A.

Los fundamentos del arte

ÍNDICE
A1.- Definición de arte a lo largo de la historia y perspectiva actual. Diferencia entre arte y artesanía
A2.- Tecnología del arte, materiales, técnicas y procedimientos.
A3.- Aspectos históricos, geográficos y sociales del arte.
A4.- Teorías del arte: formalismo, expresionismo, simbolismo e intelectualismo.
A5.- Terminología específica del arte y la arquitectura.
A6.- Análisis y crítica de la obra de arte.
A7.- Representaciones y creaciones de mujeres.
A8.-Pintoras: Sofonisba Anguisola, Artemisa Gentileschi, Judith Leyster, Elisabeth Vigée Le Brun, Rosa
Bonheur, Barbara Krafft, Mary Cassatt, Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, entre otras.
Escultoras: Sabina von Steinbach, Properzia de Rossi, Luisa Roldán, Camille Claudel, entre otras.
Arquitectas: Matilde Ucelay, Charlotte Perriand, Lilly Reich, Lina Bo Bardi, Zaha Hadid, Kazuyo Sejima,
entre otras.
A9.- Arte conceptual y arte objeto.
A10.- El arte en la prehistoria y en las antiguas civilizaciones: Pintura rupestre. Arte mobiliar. Arquitectura
megalítica. Expresiones artísticas en Mesopotamia, Persia y Egipto.

PREHISTORIA EDAD ANTIGUA EDAD MEDIA EDAD MODERNA EDAD

CONTEMPORÁNEA
Albores de la 5000 a C 400 hasta 1400 1400 a 1800 1800 hasta la fecha
humanidad hasta 5000 hasta 400 d C
aC
PALEOLÍTICO MESOPOTAMIA PRERROMÁNICO RENACIMIENTO ROMANTICISMO
NEOLÍTICO EGIPTO BIZANTINO MANIERISMO SIMBOLISMO
EDAD DE BRONCE GRECIA ROMÁNICO BARROCO REALISMO
EDAD DE HIERRO ROMA CISTERCIENSE ROCOCÓ ARTS AND CRAFS
GÓTICO NEOCLASICISMO IMPRESIONISMO
AMÉRICA POSTIMPRESIONISMO
PRECOLOMBINA CUBISMO
CHINA DADAISMO
ART NOVEAU
FUNCIONALISMO
MOVIMIENTO MODERNO
EXPRESIONISMO
PINTURA METAFÍSICA
SURREALISMO
NEOPLASTICISMO
COSTRUCTIVISMO
EXPRESIONISMO
ABSTRACTO
POP ART
ARTE CONCEPTUAL
HIPERREALISMO
POSMODERNIDAD
DECONSTRUCTIVISMO

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 A1.- Definición de arte a lo largo de la historia y perspectiva actual. Diferencia entre
arte y artesanía.

A pesar de su amplio significado muchas veces ligado a la buena práctica o la técnica, nos interesa
considerar es el arte como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y también
comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones y, en general, una visión del mundo, a
través de diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales y mixtos.

El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción las bases económicas y sociales, y

la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el
tiempo.

Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio
una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió
con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una
función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.
La definición de arte es abierta, subjetiva y discutible. No existe un acuerdo
unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado
numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la
razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla»
(Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es expresión de la sociedad»
(John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea»
(Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la
vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino
Formaggio); «el arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad» (Pablo Picasso);
«arte es vida, vida es arte» (Wolf Vostell).

El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, solo las
artes liberales eran consideradas arte; la arquitectura, la escultura y la pintura eran
consideradas “manualidades”.
Su función puede variar desde la más práctica hasta la más ornamental, puede tener un contenido
religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el
sustrato material, el artista conceptual Joseph Beuys que la vida es un medio de expresión artística,
destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.

Definición del arte a lo largo de la historia

En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y

primera cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano
en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’: destreza para
construir un objeto, para comandar un ejército, para convencer al público en un debate, o para
efectuar mediciones agronómicas. En definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos
específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio,
la poesía, que venía de la inspiración, no estaba catalogada como arte. Así, Aristóteles, por ejemplo,
definió el arte como aquella «permanente disposición a producir cosas de un modo racional», y
Quintiliano estableció que era aquello «que está basado en un método y un orden» (via et ordine),

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 Platón, en el Protágoras, habló del arte, opinando que es la capacidad de hacer cosas por medio de la
inteligencia, a través de un aprendizaje. Para Platón, el arte tiene un sentido general, es la capacidad
creadora del ser humano. Casiodoro destacó en el arte su aspecto productivo, conforme a reglas,
señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (doceat), conmover (moveat) y complacer
(delectet).

Durante la Edad Media las obras de arte surgieron en un

contexto en el que no existía el concepto de arte como fin en sí
mismo ni el de la belleza como su objetivo, ni siquiera el concepto
mismo de artista o de bellas artes (sino el de artes mecánicas,
diferenciadas de las liberales). El objeto artístico medieval tenía, en
el seno de la sociedad en que era producido, un carácter
básicamente funcional. Para el medievalista francés Georges Duby,
la obra de arte medieval cumplía fundamentalmente tres
cometidos:

• Ser una ofrenda a Dios, a los santos y a los difuntos, con el

fin de obtener su gracia, su indulgencia. La riqueza de los
adornos de las iglesias era vista como una ofrenda
necesaria a Dios, para la que eran necesarios los mejores
materiales y las mejores técnicas.

• Ser intermediaria entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible en este las
realidades divinas. Se suele atribuir a las imágenes medievales una función pedagógica: explicar
los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados.

• Ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia (el poder religioso);
por otro, del poder político (emperadores, reyes, y las mismas instituciones eclesiásticas).

Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las
ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo
de filosofía o incluso de profecía, para lo que fue determinante la publicación en 1549 de la traducción
italiana de la Poética de Aristóteles. En este cambio intervino considerablemente la progresiva mejora
en la situación social del artista, debida al interés que los nobles y ricos prohombres italianos
empezaron a mostrar por la belleza. Los
productos del artista adquirieron un nuevo
estatus de objetos destinados al consumo
estético y, por ello, el arte se convirtió en un
medio de promoción social, incrementándose el
mecenazgo artístico y fomentando el
coleccionismo.
Surgieron en ese contexto varios tratados
teóricos acerca del arte, como los de Leon
Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439; De re
aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o Los
Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti.
Alberti recibió la influencia aristotélica,
pretendiendo aportar una base científica al arte.
Habló de decorum, el tratamiento del artista

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 para adecuar los objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el
primero en dividir la historia del arte en períodos, distinguiendo antigüedad clásica, periodo medieval y
lo que llamó “renacer de las artes”.

Concepto del Arte en el manierismo, y el Barroco

Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se
representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La
belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista,
basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo,
derivadas de la naturaleza. Apareció en el arte un nuevo
componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico
como lo grotesco, como se puede percibir en la obra de
Brueghel o Arcimboldo. Giordano Bruno fue uno de los
primeros pensadores que prefiguró las ideas modernas, hay
tantos artes como artistas, introduciendo la idea de originalidad
del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que
viene de la inspiración.

Siglo XVIII se desarrollarán por primera vez en Europa, dos estilos artísticos contrapuestos: la Ilustración
y el romanticismo.
En la Ilustración fue un periodo de gran desarrollo
intelectual en el cual se antepuso la razón a la ignorancia, se
rompieron las antiguas estructuras y se difundieron las ideas
de progreso, el conocimiento científico, político y social que
conllevó a múltiples cambios. Comenzó a producirse cierta
autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y
de la representación del poder para ser fiel reflejo de la
voluntad del artista, centrándose más en las cualidades
sensibles de la obra que no en su significado. Se crea La
Enciclopedia, y la función de las artes es eminentemente
didáctica; se concibe el arte como un medio de difusión y
enseñanza para todas las personas.

En el romanticismo, surgido en Alemania a finales del siglo XVIII con el movimiento denominado
Sturm und Drang, triunfó la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, desarrollando la
noción de genio: el arte es la expresión de las emociones del artista, que comienza a ser mitificado.
Surgieron las primeras manifestaciones de la autonomía del arte, ligado a la naturaleza. Para ellos, en la
obra de arte se encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural.
Arthur Schopenhauer dedicó el tercer libro de El mundo como voluntad y representación a la teoría del
arte: el arte es una vía para escapar del estado de infelicidad propio del hombre.

El Arte Contemporáneo
En el inicio del siglo XX, las vanguardias que se desarrollan van a revolucionar el mundo del arte
destruyendo toda unidad formal; el arte experimenta una gran transformación hasta perder la
representación de la realidad. Pretenden crear un arte adecuado a la nueva sociedad. Aparecen
infinidad de tendencias artísticas con maneras de ver y hacer arte completamente diferente: las
vanguardias. Todas ellas tienen en común su carácter innovador y el estar en continuo proceso de

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 renovación. Las vanguardias son movimientos artísticos revolucionarios que rompen con la tradición y
convulsionan el mundo del arte causando estupor cuando no rechazo. El autor toma conciencia de su
libertad creativa y expresiva, inventando nuevos lenguajes artísticos. El artista en definitiva se libera de
todas las ataduras y modas artísticas del momento y comienza a experimentar. Todas las vanguardias
tienen unos límites cronológicos precisos. Las vanguardias son numerosas, pero todas se pueden
encuadrar en dos posiciones básicas: una basada en la razón (Racionalismo, Neoplasticismo y en parte
el Cubismo) y otra en las emociones (Expresionismo, Dadaísmo y Surrealismo).

Las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, debido a que la fotografía y el cine ya se
encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la génesis del arte abstracto, el artista
ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos. Las viejas fórmulas
que basaban el arte en la creación de belleza o en la imitación de la naturaleza han quedado obsoletas,
y hoy día el arte es una cualidad dinámica, en constante transformación, inmersa además en los medios
de comunicación de masas, en los canales de consumo, con un aspecto muchas veces efímero, de
percepción instantánea, presente con igual validez en la idea y en el objeto, en su génesis conceptual y
en su realización material.
Morris Weitz, representante de la estética analítica, opinaba en El papel de la teoría en la estética
(1957) que «es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte que sean necesarios y
suficientes; por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica”. Según Weitz, una
cualidad intrínseca de la creatividad artística es que siempre produce nuevas formas y objetos, por lo
que «las condiciones del arte no pueden establecerse nunca de antemano».
El arte es un concepto abierto.

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 Diferencias entre Arte y Artesanía
La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse artísticas, ha
tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la
antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y
sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y
las ciencias, mientras que quedaban excluidas la música y la poesía.

Una de las primeras clasificaciones que se hicieron

de las artes fue la de los filósofos sofistas
presocráticos, que distinguieron entre “artes útiles” y
“artes placenteras”, es decir, entre las que producen
objetos de cierta utilidad y las que sirven para el
entretenimiento. Platón, por su parte, estableció la
diferencia entre “artes productivas” y “artes
imitativas”, según si producían objetos nuevos o
imitaban a otros.
Las diferencias entre arte y artesanía fueron
subrayándose a finales de la Edad Media y se
consolidaron con el Renacimiento, dignificando la
actividad y función social del arte con el artista, y subordinando la artesanía junto con el artesano
dentro de la visión occidental

Arte, como hemos definido anteriormente, es el producto que ha sido realizado con una finalidad
estética y comunicativa que busca expresar ideas, emociones o una visión diferente del mundo a través
de recursos plásticos, lingüísticos, sonoros, mixtos y corporales. El arte tiene finalidad estética y
comunicativa no tienen utilidad concreta. Utiliza los canales del mercado artístico. Transmite ideas y
valores inherentes a las culturas humanas a lo largo del espacio y del tiempo. Es un producto único
generalmente dirigido a una élite. Presenta como valor creatividad innovación y ruptura es producto de
la individualidad del artista.

Artesanía es el producto que tiene una utilidad funcional, elaborado sin el apoyo de medios industriales
(ya que si no estariamos hablando de diseño). Los acabados y la calidad suelen ser superiores, permite
la creación de objetos especiales e irrepetibles. El propio artesano suele comercializa su producto.
Transmite la identidad cultural de una comunidad. Los materiales y formas varían en función de cada
región. Suele tratarse de un producto útil destinado a ser utilizado por una comunidad. Sigue unas
pautas que se ajustan a una técnica concreta.

A2.- Tecnología del arte, materiales, técnicas y procedimientos

Si intentamos clasificar las formas artísticas en función de la técnica que emplean nos encontramos
ante una tarea ardua y compleja. Si vemos la evolución de las artes a través del tiempo vemos cómo
estas diferencias han ido cambiando: Las diferencias entre lo público y privado, lo laico y religioso, el
activismo político y la dominación cultural. El desarrollo tecnológico también ha ido aportando nuevas
clasificaciones.
La clasificación o división de las bellas artes desde el siglo XX remite a los siete tipos de
manifestaciones artísticas modernas, incluyendo al cine, la última disciplina en incorporarse. Las 7

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 bellas artes son la pintura, la escultura, la literatura, la música, la danza, la arquitectura y el cine. A
finales del siglo se han incluido la fotografía y el cómic, como nuevos medios de expresión artística.

1- Arquitectura
La arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios. Denominada a veces como el “arte del
espacio”, la arquitectura es un proceso técnico y de diseño que procura mediante diversos materiales
la construcción de estructuras que organizan el espacio para su utilización por el ser humano.

2- Escultura
La escultura: es el arte de la creación en volumen, mediante diversos materiales como el barro, la
piedra, la madera, el metal, etc. Puede ser exenta, es decir, que se aprecia desde cualquier punto
alrededor o en relieve sobre diversas superficies. En la escultura se incluyen hay dos técnicas
fundamentales, el modelado (en materiales como arcilla o cera) y la talla en piedra o en madera; y otras
como la fundición para metales, los montajes

3- Artes visuales, que incluyen la pintura, el dibujo y el grabado

La pintura: es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color que se
fijan sobre una superficie o soporte con el uso de un aglutinante. Se suele dividir en pintura mural ,
realizada sobre una pared o paramentos con técnicas como el fresco o el temple y la pintura de
caballete , creada sobre tablas o lienzos con técnicas como el óleo o los acrílicos. También la podemos
clasificar según su género: retrato, paisaje, bodegón, costumbrismo, alegoría, histórica,... La pintura ha
sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, el mundo circundante, reflejando
en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que han sucedido a lo largo del tiempo, así
como sus costumbres y condiciones materiales
El dibujo: representación gráfica realizada por medio de líneas y claroscuro, elaborados mediante lápiz,
pluma u objetos similares. El dibujo está en la base de casi cualquier obra artística, pues la mayoría de
obras pictóricas se realizan sobre un esbozo dibujado sobre el lienzo, sobre el que posteriormente se
pinta; igualmente, muchas esculturas son diseñadas primero en dibujo, e incluso la arquitectura se
basa en planos dibujados. Aparte de esto, el dibujo tiene una indudable autonomía artística, siendo
innumerables los dibujos realizados por la mayoría de grandes artistas a lo largo de la Historia.
Puede ser en talla exenta o en relieve sobre diversas superficies. Puede ser en talla exenta o en relieve
sobre diversas superficies.

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 El grabado: el grabado es una técnica de elaboración de estampas artísticas mediante una plancha de
madera o metal (matriz) trabajada según diversos procedimientos: aguafuerte, aguatinta, calcografía,
grabado al buril, grabado a media tinta, grabado a punta seca, linograbado, litografía, serigrafía,
xilografía, etc. Su importancia radica en que podemos obtener muchas imágenes iguales.

4- Música
La música es una de las llamadas Bellas Artes, es decir, a un género artístico, que consiste en conseguir
efectos estéticos a través de la manipulación de sonidos vocales o instrumentales, conforme a
estándares culturales de ritmo, armonía y melodía, logrando transmitir una gran expresividad y
emotividad.
El origen de la música es desconocido, ya que inicialmente no se utilizaban instrumentos musicales
para interpretarla, sino la voz humana, o la percusión corporal, que no dejan huella en el registro
arqueológico. Se puede inferir que la música se descubrió en un momento similar a la aparición del
lenguaje.
Suelen hoy distinguirse tres grandes familias de estilos o géneros: música culta, música folclórica y
música popular.

5- Literatura, que incluye la poesía

La narrativa: es el arte de escribir en prosa, recreando en palabras sucesos reales o ficticios, que el
escritor dispone de forma adecuada para su correcta comprensión por el lector, con finalidades
informativas o recreativas, expresadas con un lenguaje que puede variar desde un aspecto descriptivo
hasta otro imaginario o de diversa índole. Entre las diversas formas de narrativa se encuentran la
novela y el cuento.
El drama: es una forma de escritura basada en el diálogo de diversos personajes, que van contando una
historia a través de la sucesión cronológica y argumental de diversas escenas donde se va
desarrollando la acción. Aunque tiene un carácter literario autónomo, generalmente está concebido
para ser representado de forma teatral, por lo que el drama está íntimamente ligado a las artes
escénicas.

La poesía: es una composición literaria basada

en la métrica y el ritmo, dispuesta a través de
una estructura de versos y estrofas que pueden
tener diversas formas de rima, aunque también
pueden ser de verso libre. Su contenido puede
ser igualmente realista o ficticio, aunque por lo
general la poesía siempre suele tener un
aspecto evocador e intimista, siendo el principal
vehículo de expresión del componente más
emotivo del ser humano.

6- Artes escénicas, que incluyen el teatro, la

danza, el mimo y el circo. El teatro es un arte
escénico que tiene por objetivo la
representación de un drama literario, a través
de unos actores que representan unos papeles
establecidos, combinado con una serie de factores como son la escenografía, la música, el espectáculo,
los efectos especiales, el maquillaje, el vestuario, los objetos de atrezzo, etc. Se realiza sobre un
escenario, siendo parte esencial de la obra el dirigirse a un público. El teatro puede incluir, en exclusiva
o de forma combinada, diversos tipos de modalidades escénicas, como la ópera, el ballet y la

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 pantomima.
La danza es una forma de expresión del cuerpo humano, que consiste en una serie de movimientos
rítmicos al compás de una música. Entre sus modalidades
figura el ballet o danza clásica, la danza contemporánea,e
innumerables tipos de danzas rituales y folclóricas entre las
diversas culturas y sociedades humanas, así como infinitud
de bailes populares. Las técnicas de danza requieren una
gran concentración para dominar todo el cuerpo, con
especial hincapié en la flexibilidad, la coordinación y el ritmo.

7- Cinematografía
El cine es la técnica basada en la reproducción de imágenes
en movimiento y sonidos con los que normalmente se
construye un relato. El cine apareció en Francia 1895 con los
hermanos Lumiére. En sus comienzos serán imágenes
silentes hasta que en 1926 se desarrollan las tecnologías del
sonido y su sincronización con las imágenes.
A lo largo del siglo XX, este arte cinematográfico ha
alcanzado un grado de auténtica artisticidad, desarrollando un lenguaje audiovisual con unos
elementos propios, siendo una de las artes mas interdisciplinares y
populares de nuestros días. Bajo las órdenes del director se reúnen un gran
número de profesionales relacionados con diversos oficios artísticos como
fotógrafos, músicos, diseñadores de ropa, diseñadores de complementos,
creadores de mobiliario y decoración, iluminadores, ...

8- Fotografía
La fotografía: es una técnica que permite obtener imágenes del mundo
sensible y fijarlas en un soporte material. Se basa en el principio de la
cámara oscura, que desarrolla una técnica de fijación de la imagen con
sales de plata. Aparece en 1825, aproximadamente. Pese a tomar sus
imágenes de la realidad, la fotografía fue enseguida considerada un arte,
pues se reconoce que la visión aportada por el fotógrafo a la hora de elegir
una toma o encuadre es un proceso artístico, realizado con una voluntad
estética.

9- Cómic o Historieta
La historieta o cómic es una representación gráfica mediante la
cual se narra una historia a través de una sucesión de viñetas, en
las que mediante dibujos y textos enmarcados en unos
recuadros llamados “bocadillos” se va presentando la acción
narrada, en un sentido lineal. Derivada de la caricatura, la
historieta se desarrolló a partir del siglo XIX sobre todo en
medios periodísticos, en tiras insertadas generalmente en las
secciones de entretenimiento de los periódicos, aunque pronto
adquirieron autonomía propia y empezaron a ser editadas en
forma de álbumes. Aunque comenzó dentro del género
humorístico, posteriormente aparecieron historietas de todos los
géneros, alcanzando gran éxito a nivel popular durante el siglo
XX.

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 Ciertos críticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la gastronomía, la perfumería, la
televisión, la moda, la publicidad, la animación y los videojuegos. En la actualidad existe aún cierta
discrepancia sobre cuál sería el “décimo arte”.
Las instituciones, los museos juegan un importante papel en la definición de forma y la información
técnica con la que un objeto artístico es presentado. También los grandes coleccionistas contribuyen
de alguna manera a estas definiciones. Hoy en día en función de la tecnología, los materiales, técnicas
y procedimientos nos encontramos con:

Arte corporal: es el que utiliza el cuerpo humano como soporte. Incluye actividades como el maquillaje,
el vestuario, la peluquería, el tatuaje, el piercing, etc.

Arte digital: es el realizado por medios digitales, como el vídeo o la informática, vinculado a menudo a
las instalaciones, o que utiliza diversos soportes, como Internet, un ejemplo son los videojuegos.

Arte efímero: es el que tiene una duración

determinada en el tiempo, ya que en la génesis
de su concepción estriba ya el hecho de que sea
perecedero. Incluye diversas formas de arte
conceptual y de acción, como el land art,
happening y la performance. También engloba
diversas actividades como la gastronomía, la
perfumería, la pirotecnia, etc. Un punto esencial
de este tipo de actividades es la participación del
público.

Artes decorativas o aplicadas: término aplicado

preferentemente a las artes industriales, así como
a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no
es el de generar una obra única y diferenciada,
sino que buscan una finalidad decorativa y
ornamental.

Artes gráficas: son las que se realizan por medio de un proceso de impresión; así, son artes gráficas
tanto el grabado como la fotografía, el cartelismo o el cómic, o cualquier actividad artística que utilice
un medio impreso.

Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboración industrial, pero persiguiendo una cierta
finalidad estética, sobre todo en la elaboración de determinados objetos como vestidos, viviendas y
utensilios, así como diversos elementos de decoración. Muchas artes decorativas son también
industriales.

Artes y oficios: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener un carácter artesanal o
industrial. Engloba diversas actividades como la cerámica, la ebanistería, la forja, la jardinería, la
joyería, el mosaico, la orfebrería, la tapicería, la vidriería, etc.

Diseño: es la traza o delineación de cualquier elemento relacionado con el ser humano, sea un edificio,
un vestido, un peinado… El diseño se define como el proceso previo de configuración mental de una
obra, mediante esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte. El diseño tiene
un componente funcional y otro estético, ha de satisfacer necesidades y a la vez agradar a los sentidos.

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 A3.- Aspectos históricos, geográficos y sociales del arte
La disciplina académica cuyo objeto son las obras de arte en su desarrollo histórico y contexto
estilístico (género, diseño, formato y apariencia),y los artistas en su contexto geográfico, cultural y
social es la Historia del Arte. Mediante diversos métodos de estudio, analiza fundamentalmente la
pintura, escultura y arquitectura, y menos frecuentemente también otras bellas artes (música, danza,
literatura), artes industriales y oficios artísticos (orfebrería, mobiliario, historia del vestido, etc.)
La Historia del Arte es una disciplina académica relativamente nueva, que comienza en el siglo XIX .
Historiadores del arte se basan en el análisis de conceptos formales, la iconología, la semiótica
(estructuralismo, post estructuralismo y deconstrucción), el psicoanálisis y la iconografía; así como
fuentes primarias y fuentes secundarias (las reproducciones artísticas) como motivos de discusión y
estudio.
Los avances en la reproducción fotográfica y en las técnicas de impresión tras la Segunda Guerra
Mundial incrementaron la capacidad de hacer reproducciones fidedignas de obras de arte. Sin
embargo, la apreciación y estudio de las artes visuales ha sido un área de investigación para muchos
autores a finales de siglo XX. La definición de la historia del arte refleja la dicotomía que existe en la
misma definición de arte: arte como historia en un contexto antropológico, o arte como estudio de la
forma.

Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) fue el primero en distinguir entre los periodos de arte
antiguo y en conectar la historia del estilo con la historia del mundo.

Heinrich Wölfflin (1864-1945), Introdujo una aproximación científica a la disciplina, centrándola en tres
conceptos. En primer lugar, intentaba estudiar el arte usando la psicología, Argumentaba, entre otras
cosas, que arte y arquitectura son buenos si se asemejan al cuerpo humano. Por ejemplo, las casas son
adecuadas si sus fachadas parecen rostros. En segundo lugar, introdujo la idea de estudiar el arte con
método comparativo. Comparando cada pintura con las demás, era capaz de realizar distinciones de
estilo. Su obra Renacimiento y Barroco desarrollaba esta idea, y fue la primera en mostrar estos
periodos estilísticos diferenciados uno de otro.
Por último, estudió el arte basado en la idea de la nacionalidad, las escuelas y los estilos nacionales.
Estaba particularmente interesado en dilucidar qué había de inherentemente italiano o alemán en la
cultura italiana o alemana.

Arnold Hauser (1892-1978) En su Historia social de la literatura y el arte en el que intenta mostrar
cómo la conciencia de clase se refleja en cada periodo artístico. Su obra suscitó una fuerte controversia
en los años 1950, sobre todo debido a sus generalizaciones aplicadas a eras enteras.

A4.- Teorías del arte: formalismo, expresionismo, simbolismo e

intelectualismo
Todas las teorías del arte resultan insuficientes o parciales para entender la esencia del arte.
1) El arte no puede ser entendido exclusivamente como un proceso técnico de composición formal
mediante elementos estilísticos.
2) Ni sólo como expresión del complejo entramado sentimental del ser humano.
3) Ni como capacidad de simbolización entre dos sistemas de referencia distintos, el arte y la vida,
puesto que la tal capacidad no agota con mucho la riqueza del arte.
Antes que estilo o excelencia formal, que expresión vital de sentimientos o que capacidad de
simbolización, el arte es conocimiento y construcción.

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 La obra de arte se constituye, sobre todo, como una interpretación discursiva y conceptual (cognitiva)
de la realidad. El conocimiento subjetivo, el Arte y la Filosofía, por este orden, no son incompatibles
con la verdad. El concepto del arte no debe ser víctima de una interpretación estrecha y corta de
miras. Sin duda, la presencia de las ideas y por tanto de la verdad en la obra de arte, merece una
interpretación generosa y perspicaz.
El fin último del arte no es crear belleza, sino conocer el mundo mediante la belleza. La belleza (sea cual
sea su interpretación), son los medios de que se sirve el arte para su fin más elevado, el conocimiento
de la verdad. El arte es la más alta realización del espíritu. El arte es la principal forma de conocimiento
subjetivo, en tanto que la ciencia es la principal forma del conocimiento objetivo

Una teoría estética es un conjunto de respuestas a las preguntas que los humanos nos hacemos sobre
qué es y cuándo es algo bello o feo, y sobre los objetivos que debe perseguir un artista, así como sobre
los criterios que permiten diferenciar los grados de belleza y/o fealdad de una obra.
Las teorías estéticas más significativas, que no deben tomarse ni como únicas ni como excluyentes, son
las cuatro siguientes:

EL FORMALISMO
Sostiene que el valor estético de una obra proviene de sus cualidades formales. Considera irrelevantes la
expresión de sentimientos, ideas o valores. El valor estético no radica en elementos subjetivos o
accidentales.
• La excelencia artística de la obra de arte está definida por la forma, por la razón. El contenido, si lo
hay, no importa tanto como la forma de mostrarlo, contarlo, exponerlo.
• El arte es autónomo respecto de la realidad, no está necesariamente sujeto a representar lo que
vemos.
• El creador debe atender a la combinación de colores, líneas y planos o sonidos y palabras para buscar
armonía, la proporción, el equilibrio.
• La belleza resulta del aspecto formal de la composición.
• Lo feo o mal hecho es lo caótico, lo deforme, desordenado, desequilibrado, irracional.
Arte formalista, en pintura, cuadros de Vasily KandinsKi y de Piet Mondrian

EL EXPRESIONISMO
• El arte es un vehículo para comunicar sentimientos y estados del alma. El artista y su capacidad de
creación es más importante que la realidad representada.
• La finalidad del arte no se puede separar de esta intención comunicativa.
• La belleza consiste en conseguir expresar de forma subjetiva la naturaleza del ser humano.

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 • La primacía de las emociones provoca una deformación de los objetos, que no reflejan la realidad
objetiva sino su trasfondo emocional.
“Saturno devorando a sus hijos”, de Goya, una obra claramente expresionista.

EL SIMBOLISMO
La obra de arte muestra una realidad propia que hay que conocer, el arte es una continua recreación de
mundos posibles.
• El arte comunica contenidos (ideas) a través de símbolos que es preciso conocer y analizar
• La obra bella es la que consigue transmitir eficazmente mucho significado que es entendido por
aquellos a los que va dirigido.
• Feo es lo que no transmite ningún significado o lo que no lo transmite bien, de modo que se
entienda.
• La obra de arte es un sistema de símbolos.
Simbolista es todo el arte religioso desde un pantocrátor románico a un cuadro de Salvador Dalí.

EL INTELECTUALISMO
El intelectualismo es una teoría filosófica que sostiene que el conocimiento es la clave para alcanzar la
verdad y la virtud. El arte es la mas alta realización del espíritu, es la principal forma de conocimiento
subjetivo en tanto que la ciencia es la principal forma de conocimiento objetivo. Piensa que no se debe
aceptar la Estética como una mera teoría de la sensibilidad y del gusto, como sólo una teoría de la
belleza.
• La experiencia estética es una forma de interpretación, comprensión y conocimiento de la realidad
completa e integral. En esto consiste su profunda espiritualidad.
• Valora en la obra artística la verdad más que la belleza, antes que el estilo o la estructura formal de la
obra.
• La obra de arte es una interpretación conceptual de la realidad.
• El objeto del arte no es crear belleza sino el conocimiento de la verdad.

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