partir de las celebraciones litúrgicas, con el fin de explicar la religión a los fieles
se representan en las mismas iglesias milagros, misterios y moralidades en lengua vulgar (en España
se llamarían autos). En francés se conservan el Misterio del asedio de Orleans y El hombre pecador,
junto a otras piezas de menor interés. En castellano sólo ha llegado hasta nosotros el Auto de los
Reyes Magos (ss. XII-XIII). Más adelante, al salir el teatro del ámbito religioso, se recupera la
tradición de las sátiras de la comedia romana, y surgen las farsas. Entre ella destaca El juego de

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Robin y Marion, de Adam de la Halle (s. XIII), y La farsa de Maese Patelin (s. XV), de autor anónimo,
precedente de la comedia moderna. Posteriormente, en autores como Juan del Encina (1468-1529)
y Gil Vicente (h. 1465-1536), que escribió en portugués y en castellano, coinciden ya las formas
medievales y las tendencias renacentistas. También entre la Edad Media y el Renacimiento hay que
situar la Tragicomedia de Calisto y Melibea o La Celestina, atribuida al bachiller Fernando de Rojas
(1465-1541). Es una pieza larga en forma dialogada, dividida en veintiún actos, que por el vigor de
los personajes y un lenguaje de una asombrosa riqueza se encuentra entre las grandes obras de la
literatura universal.

Literatura renacentista

Hay que decir que el interés por la cultura clásica grecolatina atribuido a este periodo había existido
siempre, especialmente en la Iglesia Católica. La mayoría de los escritores y artistas renacentistas se
tenían a sí mismos por católicos y una parte esencial de sus obras trata sobre temas religiosos. Se le
da un renovado impulso a la enseñanza, la cual, en parte, se alejó de las universidades, acusadas de
haberse estancado y se crean las llamadas academias. Surgen los mecenazgos de políticos y
magnates que estimularon mucho el arte. El franciscano Luca Paccioli creó la contabilidad moderna.
El humanismo brotó en medio de una larga crisis de la Iglesia Católica protagonizada por el
hedonismo de varios papas acusados de inmorales.

Tras la aventura medieval del gótico y la reforma humanista, la nueva revolución artística se dará
en Italia, donde el desarrollo económico de la burguesía y la permanencia de formas clásicas
permiten la aparición de un nuevo movimiento, el Renacimiento, que irá extendiéndose desde
Florencia a toda Europa. Sin ruptura, forjándose desde el siglo XIII y culminando en dos siglos
prodigiosos, el XV y el XVI (Quatrocento y Cinquecento italianos), la herencia clásica se retoma y se
reinterpreta desde nuevos parámetros.

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Características de la literatura renacentista: El ideal humano del Renacimiento es un individuo que
intenta con todas sus fuerzas y talentos autorrealizarse. Se trata de un hombre secularizado en
fuerte contraste con el hombre medieval. El héroe va dejando la espada, la armadura y la cruz
medievales para convertirse en un personaje más humanizado en sus acciones y en sus
sentimientos.

Se defiende, por un lado, un naturalismo espontáneo y popular que reivindica el disfrute de los
placeres mundanos. Hay una gran fe en la vida y un incontenible deseo de celebrar gozosamente
los ritmos y los misterios naturales. Lo natural se fue separando por completo de lo sobrenatural,
tan confundidos durante la Edad Media, y se experimentó una actitud vitalista que invitaba a gozar
de la vida. Se extiende una mentalidad comercial y utilitarista, así como una actitud moral laxa,
caracterizada por la astucia, la ambición y la carnalidad.

En el renacimiento, los ideales humanísticos se trasladan a todas las ramas del saber. Durante la
Edad Media, la lengua y la cultura latinas no habían sido olvidadas, pero no tuvieron una influencia
directa hasta los primeros humanistas. Con los clásicos como objeto de estudio, y la perfección de
la lengua latina como modelo para las lenguas vulgares, surge una nueva visión del mundo en la que
el hombre es el centro y la medida del universo.

La narrativa sátira y picaresca: En Francia, la obra de Erasmo influye especialmente en Rabelais

(1494-1553), que combina la sátira didáctica y la ficción en los cinco libros de Gargantúa y
Pantagruel, denunciando las costumbres de la época. En la narrativa española de este período, muy
viva aún la tradición medieval de las novelas de caballerías, nacía un género nuevo, la novela
picaresca, realista por el estilo, con El lazarillo de Tormes, de autor anónimo. El pícaro, protagonista
de estas obras, narra su propia vida en una sociedad hostil ante la que tiene que utilizar toda suerte
de argucias para sobrevivir. En la misma época, Jorge de Montemayor (1520-1561) escribe Los siete
libros de Diana, primera novela pastoril de la literatura castellana.

Los humanistas: El humanismo fue un movimiento intelectual de origen italiano. Petrarca (1304-
1374), último escritor medieval y poeta stilnuovista, quiso recuperar los estudios y las letras de la
Antigüedad, tras los siglos, que él consideraba oscuros, de la Edad Media. El influjo de su poesía en
lengua romance dirigida a su amada Laura, recogida en el Cancionero, se extiende a toda la poesía
europea, hasta el Romanticismo.

Este mismo papel desempeña Boccaccio (1313-1375) en el campo de la prosa. Sus Rimas en lengua
vulgar son también deudoras del stil nuovo. Con la obra que le ha ganado un lugar privilegiado en la
literatura, el Decamerón, colección de relatos novelescos en prosa, contribuyó a la formación de la
lengua italiana. Precedidos en más de un siglo por Petrarca y Boccaccio, varios autores fueron
cimentando la cultura humanística en los diversos campos del saber. Baltasar de Castiglione (1478-
1529) desarrolla en El Cortesano el ideal del perfecto caballero renacentista, tan diestro en las armas
como en las letras.

Maquiavelo (1469-1527) ofrece en El Príncipe un descarnado análisis del arte de gobernar, que a su
juicio debe basarse en el lema «el fin justifica los medios». Con el holandés Erasmo (1467-1532) el
humanismo llega a su culminación. En su Elogio de la locura contrapone a la demencia del mundo,
dominado por la codicia y la superstición, un ideal cristiano de humanismo y tolerancia que preparó
el camino a la Reforma protestante. Michel de Montaigne (1533-1592) reúne en su Ensayos, modelo

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de la mejor prosa francesa, un conjunto de reflexiones filosóficas y morales. En España, en el campo
filológico, el ejemplo de los humanistas es seguido por Elio Antonio de Nebrija (1444-1522), autor
de la Gramática de la lengua castellana (1492), la primera de una lengua romance. El Inglaterra, el
humanista Tomás Moro (1478-1535) expone en su Utopía una sociedad ideal basada en la
comunidad de bienes.

La poesía épica renacentista: La obra más representativa de la moderna epopeya es el Orlando

furioso de Ludovico Ariosto (1474- 1533), que utiliza los temas caballerescos para desmitificar los
ideales medievales, en unas páginas de singular belleza y musicalidad. Torcuato Tasso (1544-1595),
en su Jerusalén liberada, intenta conciliar en un estilo retórico la ética religiosa de la Contrarreforma
y la visión heroica y pagana típicamente renacentista. Con el afianzamiento de las naciones
europeas, otros poetas intentaron con desigual fortuna dotarlas de sus epopeyas nacionales. La
Araucana, en la que su autor, Alonso de Ercilla (1533-1594), exalta el valor y la nobleza de los
araucanos durante la conquista de Chile, es la epopeya nacional de los chilenos. Mención aparte
merece por su genio el portugués Luis Vas de Camoens (1524-1580), autor del gran poema épico
Los Lusiadas, que narra la expansión marítima de los portugueses, centrada en el viaje de Vasco de
Gama a la India.

El petrarquismo en Europa: El prestigio de la lengua latina había relegado el cultivo de la lírica en

lengua italiana, hasta que el Cancionero de Petrarca fijó el modelo de la lírica renacentista. Su influjo
revitalizó las formas poéticas tradicionales vigentes en Europa. El renovador de la lírica francesa fue
Pierre Ronsard (1524-1585), que fundó el grupo de la Pléiade para defender el clasicismo y el uso
literario de la lengua francesa. En sus odas y églogas, Ronsard sucumbió al perfeccionismo y la
retórica, mientras que en los Amours siguió el modelo petrarquista. Al mismo grupo perteneció
Joaquim du Bellay (1525-1560), autor del manifiesto poético Defensa e ilustración de la lengua
francesa. En Inglaterra, el petrarquismo alcanzó su madurez con Philip Sydney (1554-1596), Edmund
Spenser (1552-1599), autor de sonetos italianizantes y el poema fantástico La reina de las hadas, y
los sonetos amorosos de Shakespeare. En Portugal introdujo los modelos petrarquistas Sá de
Miranda (1481-1558), que escribió en portugués y castellano. En Alemania, cabe destacar a Hans
Sachs (1494-1576), que dejó más de seis mil poemas, junto a los himnos religiosos de Lutero.

La escuela petrarquista española: La introducción en la literatura castellana de los motivos poéticos

y la métrica del petrarquismo se produjo a través de Juan Boscán (1492- 1542). Garcilaso de la Vega
(1503-1536), guerrero, cortesano y poeta, perfecta encarnación del ideal renacentista, logró fundir
las nuevas formas poéticas con una intensa emoción lírica. En la obra de Fernando de Herrera (1534-
1597), que encabeza la escuela sevillana, la abundancia de recursos estilísticos preciosistas derivó
en el manierismo. Herrera cultivó la poesía amatoria al modo petrarquista y los temas patrióticos.
Contemporáneo suyo, Fray Luis de León (1527-1591) armonizó el espíritu cristiano y el humanismo
clásico en una severa reflexión sobre la existencia terrena, con versos de sobrio estilo que se
encuentran entre las mejores composiciones líricas de la poesía española (Canción a la vida solitaria,
Oda a Salinas).

En este momento surge la poesía mística y ascética de San Juan de la Cruz (1542-1591), que expresó
sus experiencias religiosas, tomando como elemento simbólico el amor humano, en tres grandes
poemas (Noche oscura del alma, Cántico espiritual, Llama de amor viva). Apoyó además la reforma

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de la orden carmelitana emprendida por Santa Teresa de Jesús (1515-1582), escritora mística en
prosa.

El teatro isabelino: La renovación impulsada por el Renacimiento en la prosa y la poesía no tuvo su

equivalente en el género dramático hasta el siglo XVI. El teatro europeo, cuando no se mantenía
dentro de la tradición medieval, se limitaba a la imitación de los clásicos grecolatinos. Tan sólo en
Italia, Maquiavelo, con La mandrágora, ofreció un modelo para la comedia renacentista. El cambio
se produjo en Inglaterra, a finales de siglo, durante el reinado de la reina Isabel I (época isabelina).
Se inicia con Christopher Marlowe (1564-1593), que aborda en sus obras los temas del poder y la
ambición (La trágica historia del doctor Fausto). Su coétaneo William Shakespeare (1564-1616) no
sólo llevó a su culminación el teatro isabelino, sino que su producción dramática constituye uno de
los mejores legados del teatro universal. Una juventud azarosa le llevó a la vida teatral, donde
compaginaría las tareas de actor y dramaturgo. Se le atribuyen más de treinta obras, que
comprenden comedias (Las alegres comadres de Windsor, El sueño de una noche de verano), dramas
históricos (Ricardo III, Enrique IV) y tragedias (Romeo y Julieta, Hamlet, Otelo). El teatro de
Shakespeare, entremezclando situaciones y géneros distintos, plasma la complejidad del mundo y
del hombre a través de una rica galería de personajes y logra un perfecto equilibrio entre lo emotivo
y lo racional.

El Barroco y el siglo de Oro

El Barroco es el movimiento cultural del s. XVII. Su aparición coincide con una situación de crisis
generalizada en Europa debido, en gran parte, a la corrupción de sus gobernantes y al
mantenimiento de guerras entre católicos y protestantes ruinosas, violentas e interminables. En
1618 los calvinistas checos comenzaron una de las guerras más destructivas de la historia, la llamada
Guerra de los 30 años. Las guerras y las epidemias diezmaron la población europea.

Características de la literatura barroca: El término barroco equivale etimológicamente a retorcido,

irregular, deforme. Hoy se utiliza para dar nombre a la cultura dominante en el siglo XVII y también
califica a todo estilo excesivamente ornamentado o artificioso. Estos fueron los rasgos del arte y la
literatura en esta época, hasta que en Francia se fraguó un nuevo clasicismo.

Existe una visión pesimista del ser humano en el Barroco y se tiene poca fe en él, lo cual aparecerá
reflejado en los personajes literarios y en las obras. En el orden artístico se manifiesta la tensión
propia de una época llena de conflictos, manifestada en una serie de dualidades:
idealización/degradación; hedonismo/ascetismo; sueño/hiperrealismo; novedad/tradición.

Se piensa en el Barroco que el destino inevitable del enamorado es amar y sufrir, vivir sentimientos
contradictorios de muerte y vida, deseo y renuncia, dolor y orgullo, infierno y gloria… En cierto
modo, se complacen del sufrimiento propio porque se trata de un sufrimiento por amor, que era
signo de dignificación de las almas nobles, y, por tanto, les ennoblecían.

En la época Barroca la muerte tenía un significado de fin y el comienzo de una vida fuera de lo
terrenal pero cuando llegaba la hora algunas personas se replanteaban sus vidas, cómo las han
vivido, si han hecho el bien en un sentido religioso. Otros, perdieron la fe en el cristianismo por el
enfrentamiento entre católicos y protestantes. Estos, se apoyaron en las ciencias como un nuevo
medio para encaminarse hacia un nuevo futuro y así enfrentarse a la muerte con nuevos
conocimientos.

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El ser humano es siempre inacabado, por eso las grandes obras van más allá de sí mismas. También
en el Barroco se ven esas obras en relación directa con los grandes problemas vitales y buscan una
respuesta a estas preguntas eternas: ¿cómo puede hallarse un sentido a la vida? ¿Cómo podemos
participar en ese sentido? Serán preguntas muy presentes en la literatura barroca, con respuestas
un poco pesimistas.

España. Culteranismo y Conceptismo: La

poesía barroca española no tendrá parangón
en toda la lírica europea. En plena época de
crisis y decadencia, bajo la influencia de la
Contrarreforma, resurge el pensamiento
ascético y la concepción teocéntrica del
mundo medieval, el desengaño, la
consciencia de la inconsistencia y la fugacidad
de la vida. Paradójicamente, todos estos
factores abonarán una etapa de esplendor en las artes y las letras. La lírica barroca exagerará la
tendencia a la ostentación formal y una actitud moralizadora, que se manifestarán en las dos
grandes tendencias: el culteranismo, que busca la ornamentación exuberante y la artificiosidad
formal a través del léxico culto, y el conceptismo, más preocupado por el contenido, que recurre a
ingeniosos juegos de palabras. La primera está representada por Luis de Góngora (1561-1627), que
cultivó la poesía religiosa y, sobre todo, profana. Utilizó todas las formas estróficas de la época,
incluso las de origen popular (compuso bellísimos romances y letrillas), acentuando
progresivamente los rasgos culteranos. Sus dos mejores obras son las Soledades y la Fábula de
Polifemo y Galatea. La máxima figura del conceptismo fue Francisco de Quevedo y Villegas (1580-
1645), gran poeta y profundo moralista, cuya obra se caracteriza por la densidad del pensamiento
y la intensidad emocional. Su producción poética, recogida en El Parnaso español y Las tres musas
últimas castellanas, comprende composiciones amorosas, sobre el tiempo y la muerte, morales y
de tema burlesco y satírico. En este mismo siglo, nace con vida propia la poesía en América Latina y
su figura capital es la religiosa mexicana Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695), autora de poemas
religiosos y didácticos, recogidos en Inundación castálida.

Antecedentes de la novela moderna: El español Miguel de Cervantes (1547-1616) es el precursor de

la novela moderna y uno de los grandes genios de la literatura universal. En 1585 publicó su primera
novela, La Galatea, que se enmarca en el género pastoril, típicamente renacentista. A principios del
siglo XVII escribió sus Novelas Ejemplares, doce relatos en los que se alternan el realismo y la visión
idealista al gusto italiano (Rinconete y Cortadillo, El coloquio de los perros). Con El ingenioso hidalgo
don Quijote de la Mancha se propuso ridiculizar los libros de caballerías, género de origen medieval
que se prolongaba en plena decadencia denostado por los humanistas y moralistas. Sin embargo,
junto a la parodia, contrapuso al idealismo del mundo caballeresco la mezquindad de su tiempo,
trazando un lúcido panorama de la realidad social del momento, y creó dos personajes de ricos
matices y profunda humanidad.

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Cervantes, que fue un poeta discreto, tuvo mejor suerte como autor dramático con las comedias
escritas al estilo lopesco (El furián dichoso, Los baños de Argel) y, en particular, con los entremeses,
entre los que sobresale El retablo de las maravillas.

La poesía barroca y clasicista: En Italia, Giambattista Marino (1569-1625) crea con su poema
mitológico Adonis una obra de gran exuberancia de imágenes que, dentro del barroco, dará origen
a una corriente propia (marinismo). En el Reino Unido, John Donne (1572-1631) encabeza el grupo
de los llamados «poetas metafísicos», por la complejidad y hermetismo de su estilo, que contiene
elementos formales típicamente barrocos. John Milton (1608-1674), con el Paraíso perdido, es de
un depurado clasicismo. El poema es una epopeya acerca del tema bíblico de la caída de Adán y Eva.
Trata, fundamentalmente, sobre el problema del mal y el sufrimiento en el sentido de responder a
la pregunta de por qué un Dios bueno y todopoderoso decide permitirlos cuando le sería fácil
evitarlos. En Francia, la poética clasicista se anuncia ya en François de Malherbe (1555-1628), poeta
de tono formalista y convencional.

El teatro europeo barroco y clasicista: En el siglo XVII, el teatro isabelino, fruto del genio de
Shakespeare, entrará en una progresiva decadencia. Ben Jonson (1572-1637), que llegó a competir
con él, escribió un teatro amable e ingenioso, basado en los caracteres y tipos, representado por
Volpone o el Zorro, mientras que la tragedia se sumía en una artificiosa vacuidad.

En Francia, el teatro, ligado a la espectacularidad de la corte real, estuvo sometido a unas exigencias
de orden, claridad y equilibrio, en particular durante el reinado de Luis XIV. Las rígidas normas del
nuevo clasicismo se encuentran en Arte poética de Boileau (1636-1711). Pierre Corneille (1606-
1684), el verdadero iniciador de este teatro, tuvo una gran aceptación con su tragedia El Cid,
inspirada en Las mocedades del Cid, del valenciano Guillén de Castro. Más riguroso en someterse a
las reglas clásicas es Jean Racine (1639-1699), que retorna a la tragedia griega. Ambos fueron
coetáneos de un genial comediógrafo, cuyas obras son vigentes aún en nuestros días: Jean-Baptiste
Poquelin, llamado Molière (1622-1673), actor y dramaturgo de una compañía de cómicos
ambulantes, que obtuvo su primer éxito con Las preciosas ridículas. Más tarde, con Tartufo o el
hipócrita, El avaro y El enfermo imaginario logró una aguda y viva sátira de costumbres, creando
además algunos tipos universales (el avaro, el hipócrita, el nuevo rico, etc.).

El teatro italiano se mantuvo en el género de la comedia y la farsa. La Commedia dell’arte («comedia

del oficio») es un tipo de composición en la que los cómicos profesionales improvisaban a partir de
un guión con personajes preestablecidos (Arlequín, Polichinela, etc.).

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La prosa didáctica y narrativa: La prosa didáctica tuvo una de sus máximas figuras en Baltasar
Gracián (1601-1658), quien sin abandonar el hondo pesimismo de los autores barrocos quiso
mostrar en El Criticón, relato alegórico novelado, los peligros y virtudes que la vida depara al
hombre. Quevedo, es autor de obras satíricas en las que denuncia las lacras humanas, mediante
invenciones fantásticas, como en Sueños, e inquietudes del espíritu, incluso ascéticas, en obras
como La cuna y la sepultura y La providencia de Dios. Escribió además la novela picaresca Vida del
Buscón, llamado don Pablos. En Francia, las Fábulas en verso de La Fontaine (1621-1695) y las
Máximas de La Rochefoucauld (1613-1680) se encuadran ya en el clasicismo.

El teatro español del siglo de oro: En la España de la segunda mitad del siglo XVI, se crearon en patios
de vecindad unos espacios fijos, los corrales de comedias, donde se representaban espectáculos
profanos populares. El teatro español surgió, pues, al margen de la corte y la monarquía (fruto de
lo que hoy llamaríamos «iniciativa privada»). Su esplendor se debe al genio creador de Lope de Vega
(1562-1635). Hombre vital y apasionado, en su Arte nuevo de hacer comedias definió el modelo de
la llamada comedia española. Su ingente producción (unas 1.500 obras) abarca temas históricos y
legendarios (Fuenteovejuna, El caballero de Olmedo), comedias profanas de enredo (La dama boba,
El perro del hortelano), religiosos, mitológicos, etc. Su éxito popular se debe a la llaneza del lenguaje
y la claridad de la exposición. Siguieron su estilo, entre otros, Guillén de Castro (1569- 1613) y Tirso
de Molina (1584-1648), quien en El burlador de Sevilla introdujo en el teatro el tema de don Juan.

Calderón de la Barca (1600- 1681) cultivó la fórmula teatral de Lope, pero aportando una
aristocrática serenidad y hondura de pensamiento. Su producción dramática fue también muy
extensa (se conservan 120 comedias, 80 autos sacramentales y una veintena de piezas menores).
La imitación del modelo lopesco fue mayor en su primera época (La dama duende, Casa con dos
puertas mala es de guardar), mientras que en su madurez Calderón dio más perfección a la forma y
abordó temas de mayor profundidad. Sus dos obras más notables son El alcalde de Zalamea, sobre
el tema del honor, y La vida es sueño, una de las joyas del teatro filosófico. Con sus autos
sacramentales, en los que el argumento es de tipo espiritual e intervienen personajes alegóricos,
logra las mejores obras del género.

El Neoclasicismo y la Ilustración

El siglo XVIII es el siglo de la Ilustración, el Siglo de las Luces. Se afirma el auge de la burguesía y
decae el poder de la nobleza. Las convicciones hasta entonces dominantes se someten a discusión
y se impone el espíritu crítico: la Razón ilumina el entendimiento humano. Los numerosos inventos
y adelantos técnicos que se producen en la sociedad de este siglo (la máquina y el barco de vapor,
el gas del alumbrado, el pararrayos, etc.) preparan el camino a la moderna era industrial.

Características de la literatura neoclásica: Se prefiere la expresión de las ideas y la búsqueda del

conocimiento crítico a la fantasía o las ensoñaciones. Los ilustrados no gustan tampoco de la poesía,
porque esta persigue la expresión de los sentimientos, los cuales no están sujetos a la razón. De la
novela, critican su propensión a caer en lo inverosímil, por lo que prefieren las que adoptan la forma
de memorias o de cartas, en las que la primera persona adquiere ahora una dimensión desconocida
en los relatos picarescos. Abundaron también las novelas de educación y las libertinas. Mucho más
digno les pareció el teatro por su capacidad para representar la realidad y para educar, a pesar de
lo cual sus resultados fueron mediocres.

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El género literario preferido fue el ensayo, porque podía tratar todo tipo de contenidos y dar cabida
a su espíritu crítico. De ahí que la palabra crítica sea una de las grandes palabras del siglo, después
de la palabra libertad. Y es que los ilustrados someten a la sociedad de su época a un análisis y una
crítica corrosiva. La finalidad didáctica que para ellos posee el ensayo contamina los otros géneros
literarios: la novela, el cuento, el teatro y hasta la poesía.

La prosa crítica y didáctica: La literatura, bajo el predominio de la razón sobre el sentimiento, adopta
como norma la utilidad. Es útil lo que contribuye al bienestar espiritual y material de los hombres.
La prosa se impone con obras de crítica, didácticas y de reflexión. Montesquieu (1689- 1755) satiriza
a través de dos extranjeros imaginarios la vida francesa en una novela epistolar (Cartas persas). En
El espíritu de las leyes analiza las formas que adoptan las leyes y los gobiernos. Voltaire (1694-1778)
destila una acerada ironía en Cándido o el optimismo, y en el Diccionario filosófico denuncia la
intolerancia y el fanatismo. Diderot (1713-1784) y D’Alembert (1717-1783) abordan una tarea
gigantesca en la Enciclopedia para difundir todas las ramas del saber, sustituyendo el principio de
autoridad por criterios de verdad. Rousseau (1712-1778) plantea la relación entre el hombre y la
sociedad en Emilio o de la educación y El contrato social. En España, José Cadalso (1741-1782)
recurre también en Cartas marruecas al artificio de un extranjero para poner de relieve la
decadencia de la sociedad española. Gaspar Melchor de Jovellanos (1744-1810), en una prosa de
notable claridad y elegancia, aborda temas muy dispares (económicos, políticos, etc.) para impulsar
el progreso de los españoles.

La narrativa inglesa: Uno de los máximos exponentes de la Ilustración inglesa es Daniel Defoe (1660-
1731), que en la famosa novela de aventuras Robinson Crusoe trata el tema del dominio del hombre
sobre la naturaleza por medio de la razón y la inteligencia. El irlandés Jonathan Swift (1667-1745)
recurre a la fantasía novelada, en los Viajes de Gulliver, para trazar una sátira amarga y despiadada
de la sociedad.

Neoclasicismo y Prerromanticismo: El neoclasicismo, que arranca del siglo anterior como reacción a
los excesos barrocos, es el modelo adoptado por muchos ilustrados para matizar los sentimientos a
la luz de la razón, especialmente en el teatro. En poesía, en cambio, tiene escasa incidencia.
Alexander Pope (1688-1744), en Inglaterra, formula en el poema didáctico Ensayo sobre la crítica
una especie de poética clasicista. También el español Ignacio Luján (1702-1754) expone en una
Poética las reglas clásicas, siguiendo a los preceptistas franceses e italianos.

A diferencia de Pope, William Blake (1757-1827), pintor y grabador de oficio, acude al lenguaje
poético para crear una «metafísica en imágenes», en obras de extrema originalidad (Cantos de

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inocencia). Es un exponente del prerromanticismo, que encarna la rebeldía de los sentimientos y la
emoción tras el dominio, hasta entonces indiscutido, de la razón. Alfieri (1749-1803), con sus Rimas,
es su iniciador en Italia. Pero es sobre todo en Alemania donde el prerromanticismo surge con
ímpetu, con la aparición del movimiento juvenil Sturm und Drang (que se puede traducir por
«tempestad y empuje». Goethe (1749-1832) expresa esta rebeldía en Las cuitas del joven Werther,
aunque más adelante, en su obra lírica, se acercará a un sereno clasicismo, para expresar en su
Fausto su visión del hombre y del mundo.

El mundo ideal según el Romanticismo

El romanticismo no es sólo una corriente literaria, sino un movimiento cultural que abarca la primera
mitad del siglo XIX. Encarna una reacción que opuso al racionalismo de la Ilustración y al
neoclasicismo la exaltación del individualismo y la libertad. El dictado de la razón y de la norma no
había asegurado la felicidad a los hombres, que tienen también sentimientos, fantasías e ideales. En
nombre de la libertad creadora del artista, los autores románticos se opondrán a toda regla.

Características de la literatura romántica: Supuso un giro de subjetivación que suprimió la antigua

idea de que el arte literario debía basarse en modelos formales previos: lo que importa es lo que el
escritor vive, sin tener límites ni menguas. Los protagonistas literarios románticos, más que héroes,
son personajes dotados de una densa y profunda subjetividad. Frente al pragmatismo de la vida
burguesa, al materialismo sensualista y al refinamiento de los gustos neoclásicos, los personajes
románticos representan a la fuerte individualidad expansiva desde dentro, en enérgica colisión con
la realidad histórica y concreta de su tiempo.

Generalmente, dentro de este género podemos encontrar los siguientes puntos en común:

 Individualismo. Se exalta al individuo frente a la ley y la norma del grupo social. Se va a

desarrollar preferentemente el tema de la identidad personal y de la búsqueda del sí mismo
humano.
 Sentimentalismo. El culto a la razón se sustituye por el culto a los sentimientos.
 Idealismo. La aspiración a unos ideales absolutos de felicidad, amor, justicia, paz…,
difícilmente concretables e inasequibles, provoca un choque con la prosaica realidad, que
les arrastra al desengaño y a un deseo de huida.
 Preocupaciones filosóficas y rebeldía política frente al orden establecido.
 Búsqueda de la originalidad y el exotismo frente a la tradición y lo establecido.
 Irracionalismo. Se desconfía de la razón y se valora la intuición, la sensibilidad, la libertad y
las fuerzas ocultas.
 Ansias de libertad. El individuo desea ser libre en todos los órdenes de la vida: amor, normas
morales, arte, política…

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ACREDITA-BACH 2024-25
  Deseos de evasión ante la insatisfacción que les produce la vida.
 El género literario por excelencia en el Romanticismo es la poesía en la que destaca la pasión
por la belleza.

El romanticismo en la novela: Parecería que el género más apropiado para el romanticismo es la

poesía. Sin embargo, la novela asimiló dos rasgos importantes del espíritu romántico: la visión
interior del hombre y la recuperación del pasado. Los creadores de la novelística romántica fueron
franceses y británicos. En Francia, Chateaubriand (1768-1848) exalta la naturaleza y la vida
semisalvaje en sus dos novelas Atala y René. La narrativa de Victor Hugo es hoy más vigente que su
poesía, en particular la novela histórica (Nuestra Señora de París y Los miserables). Lo mismo cabe
decir de Alexandre Dumas (1802-1870), con Los tres mosqueteros y El conde de Montecristo, y su
hijo del mismo nombre Alexandre Dumas (1824-1895), con La dama de las camelias.

El verdadero forjador del modelo de la novela histórica (descripción de las costumbres, acción
dramática, importancia del diálogo) fue el escocés Walter Scott (1771-1832), cuyas obras (El
anticuario, Ivanhoe, Quentin Durward) fueron traducidas e imitadas de inmediato. En España, donde
varios autores cultivaron este género, Gil y Carrasco (1815-1846) logró con El Señor de Bembibre su
mejor muestra. En América Latina, la novela romántica está representada por el argentino D. F.
Sarmiento (1811- 1888), con Facundo, el colombiano J. Isaacs (1837-1895), habla de las costumbres
sociales con María, y el argentino J. Mármol (1817-1871), con Amalia.

Los poetas románticos: En Inglaterra y Alemania el espíritu romántico arranca del siglo anterior. En
la lírica inglesa, tras Coleridge (1772-1834), con las Baladas líricas, y Wordsworth (1770-1850),
encarnan en el ideal romántico Lord Byron (1788-1824), con La peregrinación de Childe Harold,
exaltación del individualismo, Shelley (1792-1822), con sus melancólicas odas, y John Keats (1795-
1821). En la lírica germana, Hölderlin (1770-1843) recrea en sus odas y elegías un mundo clásico
idealizado. Novalis (1772-1801) le supera en tensión lírica (Himnos a la noche).

La poesía romántica francesa se inicia con Alphonse de Lamartine (1790- 1868), sentimental y
melancólico en las Meditaciones poéticas. Alfred de Vigny (1797-1863) destila pesimismo y soledad
en los Poemas antiguos y modernos. Alfred de Musset (1810-1857) encarna el «mal del siglo»: el
hastío, la angustia. Victor Hugo (1802-1885) cultiva el exotismo en sus primeras obras (Odas y
baladas, Las Orientales) y luego, en su madurez, se torna visionario y profético. En Italia, todos los
temas de los líricos románticos se encuentran en los Cantos de Leopardi (1798-1837).

En Rusia, el romanticismo poético surge con Pushkin (1799-1837). En España, sobresale la figura de
José de Espronceda (1808-1842), quien entre los excesos románticos consigue en sus obras (Poesías,
El diablo mundo) momentos de refinada melancolía. En América Latina, la gran figura romántica es
el mexicano I. Gutiérrez Galván (1816-1842), aunque tendrá mayor influencia el argentino José
Hernández (1834-1886), autor del poema gauchesco Martín Fierro. Son también románticos los
primeros grandes escritores de Estados Unidos, Longfellow (1807-1882) y E. Allan Poe (1809-1849),
considerado iniciador de importantes corrientes literarias, como sería la literatura de terror y
policiaca.

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Realismo y Naturalismo

Los movimientos realista y naturalista hay que ubicarlos en la segunda mitad del siglo XIX. En la
Conferencia de Berlín, celebrada en 1884, se decidieron los términos para el reparto de África entre
las grandes potencias. El imperio británico llegó a ser el más grande de los que ha habido en la
historia, con casi 30 millones de kilómetros cuadrados. Sus criterios economicistas hicieron de la
riqueza y la rentabilidad una virtud moral, lo que lo llevaron a cometer una especie de genocidio en
Irlanda y a un casi total exterminio de los indígenas canadienses y australianos.

A mediados del siglo XIX, el cientifismo, el progreso técnico y material se basan en el análisis objetivo
y reflexivo de los hechos. La literatura vuelve sus ojos a la realidad y a lo cotidiano. La narrativa fija
su objetivo en la reproducción rigurosa de la vida. Los poetas, en su desdén por la sentimentalidad,
buscan el mayor rigor formal y en los contenidos, hasta traspasar la realidad visible.

Características generales del Realismo

 El arte realista procura mostrar en las obras una reproducción fiel, objetiva y exacta de la
realidad. Los grandes autores realistas se caracterizan por su penetrante observación y por
su continua introspección personal.

 La Literatura hace un uso minucioso de la descripción para mostrar perfiles exactos de los
temas, personajes, situaciones e incluso lugares; lo cotidiano y no lo exótico es el tema
central, exponiendo problemas políticos, humanos y sociales. Se intentan introducir en la
literatura algunos procedimientos descriptivos de las ciencias experimentales.

 Gracias a los extraordinarios avances de la psicología y de las ciencias sociales, los

personajes literarios y los entornos en los que están inmersos serán analizados con gran
profundidad. Será la novela el medio más utilizado por ser el más adecuado para esas
profundas exploraciones de los sujetos y de las sociedades. Con ello, la novela se acerca a
reflejar la manera de ser del hombre.

 Rechaza el sentimentalismo. Trata de mostrar al hombre objetivamente en su realidad

material. Aparecerán plasmados en las obras individuos desasosegados cuyas amenazas
externas ya no serán maravillosas o sobrenaturales sino muy prosaicas. Las amenazas
internas resultarán vividas en forma de represión, de determinismo físico o de duda
insuperable.

 El amor no se ve de forma idealizada, sino en sus vertientes más materiales e interesadas.

 La muerte pierde cualquier tipo de mitificación y es mirada desde su lado médico con la
descripción de los procesos del cuerpo enfermo.

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  El dinero cobra un papel preponderante en las páginas de la literatura realista. Las novelas
testimonian el tono de aquella época burguesa, industriosa y agnóstica.

 El lenguaje utilizado en las obras es coloquial y crítico, ya que expresa el habla común y
corriente.

 Las obras muestran una relación mediata entre las personas y su entorno económico y
social, del cual son exponentes; la historia muestra a los personajes como testimonio de una
época, una clase social, un oficio etc.

 El autor analiza, reproduce y denuncia en sus obras los males que aquejan a la sociedad de
su tiempo.

 Se trata de una literatura pensada para las grandes masas en la que los valores más
admirados son la fortuna, el éxito, la belleza y la fuerza.

 Cuando se diseccionan con mirada de microscopio las miserias de la sociedad en la que los
individuos sufren un determinismo tanto del medio social como de su herencia genética,
recibe el nombre de Naturalismo.

La poesía Posromántica y Simbolista: Uno de los últimos románticos, Théophile Gautier (1811-1872),
había rechazado ya los excesos del sentimentalismo y el subjetivismo. Para él, el poeta tiene que
perseguir la belleza absoluta y la perfección formal: el poema «sólo sirve para ser bello» (teoría del
arte por el arte). Estos postulados sentaron las bases del parnasianismo, movimiento con el que más
tarde se identificarían los poetas modernistas de América Latina. La búsqueda del orden y la belleza
es lo que guió por la senda de Gautier a Baudelaire (1821-1867), el verdadero creador de la poesía
moderna, que en Las flores del mal opone a su vida atormentada estas dos metas casi
incalcanzables.

En esta línea se hallan asimismo Verlaine (1844-1896), para quien el poema es ante todo sugestión
y música, Rimbaud (1854- 1891), que escribió su breve obra poética en sus años juveniles y habló
del poeta como vidente, y Mallarmé (1842-1898), que convirtió el poema en una constelación de
imágenes y sensaciones. La evocación crea los símbolos. El simbolismo, en su empeño por desvelar
el misterio y lo incognoscible que amaga la realidad sensible, tuvo en estos autores sus máximas
figuras, para luego diluirse en una legión de imitadores. En la poesía anglosajona, se aproximaron al
esteticismo francés los poetas prerrafaelistas, cuyo máximo representante es Dante Gabriel Rosetti
(1828-1882). En Norteamérica, los dos poetas más eminentes de este período son Walt Whitman
(1819-1892), quien en Hojas de hierba exaltó en versos torrenciales el hombre y la vida, la naturaleza
y la libertad, y la poetisa Emily Dickinson (1830- 1886), que cultivó un lirismo intimista expresado
con gran riqueza de imágenes.

Bécquer y los poetas de América Latina: En España, Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870), romántico
rezagado, lograba en sus Rimas expresar su hondo intimismo con versos de aparente sencillez y gran
rigor formal, ricos en sentidos simbólicos y delicada musicalidad. La influencia de la lírica francesa
es más patente entre los precursores de América Latina del modernismo: los cubanos José Martí
(1853-1895), héroe de la independencia, y Julián del Casal (1863-1893), los mexicanos Salvador Díaz
Mirón (1853-1928) y Gutiérrez Nájera (1859-1895) y el colombiano José Asunción Silva (1865-1896).

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Principales obras del Realismo: El género que mejor responde a los objetivos del realismo es la
novela y muchos escritores realistas se consideran deudores de los autores románticos. La evolución
desde el romanticismo se produce al suprimir de aquél los elementos sentimentalistas y el
subjetivismo y desarrollar la descripción de lo local y costumbrista. Junto a la pintura de costumbres,
aparece la pintura de caracteres (que origina la novela psicológica), ambas, a menudo, con una
intencionalidad moral o crítica. Las primeras obras que sientan las bases del género aparecen en
Francia, donde Balzac y Stendhal relatan su propio presente. La visión social predomina en Honoré
de Balzac (1799-1850), quien en el ciclo novelístico la Comedia humana retrata a individuos de todas
las clases sociales y de todos los ambientes. Stendhal (1783- 1842), en sus mejores novelas (El rojo
y el negro, La cartuja de Parma), se centra en el análisis del corazón humano. En la valoración de las
pasiones humanas y del mundo que lo rodea profundiza Flaubert (1821-1880) (Madame Bovary),
sin renunciar a la perfección estilística.

El Naturalismo: El naturalismo surge con Zola (1840-1902), que radicaliza los postulados del realismo
aplicando a los personajes y a su mundo una labor de estudio y observación similar a la del científico.
En todas sus obras, Zola denuncia la miseria y plantea la necesidad de una reforma social (La
taberna, Germinal). Dickens (1812-1870) crea la novela realista inglesa plasmando la miseria de las
clases humildes, principalmente la infancia (Oliver Twist). De la mano de Mark Twain (1835-1910),
con Las aventuras de Tom Sawyer el tema de la niñez aparece también en la literatura anglosajona
americana, en la que Henry James (1843-1916) ofrece un retrato sarcástico de las clases altas
estadounidenses. Los grandes novelistas de la Rusia zarista, Dostoievski (1821-1881) en Crimen y
Castigo y Tolstoi (1828-1910) con La guerra y la paz y Anna Karenina, reflejan la grandeza y la miseria
de los conflictos humanos. Eça de Queirós (1845-1900), el gran maestro del realismo portugués, une
el retrato psicológico con la ironía y una visión sarcástica de la sociedad lisboeta.

La novela realista española: En la literatura española, el realismo tiene precedentes en Cervantes y

en la novela picaresca, incluso en el costumbrismo romántico. No existe, en cambio, una tradición
novelística sólida. Juan Valera (1829-1905) y José María de Pereda (1833-1906), entre otros,
presentan una realidad idealizada. El primer exponente español de la novela realista española es
Benito Pérez Galdós (1843-1920), que retrata con igual maestría la psicología de los personajes y el
ambiente en que se enmarcan (Fortunata y Jacinta). Próximo a Flaubert, en el rigor documental y la
exigencia estética, se halla Leopoldo Alas «Clarín» (1852-1901), que cumple con creces ambos
objetivos en La Regenta, una de las obras cumbres de la narrativa española. El naturalismo no fue
seguido con igual fortuna, y únicamente el valenciano Blasco Ibáñez (1867-1928) se aproxima a la
novelística de Zola. Emilia Pardo Bazán (1851-1921) sólo tomó de aquél la crudeza de los temas y
las situaciones, es decir, los aspectos formales, para caer también en el costumbrismo (Los pazos de
Ulloa).

La renovación teatral: La gran renovación teatral se produce en los países escandinavos en los que
impera la tendencia realista. El noruego Henrik Ibsen (1828-1906), tra haberse iniciado con un teatro
histórico de corte nacionalista, que abandonó después por los dramas poéticos (Peer Gynt), crea el
teatro realista y de ideas, con obras como Un enemigo del pueblo y Casa de muñecas. Ibsen hizo del
escenario una tribuna para el debate y la denuncia social. El sueco August Strindberg (1849-1912),
que Ibsen consideró su sucesor, con su determinismo pesimista y descarnado produce las primeras
obras del teatro naturalista (La señorita Julia). Más adelante, se orientó hacia un teatro de corte
simbolista (Sonata de espectros). El ruso Anton Chejov (1860-1904), uno de los maestros del relato

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ACREDITA-BACH 2024-25
breve, crea en su obra dramática un fresco de personajes doblegados por el fracaso y el hastío,
incapaces de acomodarse a los cambios de un mundo que les resulta cada vez más ajeno. En lengua
francesa, el poeta belga Maurice Maeterlinck (1862-1949) logra con El Pájaro Azul una de las obras
más representativas del simbolismo. En Inglaterra, Oscar Wilde (1854-1900), esteticista y
decadente, también conocido por su novela El retrato de Dorian Gray, escribe comedias elegantes
con ingeniosos diálogos. En Salomé recreó un episodio bíblico con una exótica sensualidad y con La
importancia de llamarse Ernesto critica las apariencias de la hipócrita sociedad londinense de
aquella época. Bernard Shaw (1856-1950), de origen irlandés, debutó con obras de crítica social,
que fue suavizando en piezas de tono más moderado (Pigmalión).

Vanguardias

Las vanguardias (Modernismo europeo) es un nombre para denominar a un racimo de movimientos

artísticos en literatura, teatro, música, pintura, etcétera. Sus representantes tomaron conciencia de
las reglas impuestas que venían reverenciando desde los tiempos de los clásicos griegos. En
consecuencia, intentaron burlar con posturas iconoclastas todos los principios del arte tradicional:
la música dejó de tener un leit motiv evidente; la pintura abandonó la iconicidad; el teatro comenzó
a representar personajes que no sabían lo que hacían en el escenario; y la literatura se volvió
irracional: las narraciones retratan personajes mediocres en un mundo que no resuelve sus
problemas, y un mundo sin sentido y sin orden.

Este periodo está muy influido por las teorías del filósofo germano Schopenhauer. Entiende que es
la voluntad lo que mueve al hombre. Para él la voluntad es voluntad de deseo. El ser humano se
pone en movimiento porque desea algo, pero experimenta frustración en el mismo momento en
que lo consigue. Influyeron también mucho los filósofos Kierkegaard y Niezstche. Para ellos la
esencia humana parte desde sí para sí. Su influencia dará lugar a una literatura en la que los
personajes terminan en la más desastrosa desilusión.

Sigue muy presente en la intelectualidad el marxismo de Karl Marx, que defiende la lucha de clases
para conseguir una sociedad igualitaria y, muy especialmente, el psicoanálisis de Sigmund Freud,
que, muy influido por Shakespeare, descubrió la parte oculta de la personalidad humana, llamada
inconsciente. Dice que las personas que parecen no manifestar los sentimientos universales de los
celos y la culpa han sufrido una severa represión, con lo que esos sentimientos se vuelven aún más
activos en el inconsciente.

Características de la literatura de Vanguardias: Se manifiesta un profundo rechazo por la burguesía.

Se buscan nuevas formas de expresión estética fuera de los cánones tradicionales. Algunas
corrientes que surgieron fueron:

Creacionismo. El sentimiento debe salir únicamente de la fuerza creadora (imitando la

capacidad inventiva de la naturaleza).
Futurismo. Muestra una proyección hacia el futuro y por los grandes temas de momento.
Dadaísmo. Muestra una rebelión contra las convenciones literarias y se burla del artista
burgués.
Surrealismo. Interpreta la realidad desde el sueño o el inconsciente, representa toda clase
de simbologías y se pone en contra de la tradición, la moral y la burguesía.

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ACREDITA-BACH 2024-25
La poesía europea: La crisis es un rechazo de la tradición y, en igual medida, de un presente adverso.
Los movimientos vanguardistas se proponen adelantar el futuro. El cubismo, con Guillaume
Apollinaire (1880-1918), pretende reflejar todas las caras de la realidad y de manera simultánea,
uniendo imágenes y palabras sin relación entre sí. El futurismo, encabezado por el italiano Marinetti
(1876-1944), exalta la realidad en un canto vitalista, tomando como símbolos la máquina y la
velocidad. El dadaísmo, iniciado por el rumano Tristan Tzara (1896-1965), radicaliza el rechazo del
pasado y del presente que lo sustituye, aceptando sólo lo espontáneo e inmediato.

Desde este mismo nihilismo, pero con una vocación constructiva, el movimiento surrealista,
fundado por André Breton (1896- 1966), encuentra un nuevo mundo en el que situar la creación
poética: el universo de los sueños y el inconsciente, exento de toda clase de ataduras. Ajenos a las
vanguardias, otros poetas europeos marcan la lírica contemporánea con una obra personal: Paul
Valéry (1871-1945) en Francia, clasicista en la forma y fecundo en las metáforas, W. Yeats (1865-
1939) y T. S. Eliot (1888-1965), en el ámbito anglosajón, y Rilke (1875-1926) en lengua alemana.

La poesía española y de América Latina: Anterior a las vanguardias, el modernismo, síntesis del
parnasianismo y el simbolismo, crea un lenguaje poético propio, caracterizado por las imágenes
brillantes, la musicalidad y, en general, la sensualidad. Rubén Darío (1867-1916), a partir de los
poemas de Azul (1888), es la máxima figura. Le acompañan, principalmente, el argentino Leopoldo
Lugones (1874-1938), el mexicano Amado Nervo (1870-1919) y los peruanos Santos Chocano (1874-
1934) y César Vallejo (1892-1938), junto a varios poetas y prosistas españoles.

El vanguardismo está representado por el creacionismo del chileno Vicente Huidobro (1893-1948),
para quien el poema tiene que ser una creación con sus propias leyes, y el ultraísmo, al que se sumó
el argentino Jorge Luis Borges (1899-1986), posteriormente volcado en la prosa. Neruda (1904-
1973) transita del posmodernismo a un lenguaje sencillo y esencial. Octavio Paz (1914-1998) lo hará
hacia una poesía culta y refinada. Antonio Machado (1875-1939), poeta de honda sensibilidad, parte
de las influencias simbolistas y modernistas. Juan Ramón Jiménez (1881-1958) elabora una poesía
depurada. También los poetas de la generación del 27 (1927, centenario de Góngora), aunando
tradición y renovación, se decantan por una poesía «pura» y subjetiva. Entre los principales, se
hallan, García Lorca (1998-1936), Vicente Aleixandre (1898-1984), Pedro Salinas (1891-1951), Jorge
Guillén (1893-1984), etc. Tras la guerra civil española, Blas de Otero (1916-1979) y Celaya (1911-
1991) incorporan la temática social a su obra lírica. Posteriormente, con Gil de Biedma, José Ángel
Valente y Claudio Rodríguez retornan la sobriedad y el intimismo. Les seguirán, entre el esteticismo
y el experimentalismo los llamados «novísimos»: Gimferrer, Martínez Carrión, Félix Grande, José
Miguel Ullán y otros.

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La narrativa europea y anglosajona: dos grandes autores ejercen su influencia en toda la narrativa
contemporánea: Marcel Proust (1871-1922), para quien los recuerdos y las evocaciones son objeto
de una descripción minuciosa, pausada y recurrente, en el gran ciclo novelístico En busca del tiempo
perdido, y James Joyce (1882-1941) quien, mediante la técnica del monólogo interior, nos va
adentrando en sus pensamientos con Ulises. Sartre (1905-1980) y Albert Camus (1913-1960)
abordan el compromiso contra la injusticia desde el existencialismo. En la novelística británica,
Graham Greene (1904-1991) desarrolla en novelas convencionales los conflictos humanos en una
sociedad mercantilizada. En Estados Unidos, los escritores de la «generación perdida», encabezados
por Hemingway (1899-1961) y Scott Fitzgerald (1896-1940), expresan el pesimismo de la sociedad
norteamericana. Steinbeck (1902-1968) opta por la denuncia social, y Faulkner (1897-1962) narra la
lucha inútil de los hombres ante el fracaso. En la literatura alemana, Thomas Mann (1875-1955), en
su obra La montaña mágica, plantea la narración como un contraste de ideas desde el realismo.
Franz Kafka (1883-1924) en La metamorfosis combina simbolismo y realismo para reflejar lo más
absurdo y siniestro que puede ocultar lo cotidiano. Heinrich Böll (1917-1985) recurre a la sátira para
la denuncia social. La realidad social en la posguerra es el tema del neorrealismo italiano, deudor
del naturalismo, representado por Alberto Moravia (1907-1990) y Pavese (1908-1950).

La generación del 98: La narrativa española del siglo XX se inicia con el regeneracionismo de los
autores de la generación del 98 (1898, independencia de las últimas colonias, Cuba y Filipinas),
expresado a través de la narrativa y la ensayística. Unamuno (1864-1936) añade a los problemas
sociales y políticos de España su desazón religiosa y existencial. Azorín (1873-1967) es el prosista de
la nostalgia y la evocación. Pío Baroja (1872-1956), autor de una extensa obra novelística, sobresale
en la descripción con estilo sobrio de personas y ambientes. Valle-Inclán (1866-1936) comparte con
los hombres del 98 su visión crítica, pero se sitúa al margen por su acusada originalidad. Parte del
modernismo, como poeta y prosista, con las novelas cortas del ciclo de las Sonatas y las Comedias
bárbaras, y desemboca en el esperpento, que surge de la deformación de la realidad.

Literatura contemporánea

Características de la literatura contemporánea: Los

personajes literarios serán seres desencantados, sin
atributos comunes que intentan distanciarse de sus
sentimientos fingiendo una calculada pasividad que les
permita el dominio de una situación presentida ya como
caótica en una sociedad que desdeñan. Su inmenso vacío
les hace vagar como sonámbulos.

La literatura de los siglos XX y XXI se ha ido decantando hacia la representación de casos de

desintegración amorosa. Al no haber apenas ni en los relatos literarios ni en la vida real intervención
de la imaginación y de la inteligencia, se pierde la dimensión simbólica y se priva a Eros de su aspecto
festivo del encuentro y de los sentimientos de pertenencia y comunión.

La literatura contemporánea explora lo siniestro del alma humana porque parece estar en conexión
estética con lo deforme y monstruoso, así como con lo bello y lo sublime. Ello derivaría en un
concepto de belleza dinámico, como un orden sobrepuesto brillantemente a un desorden o caos

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vital, de tal modo que el pavor ante el mal y la desgracia pueda ser vivido con formas simbólicas del
orden y la armonía.

Lo que domina en las obras literarias contemporáneas es el terror ante la total disolución. Se
considera el hecho de morir un hecho violento, al igual que sucede con las relaciones sexuales. Ante
la creencia del sumergimiento en la nada tras la muerte, se busca la distracción o la indiferencia.

La narrativa española contemporánea: Tras la guerra civil española, Camilo José Cela (n. 1916)
retrata la sociedad española con tintes tremendistas (La familia de Pascual Duarte). El realismo
social se acentúa con Ignacio Aldecoa (1925-1969) y Rafael Sánchez Ferlosio (n. 1927). La publicación
de Tiempo de silencio (1962), de Luis Martín Santos (1924-1964), inicia una nueva etapa en la que la
novela española se abre a las innovaciones. En esta línea se ubican, con estilos y temas distintos,
Torrente Ballester, Juan Benet y, entre los más recientes, V. Molina Foix, Félix de Azúa, Javier Marías,
Luis Landero y otros.

la narrativa de América Latina: El argentino Enrique Larreta (1875-1961), influido por el simbolismo
y el naturalismo, produce la mejor novela modernista (La gloria de don Ramiro). Aún desde el
realismo decimonónico, Mariano Azuela (1873-1952) y Alcides Arguedas (1879-1946) introducen el
tema político-social y el indigenismo. Continúan esta tendencia el colombiano J. Eustasio Rivera
(1889-1928), el argentino R. Güiraldes (1886-1927) y el venezolano Rómulo Gallegos (1884-1969). A
mediados de siglo, los autores Borges, Miguel Ángel Asturias (1899-1974), Alejo Carpentier (1904-
1980) y Juan Rulfo (1918-1986), introducen el elemento fantástico, que da lugar al realismo mágico.
A partir de la década de 1960, se asiste al llamado boom de la literatura hispanoamericana. Se sitúan
en el primer plano de la narrativa mundial Gabriel García Márquez, galardonado con el premio Nobel
en 1982, cuya obra Cien años de soledad, es una síntesis alegórica de la historia de América Latina,
de una extraordinaria imaginación creadora y una mezcla fascinante de realidad y fantasía, y el
peruano Mario Vargas Llosa, que sobresale por su dominio de las técnicas narrativas, patente desde
sus primeras obras (La ciudad y los perros, Conversación en la catedral), le equiparan a los más
grandes maestros del género. Otras figuras igualmente notables de este fecundo universo literario
son Ernesto Sábato, Carlos Fuentes, Julio Cortázar, Múgica Láinez, Lezama Lima y Roa Bastos.

La poesía existencial: descreídos de Dios, estos poetas utilizan la poesía para manifestar su angustia
interior. Presentan al hombre en la más absoluta soledad, perdido en un mundo extraño y
elucubrando sobre el absurdo de la existencia. Rainer Maria Rilke es el principal representante con
Elegías de Duino. Es el autor más representativo y original de la conciencia existencial de la muerte.

El teatro existencialista: se caracteriza por sus procedimientos innovadores y por su carácter

reflexivo sobre el propio teatro y por los problemas de la existencia del ser humano. Muy influido

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por las teorías de Sartre y de Camus. El principal representante es el italiano Luigi Pirandello. Su obra
principal es Seis personajes en busca de autor. Reflexiona sobre la esencia del propio teatro y su
artificio.

El teatro estadounidense: Arthur Miller con La muerte de un viajante relaciona lo social y lo

psicológico. Denuncia los valores conservadores de la sociedad estadounidense y el carácter ilusorio
del conocido como sueño americano. Tennessee Williams viene representado con Un tranvía
llamado deseo. Sus obras destacan por su fino sentido del humor, el alcoholismo, las drogas y la
homosexualidad. Pone en boca de sus personajes sus propios sufrimientos y angustias.

PRÁCTICA ABIERTA

1. INDICACIÓN: Coloca la época literaria a la que pertenece el libro o el autor.

Ejemplo Época literaria

Los miserables

Cien años de Soledad

William Shakespeare

Chretien de Troyes

Cancionero

El Paraíso Perdido

Fontainebleau

Terencio

Flores del mal

León Tolsoi

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2. INDICACIÓN: Completa las siguientes afirmaciones con las respuestas correctas.

 La obra que representa la primera novela romana es:

____________________________________.
 La obra más representativa de Dante Alighieri
_______________________________________ habla de un recorrido en el infierno,
purgatorio y el paraíso.
 El autor que inició la novela histórica es_______________________________________.
 La novela pastoril está representada por la
obra________________________________________.
 sobre todo en Alemania donde el prerromanticismo surge con ímpetu, con la aparición
del movimiento juvenil _______________________________________________.
 Montesquieu, Voltaire y Rosseau representan la
________________________________________________ de la época neoclásica.
 El Barroco está dividido en dos corrientes:____________________________________ y
____________________________________.
 Los escritores de tragedia griega fueron:
_________________________________________________________.

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 EJERCICIOS DE PRÁCTICA INDIVIDUAL

1.- Es la parte más importante de un texto narrativo, el punto máximo de crisis.

a) Clímax
b) Incidente
c) Acción principal
d) Desenlace
2.- Es una narración breve, concisa y ficticia en donde los personajes pueden ser personas, animales
o seres inanimados, que conlleva una intención moralizante.

a) Cuento b) Leyenda c) Mito d) Fábula

3.- Tipos de seres a los que se enfrentan mayormente los héroes en una epopeya.

a) Criaturas gigantes
b) Reyes
c) Dioses
d) Villanos
4.- Señala la característica incorrecta de la novela.

a) Tiene la intención de profundizar temas de interés.

b) Es relativamente corto.
c) Sus personajes encarnan ciertos estereotipos de distintas épocas.
d) Expresa en algunos casos el punto de vista del autor.
5.- Es cada uno de los conjuntos de palabras que ocupan una línea de la hoja en el poema.

a) Estrofa b) Verso c) Rima d) Sílaba

6.- Según el número de sílabas del verso, existen de:

a) Arte mayor y arte menor

b) Octavas y decimas
c) Asonantes y consonantes
d) Larga duración y corta duración
7.- Tipo de poema que tiene como fin expresar el dolor por la muerte o pérdida de alguien, aunque
en sus orígenes tenía un carácter íntimo.

a) Oda b) Madrigal c) Soneto d) Elegía

8.- Elige el tipo de figura literaria que representa el siguiente ejemplo:

… el gato al rato, el rato a la cuerda, la cuerda al palo, daba el arriero a Sancho, Sancho a la moza, la
moza a él, el ventero a la moza… (Miguel de Cervantes)

a) Hipérbaton
b) Aliteración
c) Anáfora
d) Concatenación

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9.- Cultura en donde tuvo su origen el género dramático

a) Grecia b) Roma c) Mesopotámia d) Egipto

10.- Forma discursiva en la cual el personaje está solo en el escenario, donde plantea dudas acerca
de las decisiones o compromisos que tomará su debate interno.

a) Dialogo b) Soliloquio c) Monólogo d) Parábola

11.- Personaje destacado de la Ilíada de Homero

a) Héctor b) Agamenón c) Paris d) Aquiles

12.- Autor de la Eneida.

a) Virgilio b) Horacio c) Cicerón d) Catón

13.- Escuela literaria a la que pertenece John Milton

a) Barroco
b) Clasicismo
c) Neoclasicismo
d) Romanticismo

14.- Obra de Alexandre Dumas representativa del Romanticismo

a) Ivanhoe
b) El Castillo de Otranto
c) Nuestra Señora de Paris
d) El conde de Montecristo

15.- Radicaliza los postulados del realismo aplicando a los personajes y a su mundo una labor de
estudio y observación similar a la del científico.

a) Costumbrismo b) Naturalismo c) Neoclasicismo d) Realismo

16.- El cubismo estuvo representado por:

a) Tristán Tzara
b) Marcel Duchamp
c) Marinetti
d) Guillaume Apollinaire

17.- . Obra de Franz Kafka donde combina simbolismo y realismo para reflejar lo más absurdo y
siniestro que puede ocultar lo cotidiano.

a) Ulises
b) La Metamorfosis
c) El viejo y el mar
d) Matar un ruiseñor

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18.- Escuela literaria que explora lo siniestro del alma humana porque parece estar en conexión
estética con lo deforme y monstruoso, así como con lo bello y lo sublime.

a) Vanguardias
b) Contemporánea
c) Futurismo
d) Existencialista

19.- Uno de estos autores no pertenece a la literatura contemporánea de América Latina.

a) Rubén Darío
b) Juan Rulfo
c) Gabriel García Márquez
d) Carlos Fuentes

20.- Representante del teatro contemporáneo estadounidense

a) Mark Twain
b) William Swift
c) Tennessee Williams
d) Arthur Miller

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 RESPUESTAS
EJERCICIOS DE PRÁCTICA INDIVIDUAL

1-A 6-B 11-D 16-C

2-D 7-D 12-A 17-B
3-C 8-C 13-A 18-D
4-B 9-A 14-D 19-A
5-B 10-C 15-B 20-D

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