arristas

it
Gu Bajistas .ar
& NOVEDADES - Página 05
ESP LTD EC401 - Página 08
LANEy PrISM P65 - Página 10
IBANEz TS9 TuBE SCrEAMEr - Página 11
08 10 11 12

ENTrEVISTA A PABLO SANTOS - Página 12

ENTrEVISTA A MAyCOwN rEIChEMBACh - Página 16
STEVE LukAThEr - Página 20
wArwICk rOCkBASS - Página 22
PEAVEy GuITAr AT-200 - Página 24
COrT BASS ArOMA 4 - Página 25
ENTrEVISTA A COTI SOrOkIN - Página 26
TrANSCrIPCIONES DE COTI SOrOkIN - Página 32
LINE 6 M13 STOMPBOx MODELEr GuITAr - Página 33
16 20 22 24
ENTrEVISTA A ChrIS SIEBOLD - Página 34
ENTrEVISTA A JOSé MAríA NuñEz - Página 36
yAMAhA ACOuSTIC GuITAr APx500II - Página 38
rICkENBACkEr hISTOry - Página 40
VOx hISTOry (1rA. PArTE) - Página 42
JACO PASTOrIuS - Página 44
B. B. kING - Página 54

SuPLEMENTO TéCNICO
FACuNDO LóPEz BurGOS - Página 45
JuLIáN GrACIANO - Página 46 25 26 33 34
CArLOS áLVArEz - Página 47
JuAMPy JuárEz - Página 48
PABLO SANTOS - Página 49
SILVIO GázquEz - Página 50
DAMIáN VErNIS - Página 51
GABrIEL CAPArróS - Página 52

36 38 40 42

Editor responsable - Silvia ruggero 44 54

sruggero@guitarristasar.com

Director del Suplemento Técnico

Facundo López Burgos
facundo@guitarristasar.com

Publicidad - Sergio resar

sergiog2007@hotmail.com

Arte | Diagramación - Sebastián Perego

sebasperego@gmail.com
Año 8º - Nº 39 | Diciembre 2013
Colaboradores Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A
Carlos Alvarez, Julián Graziano E-mail: info@guitarristasar.com
Pablo Santos, Juampy Juárez
Damián Vernis, Gabriel Caparrós
Silvio Gazquez
Impreso en Ideográfica - Perón 935 (1038) C.A.B.A
Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986
Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.:
Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A
Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

04 | Editorial Guitarristas y Bajistas.ar

 BALTASAR COMOTTO NOVEDADES TEVELAM
CORRE Y VUELA ENTRE EL SALMÓN, SOLARI, www.tevelam.com.ar
Y SUS PROYECTOS SOLISTAS
La empresa Tevelam SRL, como siempre, está del
Uno de los Guitarristas del año, Baltasar tuvo un 2013 lado de los músicos. Por eso, siempre pensando en
muy movido. Su participación en la banda del Indio el bolsillo del consumidor, sigue importando los bajos
Solari y la vuelta a la carga con Los Fundamentalistas Warwick Rockbass. La línea Rockbass de Warwick es
del Aire Acondicionado y se metieron en Luzbola, el una forma de acceder a un muy buen instrumento de
estudio que tiene Solari para darle forma al cuarto forma más económica sin que ello implique bajar la
disco solista del líder de Los Redondos. Se incorporó calidad del producto. Esta línea, diseñada bajo los es-
a el proyecto de Calamaro, participando de su disco tándares de su hermano mayor, el Warwick alemán.
de estudio y girando junto al Salmón por todo el país,
y por latinoamérica, el próximo 7 de diciembre harán
su desembarco en Buenos Aires en un show el el Hi-
podromo de Palermo. En el medio, Comotto se hizo
un tiempito para sus presentaciones solistas, tocando
en distintos rincones del país, y dándose el lujo de
tocar en el Festival Planeta Terra junto a Beck, Lana
Del Rey y Travis.

MATIAS TELIS

El joven y asombroso guitarrista se

acaba de unir a la famila Music Ad-
diction dirigido por la empresa Hen-
drix Music, para ser parte de los
músicos endorsers de la prestigiosa
marca de guitarras ESP / LTD. En un
momento muy ascendente del pro-
metedor Matías Telis, quien también
sumo entre las marcas que lo apo-
yan a las cuerdas Martín Blust. Ma-
tías hoy está al frente de un proyecto
demoledor con “Armonauta” banda Por otro lado, Tevelam nos presenta la pedalera Line
con la que acaban de editar su pri- 6 M13 Stompbox Modeler Guitar, que es mucho más
mer disco producido por Damian To- que una pedalera convencional. Tiene más de cien
rrisi en Bourbon Records y que fue efectos de las más populares Stompbox de Line 6.
presentando durante este mes en Construido con materiales de alta calidad, hacen que
Capital Federal. sea posible que pueda recibir una verdadera paliza y
todavía suena impresionante. Además, cuenta con va-
rios conectores de entrada y salida incluyendo puertos
midi. Como describimos antes, la pedalera Line 6 M13
NOVEDADES FAMA MUSIC Stompbox Modeler Guitar posee más de 100 efectos
www.famamusicgroup.com.ar para guitarra, 19 de ellos delay, tanto analógicos como
digitales. También incluye 18 distorsiones únicas, 12
En esta oportunidad, nuestros reverberaciones. También hay una variedad de filtros
amigos de Fama Music nos pre- como wah y efectos de tono. También encontraremos
sentan este asombroso y versátil unos 22 moduladores y compresores varios.
amplificador Laney Prism P65
que es el modelo insignia de la
serie PRISM. Este práctico y po-
tente amplificador combo de gui-
tarra eléctrica cuenta con cuatro
canales y está diseñado para
ofrecer al usuario todas las ven-
tajas y flexibilidad de un amplifi-
cador. El amplificador Laney
Prism P65 está lleno de caracte-
rísticas y sigue la nueva filosofía Laney en el diseño digital amp. Atrás han quedado los días
de la aproximación a los sonidos de otros amplificadores. PRISM mira el cuadro completo
en lugar de sólo se concentra en un aspecto de tono del intérprete.

Guitarristas y Bajistas.ar Novedades | 05

 VICTOR WOOTEN
El 6 de noviembre pasado, llegó a Buenos Aires para
actuar en La Trastienda Club, Victor Wooten, conside-
rado el mejor bajista eléctrico de la actualidad, ganador
de cinco premios Grammy y el único de la historia en
ganar tres veces el galardón Bajista del Año, que
otorga la rigurosa Bass Player Magazine. Un músico
con talento sin límites si los hay; funk, jazz y jazz fusión
son algunos de los ingredientes en su mezcla explosiva
de este asombroso bajista que tuvimos la dicha de dis-
frutar en el show, desde una perspectiva que él sinte-
tiza diciendo "lo importante no es el instrumento, sino
la música". Al frente de su grupo actual que completan
con calidad y profesionalidad Karlton Taylor en tecla-
dos, Derico Watson en batería y Regi Wooten (her-
mano del bajista) en guitarra. Fue después de un par
de temas que apareció Krystal Peterson, la cantante
nacida en Ohio, y tomó el micrófono que en el trans-
curso de la noche compartió, en algunas ocasiones,
con el líder del conjunto. La dulce y cristalina voz de
Krystal generó un ambiente más cálido, íntimo y rela-
jado, dentro de la dinámica eufórica que planteaba Wo-
oten con su banda.
06 | Novedades
HOHNER HARMONICA DAY
La marca más importante de armó-
nicas con la organización de Fama
Music (representante en La Argen-
tina), presentó el pasado 21 de no-
viembre en la sala Siranush de
nuestra Capital, su festival por pri-
mera vez en Sudamérica, El HOH-
NER HARMONICA DAY, con la
presencia del que es considerado
hoy el número uno de la armónica,
Howard Levy, acompañado por
Chris Siebold en guitarra. Antes de
la presentación de Levy tocaron
otros representantes de la marca
como Mariano Massolo con su
quinteto y Franco Capriati con la
Franco Capriati Band.
NOVEDADES PROMUSICA
www.promusicaonline.com.ar
Promúsica nos trae nuevamente un
clásico para que podamos disfrutar
de su sonido tan característico .Ha-
gamos un poco de historia. Ibanez
comenzó a producir efectos de pedal
en el mediados de los ‘70. En ese
momento, muchos de sus productos
eran muy similares en el sonido de
uno de los fabricante de los efectos
más importantes de la época, MXR.
A principios de los años ‘80, el primer
Tube Screamer, modelo TS-808, se
convirtió en un éxito. En 1982, la em-
presa presenta al Tube Screamer
actualizado, el modelo TS-9 que fue
aún más exitoso.
NOVEDADES SOMECO
Someco Electronic SA siempre
nos trae alguna interesante no-
vedad como es el caso de este
versátil modelo AT-200 de Pea-
vey. Hasta este momento,
hemos tenido en nuestras
manos varias guitarras cargadas
de sonidos creados digitalmente
y afinaciones algo alteradas,
pero cuando se trata de auto-tu-
ning, extrañamente algo que
sólo se ha logrado en el mundo
analógico. Ahora, gracias a Auto-Tune, las reglas han cambiado para siempre y Peavey
lo trae para nosotros. Desde su lanzamiento a principios de este año, ha habido un enorme
interés en todo el mundo por este instrumento: la primera guitarra digital para sintonizar
con sólo pulsar un botón. La tecnología utilizada para ello ha sido desarrollado por la marca
Antares en asociación con Peavey.
Guitarristas y Bajistas.ar
ESP LTD EC401
La EC 401 es una guitarra de gama media alta
con una configuración de micrófonos enfocada
principalmente al sonido Metal, Heavy y Hard
Rock. Aunque las pastillas EMG brindan una ver-
satilidad increíble. Su color, a diferencia de las
imágenes de ESP tiene un tono más como a hueso
(lo que me encanta). El hardware es en un nickel
precioso y la verdad es que tiene un tacto impecable
con un mástil muy cómodo. Los rebajes en el cuerpo
son de lo más acertado siendo el más importante el
de la parte posterior que brinda un cómodo apoyo
sobre nuestro cuerpo. Hay que recordar que este
modelo es algo más fino que una Les Paul conven-
cional. Por lo que su peso es ligeramente menor.
Otro de los rebajes importantes que tiene es el que
permite el acceso a los trastes más bajos y lo que
también le da un aspecto bastante más agresivo.
También a diferencia de una Les Paul tradicional, la
tapa no es tan redondeada permitiendo mayor
comodidad para el brazo. Personalmente
a la estética le daría un 10. Me encanta y
me parece bastante original. Monta cla-
vijeros Grover, de sobra conocidos.
Aguantan la afinación muy pero muy bien.
El biding de 7 capas recubre también la
pala y la incrustación de LTD está en un
tipo de madreperla distinto al de los
inlays (como el que llevan las 1000).
Sencillamente preciosa. Con una
forma muy bonita y agresiva. Por
detrás el nº de serie, la fabricación
koreana, y como no, el símbolo de
ESP. La zona más delicada de la
pala (donde ya empieza el mástil) se
ve claramente más “gorda” posiblemente
08 | ESP LTD EC401
La ESP LTD EC 401 es el segundo modelo más alto de la serie EC de LTD. Siendo la más alta la
EC 1000. Se diferencian en los acabados: binding más simple, puente genérico LTD, diapasón
de palisandro y clavijero Grover. La serie EC 1000 ofrece mayor variedad de terminaciones y
colores. Pero ambas utilizan los mismos mics y maderas. Por Sergio Pérez (Session Master)
para prevenir posibles roturas de pala o simple-
mente proteger una de las partes mas delicadas
de la guitarra, pero no incomoda para nada al
tocar. Como he comentado antes, este mástil lla-
mado Thin “U” es tal y como dice su nombre muy
fino. Te deja tocar más rápido para mi gusto. El biding
color crema recubre también el perfil del mástil. Los
inlays en forma de bandera son bastante originales
la verdad. En el traste 12 se ve la incrustación en
forma rectangular con el nombre del modelo. En ge-
neral se ve muy bonito, sin demasiadas porosidades
y muy agradable al tacto. Como he comentado antes,
es algo mas fino que el de una Les Paul convencio-
nal lo que hace a la guitarra más cómoda para tocar
con ella colgada. Y no le quita sustain. La verdad es
que tiene una calidez muy buena. Todo el cuerpo
está rodeado por un biding de 5 capas solo por la
parte delantera. Los tres potenciometros y el selector
estan ligeramente hundidos en el cuerpo. Esta gui-
tarra posee mics EMG 81/60 activos, alimentadas
por una batería. Bastante versátiles aun-
que orientadas a rock y metal debido a
su alta ganancia. Dos potes de volumen
y uno de tono general. La posición central
da unos graves excelentes para tocar con
distorsión. Y la 60 en el mástil tiene
unos limpios muy buenos. Permiten
bastante jugar con los volúmenes.
Al abrir las tres tapas traseras, me
encuentro con casi nada de ase-
rrín y unos cables muy ordenados
y bien soldados. En general todo
muy limpio. Está en perfectas con-
diciones. Y se agradece que por lo
menos en la tapa de la pila ( que es la
que más se va a abrir con el paso del tiempo) los tornillos
no vayan directamente a la madera. Sino que tienen su
propia hembra incrustada en ella. Para no pasar la rosca
supongo. También añadir que la entrada del jack es muy
sólida y el embellecedor que la retiene es de metal. En
mi opinión tiene un diseño precioso, estética agresiva.
Gran ganancia, cero ruidos, muy cómoda, ligera y ergo-
nómica. Se desenvuelve perfectamente tanto para so-
listas como para rítmicos. Y sus acabados y colores son
realmente bonitos.Tiene una gran resonancia cuando
está desconectada, supongo que gracias a ser caoba
encolada. Los armónicos salen casi sin querer, me en-
canta. Al desconectar el jack se desconecta el circuido
activo por lo que siempre que no se esté tocando es
aconsejable tenerla desconectada si quieres tener la pila
cargada. Comparada con otras guitarras del mismo estilo
y rango, es estéticamente más bonita y orientada a mú-
sica más dura. En fin, un instrumento de gran calidad de
construcción, acabados, versatilidad y todo lo que uno
pueda necesitar de una guitarra. Espero que les rompa
la cabeza como lo ha hecho conmigo.
CARACTERÍSTICAS
Colores: Olimpic White, Black, Vintage Black
Procedencia: Corea
Cuerpo (solido) y mástil (encolado) de Caoba (mahogany)
Diapasón: Palo de Rosa
Mástil: Thin U
Número de trastes: 24 XJ (extra jumbo)
Longitud escala: 24,75" / 629mm
Inlays en el diapasón: Flag Inlays
Clavijas Grover y Cejuela de Grafito
Micrófonos EMG 81 + EMG 60
Puente Tune-O-Matic
Hardware Black Níquel
Guitarristas y Bajistas.ar
LanEy PriSm P65
El amplificador Laney Prism P65 es el modelo insignia de la serie PrISM
que la marca Laney nos ofrece. Este amplificador combo de guitarra eléc-
trica cuenta con cuatro canales y está diseñado para ofrecer al usuario
todas las ventajas y flexibilidad de un amplificador. Por Sergio resar

El amplificador Laney Prism P65 está lleno de carac-
terísticas y sigue la nueva filosofía Laney en el diseño
digital amp. Atrás han quedado los días de la aproxi-
mación a los sonidos de otros amplificadores. PRISM
mira el cuadro completo en lugar de sólo se concen-
tra en un aspecto de tono del intérprete.
El Laney Prism P65 puede ser utilizado de dos
modos de funcionamiento: Modo HERO y LIVE.
MODO HERO
Cuando se utiliza en modo HERO, tendrá acceso a
los once niveles de sonidos precargados para que
cada uno tome su inspiración de las diferentes com-
binaciones de amplificadores y efectos utilizados en
las grabaciones de guitarra. Estos tonos de guitarra
van desde "limpio extremo" y se pueden utilizar para
la construcción de tu propio tono.
MODO LIVE
En el modo LIVE, los controles del Laney Prism P65
funcionan como un amplificador convencional, pero
con la característica interesante de poder utilizar uno
de los once niveles de AMP diferentes como punto
de partida para la producción de tu propio tono. Sólo
tenés que seleccionar el modo AMP deseado, ajustar
los controles y añadir los efectos que prefieras para
luego guardar el resultado final a uno de los cuatro
canales de usuario, basta con mantener pulsado el
botón de canal deseado durante dos segundos.
No te pierdas la posibilidad de comprobar la versati-
lidad y el buen tono de este amplificados en cualquier
tienda del país.
CARACTERÍSTICAS
Potencia: 65 Watts RMS
Canales: 4 canales de usuario
Compensación: Bass, Middle y Treble
Boost: Cambiar Boost ajustable
Pedal: FS1 (Boost) (no incluido)
FS2 (Desplazamiento y seleccion) (no incluido)
Toma de Extensión de la cabina 8 ohm
Drivers: Celestion Seventy 80
Efectos: Efectos múltiples
Toma de auriculares: jack 1/4 "
Entrada de CD: jack estéreo de 3,5 mm
Dimensiones: Ancho 492mm x Alto 436mm
Profundidad 286mm

10 | Laney Prism P65 Guitarristas y Bajistas.ar

ibanEz TS9 TubE SCrEamEr
Existen pocos pedales tan famosos como el Ibanez
TS9. una distorsión que simula válvulas, un suave sus-
tain y un tono particular, este pedal es elegido por
todos guitarristas del mundo. Por Sergio resar

El Ibanez TS9 Tube Screamer es uno de los pedales a los que se comparan todos los otros pedales en
su categoría. No es un pedal de distorsión, así que no te sorprendas si no podés conseguir que el tono
de metal súper pesado. Si estás buscando el estándar en los pedales de overdrive, aquí encontrarás
eso.Este gran pedal es lo podés dejar encendido todo el tiempo para obtener un sonido más limpio con
algo de suciedad. Hagamos un poco de historia. Ibanez comenzó a producir efectos de pedal en el me-
diados de los ‘70. En ese momento, muchos de sus productos eran muy similares en el sonido de uno
de los fabricante de los efectos más importantes de la época, MXR. A principios de los años ‘80, el primer
Tube Screamer, modelo TS-808, se convirtió en un éxito. En 1982, la empresa presenta al Tube Screamer
actualizado, el modelo TS-9 que fue aún más exitoso. Aclamado por sus características de distorsión
suave recorte que era muy sensible al tacto, especialmente para un pedal de hecho en esa época, el
Tube Screamer se convirtió en un favorito para los guitarristas de blues, así como los guitarristas de rock
que querían añadir más fuerza a su sonido ya distorsionado.La mirada y la sensación del actual TS-9 es
realmente comparable con aquél pedal de los ‘80, de su pintura verde, los comandos y componentes.
De hecho, la reedición del TS-9 se construyó en la misma fábrica que el original. El Ibanez TS-9 es un
pedal sencillo con controles de nivel, Drive y Tone. Además, puede ser alimentado con una batería es-
tándar de 9 volts o con un adaptador CA. Un indicador de estado con un LED rojo grande reside en el
frontal de la unidad. A diferencia de muchos de los pedales comerciales de hoy en día que se fabrican
en Taiwán o China, la reedición del Tube Screamer todavía está siendo fabricado en Japón. Si bien no
podemos afirmar que si el TS-9 fuera fabricado fuera de Japón sería inferior, pero se considera general-
mente que la electrónica japonesa producidos son de mayor calidad. Lo más importante con cualquier
dispositivo, por supuesto, es el sonido y hemos comprobado que esta reedición suna tan bien como
aquel pedal que se hiciera famoso en otros tiempos.

CARACTERISTICAS
Controles: Drive / Level / Tone
Impedancia de entrada: 500K ohms / Impedancia de salida: 10K ohms
Nivel máximo de salida: 0 dBm / Ganancia máxima: + 30 dB
Ruido de entrada equivalente: -100 dBm (IHF-A)
Fuente de alimentación: Una batería de 9 voltios o un adaptador de CA externa (9V)
Tamaño:124 (D) x 74 (W) x 53 (H) mm
Peso: 570g

Guitarristas y Bajistas.ar Ibanez TS9 Tube Screamer | 11

PabLO SanTOS
Pablo, contanos un poco sobre tu infancia ¿Qué mú-
sica se escuchaba en tu casa?
En casa de mis viejos se escuchaba mucha y muy di-
versa música. Mi mamá canciones italianas y tango, mi
viejo mucho jazz, folklore y brasilera. Afortunadamente
esa apertura en cuanto a gustos musicales la conservo
aun hoy; entre mis cd’s tengo desde los Ramones
hasta Schoenberg pasando por mucho tango y Fol-
klore, heavy metal, jazz... No creo exista música de la
cual no poder aprender o no pueda ser escuchada en
un determinado momento.
Cómo fue que te dedicaste al bajo?
Escuchar a los Beatles me motivó a estudiar batería a
los 15 años y paulatinamente me fui metiendo en Hen-
drix, el jazz y la fusión hasta escuchar a Stanley Clarke.
Más allá de la combinación de energía, melodía y virtuo-
sismo en sus temas, lo que inconscientemente me se-
dujo fue la posibilidad de componer a partir del bajo. Días
después me compré una replica nacional de un Gibson
SG como el de Jack Bruce, lo más parecido al Alembic
de Clarke que pude ver en Quilmes!
Quiénes fueron tus profesores?
Tuve varios profesores de bajo, piano, audio perceptiva,
teoría, armonía… Mis maestros, aquellos a los que les
estaré eternamente agradecidos y a quienes debo gran
parte de este presente fueron Gustavo Giles y Carlos Ma-
dariaga. Gustavo era y es un apasionado del instrumento
y una de las personas mas generosas en cuanto a com-
partir dicha pasión. Carlos un docente como pocos; me
acomodó mucho en lo teórico aplicado al instrumento.
Fuiste el bajista de David Lebón, ¿qué recordás de
esa época?
Muy pocos años antes de formar parte de su banda yo
era un fan mas admirándolo en el concierto despedida
12 | Entrevista a Pablo Santos
Los Beatles lo motivaron a estudiar batería a los 15 años y paulatinamente se fué me-
tiendo en hendrix, el jazz y la fusión hasta que escuchó a Stanley Clarke. Esa combina-
ción de energía, melodía y virtuosismo en Clarke, lo sedujo a dedicarse a las cuatro
cuerdas y a la posibilidad de componer a partir del bajo. Por Sergio resar
de Seru Giran. Cuando me convocó Tenia sólo 20 años,
me sabía todas las líneas de bajo de Pescado Rabioso
y definitivamente no podía creer estar compartiendo es-
cenarios como su bajista y que el tipo fuera tan humilde.
Llegó a eliminar una intro de guitarra para dejarme grabar
otra de bajo tapping en un tema del disco “Nunca te
Puedo Alcanzar”. Especialmente recuerdo haber apren-
dido mucho de Daniel Colombres, batero de David en
esos tiempos y en la actualidad, sobre como tocar bases
solidas y potentes en un contexto rockero. Posterior-
mente grabé con David el disco “Contactos”.
Desde qué año sos docente de este instrumento?
En 1986 Lebón me propone dar clases en su Taller de
Música y Artes, había una vacante como profe de bajo y
en los shows yo siempre terminaba intercambiando con-
ceptos con los músicos que iban a ver la actuación.
Hasta el día de hoy disfruto mucho dar clases tanto o
mas que tocar en vivo ya que me mantiene atento a mi
instrumento. Mas allá de componer, producir discos o
arreglar canciones teclados o compu mediante, el bajo
sigue siendo la prioridad para mi.
Editaste un libro de enseñanza ¿cómo se llama y en
qué editorial?
El libro se llama “Técnicas Modernas aplicadas al bajo”
y lo distribuye Ellisound. Básicamente es un libro de téc-
nicas de ejecución alternativas a la “normal”. Salió en
1998 y lleva vendidos alrededor de 15000 unidades entre
Argentina y países limítrofes. Aun hoy continua dándome
enorme satisfacción encontrarme con bajistas de todas
las edades a los que les ha servido o sirve como inspi-
ración. Tengo varios proyectos de libros que en el futuro,
tiempo libre mediante, llevaré a papel y audio.
Con quiénes has tocado y qué experiencia sacás de
todos esos grandes músicos?
Como bajista estable de María Rosa Yorio recuerdo la
emoción de mis primeras giras en micro y su enorme pa-
ciencia con músicos cuyo promedio de edad era de 18.
De Lerner aprendí muchísimo en lo que a groove y matiz
refiere. El estaba regresando de su parate de estudios en
USA y en los ensayos hacia especial hincapié en estos
conceptos. Con JAF era y es tocar en mi banda de ami-
gos, la libertad total. El desafío es donde parar de experi-
mentar ya que en un power rock trío no creo exista límite
alguno. En ese contexto me puedo “atender” tocando tap-
ping, acordes, bajo midi y demás. Pude tocar con leyen-
das del folklore como Mercedes Sosa y Horacio Guarany.
Arreglar y producir un disco de este último, para mi uno
de los compositores mas talentosos de Latinoamérica, fue
una experiencia tremendamente positiva y enriquecedora.
Corcho Rodríguez, un auténtico mecenas actual de la mú-
sica, solía organizar zapadas con Pappo que luego se
trasladaban a boliches de Palermo cuando Norberto no
tocaba con Pappo’s Blues. Además de blues tradicional
tocábamos otras cosas: Sabía y tocaba los acordes de
Teen Town de Jaco, la armonía de Georgy Porgy de Toto
para despacharse luego con un solo tremendo. Una tris-
teza su perdida. Con Luis Salinas el desafío era seguir te-
niendo algo que decir luego del 4to. solo de bajo del show;
siempre me impulsaba a tocar un poco o mucho más. De
Chico Novarro rescato su enorme profesionalismo, de
Sartén su tremenda creatividad. Sartén es otro tremendo
músico que se nos fue y extrañamos mucho quienes tu-
vimos la suerte de compartir tiempo con él.
Fuiste bajista y luego director musical de Diego To-
rres ¿Cómo fue que llegaste a él y entre qué años
formaste parte de su banda?
Con el, su manager y sus músicos (A. Varela, J. Morelli,
M. Wengrovsky y Dany Tomas) teníamos un gran equipo
de futbol 5 y como con Jota habíamos tocado y grabado
en varias oportunidades la elección decantó sola cuando
Cachorro López dejo la banda. Me llamaron un martes,
ensayamos dos días y el viernes estábamos tocando en
vivo. La banda era tremenda, una de las mejores en las
que toqué, los arreglos musicales muy claros. Todo fue
muy sencillo. Disfrutábamos mucho el tocar juntos y eso
se manifestaba en las interminables pruebas de sonido
cuando, además de buscarle algún arreglos nuevo a sus
canciones, Diego se enganchaba y terminábamos to-
cando temas de Marley, Jarreau, Djavan... Toqué con el
desde 1995 al 99’ y en el último año dirigí la banda.
Cuándo empezaste a componer?
Desde que empecé a tocar el bajo! Siempre me gustó
componer como siempre fui reacio a mostrar mis temas;
supongo por eso aun no grabé un álbum solista teniendo
un estudio y tantos buenos amigos músicos. En algún mo-
mento lo haré, por ahora es una asignatura pendiente. Con
Soledad compongo a partir de sus letras o pedidos en
cuanto a ritmos. Lo mismo me ocurre cuando se trata de
música para alguna película, obra de teatro o publicidad.
Desde cuándo sos productor musical?
El primer disco que produje artísticamente fue “Placeres
No!” del Grupo Rubro 59. La banda estaba lideraba por
Guitarristas y Bajistas.ar
el guitarrista Juan Assabi y contaba con el ex Abuelo de
la Nada Pato Loza en batería y Mario Pergolini como pro-
ductor general. Era el años 1993 pero yo ya venia de tra-
bajar con varias bandas y solistas de los estilos mas
diversos. Exceptuando a quienes me derivan todas las
decisiones a la hora de pre y post producir, prefiero la-
burar codo a codo con el solista o grupo de turno y co-
producir el material. Los tiempos se prolongan a la hora
de tomar decisiones pero el resultado termina siendo
mas satisfactorio para todos

Cómo se siente ser músico y director musical?

Cuando las cosas salen bien es un goce enorme a pesar
de la responsabilidad. Como bajista solo me ocupo de mi
instrumento pero como director musical mi función es ma-
nejar groove, matices y pulso de la banda, disparar se-
cuencias, dar entradas a los músicos en el escenario y
sobre todo estar híper atento a lo inesperado que pueda
ocurrir y tomar las decisiones que considero más correc-
tas para ese momento. Básicamente pienso a la banda
como un único y gran instrumento tocando la música del
solista o compositor de turno del mejor modo posible.
Como soy parte de ese gran instrumento tengo como pre-
misa situarme cerca del baterista pero en un lugar donde
todos me puedan ver aunque signifique estar en un cos-
tado del escenario. Amén de las cualidades individuales
de cada músico, saber cuando dejar de dar indicaciones
para no entorpecer el sonido de la banda y no complicar
la convivencia con problemas de ego son fundamentales
para lograr la mejor música posible.

Cuál es tu set actualmente?
Con Soledad uso un sistema muy chico para evitar pro-
blemas de cables y concentrarme en la dirección musical.
Los bajos son un Fender Jazz del 68 o un Javier López
midi de 6 cuerdas y si la ocasión lo amerita un contrabajo
eléctrico N.S. Design. Aunque me monitoreo vía auricu-
lares (Ultimate Modelo Xtra Bass) tengo a mi lado un ca-
bezal Hartke HA3500 y un baffle Hartke HX112. Con JAF
mi set es muchísimo más complicado: del bajo voy a una
pedalera que consta de un afinador Korg, Whammy pedal
1, Wah Jim Dunlop para bajo, fuzz Sovtek Civil War, Filter
Twin de Aguilar, Chorus Corona de TC Electronics y final-
mente un reverb Hall of Fame también de TC. Lo mas
complejo es el tema amplificación. Antes del Sovtek la
señal se divide en dos sistemas. El mas limpio pasa por
un cabezal Hartke Kilo y dos cajas Hartke Hydrive de
4x10” cada una, la señal distorsionada por un cabezal
Hartke HA550 y dos baffles Hartke AK de 4x10” cada uno.
La idea de tantos equipos es lograr un sonido muy claro
a pesar del volumen, que los equipos trabajen con resto
y no distorsionen salvo sea necesario. Las cuerdas que
utilizo son Magma, y mis correas Antitodo.
Qué es lo que buscas en un instrumento?
Depende la situación y el contexto. Soy algo así como un
bajo-adicto. Tengo más de 20 bajos!!!!. Para tocar melo-
días o solos busco bajos que despeguen en los medios.
Tengo un Javier López midi de 6 cuerdas con mics Bar-
tolini, otro de 7 con EMG, un Ibanez Fretless Gary Willis
y en ocasiones saco mi viejo Alembic que tengo desde la
época de Lebón. Para Reggae o sonidos más profundos
tengo un Warwick Streamer de 5 y un Peavey Cyberbass
de grafito que además es midi. Si quiero un sonido más
vintage tengo dos Fender Jazz Bass (del 68 y 74), un Pre-
cision del 62 y 3 bajos de escala corta encordados con
lisas: Gibson SG, Danelectro Longhorn Bass y un Hofner
violin bass. Para tocar Jazz tengo un contrabajo acústico
y otro eléctrico N.S. Design de 5 cuerdas.
Qué estás haciendo actualmente?
Estoy tocando con Sole Pastorutti y JAF, ensayando y
arreglando material para Pista 2, una excelente banda
que ya lleva dos Cd’s editados, preparando un seminario
de bajo y batería en el folklore con la idea de recorrer el
país con clínicas y produciendo diversos artistas en
“Bajos Arriba”, mi estudio.
Cómo llegaste a tocar con un ícono del folclore como
Soledad Pastorutti?
En 1999 me llaman para la presentación de un Cd pro-
ducido por Emilio Estefan que contaba con un bajo eléc-
trico; inmediatamente me enganche con su energía, la
de sus músicos y posteriormente con el fervor popular
que el folklore produce sobre todo en el interior. Soledad
es desordenadamente ordenada y eso genera un adre-
nalina que nos mantiene a todos en estado de alerta
constante y evita caigamos en rutina. Ya llevo 14 años
tocando con Soledad y sigo disfrutando cada concierto
en los que intentamos prime pasión y energía por sobre
la pulcritud en el sonido final. También trasladamos esa
premisa a sus discos; arregle y co-produje 5 de ellos y
en general evitamos los excesos de edición de instru-
mentos y voces. En lo personal es tremendamente gra-
tificante tener la confianza de tamaña artista; lo vivo con
mucha responsabilidad pero también con una enorme
cuota de diversión, afortunadamente.
Qué le dirías a los chicos que están empezando en
el mundo de la música?
Son tiempos difíciles pero no imposibles. Si quieren
acompañar artistas no se encierren en un estilo determi-
nado de música, abarquen la mayor cantidad posible y
estudien lectura, armonía, la técnica del instrumento…
Estudien! Si la idea es apostar a un proyecto de compo-
siciones propias no dejen que nadie los detenga o per-
turbe en esa dirección. Bandas como Carajo de Marcelo
Corvalan y Cía. o Los Tipitos son un claro ejemplo de ca-
lidad musical, constancia y enorme compromiso con un
producto musical propio y claramente definido. Sean
estos casos u otros, nunca dejen de jugar (play) con la
música. No la ejecuten!!!!!
Qué es lo que estás escuchando ahora?
Me lo preguntas en el momento más vintage de mi vida.
Venía escuchando tanto Mp3, ediciones de Protools
como el beat detective, melodyne y demás… Me saturé,
desempolvé y re acondicioné mi vieja bandeja giradiscos
y rescate mis casi 5000 vinilos. Respondiendo estas pre-
guntas tengo de fondo “El Canto de Salta” del Dúo Sal-
teño y en general estoy escuchando bandas o solistas
de los mas diversos estilos pero con ese concepto audi-
tivo despojado de perfecciones irreales hoy por hoy.
Cuáles son tus referentes en el bajo?
Muchísimos bajistas han marcado el pulso y orientación
de mis estudios: Stanley Clarke, Paul Mc Cartney, Jaco
Pastorius, Billy Sheehan, Jack Bruce, J. Jamerson, John
Paul Jones. A pesar de la diversidad de estilos todos tie-
nen en común la constante exploración armónica, meló-
dica y rítmica del instrumento. Marcus Miller, Jeff Berlin,
Mingus, L. Johnnson, … La Lista debiera ser más larga,
definitivamente.

14 | Entrevista a Pablo Santos Guitarristas y Bajistas.ar

mayCOwn rEiChEmbaCh
Cuándo empezaste a estudiar música?
Empecé por causalidad a las 11 años cuando me inscri-
bieron en un concurso de canto porque un participante
no fue, y terminé ganando tal concurso, desde ese mo-
mento fui involucrándome con la música más y más
hasta que a los 14 años me enamoré de Hendrix y mi
vida nunca fue la misma. Tocaba 11 horas por día, épo-
cas en donde cada minuto respiraba música... y todo pa-
saba por cuando podía mejorar como músico y artista.
Después vinieron las primeras bandas aquellas donde
uno pone en práctica lo que se estudia. A los 18 me fui a
vivir a otro país porque quería aprender música en serio,
y como soy del interior (somos más cabeza dura) decidí
que tenía que ser Brasil.
Qué te decidió tocar la guitarra?
Definitivamente mi padre quien se llevaba toda la aten-
ción cuando tocaba la guitarra en sus fiestas, en el lado
profesional fue Jimi Hendrix, él fue el primer artista de
rock que me hizo llorar cuando escuchaba sus discos, y
hasta hoy en día tengo las mismas sensaciones....
Qué música escuchabas cuando eras adolescente?
Escuchaba los vinilos de Michael Jackson, Eric Clapton,
Deep Purple, Led Zepellin, tuve la suerte de poder es-
cuchar en ese formato tan pulcro. Después, ya de ado-
lescente, Van Halen, Joe Satriani, Steve Vai e Ingwie
Malmsteen me abrieron la cabeza y no me dejaron dor-
mir por un largo tiempo intentando sacar sus fraseos...
16 | Entrevista a Maycown reichembach
Quiénes fueron tus maestros?
En mi ciudad natal (Paso de los Libres- Corrientes) tuve
un profesor que se llama Raúl Vera el me enseñó tanto
el arte del rock como la música clásica, fueron años muy
productivos al lado de ese maestro. Luego en Brasil es-
tudié con Kiko Loureiro que en esa época no era famoso
mundialmente, me acuerdo que estudiábamos unos fra-
seos muy originales que luego él los emplearía en sus
discos. Al final nos hicimos amigos y tuve la oportunidad
de conocer y tocar con muchos artistas gracias a él. Tam-
bién estudié Orquestación y arreglos en la Universidad
Souza Lima en Brasil, que hoy en día es fundamental en
mi carrera ya que tengo un abanico de posibilidades mu-
sicales, gracias a todos los recursos aprendidos.
Cuál fue tu primera banda y quiénes la integraban?
Mi primer banda se llamaba ODISEA, éramos 3 adoles-
cente rebeldes que tocaban Blues y algo de rock nacio-
nal, ensayábamos 4 horas de lunes a lunes Los vecinos
seguramente nos odiaban, jejejeje. Con esta banda
aprendí a improvisar Blues, Estaba compuesta por Ivan
Colunga en bajo e Iván Altamirano batería.
En qué consiste la técnica de tocar con ocho dedos?
La técnica de 8 dedos consiste en realizar otro tipo de
notas con las 2 manos, no como es utilizado normal-
mente por los adeptos al two hands, sino que con la
mano del mástil realizo un arpegio que es complemen-
tado con la mano del puente realizando así un sonido
Empezó a los 11 años y desde ese momento
fué involucrándome con la música más y más
hasta que a los 14 años llegó Jimi hendrix y su
vida nunca sería la misma. Por Sergio resar
más pianísitico y más musical, también mezclado con
el cromatismo así obteniendo una gran destreza y ex-
trema velocidad, tuve la suerte de que el propio Greg
Howe (uno de mis ídolos de la adolescencia) me felici-
tara por mi técnica, comparándome con otros genios de
la guitarra internacional. Realmente me sentí muy hala-
gado por tal situación.
Quiénes te influenciaron en el instrumento?
En mis comienzos me influenciaron Hendrix, Jimmy
Page y Eric Clapton, luego conocí a Steve Vai y Satriani
y cambio mi mente 180 grados! hasta que escuche a
Shawn Lane donde completó el ciclo de 360 grados!
Shanw Lane fue el guitarristas más completo que existió
en este planeta y dudo que allá alguien que algún día se
compare con él. Hoy en día soy influenciado por otros
instrumentistas como pianistas, saxofonistas a los que
transcribo y trato de aplicar en mi instrumento, todos los
días tengo un nuevo desafío, que es ser un mejor May-
cown del que fui ayer.
Con quién has compartido escenario?
Toque con Kiko Loureiro (Angra), Greg Howe (Michale
Jackson), Stu Hamm (Joe Satriani), Many Monteiro (Jaco
Pastorius), Arthur Maia ( Gilberto Gil, Djavan, Ivan Lins),
Guinga, Gianluca Palmieri, entre otros menos conocidos
pero geniales músicos.
Cómo es haber creado el “Guitar Experience”?
Guitarristas y Bajistas.ar
La historia comienza cuando vuelvo a Argentina, después
de haber hecho bastantes cosas por Brasil y me encuen-
tro que acá en Argentina no había un punto en común
donde guitarristas, bajistas o cualquier instrumentista se
unieran para crear algo en común, entonces decidí hacer
esto que es el Guitar Experience la primera edición
grande fue realizada en el teatro IFT con guitarristas de
Argentina, Brasil y Chile, donde tuve la suerte de conocer
a artistas fenomenales como Fernando Pareta que es
como el Maradona de la guitarra (el mundo pronto hablará
de él), también con Pat Tomaselli, Jon Neto, Tiago de
Moura y Denison Fernandes y muchos otros geniales gui-
tarristas. Ahora se realiza una o dos veces por año y cada
vez crece más. Fuimos a la Expomusic en Brasil con Fer-
nando Pareta y la mayoría de los guitarristas nos cono-
cían, debido a la repercusión del Guitar Experience.
Estamos muy felices y estamos preparando para el 30
de noviembre la edición 2013 que será un éxito.

Contanos acerca de tus discos, ¿en qué años los

grabaste y bajo qué nombres?
Mi primer disco "Myself" fue un demo grabado por un
amigo a las 17 años, lo hicimos realmente sin esperar
nada, envié a las revistas y a los meses salía revelación
en la Guitar Player, Guitar Class, Cover Guitar, con críticas
increíbles, fue realmente motivante y alucinante que en
tan poco tiempo me den un espacio que es sólo para los
expertos. En el 2005 mediante una discográfica en Brasil
edite” Sea of Roses” un disco más fusión con un tinte de
Steve Vai y Frank Zappa, pero nunca pude hacerlo bien
porque me faltaban recursos económicos, fue recién en
el 2012 a las 30 años que pude editar el que considero
mi primer disco llamado "Awakening The Spirit" distribuido
para todo el mundo por Neworld Records. Tuve invitados
especiales como Gustavo Meli que es uno de los mejores
bateristas del mundo, lo cual me llena de orgullo que este,
además de Andrés Pellican en bajo, Mauro Laiolo en Te-
clados y Bruno Malinverni en piano. Es un disco donde
hago una fusión más latina lo cual me ha traído excelente
críticas: como la de Steve Vai " Maycown es genial". demos y ya nos invitaron a tocar a USA así que estamos tal modo un instrumento, por el contrario su obra queda
Cuando leí eso en una de sus redes sociales casi me con todas las pilas para hacerlo realidad. Tambien hay intacta, generación tras generación. Se puede escuchar
orino, me costó caer y creer que hablaba de mi. otro proyecto muy grande con una orquesta donde voy a en mis discos editados además en algunos discos de ar-
tocar mi disco "Awakening The Spirit" totalmente orques- tistas como: Bossa & Beach, Madok (Italia), Rafa Casado
Cuál es tu set actual? tado por mí, más de 40 músicos en escena donde el ruido (España), entre otros.
Uso guitarras Fender customizadas, con trastes Dunlop y el arte van a ir de la mano bajo un mismo fin...
Super Jumbo y DS PICKUPS en todas. En pedales de También sos profesor?
efecto Fuhrmann (Brasil) y Pigtronix (USA) realmente uso Sos arreglador, orquestador y trasncriptor, ¿con El arte de enseñar es una de las actividades más lindas
toda la línea, debo tener más de 40 pedales y depen- quiénes has trabajado? que existe. Lo llevo muy enserio y trato de dar lo mejor de
diendo del show voy cambiando los efectos. Cables Cat- Si, hago arreglos para artistas de todo tipo, desde pop mí, llegue a tener muchos alumnos a tal punto de dejar de
Blues, y caja 2x12 Tritone. Prefiero las 2x12” antes que hasta sinfónico. Desde cuarteto de cuerdas hasta para lado mi carrera musical, hoy en día doy muy pocas clases
las 4x12” que tiene un sobrante de graves que no es tipo toda una orquesta, últimamente he orquestado dos obras solamente alumnos que ya saben lo que quieren y se de-
de sonido que prefiero. Recientemente estoy usando am- del compositor Guillermo Zarba : Libaciones y Los tiem- dican al estudio. Tengo alumnos que hoy en día tocan muy
plificadores Jake Amp y se suenan todo, tanto para jazz pos del Agua estrenadas mundialmente en el teatro Co- bien y que tranquilamente pueden ser maestros.
como para rock, justamente Eric Jacobs está diseñando liseo a sala llena con una orquesta formada por músicos
uno nuevo cabezal de 100 watts que lo voy a estrenar el del Colón y músicos de la Sinfónica Nacional. Además
30 de noviembre en el Guitar Experience 2013. tengo una empresa llamada Transcribitumusica.com.ar Qué les dirías a los chicos que recién están dando
donde transcribimos las obras de los compositores para sus primeros pasos con la guitarra?
Cuáles son tus proyectos? que puedan registrar en SADAIC y así obtener ingresos Que lo hagan con responsabilidad, el instrumento te
Tocó con mi banda Maycown Reichembach que es la que con sus obras. puede dar muchas cosas a cambio, que a veces no nos
le dedico la mayoría de mi tiempo, además soy sesionista damos cuenta. Que se dediquen con disciplina y con una
de varios artistas. Actualmente estamos armando mi Sos compositor ¿dónde podemos escuchate? rutina de estudios, que busquen un buen profesor, es
nueva banda de rock/funk (Esto les cuento en exclusiva Todos mis discos cada nota y arreglo fue compuesto por fundamental para el crecimiento. No tengan pre-juicios
para la revista!) estamos en casting para elegir un inte- mí, soy muy meticuloso con este tema, la composición con los estilos musicales y respeten al músico, cada uno
grante más y luego empezamos a full con los ensayos es el legado que un artista deja para la humanidad, la tiene su espacio y su tiempo. Hay que hacer lo que a uno
para luego grabar el primer álbum, ya enviamos algunos gente se olvida si tal artista tuvo técnica y ejecutaba de le gusta que el resultado del trabajo se ve con el tiempo.

18 | Entrevista a Maycown reichembach Guitarristas y Bajistas.ar

STEvE LukaThEr
Fotografía gentileza de Dontpaymusic.com
Por suerte al escribir en este tipo de revistas tengo
la posibilidad de hacerlo sobre músico que real-
mente me gustan mucho y hablar de Steve Lukather
en esta ocasión me llena de emoción. Espero ser
objetivo en el repaso de la historia de este genial
músico. Este asombroso guitarrista de vasta trayec-
20 | Steve Lukather
Este año y para el deleite de todos los fans que tuvimos la posibilidad de asistir, el
gran guitarrista Steve Lukather, ha visitado nuestro país como parte de la “All Star
Band” que no son ni más ni menos que los músicos que acompañan al gran bate-
rista de The Beatles ringo Starr. Por Sergio resar
toria nació el 21 de octubre de 1957 en el valle de Ya en la escuela secundaria el joven Steve Lukather
San Fernando, en el estado de California. En sus conoció a David Paich y a los hermanos Porcaro
inicios, Steve Lukather tocó teclados y batería para (Jeff, Steve y Mike), quienes finalmente formaron
poco después aprender de forma autodidacta a juntos la banda Toto. Steve Lukather, quien hasta
tocar la guitarra a los siete años de edad, cuando la fecha había sido autodidacta, comenzó a tomar
su padre le compró una guitarra acústica Kay y el clases de guitarra con Jimmy Wyble. Gracias a
disco de The Beatles “Meet the Beatles. Steve Lu-
kather ha comentado que ese disco le cambió la
vida y que se siente fuertemente influenciado por la
guitarra y el sonido de George Harrison. La guitarra
y el álbum de los Beatles cambiaron la vida del pe-
queño Steve Lukather. "Sólo el sonido de esa gui-
tarra superó toda mi alma, si querés llamarlo así.
Yo sabía que eso es lo que yo quería hacer. Re-
cuerdo a George Harrison tocando un solo en “La
vi parada ahí” y sólo el sonido de la guitarra y la re-
verberación tocó una fibra sensible dentro de mí ".
(Steve Lukather, 1993).
Guitarristas y Bajistas.ar
Wyble expandió sus conocimientos hacia aspectos
más amplios de la música, incluyendo la orquesta-
ción. Fue en esta época (comienzos de la década
de 1970) cuando Steve Lukather comenzó a intere-
sarse por ser músico de sesión, vocación que ofre-
cía oportunidades de tocar con una gran variedad
de músicos famosos.

"Fui autodidacta hasta las 15 y luego empecé a

tomar clases con Wyble. Él me enseñó a leer y me
dio un montón de otras clases, como la orquesta-
ción. Quería aprender. En ese punto que estaba re-
almente intrigado por todo el asunto de sesión. No
era algo que quería hacer desde que era un niño
pequeño. Yo no sabía nada al respecto hasta que
estaba en la escuela secundaria. Siempre pensé
que era una especie de fresco para poder tocar en
las grabaciones de todos estos grandes artistas ".
(Steve Lukather, 1993).

Jeff Porcaro, quien tocaba la batería para Steely

Dan desde 1973, fue el mentor de Steve Lukather
y apoyó su interés en el trabajo de músico de se-
sión. Su primer trabajo en la industria musical fue
como músico de estudio para Boz Scaggs, después
de eso, Paich y Jeff Porcaro —quienes ya eran
prósperos músicos de estudio por derecho propio—
lo invitaron a formar Toto en 1976, junto a Bobby
Kimball, David Hungate y Steve Porcaro. Steve Lu-
kather rechazó una oferta de unirse a la banda de
Miles Davis para poder aceptar esta invitación.

"Jeff era como mi mentor;.. el tipo fue el que me hizo

entrar en el mundo de la música. Él y toda la familia
Porcaro tuvieron mucho que ver con mi conseguir
mi primer trabajo en el negocio de las grabaciones
ya que Jeff ya estaba con Steely Dan cuando lo co-
nocí. Era 1972 y crecer en todo ese ambiente fue
un regalo. Aprendí todo gracias a él. En mi banda
de la escuela secundaria yo estaba tocando con
Mike Landau, John Pierce, Steve Porcaro y Carlos
Vega." (Steve Lukather, 1993)
Steve Lukather fue el primer guitarrista líder de Toto necesitaba dar un paso al frente y asegurarse de
y ejerció como tal durante toda la historia de la que la banda siguiese su camino, por lo que co-
banda, además de vocalista líder ocasional, corista menzó a adoptar el papel de líder.
y compositor. Steve Lukather ganó tres de sus cinco
premios Grammy por trabajos con Toto, dos veces
como artista y una como productor. La composición
de las canciones de Toto, el primer disco de la
banda y lanzado en 1978, corrió casi exclusiva-
mente a cargo de David Paich, que escribió prácti-
camente todas las canciones del mismo (excepto
dos), incluso los cuatro simples. Steve Lukather
también da crédito a Jeff Porcaro por su liderazgo
de la banda en aquella época. No obstante, el papel
de Steve Lukather en Toto evolucionó con el tiempo
adaptándose a las necesidades del grupo. Co-
menzó a contribuir en la composición con la pista
homónima que da inicio al disco Hydra de 1979.

Lamentablemente una mala noticia llegaria en

agosto de 1992, el gran Jeff Porcaro se desplomó
mientras trabajaba en el jardín de su casa y poste-
riormente murió por un fallo cardiaco. Su muerte
afectó profundamente a los integrantes de Toto en
general y a Lukather en particular, debido a que
siempre le consideró su mentor. Lukather sintió que

Guitarristas y Bajistas.ar Titulo | 44

Steve Lukather 21
warwiCk rOCkbaSS
La línea rockbass de warwick es una forma de acceder a un muy
buen instrumento de forma más económica sin que ello implique
bajar la calidad del producto. Esta línea, diseñada bajo los están-
dares de su hermano mayor, el warwick alemán. Por Sergio resar

En esta oportunidad nos abocaremos al
Warwick Rockbass Corvette Basic Activo.
El este instrumento que nos ofrece War-
wick se basa en el Corvette standard War-
wick germano. La forma del cuerpo y el cuello
de este asombroso instrumento son similares
en apariencia y forma y al igual que su her-
mano más caro y viene con dos micrófonos de
bobina única activos MEC. Además, el War-
wick Rockbass Corvette Basic Activo está dis-
ponible en 4 o una versión de 5 cuerdas. Por
otro lado y a diferencia del original, no está
disponible en 6 cuerdas y también
tiene otras diferencias significati-
vas a tener en cuenta a la hora de
elegir un instrumento de esta afa-
mada marca Alemana. El Warwick
Rockbass Corvette Basic Activo tiene
un cuerpo de aliso, que es un poco
más ligero que el de Bubinga o de los
Corvettes Standard. En cuanto al so-
nido, el Warwick Rockbass Cor-
vette, es muy versátil, puede ser
agresivo o brillante según se
desee. Se puede tocar desde Jazz
a Heavy Metal, todo esto gracias a
sus micrófonos MEC Activos. Tiene una
fuerza y calidad tonal que se puede espe-
rar de un instrumento de este nivel y más
también. Algo que realmente nos asombro
a la hora de probarlo.
En pocas palabras este bajo Warwick Rock-
bass Corvette Basic Activo es indescriptible.
El cuerpo de este instrumento es pequeño y
ligero por lo que le ofrece la comodidad y la
capacidad de moverse por el diapasón muy
rápido y fácil. Lo que realmente lo hace muy
“amigable”a la hora de ejecutar. Las cuerdas
están espaciadas para permitir un slap per-
fecto. El Warwick Rockbass Corvette Basic
Activo es un bajo eléctrico que se distin-
gue de otros, con su forma de cuerpo
elegante y único. Las elegantes cur-
vas de su cuerpo sólido de aliso son
el complemento ideal para un bajo eléc-
trico que proporciona los más delica-
dos tonos graves como unos agudos
increíbles. El mástil del Warwick
Rockbass Corvette Basic Activo es
de un suave maple que se comple-
menta con un atractivo diapasón de
palisandro (rosewood) con trastes de níquel. Este
Warwick Rockbass Corvette Basic Activo es sin
duda tan divertido de ver como para tocar. Fué
una jornada super divertida en la sala de ensayo
con un bajo asi. Warwick es una marca que
nunca deja de sorprendernos. Este Warwick
Rockbass Corvette Basic Activo es cómodo, ver-
sátil y liviano. Con un tono brillante y con un
cuerpo sonoro que llego a sorprendernos. No tu-
vimos que reforzar el volumen ni la ecualización
en el amplificador que utilizamos y realmente lo
dejamos en un modo plano como para “medirlo”
en una base “pegada” junto a la batería.Y cre-
anme que sono poderoso.
CARACTERÍSTICAS
Escala: 32"
Cuerdas Warwick Red Label M
Cuerpo Aliso (Alder)
Mango atornillado de Maple (Arce) con trastera
de Palisandro (Rosewood) y trastes de Níquel
Micrófonos activos MEC JJ single-coil "Gold"
Electrónica de 2 bandas activas
Puente Warwick de dos piezas
Hardware cromado
Incluye llave Allen de 5 mm y 1,5 mm

22 | warwick rockbass Guitarristas y Bajistas.ar

PEavEy aT-200
La afamada marca Peavey presenta en la
Argentina su último modelo de guitarra, la
versátil Peavey AT-200, una guitarra con
sistema de auto-afinación denominado
ANTARES AUTO-TUNE además del sis-
tema de entonación SOLID-TUNE. Esta
asombrosa guitarra nos ofrece un ajuste
perfecto y afinación excelente e instantánea
con solo pulsar un botón. Esta guitarra Pe-
avey AT-200 conjuga las nuevas tecnolo-
gías con una gran calidad de construcción
haciendo de la misma un instru-
mento único, ideal para los músi-
cos más exigentes en términos
de afinación.
A su vez este innovador sistema
que trae la Peavey AT-200 nos per-
mite tocar con afinaciones alterna-
tivas cómo Sol Abierto (open G),
con la sexta cuerda un tono
abajo (drop D) o bien usar la
guitarra cómo barítono sin nin-
gún tipo de hardware apara-
toso ni poco estético. Además
el SOLID-TUNE monitorea y con-
24 | Peavey AT-200
hasta este momento, hemos tenido en nuestras manos guitarras cargadas de sonidos creados
digitalmente y afinaciones algo alteradas, pero cuando se trata de auto-tuning, es extrañamente
algo que sólo se ha logrado en el mundo analógico. Ahora, gracias a Auto-Tune, las reglas han
cambiado para siempre. Por Sergio resar
trola la afinación de todas las cuerdas mien-
tras estamos tocando para que tanto notas
de un solo o acordes suenen correctamente
y a la vez reconoce los “bendings” o estira-
das como tal y no las modifica. Equipada con
dos humbuckers Custom Designed, llave de
tres posiciones, Alma de doble acción y en-
trada MIDI y en sus dos colores Candy Apple
Red y Negro la Peavey AT-200 es el equilibrio
justo entre una guitarra eléctrica clásica y tec-
nologías de vanguardia. Bienvenidos a la
nueva generación.”
Desde su lanzamiento a principios de este
año, ha habido un enorme interés en
todo el mundo por este instrumento:
la primera guitarra digital para sin-
tonizar con sólo pulsar un botón. La
tecnología utilizada para ello ha sido
desarrollado por la marca Antares
en asociación con Peavey.
La guitarra Peavey AT-200 tiene
un cuerpo de tilo macizo con un
diseño de cuerdas a través del
cuerpo y puede ser acabado en
negro o rojo. En la parte frontal encontrará mi-
crófonos Peavey USA humbucking cubiertos por
tapas sólidas, un control de tono que puede ser
empujado hacia abajo para activar el DSP Auto-
Tune,un control de volumen y un interruptor se-
lector de micrófonos de 3 vías. Hay una luz LED
verde encima del micrófono del mástil para indi-
car si el sistema de Auto-Tune es activo o no, y
la caja de batería de la parte de atrás para tomar
las cuatro pilas AA necesarias para alimentar el
circuito de Auto-Tune.
CARACTERÍSTICAS
Escala de 25.5”
24 trastes
Cuerpo de Basswood
Mango atornillado de Arce
Diapazón de Palo de Rosa (Rosewood)
Hardware Negro
Antares Auto-Tune
Selector de palanca, volumen principal y tone
Push Pull modos activo o pasivo
Interruptor del volumen inicia Auto-Tune
Toma de salida estándar
8 pines DIN para la entrada MIDI
Micrófonos dobles Peavey pasivos
Guitarristas y Bajistas.ar
COrT arOma 4
Aunque no es un nombre muy conocido como otras marcas, Cort ha estado haciendo ins-
trumentos durante décadas. Al asociarse con constructores como McSwain y Curbow, han
estado trayendo características personalizadas a los instrumentos a un precio razonable. Su
asociación con Sandberg Guitars no es una excepción. Por Sergio resar

El trabajar en esta revista nos da la posibilidad in-
mensa de estar al tanto de todo lo que acontece
en cuanto a las novedades en instrumentos que
están disponibles para todos nosotros aqui en
nuestro país. En este caso tenemos la grata po-
sibilidad de probar otro producto que nos trae la
marca CORT.
Comenzamos por contarles que el mástil del Cort
Aroma 4 es 34" y consta de tres piezas de maple,
lo que le da mucha estabilidad. En forma con un
toque moderno, da la impresión de un instrumento
mucho más caro. El diapasón de palo de rosa con
incrustaciones de puntos simples, y los trastes
son un poco más grandes que el tamaño normal.
El toque adicional de esto es la adición de un
traste justo antes de la tuerca. La idea es dar a
las cuerdas abiertas el mismo ataque como notas
con trastes. La tuerca de grafito se corta muy
bien, sin asperezas, y el cabezal tiene una bonita
chapa. El cuerpo del Cort Aroma 4 es de aliso, y
nuestro modelo de prueba fue acabado en negro
brillante. Es ligero y muy bien equilibrado. El corte
inferior proporciona un fácil acceso a los trastes
superiores, y la parte superior del corte es alar-
gada para proporcionar equilibrio, lo que hace
que podamos tocar durante horas y no causará
fatiga. Fué Sandberg quien diseñó el
puente, que es considerable, por decir
lo menos. Es uno de esos toques que
empuja al Arona un paso por encima de
un montón de otros bajos en su gama de
precios. El diseño del puente ofrece un mon-
tón de ajustes, especialmente en compara-
ción con un puente de acero simple,
estampado. La electrónica es el corazón de
este bajo sin embargo. Los micrófonos son
Desonic (por Delano), con una sola bobina
en la posición del mástil, y un humbucker en
el puente. Los controles son sencillos,
un control de volumen, botón de
mezcla pickup selector y 2 ban-
das EQ activo.
El EQ activo del Cort Aroma 4
puede ser evitado a través del push
/pull de la perilla de volumen. Una
muesca central en la perilla de
mezcla, permite el equilibrio
entre ambos micrófonos, sin
embargo, el rango de la mezcla
en ambos lados es un poco limi-
tado. Los controles de ecualiza-
ción son bonitos y simples y el
rango es útil en ambas direcciones.
Los sonidos pueden ir de suave a casi sa-
turado con la combinación correcta y se-
lección del EQ. La posibilidad que tiene
el Cort Aroma 4 de obtener grandes sonidos
tipo Jazz Bass, sonidos del Precission e in-
cluso sonidos Music Man es especialmente
agradable. En una situación en la que se ne-
cesita una gran cantidad de tonos graves pre-
cisos, ya sea en el estudio o en el escenario,
este modelo debe hacer el trabajo adecuada-
mente y claramente los dejara sorprendidos.
CARACTERÍSTICAS
Construcción tipo Bolt-on
Cuerpo de Aliso
Mango de Maple
Diapasón de Palo de Rosa (Rose-
wood)
24 Trastes (large)
Escala: 34 "(864 mm)
Clavijas Die Cast
Puente Sandberg 4
Micrófonos: Desonic
Hardware Cromado
Cuerdas D'Addario EXL165\
(105-045)

Guitarristas y Bajistas.ar Cort Aroma 4 |25

COTi SOrOkin
Empezó desde muy chico jugando con instrumentos de juguete y de verdad que siempre hubo
en su casa. Su madre tocaba el piano, cosas de Chopin, Debussy o Bach. Su padre sumaba a ese
universo de música, una colección de discos de vinilo impresionante. Toca la guitarra desde los
11 años y nunca más dejó la música, es la forma de vida de Coti Sorokin. Por Sergio resar
Fotografía gentileza de Dontpaymusic.com

foto: maximiliano bort

Naciste en Rosario, Santa Fe, pero viviste un tiempo,
desde muy pequeño, en Concordia, Entre Ríos,
¿cómo era tu infancia ahí?
En Concordia viví muchos años, toda mi infancia y mi
adolescencia hasta que regresé a Rosario cuando ter-
mine el colegio secundario para estudiar música en la
Universidad de Rosario… mi infancia en Concordia fue
muy libre… andaba mucho tiempo en la calle… vagando
mucho en horas de la siesta cuando la ciudad entera dor-
mía…era emocionante. Me crie de un modo muy dife-
rente al de las grandes ciudades. Yo con ocho o nueve
años andaba en bicicleta por toda la ciudad. Sentía una
libertad enorme y el tiempo todo para nosotros. No había
Play Stations por suerte. Nos aburríamos y usábamos la
imaginación constantemente. Nos inventábamos juegos
historias, no teníamos nada, solo una bici y una pelota.
Todo lo demás lo teníamos que inventar nosotros. Ima-
ginando, creando.
Qué música se escuchaba en tu casa?
De todo , tango , mucha música clásica por mi vieja y a
mi viejo le gusta mucho el jazz… teníamos colecciones
que yo curioseaba todo el tiempo… me grababa casset-
tes con la música que me llamaba la atención para poder
escuchar solo en mi cuarto o para poder sacar cosas en
la guitarra… en ese momento teníamos que usar mucho
el oído porque la información no nos inundaba como
ahora… en Concordia había pocos músicos en aquel en-
tonces pero muy buenos… había dos caminos para
aprender cosas nuevas…uno el boca a boca entre los
músicos inquietos y el otro era la autogestión o sea, te
gustaba algo, lo grababas en un cassette y te rompías la
cabeza para intentar sacarlo de oído y tocarlo. Eso me
desarrollo muchísimo el oído, lo tengo muy ejercitado.
Qué te decidió empezar a estudiar guitarra?
Mi madre descubrió mi interés por un instrumento musi-
cal, ella se dio cuenta y me ofreció… yo dije que si… me
enganché y nunca más dejé de estudiar, de tocar… in-
interrumpidamente durante toda mi vida
Quiénes fueron tus profesores?
Tuve muchísimos profesores pero los importantes fueron
Mario Meichtry mi primer profesor en Concordia que aún
sigue dando clases y generando buenos músicos…fue
un gran profesor… luego Carlos Rossi también en Con-
cordia me preparo más en la parte técnica clásica para
poder ingresar bien en la facultad. Luego en Rosario tuve
muchísimos muy buenos y otros no tanto. Tomé clases
con Gabriel Senanes de orquestación y arreglos, con
Omar Torres de bandoneón y luego tome también unas
clases con Marconi que me daba partituras de fugas de
Bach para tocar en el bandoneón. Un moño tremendo!!!!
duré poco, jajjaja. Tuve muchos maestros de que apren-
der… pero mis grandes maestros fueron Charly, Spinetta,

26 | Entrevista a Coti Sorokin Guitarristas y Bajistas.ar

Fito, Calamaro, Lito Nebbia, Cuchi Leguizamón, Piaz- yo grabé una guitarra acústica y unos coros sobre la voz fruté, aprendí y conocí mucha gente que admiro gracias
zola, Atahualpa, Lennon, Harrison… tantos músicos que que había grabado Andrés… Javier producía y nos gra- a mi amistad con Javier.
me metieron la pasión, la inquietud de expresarme a tra- baba. Andrés quedó muy contento y volvió al día si-
vés de la música. guiente pero ya con letras nuevas de él para que Con Andrés trabajaste a la par en el disco “Honesti-
trabajemos como lo habíamos hecho con el tema de Zi- dad Brutal” ¿cómo fue esa labor?
Cómo se llamó tu primera banda? Y ¿te acordás
quiénes la integraba?
Tuve muchísimas bandas pero la primera con la que con-
seguí perdurar un tiempo y hacer un pequeño camino se
llamo Luz Mala y fue en mi época de estudiante de mú-
sica en la Universidad de Rosario.

Llegaste a grabar un disco con esta banda ¿cómo

se llamó el álbum y quién fue el productor?
Con Luz Mala que fue una banda que arme cuando ya
tocábamos bastante bien y componía instrumental y can-
ciones bastante buenas… sonábamos bien… tocába-
mos mucho en pubs , teatritos y centros culturales de
Rosario y de Concordia… nos presentamos en una
Bienal de Arte Joven en Rosario en el año 92 y sacamos
el primer premio. Fue emocionante, se habían presen-
tado miles de bandas… en el jurado estaba ni más ni
menos que Lito Nebbia, ahí lo conocí y al año siguiente
nos produjo junto a Cesar Franov un disco para Melopea
Records su sello… fijate que honor!!! no lo podíamos
creer… yo tenía 20 años, tocaba la guitarra el bando-
neón, algunos teclados y componía.

En qué año viniste a Buenos Aires?

En el mismo año 93 a fin de año por una amiga Malena
Boero que estaba saliendo con Javier Calamaro… ella
tenía el disco de Luz Mala que yo le andaba regalando
a todos mis amigos como corresponde… Javier lo agarró
un día y se interesó porque vio que yo componía, hacia
arreglos y tocaba varios instrumentos… sintió curiosidad
y me quiso conocer… me llamó esa misma noche… es-
tuvimos hablando y poco tiempo después yo ya estaba
en Buenos Aires viviendo de un modo bastante precario
en la casa de un amigo y yendo todos los días al estudio
que Javier tenía en Plaza Italia. No le di respiro ni opor-
tunidad que busque a nadie más jajajja… yo quería venir
a Buenos Aires y esa fue la mejor excusa. A partir de ahí
hicimos junto con Javier un montón de cosas. Fui parte
de su banda muchos años, produje sus primeros discos
solistas, hicimos música de cine, produjimos juntos Chia-
pas y Pampa del Indio que fueron discos maravillosos a
foto: maximiliano bort

beneficio de comunidades indígenas totalmente olvida-

das en ese entonces.

En qué circunstancias conociste a Andrés y a Javier

Calamaro?
Haciendo Pampa del Indio es que conozco a Andrés. Él
vivía en España y no venía demasiado por aquí… pero
en una visita promocional de Alta Suciedad, pasó por el
estudio que Javier que tenía en Palermo para grabar algo
para el disco Pampa del Indio, era un recopilatorio de
muchos de los artistas más importantes de Latinoamé-
rica… canciones inéditas, versiones, todo inédito. Andrés
no tenía nada grabado pero si tenía elegida la canción
que era "Adagio a mi país" de Zitarrosa. Yo conocía per-
fectamente la canción porque mi viejo era fan de Zita-
rrosa y de Viglieti, además tenía muchos amigos
uruguayos de Salto que queda enfrente de Concordia.
Tocábamos bastante milonga y candombe. Terminamos
grabando con Andrés la versión que quedo en el disco,
tarrosa para Pampa del Indio. En una semana grabamos
25 canciones. Eso se transformó en un disco mítico del
rock nacional que es Honestidad Brutal.
Con Javier grabaste un disco, “10 de Corazones”
¿qué recordás de esa experiencia?
Hice 10 de Corazones, luego Quitapenas y más tarde
Iluminado que grabamos en vivo. 10 de Corazones fue
el primer disco que hice como coproductor. Compuse las
canciones con Javier, toqué varios instrumentos. Fue una
maravilla, una oportunidad para aprender gigante y con
Javier hicimos un gran equipo que trabajó mucho. Lo dis-
Honestidad Brutal nació en esa semana que te comen-
taba antes… grabamos 25 canciones entre ellas las me-
jores para mi, Paloma, Mujer Mundial, Te quiero igual,
Plaza Francia, Mi quebranto, Los aviones, Más duele,
Cuando te conocí, Prefiero dormir, Maradona, Una
bomba, Socio de la soledad. Muchas de estas canciones
tienen acordes míos, por ejemplo Los Aviones o Mara-
dona son secuencias de acordes que yo hice. El tema
es que eso en wikipedia no figura… jajja ni en ningún
lado. Siempre fui muy discreto… por momentos dema-
siado. Tengo mil cosas lindas para contar de aquella
etapa… hicimos un team muy poderoso y Andrés, me

Guitarristas y Bajistas.ar Entrevista a Coti Sorokin | 27

 foto: darío batallan
fue dando un papel cada vez mas importante en las se-
siones. Casi todas las bases las grabamos en directo,
Javier en batería, Andrés y yo nos turnábamos entre las
guitarras y el bajo. A veces Andrés tocaba la batería,
luego los pianos hammonds, percusiones y las voces.
Andrés cantaba y con Javier producíamos, luego en-
traba yo en la cabina y con Andrés cantábamos muchos
tracks de coros… era maravilloso porque improvisába-
mos líneas y armábamos un traking grosso… ojo que
es disco fue grabado en ADAT !!! Antes de la era proto-
ols, por lo tanto teníamos recursos muy limitados.
En ese país sacás tu primer disco solista “COTI”,
¿en qué año y quién fue el productor?
Me mudo a España en enero del 2002. Ese mismo año,
en abril, saco el primer disco. El disco ya lo tenía hecho
desde un año antes, había viajado en noviembre del
2001 a reunirme con gente de Universal Music Spain y
les llevé unos demos de varias canciones y les gustó,
me firmaron un contrato por 3 discos más 2 opciones
de discos más y terminé haciendo 5 discos en España.
El primer disco Coti lo produje junto a Cachorro Lopez.
Él me presentó a su vez a Pelo Aprile que me conocía
de nombre, Pelo fue quien me llevó a Madrid porque
30 | Entrevista a Coti Sorokin
luego de los atentados del 11 de septiembre no pude
viajar a EEUU… yo tenía un ticket para el 12 de sep-
tiembre viajar a Miami a llevarle a Pelo mis grabaciones.
Tuve que suspender mi viaje obviamente, pero me llegó
un destino mucho mejor que fue España. Él me dijo que
nos veamos en Madrid y así empezó todo. A mi me
gustó mucho la idea porque allá nadie conocía mi tra-
bajo, ni siquiera en la industria, allá nadie conocía can-
ciones o producciones que había hecho. Me firmaron
un contrato como artista porque les gustó mucho el
demos que les presenté.
Cómo se complementaban con Cachorro López
para producirlo?
Con Cachorro produjimos tres canciones enteras juntos,
desde cero… Mis Planes, Nada Fue un Error (dúo con
Andrés Calamaro) y Volando. Fueron las tres últimas que
compuse del disco y las cambié por otras tres que que-
daron fuera. Él me ayudó a darle el toque final al resto del
disco, a sacar algunas partes que sobraban en estructu-
ras, a elegir el repertorio y me ayudo hacer una buena
mezcla con Cesar Sogbe en Miami. El disco suena súper
actual por los arreglos y el sonido, es un disco cool. Tiene
canciones que siguen tan vigentes como Antes que ver
el Sol, Nada fue un error, Olvidarla o El Tren.
Dado que ya para esa época componías para otros
grandes artistas como Diego Torres y Alejandro Ler-
ner, entre otros. ¿Qué te decidió hacer el disco y
cómo fue ese proceso?
Yo siempre estuve con mis proyectos, con bandas o
como solista, siempre. Es un error cuando dicen "siem-
pre compusiste para otros y luego te decidiste…" es un
error total, no fue así sino justo al contrario. Siempre fui
un músico con mis propuestas, mis obsesiones, mis ilu-
siones y en un momento encontré un medio de vida para
mí y mis hijos, una manera de pagar el alquiler y el gas,
llenar la heladera. Daba clases de guitarra y un día me
di cuenta que podía ganarme la vida escribiendo can-
ciones como lo hizo muchísima gente como Lou Reed,
McCartney o el mismo Bob Dylan. En muchos casos
con seudónimos y en otros no. Pero el proceso fue to-
talmente al revés de como lo plantean los medios, vengo
subiéndome a escenarios desde que tengo 13 años.
En el 2004 grabás tu segundo disco ¿Cuál fue el
nombre y quiénes tocaron en el?
El segundo disco se llamó "Canciones para llevar". Se
Guitarristas y Bajistas.ar
editó además de España y Argentina como el primero,
también en México aunque tímidamente por una can-
ción que cantaba Julieta Venegas conmigo que se llama
"Oleada". El disco lo grabé en Circo Beat el estudio que
tenía Fito Paez en Buenos Aires y ya lo hice con mi
banda. Tocó Marcelo Novati las baterías (Spinetta, Ke-
tama), Matías Eisen bajo, Diego Olivero teclados, mi
hermano Matías Sorokin guitarras y yo toqué de todo
un poco. El disco lo produje junto a Nigel Walker, un pro-
ductor inglés que había trabajado con Fito y con los Ro-
dríguez.

“Esta mañana y otros cuentos” fue tu tercer álbum

y el primero en vivo, que tuvo a importantes artistas
invitados, ¿nos contás quiénes fueron y alguna
anécdota sobre ellos?
Fue un disco hermoso que grabamos en 2 horas!!! Tanto
el audio como las imágenes!!! Y no tuvo retoques en ab-
soluto. También lo produjimos junto a Nigel Walker, él
fue quien lo mezcló. Ensayamos mucho, mucho!!! Con
mi banda nuevamente. Ya estábamos tocando bastante
por España. Los dos primeros discos habían funcionado
bastante bien, vendiendo casi 20.000 discos el primero
y cerca de 40k el segundo!! Mirá que cifras!! Todavía se
vendían discos en aquella época. Como cambió todo
en menos de diez años!!
"Esta mañana…" fue un resumen en vivo de los dos dis-
cos anteriores con 4 invitados, Julieta Venegas, Josemi
Carmona (Ketama), Ismael Serrano y Paulina Rubio.
Más 3 canciones nuevas (Tu nombre, Mar de Gente y
Esta Mañana) y todo grabado en 2 horas en un estudio
de televisión en las afueras de Madrid. La canción que
más se conoció de ese disco fue la versión de Nada Fue
un Error con Julieta Venegas y Paulina Rubio. El disco
tuvo un éxito impresionante. Sólo en España 300.000
copias, doble platino. Disco de oro en México, en Argen-
tina y Colombia. Fue impresionante, yo no estaba pre-
parado, no me imaginé nunca, pero bueno así fue.

Tu cuarto disco y su tercer álbum de estudio,

“Gatos y Palomas” salió a la venta en 2007. Cuenta
con quince temas inéditos, 14 en formato físico y
uno en formato digital, ¿Por qué esa decisión?
Así es, yo creo que es el disco más completo, lo sigo
escuchando mucho. Tiene canciones injustamente des-
foto: diego fioravanti

conocidas como Diamante, Últimamente o Quiero Ser

Mar. Creo que después del éxito del anterior nadie se
esperaba que hiciera un disco así, más introspectivo,
más elaborado, con arreglos de cuerdas, con letras mas
melancólicas y también elaboradas durante bastante
tiempo. Musicalmente tiene un sonido amplio, hay shuf-
fle, reggae, vals, R&Roll pero realmente pienso que fue
incomprendido por el mainstream pero también lamen-
tablemente ignorado por el mundo del rock.
En qué año y qué nombre llevó tu quinto disco?
El siguiente fue Malditas Canciones y es el disco que
mejor suena, tiene un power letal. Lo mezclo uno de
los grande a nivel mundial, el señor Tom Lord Alge.
Es un disco enérgico súper comprimido con baterías
fuertes y guitarras.
También sos productor ¿a quiénes produjiste?
Produje además de lo que te comenté antes, dos dis-
cos de Turf (Siempre Libre y Turf Show) enormes dis-
cos. También Néctar de Enanitos Verdes.
Qué sentiste cuando tu canción “Color Esperanza”
fue cantada por Diego frente al Papa Juan Pablo II?
Nada especial.
Cómo está compuesto tu set actual?
¿Mi set personal en vivo? De eléctricas llevo 2 Gibson
335, una cherry y otra sunburst, son mis preferidas. Tam-
bién llevo de backup una Les Paul y una Telecaster con
humbuking en el neck como la de Keith Richard. Llevo
también tres acústicas, una Gibson Hummungbird que
es mi consentida total, una Gibson Jumbo J180, que a
veces reemplazo por una J200 de Epiphone Elite y una
acústica Yamaha de los ‘80s que compré hace mil años
y me encanta. De amplificador uso en vivo Vox AC30 y
un Acoustic 165 de línea marrón valvular de los ‘70s que
es una masa. Para grabar uso un Fender Blues Junior
de 15w o el Vox AC30. Para las acústicas uso unas
cajas directas Avalon U5 que colorean hermoso. Para
la voz un Shure Beta 57.
Cuáles son tus proyectos actualmente?
Sigo girando con mi Último disco "Lo dije por boca de
otro" además de ya estar maqueando canciones de lo
que será el séptimo, que se llamará "EL VERSO".

Guitarristas y Bajistas.ar Entrevista a Coti Sorokin | 31

TranSCriPCiOnES
Para esta transcripción elegí dos fragmentos del exitoso tema
“Nada fue un error” incluido en la primer grabación de Coti Sorokin
editada allá por el año 2002. Por Facundo López Burgos

El tema está en la tonalidad de la mayor (La- Si – Do# - Re – Mi – Fa# - Sol#). En A vemos la melodía que sirve de introducción sobre la tonalidad de la estrofa. Como
vemos está compuesta utilizando notas del acorde como puntos importantes. La escala de La mayor es la utilizada para completar los pasajes melódicos y unir las
notas. Otra cosa a destacar es la línea del bajo que al invertir las armonías de los compases 3 a 6 toca un fragmento de escala moviéndose de tónica a dominante por
movimiento descendiente.

En B tenemos el solo o puente instrumental. Lo primero a destacar es que su armonía no se repite en ningún otro sitio de la canción y está construido sobre el modo
mixolidio de la escala (La- Si – Do# - Re – Mi – Fa# - Sol). La melodía destaca el modo arrancando directamente sobre la nota que lo caracteriza (SOL) en el tercer y
cuarto compas (sobre el acorde de La Mayor) evita utilizar esa nota (tanto como el SOL#) construyendo un pasaje melódico que funciona sobre cualquiera de los dos
modos. Rítmicamente nos encontramos con un patrón melódico de 3 notas que genera un desplazamiento rítmico y a la vez rememora la línea de bajo que vimos en
A. Como cierre en los compases 7 y 8 toca quintas sobre el acorde dominante acentuando cada 3 corcheas citando de este modo la rítmica propuesta en los compases
1,2,5 y 6 de este mismo puente.

Como conclusión es interesante ver el concepto de producción en esta canción. Pocos elementos que se citan (no se repiten) es lo que da esa coherencia y hace que
una vez que escuchemos la canción parezca que ya la conocíamos de antes.

32 | Transcripciones de Coti Sorokin Guitarristas y Bajistas.ar

LinE 6 m13 STOmPbOx mODELEr GuiTar
La pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar es mucho más que una
pedalera convencional. Tiene más de cien efectos de las más populares
Stompbox de Line 6. Construido con materiales de alta calidad, hacen que
sea posible que pueda recibir una verdadera paliza y todavía suena impre-
sionante. Además, cuenta con varios conectores de entrada y salida inclu-
yendo puertos midi.
Como describimos antes, la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar
posee más de 100 efectos para guitarra, 19 de ellos delay, tanto analógicos
como digitales. También incluye 18 distorsiones únicas, 12 reverberaciones.
También hay una variedad de filtros como wah y efectos de tono. También
encontrará 22 moduladores y compresores.
Este es un dispositivo hecho por Line 6. Es decir, muy fácil de usar. Para
comenzar a crear sonidos hay que conectar una guitarra y elegir el tipo de
efecto que uno desea utilizar, ya sea un delay, una distorsión, un modulador
o un filter. Además de ser fácil de configurar, suena muy bien en todas sus
características es muy adaptable a tus gustos.
Para evitar confusiones, los cinco tipos de efectos están codificados por
color, por lo que la luz de fondo de la pantalla y el LED cerca de la pedalera,
te dirá qué tipo de efecto que se está ejecutando. Hablando de las pantallas,
son bastante pequeñas, así que si estás utilizando la M13 para actuaciones
en vivo, realmente no vas a ver mucho más que el color a menos que te
Guitarristas y Bajistas.ar
agaches. Llena de más de 100 distorsiones, delays, reverbs y más, la Líne
6 M13 Stompbox Modeler ofrece acceso inmediato todo un arsenal de so-
nidos de pedales clásicos de la historia.
La belleza de la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar radica en
su simplicidad y flexibilidad. Se tarda unos 10 segundos para memorizar el
código de colores para los diferentes tipos de efectos, pero horas para ir a
través de la configuración y los diferentes modelos. Hay dos modos de fun-
cionamiento diferentes: el modo estándar y el modo de escena. Modo de es-
cena funciona como cualquier otro parche MIDI - llamar el parche y lo trae
a colación los modelos pre-configurados en el orden pre-configurada y con
los niveles pre-configurados. En el modo de escena que tienen acceso a los
modelos activos de cada banco y se pueden activar y desactivar individual-
mente. La pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar combina los mo-
delos y capacidades de los estimados DL4 Delay, DM4 Distortion, FM4 Filter
y MM4 modulación y agrega algunas sorpresas adicionales, tales como la
compresión de Line 6 Vetta , para proporcionar 78 efectos diferentes.
En pocas palabras, la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar elimina
las molestias de usar pedales individuales, que implica cargarlos, conectar-
los, etc. y al al tiempo que proporciona los mismos sonidos y añadiendo nue-
vas funciones versátiles como el looping. La M13 cuenta con una
construcción a prueba de balas y es comparable en calidad de construcción
y la funcionalidad de los controladores profesionales.
Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar | 33
ChriS SiEbOLD
Hace unos días tuve la oportunidad de asistir a un
show, que verdaderamente me dejo sin palabras,
en Salas Siranush, donde se presentó Howard Levi,
considerado uno de los mejores armoniquistas exis-
tentes, si no es el mejor. Armoniquista, pianista, pro-
ductor y compositor, quien realiza giras alrededor
del mundo junto a Chris Siebold, un guitarrista que
con su Resonator Guitar Recording King está muy
a la altura de las circunstancias.
En primer lugar, me gustaría que nos contaras
un poco más sobre vos, tu familia, tu lugar de
origen y residencia actual.
Vivo y trabajo en Chicago. He estado tocando gui-
tarra por 32 años. Crecí fuera de la ciudad en un
suburbio llamado Prospect Heights. Y vengo de una
familia de músicos. Mi madre tocaba el piano, mi
padre toca batería, la guitarra y el banjo, mi her-
mano toca la guitarra y mi hermana toca el piano.
Siempre hubo mucha música, de diferentes estilos
alrededor de mi casa mientras crecía.
Cuál fue tu primer instrumento ?
Mi primer instrumento fue un bajo eléctrico, en rea-
lidad. Mis padres compraron una guitarra para mi
34 | Entrevista a Chris Siebold
Más allá de las técnicas y del virtuosismo. Si hay algo en la música que no deja de sor-
prenderme, es el hecho de ir conociendo gente maravillosa, que me demuestra que
jamás hay un techo, que la música tiene tanto para decirnos, como nosotros para decir
sobre ella. Por Day r.S
hermano y un bajo para mí, así como para mante-
nernos lejos de la competencia. Eso no funcionó tan
bien! Dos años más tarde, aburrido con el bajo,
tomé la guitarra y jamás nos separamos hasta hoy.
Cuándo supiste que la música sería tu vida?
Siempre supe que quería hacer música para ga-
narme la vida, pero nunca estuve muy seguro de
cómo se manifestaría. La primera vez que estuve
realmente conmovido por la música (quizás a mis 6
años) es cuando sentí que sería mi vida. Estaba ob-
sesionado con ella desde una edad muy temprana.
Qué edad tenías cuando empezaste a tocar un
instrumento como la guitarra?
Toqué la guitarra de mi padre cuando tenía siete
años, pero creo que no fue oficial hasta mis nueve.
En cuanto al estudio ¿Fuiste a profesores parti-
culares, estudiaste en la escuela? ¿En algún
conservatorio quizás?
Tomé algunas clases de guitarra cuando tenía alre-
dedor de 10 o 11, pero que en realidad de esas cla-
ses no he aprendido mucho. Yo, básicamente,
aprendí solo ( lo que explicaría mi técnica poco or-
todoxa). Tocaba la batería y percusión en la banda
de la escuela secundaria y en una orquesta. Me uní
a la banda de jazz de la escuela en la guitarra, en
octavo grado. En la escuela secundaria, continué
tocando en una banda de jazz por cuatro años. En
mi último año en la escuela secundaria, tomé mi pri-
mera clase de teoría musical. No fue sino hasta la
universidad donde aprendí a leer música y estudiar
armonía. Tuve una gran experiencia en la universi-
dad y tenía un montón de grandes maestros, en
particular Beach Doug y Mark Harbold. Antes de
graduarme en Elmhurst College con una licencia-
tura en Interpretación Musical, yo ya estaba empe-
zando a buscar trabajo como músico independiente.
Después de graduarme, enseñé en Elmhurst Co-
llege, de esto ya hace unos 9 años.
Influencias, músicos, álbumes?
Demasiados artistas tendría para mencionarte, pero
te podría decir que Frank Zappa, Mike Keneally,
Django Bates, Iain Ballamy, Bill Frisell, Chick Corea,
Chuck Mangione y el gran Miles Davis son enormes
influencias en mi forma de hacer música.
Cómo es que empezaste a tocar con Howard?
Guitarristas y Bajistas.ar
Howard y yo tenemos un amigo en común, Larry
Kohut, un bajista con un talento tremendo en Chi-
cago. Era el 2001 y Larry había estado tocando con
Howard por algún tiempo. Howard pidió a Larry si
conocía algún guitarrista interesante. Larry, Diós lo
bendiga , me recomend . Howard me llamó y arregló
para que vaya a su casa a tocar un poco de música
con él. Lleve un puñado de guitarras y a Howard le
encantó el ¨resonator¨ de modo que se ha conver-
tido en el instrumento con el que toco en sus shows.
Le gustaba la mezcla con sus armónicas. No mucho
tiempo después de nuestra primera reunión, Acous-
tic Express fue formada. Desde 2007 , Howard y yo
hemos estado de gira por el mundo como un dúo .
Estoy muy bendecido, por cierto.

Qué piensas acerca de tocar con él?

Siempre es una revelación tocar con Howard. Él es
un verdadero genio de la música. A menudo me
quedo maravillado simplemente escuchándolo tocar
y cuento como un privilegio real para llegar a inter-
actuar con él musicalmente. Él me desafía constan-
temente y aumenta mi nivel de ejecución. En cierto
modo, no podría pedir un mejor compañero de en-
trenamiento!

Qué guitarra está utilizando en los shows?

Yo uso una “Resonator guitar Recording King”. Hoh-
ner está interesado en desarrollar una guitarra para
mí en el futuro. Ya lo veremos. No uso efectos con
ella y siempre se amplifica con el uso de un micró-
fono. Utilizo D' Adarrio de bronce , cuerdas de cali-
bre 13 . Llevo siempre un solo instrumento para que
sea fácil de transportar en los viajes.

Tenes algun patrocinador ?

No por el momento, además del acuerdo proyec-
tado con Hohner.

Además de este dúo , ¿tenés otros proyectos?

Sí, tengo un montón de proyectos! Además de ser
un guitarrista de sesión en Chicago, toco con las si-
guientes bandas: Psycles (mi banda en la cual,
canto, compongo y dirijo); Hood Smoke (canguelo);
Outertown (popular); M13 (jazz); Leslie Hunt (so-
lista); Ham Consejo (comedia de rock); Soleil Moon
(pop); Larry Orquesta King (eventos); Maggie Habla
(eventos); Kick The Cat (jazz & fusión); Los Rene-
gados (jazz & fusión); Desconocido Nuevo (jazz &
fusión); Robbie Celestin Band (r&b); Grazyna Au-
guscik (jazz); Patricia Barber (jazz). Yo también soy
el director musical de Willow Chicago, una iglesia
con 1100 miembros, en el corazón de la ciudad.

Cuántas horas pasas tocando la guitarra?

Toco todos los días. Algunos días más que otros,
pero trato de practicar siempre que puedo. A me-
nudo tengo que aprender mucho de la música y en-
sayar con todas las bandas que toco también.

Chris muchas gracias por tomarte tiempo para

esta entrevista! Te dejo la libertad de cerrar la
entrevista con lo que desees transmitir.
Es un privilegio absoluto a tocar música y con ellos
ganarse la vida! Tengo la oportunidad de viajar por
el mundo y compartir este arte. Estoy muy muy ben-
decido por haber llegado hasta aquí y tengo la in-
tención de seguir haciéndolo por el resto de mi vida,
ya que creo que me pusieron en esta tierra para re-
producir música. Y así lo haré. Gracias a Argentina
por el recibimiento.

Guitarristas y Bajistas.ar Entrevista a Chris Siebold | 35

jOSé maría nuñEz
En su casa se escuchaba todo tipo de música. Jazz, clásica, folklore, ópera,
bossa nova y música centro americana debido a que su padre era panameño
y lo convitió en un artista genial. un personaje muy peculiar que comparte
sus anécdotas con nosotros. Por Sergio resar

José María, contanos ¿qué música se escuchaba
en tu casa cuando eras niño?
Tuve la suerte de que en mi casa se escuchara todo
tipo de música. Jazz, clásica, folklore, ópera, bossa
nova y mucha música centro americana debido a que
mi papá era panameño.
Y qué escuchabas vos?
Obviamente ,si bien escuchaba de todo un poco, tenía
mis preferidos, por ejemplo el Trío Matamoros (cuba-
nos), Eduardo Falú, El Trío Los Panchos con Eydie
Gormè y una profunda admiración por el que tocaba el
requinto, realmente un fuera de serie. Y una vez que
escuché a The Beatles se me dio vuelta la cabeza.
Por qué elegiste la guitarra?
Elegí la guitarra porque en mi casa siempre hubo más
de una y entiendo que surgió como una especie de
amor mutuo, Siempre me llamaron la atención los gui-
tarristas (Falú, Baden Powell, Toquinho, Harrison, Clap-
ton, Hendrix, Les Paul, etc.)
Sos autodidacta, ¿te resultó complicado aprender
los yeites del instrumento?
Soy autodidacta; creo que hay cosas que demandan
más trabajo que otras poder tocarlas, pero siempre traté
de entender el concepto musical de los diferentes gé-
neros por sobre todo lo demás.
Qué guitarristas fueron tus influencias?
Uno a lo largo de los años va siendo influenciado por
muchos guitarristas. Siendo adolescente y fan de los
Beatles, George Harrison era un referente, pero Clap-
ton, Santana, Hendrix y Beck entiendo que son los prin-
cipales guitarristas que han influido sobre mí y si me
obligás a mencionar sólo a uno te diría Eric Clapton.
En qué año empezaste a tocar profesionalmente y
con quién lo hiciste?
Si te referís a qué edad tenía cuando me pagaron por
primera vez, te diría a los 18 años, más o menos, pero
no siempre fue una constante en mi vida, jajajaja. Creo
que mi primer trabajo profesional importante, por lo
menos para mí, fue la grabación de un disco como se-
sionista que se llamó "Los éxitos para tu bolsillo" en los
estudios Audión, cuando tenía veinte años.
Tocaste con un ícono del blues local como Javier
Martínez, ¿nos dirías como fue esa experiencia?
Con el gran Javier Martínez toquè durante los años
1999 y 2000 e inclusive en uno de sus discos "Basta
de Boludos" toco en dos temas: Corrientes y Nos ve-
remos mañana. Fue una gran y maravillosa experiencia
y un orgullo haber tocado con Javier Martínez, un ícono
del blues. Pensá que Almendra y Manal eran mis gru-
pos preferidos y luego llegar a tocar con alguno de
ellos, fue maravilloso.
En qué año formaste la banda con Jorge Durietz
(Pedro y Pablo) “Clan Amapola”?
Con Jorge Durietz toqué durante 1982 y el Clan Ama-
pola lo conformábamos algunos de los integrantes del
grupo de Jorge. Nunca me divertí tanto en un grupo y
no me refiero a lo musical, como con el Clan.
Has sido guitarrista de “La Clavo’s Band” ¿cómo
lo como lo conociste a Clavito Actis?
He sido guitarrista y he vuelto a ser guitarrista de la Cla-
vo’s Band. A Clavito lo conocí través de mis hermanos
Roberto y Gabriel (baterista y guitarrista) que confor-
maban el trío. Un día ellos me invitan a compartir una
zapada y pegamos con Clavo una muy buena onda.
Tiempo después y habiéndose ido mis hermanos de la
banda me convocó y desde allí guardamos una gran
relación musical y de amistad.

36 | Entrevista a José María Nuñez Guitarristas y Bajistas.ar

Qué recordás de Carlos Bisso (ex Conexión Nº5)?
De Carlos Bisso guardo un recuerdo entrañable de un
gran cantante, con mucho swing. Nos pasábamos en
ocasiones toda la noche tocando a dos violas blues y
el tipo mataba. En ese entonces yo tocaba también con
Los Durabeat y por ese motivo no siempre podía acom-
pañarlo. Y el día previo a su fallecimiento, me llama por
teléfono y me dice "mañana tengo un show y quiero
tocar unos blues con vos" Lamentablemente no pude
ir por tener otro compromiso musical con Los Durabeat.
A la mañana siguiente recibo en el contestador un lla-
mado de su mujer informándome su pérdida. Es algo
que aún hoy me cuesta superar.

En qué año ingresaste a “Los Durabeat”? quiénes

eran sus integrantes en ese momento?
A los Durabeat ingresé en el año 2001, si mal no re-
cuerdo. En ese entonces la banda la conformaban Ma-
riano Leiva en el bajo, Eduardo Rogatti en guitarra y
Sergio Vall en la batería. Con esta formación hicimos
algunos shows y luego Eduardo se alejó del grupo e in-
gresó el Pollo Peralta en teclados.

Con ellos grabas un disco espectacular, con mu-

chos músicos invitados, quienes eran?
Gracias por lo de espectacular. El disco es realmente
singular por la calidad de los músicos invitados. Los in-
vitados fueron: Luis Alberto Spinetta, Charly García,
Gustavo Ceratti, Lito Nebbia, Edelmiro Molinari, Gabriel
Carámbula, Claudio Cardone, Leon Gieco, Emanuel
Hourvilleur, los hermanos Ruiz Díaz de Catupecu,
Lucas Martí, Carlos Garófalo, Fito Pàez, El Pollo Raffo
en arreglos de vientos y Osvaldo Lorenzo quien luego
se sumó a la banda. Perdón si me olvido de alguno.

Qué se siente haber compartido grabación y luego

escenario con el recordado Luis Alberto Spinetta?
La posibilidad de que Luis Alberto Spinetta haya cola-
borado con nosotros y luego haber compartido esce-
nario también con nosotros ha sido un regalo del cielo.
Pero no voy a referirme sólo a su calidad artística, la
cual todos conocemos, sino a su calidad humana. Su
sencillez, calidez y humildad, sumadas a ese enorme
talento, lo hacen único.

Charly era habitué en las presentaciones en vivo
de “Los Durabeat” contanos un poco de esa época
Respecto de Charly, lo conocimos tocando en el Roxy
de Palermo. Nunca voy a olvidar lo que generó en el
público cuando subió al escenario. Parecía que hubie-
ras pateado un hormiguero de hormigas coloradas. Si
alguna vez lo hiciste o fuiste testigo, entenderás a que
me refiero. A partir de allí se estableció una buena re-
lación que hizo que se presentara a tocar con nosotros
en muchísimas oportunidades. Otro grande, sin dudas.
También fuiste actor en la película “Boca de fresa”
contanos esa historia
Con los muchachos de Durabeat tocábamos mucho el
Club de la Vaca Profana. Jorge Zima, su dueño (director
de cine y músico) nos convocó para una breve partici-
pación en su película Boca de Fresa a lo que accedi-
mos con muchísimo gusto y además grabamos un
tema de su autoría en el disco de la banda sonora del
film. Una experiencia muy linda.
Con quiénes estás tocando actualmente?
Actualmente estoy tocando en la Osvi Blues y en la
Clavo`s Band. Con Los Durabeat tenemos un disco
grabado pero de canciones de nuestra autoría que está
en proceso de masterización.
Cuál es tu set actual?
Mi set actual en cuanto a equipos está conformado por
un Fender Blues Deluxe reedición USA y un Mr. Ed
Clase A de 15w fabricado por Rubén Lorenzo. En
cuanto a pedales, uso un Wah Wah Jim Dunlop Jimi
Hendrix Signature, Tube Screamer 30º Aniversario,
MXR GTOD, BOSS SD1, BOSS TR2 (trémolo) MXR
Carbon Copy (Delay analógico).
Sabemos que tenés un montón de guitarras, ¿nos
decís cuáles y por qué las elegiste?
Es una larga lista de guitarras tales como una Gibson
The SG Firebrand 1980 (mi primera guitarra de verdad,
la anterior fue una KUC), Fender Stratocaster Eric Clap-
ton Blackie (1993), Fender Stratocaster Eric Clapton
(Candy Green 1995), Fender Stratocaster Jeff Beck surf
Green 1ra. edición (1991), Fender Stratocaster México,
con micrófonos Fender Strat '69 Custom Shop, Gibson
Melody Maker, Gibson ES 335 Plain Gloss Custom
Shop, Gibson Les Paul STD Plus Double Cutaway, Gib-
son Les Paul STD Traditional, Dobro eléctrico Jay Tur-
ser, Dobro acútico Samick, Electroacústica José
Asturias. A todas ellas las elegí por tener un carácter
propio. Podrás advertir que por las strato tengo una de-
bilidad. Vos sabés que mi estado de ánimo tiene mucho
que ver con la guitarra que elija y a veces también el
tipo de música que tenga que tocar. Todas ellas son
buenísimas, si algo falla, seré yo sin duda alguna.
Cuáles son tus proyectos en la actualidad?
Mi proyecto es seguir haciendo música, tocar con bue-
nos músicos y buenas personas y fundamentalmente
pasarla bien y disfrutar de la posibilidad de estar siem-
pre entre amigos haciendo lo que más me gusta.

Guitarristas y Bajistas.ar Entrevista a José María Nuñez | 37

yamaha aPx500ii
La yamaha APx500 es una guitarra compacta. El cuerpo pequeño de esta guitarra
hace que sea una gran opción para los guitarristas eléctricos que necesitan un acústica
en su arsenal, pero no quieren tener que luchar con una guitarra con mucho cuerpo
y prefieren un tono más acotado y controlado. Por Sergio resar

Otros puntos positivos para tener en
cuenta en esta guitarra? La Yamaha
APX500 tiene un preamplificador inte-
grado de gran calidad con un sintoniza-
dor incorporado a la misma. El pequeño
cuerpo de la Yamaha APX500 no significa
que no pueda competir con los sonidos de
las guitarras acústicas más grandes. No te
preocupes, este pequeño instrumento real-
mente comienza a tener sentido cuando está
enchufado.
Hay una gran variedad de tonos
disponibles con su ecualizador
de tres bandas EQ y el tamaño
compacto de la guitarra también
hace que el intercambio entre la
Yamaha APX500 y tu guitarra
eléctrica no notes un gran
cambio. El mástil delgado
también ayuda. Así que es
fácil ver por qué la Yamaha
APX500 es un éxito de ventas.
La Yamaha APX500 una electro
acústica de uno de los mayores fabri-
cantes de guitarras acústicas en el
mundo. Este instrumento es la guitarra
más asequible de la serie APX pero
conserva un nivel de tono y la res-
puesta que ofrece una gran libertad ex-
presiva y versatilidad. No es de extrañar
que esta guitarra se ha convertido en la fa-
vorita de los guitarristas acústicos. Cuerpo
delgado de esta guitarra Yamaha APX500
combina un confort increíble, de fácil ac-
ceso desde el primer traste hasta el
último y un sonido perfectamente
adecuado para su uso en
el escenario con un so-
nido brillante, medios
claros y agudos equili-
brados y bajos con-
trolados.
La APX500 es
una guitarra elec-
troacústica de una
relación calidad-precio
muy buenas y es altamente recomendable
para todo tipo de guitarristas que demandan
una buena guitarra sin tener que arruinarse
en comprarla.
Esta guitarra que nos ofrece Yamaha, está
compuesta de 22 trastes y posee un diapasón
de Palo de Rosa (Rosewood) y una tapa ar-
mónica de abeto rojo laminada que ofrece en
relación con algunas guitarras de madera
maciza un mejor tono y sonido, además de
una mejor calidad por el mismo dinero. La Ya-
maha APX500 tiene micrófono activo y
un afinador integrado en la guitarra.
Además de tener muy buen sonido, la
Yamaha APX500 de estética es muy
bonita y muy cómoda de tocar.
Esta guitarra la recomendaría
tanto para gente que busca una
guitarra para tocar cosas más
avanzadas como para un princi-
piante que busca iniciarse en el
mundo de la música.

38 | yamaha APx500II Guitarristas y Bajistas.ar

riCkEnbaCkEr
De esta empresa pionera se fabricaron las primeras gui-
tarras eléctricas modernas. La historia de la RIC abarca
82 años en el negocio de la música, siempre a la van-
guardia de las tendencias musicales que han cambiado
la cultura popular para siempre. Tocada por músicos ha-
waianos de la década de 1930 hasta los bajistas de jazz
de la década del ‘90, de The Beatles y de Byrds, a los
grupos de rock más populares del momento, el sonido
y timbre de los instrumentos Rickenbacker ha ayudado
a definir la música como la conocemos. Para no dor-
mirse en los laureles, RIC sigue impulsando la transfor-
mación de la música para la guitarra eléctrica
proporcionando a los músicos de hoy en día con los me-
jores instrumentos disponibles.
Todo comenzó en la década del ‘20 en Los Ángeles, una
ciudad que rápidamente se convirtió en la capital mun-
dial del entretenimiento. Como muchos de sus contem-
poráneos, el trabajador del acero George Beauchamp
buscó una mejor guitarra y más fuerte. Varios inventores
ya habían tratado de construir instrumentos de cuerda
más fuertes mediante la adición de un megáfono como
amplificación para sus instrumentos. Beauchamp vio a
uno de ellos y fue a buscar a alguien para construir uno
también. Su búsqueda dio lugar a John Dopyera, un re-
40 | rickenbacker history
La rickenbacker International Corporation (rIC) surgió de la primera empresa creada con el único
propósito de la creación y fabricación de instrumentos musicales totalmente eléctricos y amplifica-
dores. Fundada en 1931 por Adolph rickenbacker y George D. Beauchamp, bajo el nombre de "ric-
kenbacker Electro instruments". Por Sergio resar
parador de violines que tenía un local muy cerca de su
casa. En su primer intento Dopyera y de su hermano
Rudy junto con George sumaron a una guitarra una bo-
cina de gramófono en la parte inferior y que apuntaba
hacia el público. Fue un fracaso, por lo que los Dopyera
comenzaron a experimentar con un cono de aluminio
como resonador conectado al puente de la guitarra y lo
colocaron dentro de un cuerpo de metal. Fue este un
prototipo con éxito. Beauchamp, tan contento con los re-
sultados, sugirió la formación de una empresa de fabri-
cación con los hermanos Dopyera, que ya habían
comenzado a hacer cada vez más guitarras en su
tienda. Buscando encontrar inversores, Beauchamp,
tomó el prototipo y al Hoopii Trio Sol (un grupo hawaiano
famoso) y fueron a una lujosa fiesta celebrada por el mi-
llonario Ted Kleinmeyer. Tan entusiasmado quedó Ted
con la guitarra y las perspectivas de una nueva compa-
ñía, que le dio a Beauchamp un cheque por u$ 12.000
esa misma noche.
La producción sustancial de las guitarras de cuerpo de
metal comenzó casi de inmediato. Beauchamp, en ca-
lidad de director general, contrató a algunos de los arte-
sanos más experimentados y competentes disponibles,
incluyendo a varios miembros de su propia familia y los
Dopyera. Compró equipos y monta la nueva fábrica
cerca del local de herramientas de Adolph Rickenbacker
(conocido por sus amigos como Rick). Este era un in-
geniero de producción altamente calificado con expe-
riencia en una amplia variedad de técnicas de
fabricación. Nacido en Suiza, también era pariente del
héroe de la aviación en Primera Guerra Mundial Eddie
Rickenbacker. Bien equipado para la fabricación de
cuerpos metálicos, Adolph poseía una de las mayores
prensas de embutición profunda en la costa oeste.
Por desaveniencias entre los socios, John Dopeyra deja
la empresa a fines del año 1928. John Dopyera dejó y
formó la Corporación Dobro. Entonces Ted Kleinmeyer,
vendió su participación mayoritaria en la empresa. En la
reorganización que siguió, Beauchamp y varios emple-
ados fueron despedidos. Ahora George necesitaba un
nuevo proyecto y una nueva empresa, y rápido. Junto
con otros de su época, había pensado en la posibilidad
de una guitarra eléctrica durante varios años y aunque
no escolarizados en la electrónica, había comenzado a
experimentar en 1925 con sistemas de megafonía y mi-
crófonos. Después de salir de la sociedad, comenzó sus
experimentos caseros con seriedad y asistió a clases
nocturnas en la escuela de la electrónica.
Guitarristas y Bajistas.ar
Cuando sus primeros micrófonos empezaron a funcio-
nar, le pidió ayuda a su vecino y a esta altura amigo,
Adolph Rickembaker. Con los conocimientos y ayuda
de Adolph crearon una nueva sociedad a la cual deci-
dieron llamar “Rickembaker Electro Instruments” dado
que era muy difícil pronunciar su apellido.
En 1930, las guitarras hawaianas Rickembaker se hi-
cieron más conocidas y muy bien aceptadas por los mú-
sicos de esa época. En 1940, después de quince años
de investigación y trabajo, Beauchamp se sintió frus-
trado y desencantado con el negocio de instrumentos,
en parte debido al deterioro de su salud. Su segunda
pasión, la pesca y el diseño de señuelos de pesca, cap-
turó su atención. Él patentó uno que trató de fabricar,
para reunir el capital necesario vendió sus acciones a
Harold Kinney, contador de Rickenbacker. Poco des-
pués de esto, Beauchamp fue a pescar en alta mar y
sufríaun ataque cardíaco fatal. Su cortejo fúnebre fue
de más de dos kilómetros de largo. Un verdadero pio-
nero de los instrumentos eléctricos, que lamentable-
mente no llegó a ver la guitarra eléctrica alcanzar su
pleno potencial. Adolph Rickenbacker había mantenido
otros intereses a lo largo de la corta historia de la em-
presa, nunca tuvo tanta fe en el negocio de la guitarra
como sus socios . Sin embargo, continuó la fabricación
de instrumentos hasta 1953, cuando vendió la empresa
al FC Hall. Esa venta marcó el fin de una era y el co-
mienzo de otra, el amanecer de guitarras Rickenbacker
modernas. Durante los años 1960, Rickenbacker ob-
tuvo un sólido respaldo cuando un par de sus modelos
quedaron permanentemente asociados con el sonido y
la imagen del grupo de rock más popular de la década,
y probablemente el más influyente de la historia, The
Beatles. En 1960, el entonces desconocido John Len-
Guitarristas y Bajistas.ar
non compró en Hamburgo una 325 Capri, la cual fue
usada desde los primeros años de The Beatles hasta
en la famosa aparición de Los Beatles en el "Show de
Ed Sullivan" (The Ed Sullivan Show). A partir de allí, Len-
non utilizó algunas otras variaciones posteriores del mo-
delo 325 como un nuevo ejemplar (fabricado para él
especialmente) a principios de 1964, otra versión de 12
cuerdas, y una 1996 (denominación del modelo 325
cuando era exportado a Inglaterra). Por su parte, Ge-
orge Harrison compró una 425 en 1963, y en febrero
de 1964, mientras Los Beatles estaban en New York,
Rickenbacker le regaló a Harrison el segundo ejemplar
del modelo 360/12 (la novedosa guitarra de 12 cuer-
das). Este instrumento se transformó en una parte clave
del sonido de Los Beatles en el álbum "A Hard Day's
Night" a mediados de 1964 y siguió siendo usado por
Harrison durante el resto de su vida. En agosto de 1965,
Harrison fue nuevamente obsequiado con un modelo
360 de 12 cuerdas, este segundo ejemplar era de los
entonces llamados "Nuevo Estilo" (New Style), el cual
utilizó durante sus giras con el grupo hasta que fue ro-
bado de los estudios de Abbey Road en el año 1969.
Aunque no extremadamente fácil de ejecutar (las 12
cuerdas están dispuestas en un diapasón de tamaño
normal) este modelo sigue siendo muy popular ya que
posee una característica única, el verdadero sonido "12
string Rick sound", uno de los sonidos más distintivos
en la música rock desde 1964. De mediados de los 60's
a mediados de los 70's Paul McCartney, también de Los
Beatles, utilizó un bajo Rickenbacker modelo 4001s (va-
riación del modelo 4001, del que se distingue por no
tener ribetes, y marcas de punto en el diapasón, en
lugar de las triangulares) (mirar más abajo). Otros fa-
mosos usuarios de guitarras Rickenbacker han sido o
son: Roger McGuinn de The Byrds, Pete Townshend
de The Who, John Fogerty de Creedence Clearwater
Revival, Carl Wilson de los Beach Boys, Paul Kantner
de Jefferson Airplane y Johnny Ramone de Ramones.
A principios de los 70's las guitarras Rickenbacker ca-
yeron en desuso, aunque no así los bajos, los cuales
formaron parte del sonido característico de la década.
De todas formas, esto no fue por mucho tiempo ya a
fines de esa época y durante los años 80's, renacieron
como símbolo de muchas bandas de New Wave y jan-
gle pop. Entre los músicos que resucitaron estas guita-
rras fueron Paul Weller de The Jam, Johnny Marr de
The Smiths y Peter Buck de R.E.M.
Hoy por hoy, ya se han convertido en un clásico, e in-
cluyen su propia serie. Los bajos "4000 series" fueron
los primeros modelos de bajo lanzados por Rickenbac-
ker. Los 4000 fueron seguidos (en 1961) por los hasta
hoy populares 4001, los 4002 fueron introducidos en
1977, pero después descontinuados después de 100 o
menos modelos introducidos; el 4008, un modelo de
ocho cuerdas fue introducido a mediados de los 70. La
más reciente versión de bajos lanzada por la compañía
es la 4004 series. También se ensambló la serie 4005,
la cual era una versión con cuerpo semi-sólido y estéti-
camente no tenia parecido a los otros bajos de la serie
4000, sino más bien a una guitarra Rickenbacker. Fue
sacada de producción en los 80's. Los bajos Rickenbac-
ker tienen un tono particular, propio de la marca. Los
bajos de las series 4000 son ensamblados con una con-
figuración neck-through para lograr una mayor prolon-
gación de la resonancia debido a la rigidez del
instrumento. Una versión más barata, 3000 series, fue
construida desde mediados de los 70's hasta la mitad
de los 80's. Dichos instrumentos estaban construidos
con el mástil atornillado al cuerpo.
rickenbacker history | 41
vOx hiSTOry (1ra. ParTE)
El 28 de febrero de 1917, Thomas Walter Jennings nace
en Hackney, Londres. Para 1942 Tom Jennings recibe
el alta médica del Hospital Royal Engineers durante la
Segunda Guerra Mundial y obtiene un trabajo en una
fábrica de municiones, en Kent. En ese lugar conoce a
Dick Denney, un músico aficionado, que también tiene
un gran interés en la radio y la electrónica. Durante los
ataques aéreos, Tom y Dick tocan juntos en el acordeón
y la guitarra para mantener la moral en los refugios an-
tiaéreos. En 1944, Jennings y Denney toman caminos
diferentes. Tom Jennings abre un comercio de instru-
mentos de segunda mano, principalmente acordeones.
Al poco tiempo, se convierte en su ocupación de tiempo
completo. Un año después del fin de la Segunda Guerra
Mundial, Tom Jennings adquiere sus primeros locales
comerciales en la calle Dartford Road, en Dartford, Kent.
El negocio comienza a importar acordeones para la
venta junto a otros instrumentos musicales. En 1950
Tom Jennings forma Jennings Musical Instruments, Ltd.
También abre un negocio de venta al por menor en el
100 Charing Cross Road en Londres. Los primeros
anuncios se refieren a él como "El Centro del Acordeón
de Londres." Ya para 1951 bajo el nombre de "Univox",
Tom Jennings comercializa un pequeño amplificador
portátil que se puede utilizar para todas las aplicaciones,
42 | Vox history (primera parte)
incluyendo la guitarra eléctrica. En ese mismo año,
Derek Nelly se une al equipo de Jennings Instrumentos
Musicales. Un año más tarde, uno de los principales tra-
bajos de Derek es ayudar a diseñar un teclado, también
llamado el Univox. A diferencia del amplificador Univox,
estos son hechos en su casa. En 1954 aparece el primer
producto con la marca VOX, un pedal de pié para el con-
trol de los volúmenes. Luego de dos años, con la revo-
lución del Rock-n-Roll en marcha, Jennings lleva a cabo
una pequeña línea de amplificadores de guitarra que
gozan de un éxito relativo. Estos amplificadores están
diseñados internamente por Derek Nelly. Mientras tanto,
todavía convaleciente de una grave enfermedad, Dick
Denney continúa experimentando con la amplificación
para guitarra. Diseña y fabrica un prototipo de 15 watts
con un parlante de 12". Para todo esto, Jennings Instru-
mentos Musicales se convierte Jennings Musical Indus-
tries (JMI). En 1957,Tom Jennings decide buscar fuera
de la empresa un diseño de amplificador para guitarra
y escucha del amplificador de Dick. Este aparece por la
fábrica y Tom le gusta lo que escucha y para el final del
año, Dick está trabajando en un prototipo de amplificador
para JMI. La primera aparición del nombre VOX en un
amplificador de guitarra es el AC2/30. A principios de año
siguiente, JMI produce un amplificador de guitarra de 15
Es muy importante conocer la historia de uno de las
amplificadores más relevantes de la historia de la
música moderna. VOx ha dejado su sonido grabado
en nuestros oídos para siempre. Por Sergio resar
watts con la marca VOX. Se llama AC1/15. El "AC" se
refiere al uso de sólo corriente alterna para la alimenta-
ción eléctrica y es una idea revolucionaria en su mo-
mento. Tiene un solo parlante Audiom Goodmans.
Durante 1958, un tercer amplificador VOX se comercia-
liza (un vestigio de los amplificadores diseñados por Dick
Denney) y conoce en primer lugar por su antiguo nom-
bre, el G1/10, a continuación, en la primavera, cambia
su nombre por AC10. A fines de 1958 varios artistas
están utilizando el VOX AC15. Bert Weedon, Jack Em-
blow y Vic Flick, utilizaron el VOX AC15, cuando grabó
el tema de James Bond. En el verano de 1959 se pre-
senta la primera versión del AC30. Idéntico en el exterior
al AC15, aún tiene un único parlante de 12". La sección
de potencia utiliza un par de válvulas EL34.
Con la escena Rock-n-Roll cada vez más fuerte, el grupo
de Cliff Richard, The Shadows, adquiere un VOX AC15
y la gente comienza a darse cuenta de su sonido de gui-
tarra limpio. En octubre de 1959 aparecen las primeras
guitarras VOX. Estos instrumentos se denominan sim-
plemente "VOX Solid Body". Se ofrece, ya sea con uno
o dos micrófonos y son muy similares en apariencia a
las guitarras construidas por Guyatone. En la primavera
de 1960, con Rock-n-Roll llegando a ser más y más po-
Guitarristas y Bajistas.ar
pular, hay una necesidad de un amplificador VOX de
más potencia. Inspirado por la llegada de los Fender
Twin de 60 watts desde los EE.UU., la decisión que toma
Jennings es hacer su propio amplificador de parlantes
individuales. La primera versión es básicamente un
AC15 con el doble de poder. Esencialmente es el mismo
circuito, pero con cuatro EL84s en la salida, que ha me-
jorado componentes, dos altavoces de 12 "Celestion y
cuatro entradas. A este se le da el nombre de AC30/4.
"Tiene dos canales, uno normal y uno Vib / Trem. Al igual
que con el modelo de Fender "Twin". También se pre-
sentó el AC/6 - un amplificador de práctica. A mediados
de año, este se convierte en el AC/2. En julio de 1960,
el grupo The Shadows alcanzan el número uno con su
primer instrumental, "Apache", que cuenta con el sonido
de los AC15. Los amplificadores VOX se conocen como
el mejor de los amplificadores británicos. Para Noviem-
bre de 1960 ya hay cinco modelos de guitarras VOX,
The ACE, Duatone, Soloist, Clubman y Stroller. También
se ofrecen dos modelos bajo, The Contour y Bassmas-
ter. Construidos por Stuart Darkins and Co.
The Shadows ya utilizan AC30 Twins. Aunque sólo lo
usan durante un corto tiempo y poco visto, este modelo
está asociado para siempre con ellos. No del todo sa-
tisfecho con los resultados de los parlantes Celestion
G12 que se utilizan en los amplificadores VOX, el inge-
niero Derek Underdown de JMI con los ingenieros de
Celestion, se reúnen para llegar a una versión que se
adapte mejor a las necesidades de los amplificadores
VOX. En agosto sale un nuevo parlante y se le dio la
designación Celestion "T.530." Originalmente pintado de
un color Hammertone en el inicio, se pintan azul. Esta
versión está cariñosamente conocida como el "Blue
Vox". Alrededor del fin de 1960, la versión de Dick Den-
ney del AC30 entra en producción. Mediante el uso de
Guitarristas y Bajistas.ar
la válvula ECC83 (12AX7) en la etapa del pre-amplifi-
cador, se añade un tercer canal "Brilliant", aumentando
el número de entradas a seis. Apodado como AC30/6,
se comercializa junto con el AC30 / 4 durante casi un
año y medio. Para octubre 1961, Tom Jennings decide
que las guitarras VOX necesitan su propia forma (con-
vengamos que se parecían mucho a las Fender) el estilo
y la identidad que le dan a estas, es algo único e inédito.
Se presenta un diseño radical trapezoidal, Tom la llamó
"The Phantom", que rápidamente se convierte en un
icono del diseño de la guitarra de los ‘60. Estas primeras
Phantoms son las primeras guitarras VOX construidas
desde cero en la fábrica Jennings y cuentan con cuerpo
de pino y un diseño único de trémolo. A principios de
1962, VOX introduce al mercado el órgano eléctrico
“Continental”. Con su característico color anaranjado y
sus teclas invertidas en los colores. Este órgano se con-
virtió en un clásico inmediatamente y fue utilizado por
casi todos los grupos de The British Invation como The
Animals, The Beatles y más tarde por The Doors en los
Estado Unidos. En julio de ese año, The Beatles ad-
quieren a crédito sus primeros amplificadores VOX,
John Lennon compra un AC/15 y George Harrison ad-
quiere un AC/30 con Top Boost. En agosto sale al mer-
cado el primer amplificador VOX a transistores y se lo
venden al bajista de The Shadows, Jet Harris. En sep-
tiembre, The Beatles entran a grabar al sello Capitol las
canciones “Love me do” y “How do you do it” y utilizan
los VOX que habían adquirido dos meses antes. En
total, grabaron cinco canciones con ellos. A mediados
de 1963, las guitarras Phantom son renovadas. Ahora
llamadas Phantom Mark II, se ha rediseñado con una
mejora del mástil, micrófonos y trémolo. Las Phantoms
son muy exitosas, siendo utilizado por muchos artistas
principales de la época como el Dave Clark Five y The
Hollies. La línea de modelos de guitarras ya llega a 17
y todas ellas ya se fabrican con estándares de calidad
mucho más altos que sus predecesoras. Con la nece-
sidad de hacer crecer su empresa, Tom, después de
una intensa búsqueda de inversores, decide vender la
mayoría de sus acciones a un grupo inversor. Desafor-
tunadamente, esto no se convierte en la relación Tom
tiene en mente y se ve finalmente forzado a salir de su
propia compañía en 1967. Para diciembre de 1963 los
amplificadores AC50 y AC100 están en producción. Al-
gunos de los primeros en tenerlos son The Beatles, que
los utilizan en el escenario de "El Show de Navidad de
The Beatles". Luego serán escuchados en "The Ed Su-
llivan Show" y vistos y oídos en la película "A Hard Day
Night". Los primeros prototipos de segundo diseño de
la guitarra emblemática de VOX, The Phantom Mark III,
son construidos por Mick Bennett en la fábrica Jennings
y cuentan con un nuevo cuerpo en forma de púa.
Pronto se hace conocida como la "Teardrop”. Uno de
los primeros prototipos, el modelo de seis cuerdas con
un puente Fender Stratocaster se le da a Brian Jones
de los Rolling Stones. Este la utiliza ampliamente entre
1964 y 1965 y que se identifica siempre con él. Al año
siguiente, John Lennon adopta la correa de guitarra
VOX Python. Basado en una idea de Reg Clark, la
Python es una gran correa de cuero negro con una
serie de superposición de straps de metal cromado, ins-
piradas cascos de la Guardia británica. También se
ofrece en cuero marrón con straps de bronce. También
este año, en un esfuerzo para añadir más espacio, la
fabricación se trasladó a un edificio de tres pisos en la
calle del oeste en las cercanías de Erith. Allí, JMI com-
parte edificio con Burndepts, otra empresa del Grupo
Royston que le sucede a la fabricación de chasis para
amplificadores VOX. (continuará)
Vox history (primera parte) | 43
jaCO PaSTOriuS
Debido a una lesión en su muñeca por practicar depor-
tes en la escuela siendo adolescente, le impidió conti-
nuar tocando la batería. Pastorius decidió entonces
cambiar los roles con el bajista de la banda en la que
tocaba, llamada Las Olas Brass (1967) y aprendió el
repertorio completo de la banda para su nuevo instru-
mento en tan sólo una semana. En 1974 comenzó a
hacerse más reconocido cuando graba el disco Bright
Size Life acompañando al guitarrista Pat Metheny y per-
manece algún tiempo como bajista del grupo Blood,
Sweat & Tears. Dos años después, grababa su primer
disco solista, titulado Jaco, aclamado por la crítica y por
sus colegas, que lo llevó a los primeros planos de la
escena jazzística internacional. Muchos consideran a
este disco como de escucha imprescindible para los
bajistas de todos los tiempos por la riqueza técnica y la
calidad de sus composiciones. Jaco era un admirador
del grupo de jazz fusión Weather Report, habiendo, en
años anteriores a su debut discográfico, "acosado" al
líder de dicho grupo, Joe Zawinul para que le diera el
puesto de bajista en la banda, con el argumento de que
él era "el mejor bajista del mundo". Pese a la explicable
resistencia inicial de Zawinul, finalmente Pastorius logró
que escuchara su música. Zawinul quedó muy impre-
sionado sobre todo por el particular sonido de Pastorius,
pensando en un primer momento que en la cinta que
Pastorius le había dado este había tocado un contra-
bajo. Al poco tiempo, el bajista de Weather Report de
44 | Jaco Pastorius
Nacido en Norristown, Pennsylvania bajo el nombre de John Francis Anthony Pastorius III el 1
de diciembre de 1951, este extraordinario y asombroso bajista, pronto se mudó a Fort Lauder-
dale, donde se crió y desde temprana edad integró diversas bandas escolares, en las cuales se
destacaba como baterista. Por Sergio resar
aquel momento, Alphonso Johnson, abandonó la
banda y Zawinul le ofreció instantáneamente a Jaco
Pastorius reemplazarlo.
Era 1 de Abril cuando Jaco se incorporó oficialmente a
Weather Report y con posterioridad, usó su influencia
en la banda para incorporar a Peter Erskine, con quien
grabó el disco: "Heavy Weather". En 1982, Jaco aban-
donó Weather Report y dejó atrás una contribución es-
pecial al repertorio y sonido de la banda. Pastorius,
formó su propio grupo: "Word of Mouth", con el que es-
tuvo dos años grabando para Warner Bross, el álbum
titulado como el nombre de su grupo. Si el éxito musical
estuvo ya consolidado para siempre, también las drogas
se cruzaron en su vida. Varios arrestos policiales, con-
ducta errática y desornada, actitud desafiante y casi vio-
lenta con el resto de los músicos de su grupo, fueron
una constante en su vida en estos primeros años de la
década de los ochenta.
A partir de mediados de la década de los 80, Jaco co-
menzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastor-
nos mentales y se le diagnostica como maníaco
depresivo. Las drogas que le habían recetado para tra-
tarse le impedían concentrarse, lo adormecían, lo que
le imposibilitaba componer, o peor aún, se le dormían
los dedos, lo cual no le permitía tocar el instrumento. Así
que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de
conflictos familiares y conductas autodestructivas.
Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por
las calles y convivir con mendigos y vagabundos, de
quien se haría amigo tocando para ellos. Incluso el fa-
moso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tanto
tiempo, le fue sustraído mientras jugaba un partido de-
basket en las canchas de la calle 54 en Nueva York, ya
que acostumbraba dejarlo apoyado en un banco sin
prestarle atención mientras jugaba. Jaco fue internado
varias veces por sus trastornos maníaco depresivo, pu-
diendo pasar de la más absoluta depresión a un estado
de euforia en cuestión de segundos.
El 11 de septiembre de 1987, Pastorius, después de salir
de la cárcel por robar un coche y conducirlo por una pista
de atletismo (tampoco tenía permiso de conducir), in-
tentó sabotear un concierto de Carlos Santana, donde
tocaba en ese momento Alphonso Johnson, bajista a
quien sustituyó once años atrás en Weather Report. Al
ser obligado a abandonar el concierto, y en estado de
embriaguez, se dirigió a un bar de la zona de donde fue
expulsado, también a la fuerza, tras alborotar y sabotear
otro concierto que se estaba realizando. Luc Havan, el
vigilante de seguridad, al echarlo le dio una paliza que
lo dejó en estado de coma, con varias fracturas faciales
y daños en el ojo derecho y el brazo izquierdo. Pocos
días más tarde, Pastorius sufrió un derrame cerebral
que acabó con su vida.
Guitarristas y Bajistas.ar
a FOnDO Por Facundo López Burgos
NECESITO Tu AMOr
hoy quiero analizar un poco este tema que abre “Parte de la religión (1989)”. La Introducción (A) es en
realidad una variación del comienzo del tema. Algo muy importante en el color del sonido es que esta gra-
bado con una guitarra eléctrica de 12 cuerdas (hay una acústica duplicándola por ahí atrás).

La melodía esta armonizada por el acorde de D (en los primeros 4 compases)
y por la secuencia Sol – Fa – Re en los siguientes. Fijense como en el último
Re luego del Fa omite la nota Fa# generando una sensación ambigua respecto
de si es Mayor o menor el re. Algo característico en Garcia. En B tenemos la
reexposición del tema con algunas varianciones interesantes. Rítmicamente
todo esta adelantado una corchea. Por otra parte la melodía está interpretada
una octava arriba. Y por último ya no es una eléctrica de 12 quien la toca sino
que aparece perdida entre varios teclados lo cual genera un timbre claramente
diferenciado del comienzo.
Bueno me despido y deseo un feliz fin de año. Como siempre por cualquier
consulta pueden escribirme a faculb@gmail.com.

Facundo López Burgos, es guitarrista y compositor. en el año 2009 edita el cd ‘si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la
cantante claudia puyó en la década que le valió el premio Konex (96-07), participando en el cd La razón y La Tempestad (2001) en los roles
de productor, compositor y guitarrista. en el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos
junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito
nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito paez, daniel colombres, gringui Herrera, guillermo
Vadala, pepe céspedes (Bersuit), oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (gran Martel l), Facundo guevara, guido Martínez, Mariana Baraj, daniel
'pipi' piazzolla, y alambre gonzález, entre otros.

www.facundolopezburgos.com
faculb@gmail.com

Guitarristas y Bajistas.ar Suplemento Técnico | 45

GuiTarra TanGO
PArAFrASEO MELóDICO
uno de los factores que hacen a un género es la manera de “decir”
una melodía. Las músicas populares comenzaron su transmisión de
Por Julián Graciano manera oral entre generaciones y el tango no escapó a esa regla.

Con el tiempo los músicos se fueron academizando y pasaron del oído a la música es-
crita en papel pautado, pero muchas veces la escritura es a modo de guía, escrita de
manera lo más plana posible, para que sea legible, y luego cada instrumentista pueda
aplicarle su manera de frasear esa melodía. Lo que necesitamos es saber las diferentes
técnicas a seguir para desarrollar un buen parafraseo tanguista. Tomaremos como es-
tudio el motivo del tango “La última curda” de Aníbal Troilo.Melodía original sin fraseo.
*Nota: debajo de la nota que tiene aplicada la técnica aparecerá el símbolo +
D) Patrón rítmico - Esta técnica posibilita a una fila de bandoneones o cuerdas, el ejecutar
en tutti una parte melódica dando la sensación de estar fraseada espontáneamente. Es
regla aplicar el mismo ritmo a dos segmentos de una frase: Segmento A y S egmento B.
E) Edición y espacio - Como la palabra lo dice, editar es tomar las principales notas que
dejen entender la melodía original sin necesidad de ejecutar todas sus notas. Técnica-
mente las notas a seleccionar sonlas notas del acorde.

A) Desplazamiento rítmico - En esta técnica no se agrega, ni saca ninguna nota, solo F) Relleno de salto interválico - Junto con el desplazamiento rítmico es la técnica más
se prolonga la duración de algunos sonidos, mientras como equilibrio natural se acortan utilizada por el tango. Simplemente consiste en rellenar los saltos de intervalos melódicos
los valores rítmicos de otros. a partir de la 3era menor con un cromatismoque une a ambas notas.

B) Ataque retrasado - Tiene relación directa con el desplazamiento rítmico, solo que en
esta técnica se agregan silencios que permitan jugar con el contratiempo.
C) Anticipación - La anticipación es más frecuente encontrarla a partir de la década del
’60 en el tango o en composiciones de músicos como Horacio Salgán.
Recomiendo como ejercitación, tener la partitura original del tango a parafrasear, oír un
mínimo de dos versiones diferentes y luego escribir con estas técnicas en papel la nueva
línea fraseada, ejecutarla varias veces tal cual la escribimos y como último paso tratar
de improvisar nuevos parafraseos sobre el contorno de la línea escrita por nosotros.
Esta técnica es la forma más común de improvisación en el tango de tradición.

Julián graciano es guitarrista, compositor, arreglador e investigador con especialización en tango y jazz. egresado de Berklee college
of Music, Boston, usa, profesor de la academia nacional del Tango, director de su trio de tango contemporáneo Tango en Tres.Ha
escrito el “real book del tango” homónimo al Jazz real book, y ha participado entre otros festivales en el prestigioso Jazz plaza en
la Habana, cuba, invitado por el Maestro chucho Valdés.

46 | Suplemento Técnico Guitarristas y Bajistas.ar

EL SOniDO inTEriOr
CONFIAr EN LA VOz PrOPIA
Vivimos en una época planteada hacia el afuera, el
ser humano parece satisfacer su necesidad de expo-
Por Carlos álvarez sición diariamente. Confiemos en nuestra voz.

Toda esta exposición nos llega por medio de la computadora, la televisión o la radio
como un volcán de sugerencias o parámetros que, aunque queramos, son difícilmente
acallables en nuestra mente. A esto sumamos la proliferación de las escuelas de mú-
sica que apuntan a un desarrollo en masa a través de recetas y atajos.
Todo individuo es un ser de su época, esto es lógico, pero hoy se nos plantea más
a Jaco Pastorious por lo auténtico y original de su búsqueda musical, estará mucho
más cerca de aquello que admira si centra su búsqueda en sus propias necesidades
sonoras. Si lo que admiro es la originalidad de sus ideas, no son en sí las ideas lo in-
teresante como la honestidad de Jaco al tocarlas. Si copiamos sus ideas estaremos
lo más lejos que se puede de aquello que nos causa admiración. Esta paradoja es
posible que nos angustie en un principio, pero si transitamos nuestro camino desde

que nunca la cuestión de mirar para adentro, a mi modo de ver, como una necesidad
si uno quiere encontrar su propia voz, su propio sonido. Definitivamente puede ser
bueno para alguien en los inicios de su formación estudiar o tocar aquello que le gusta
de lo que otro tocó, pero creo que aun en esa instancia, como en adelante, todo mú-
sico tiene “la obligación” de buscar su camino.
Como ejercicio se me ocurre primero, por ejemplo, pensar en alguien a quien admi-
ramos y luego preguntarse qué es aquello que realmente admiro: es su destreza? es
su éxito? es su particular manera de tocar?.
esta perspectiva, con el tiempo nuestras propias ideas cobrarán vida y consistencia
y con ella crecerá nuestra propia musicalidad. Como dice Schumann en sus consejos
a los jóvenes estudiantes de música: “si tu música proviene del alma y del corazón y
tu mismo te conmueves, entonces ella podrá conmover a los demás.”
Claramente el camino de la formación musical jamás termina para aquellos que sen-
timos la necesidad de buscar, pero creo que no hay nada que esperar para comenzar
a confiar en nuestro “ruido interno”. Cuanto antes suelten aquello que nos dan mas-
ticado y digerido, más se acercarán a un estado musical pleno.

Al respondernos estas incógnitas estaremos conociendo un poco más de nosotros En los números siguientes mi intensión será proponer algunas sugerencias para esta
mismos, de nuestros gustos y de nuestras motivaciones. Una vez que tengo claras búsqueda. Si les intereso el tema que les propuse y tienen consultas pueden escri-
las respuestas, mi consejo es que piensen que si, por ejemplo, un bajista que admira birme a calvarezlunar@hotmail.com.

carlos andrés alvarez estudió desde joven en forma particular con grandes maestros, tanto composición, contrabajo, piano como
improvización. como compositor y contrabajista tiene grabados 4 discos: "otro Jardín" junto a rodrigo domínguez y Hernán Man-
delman. elegido por los músicos como el mejor disco de jazz de argentina de 2011 en la entrevista anual de elintruso.com, "Lado a
Lado B", "carlos Álvarez quinteto" y "Viejo cactus". como contrabajista ha grabado para: Jorge navarro (con quien toca desde el
año 2003), Teodoro cromberg, nicolás chientaroli, ricardo cavalli, gustavo Bergalli, Juan cruz de urquiza, Juan pablo Hernández,
richard nant, alan plachta, Ligia piro, Luis dagostino, damián Fogiel, ariadna prime, adrián Mastrocola, Javier asencio, gabriel
castro y sergio petravich. Ha tocado también con: Luis salinas, daniel Maza, gilad atzmon, andrés Boiarski, oscar Feldman, darío
eskenazi, phil Maturano, alex acuña, James Moody, Jon seiger, daniel guggenheim, Jarmo sabolainen, george garzone, escalan-
drum, La Bomba de Tiempo, Franco Luciani y la mayor parte de los músicos de la escena local .

Guitarristas y Bajistas.ar Suplemento Técnico | 47

GuiTarra jazz
TrIADAS CuArTALES
Con una sonoridad moderna, tipica del jazz de los años 60, proveniente
del mundo de Bela Bartok y luego usada por John Coltrane, Mcoy Tyner,
Por Juampy Juárez Joe Diorio, wayne Shorter Jim hall, y muchos más.

En esta nueva lección vemos como empezar a utilizar las triadas cuartales(formadas por cuartas y no por terceras, es decir por ejemplo DO_FA-SI , estas no son mayores ni menores,
sino ambiguas como suspendidas) en una secuencia II V I, es un recurso muy útil.

JuaMpy JuÁrez ha estudiado con grandes como pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, gene Bertoncini, Jack Wilkins,
paul Meyers, sid Jacobs, Bruce arnold, y su mentor, el gran “pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos aires,
Bangkok, san pablo y new york. en el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz.
como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como pedro aznar, Luciano pereyra, ciro Martínez, axel, Lissa de Bandana,
emme Vitale, el reloj, gazpacho, Irupé Tarragó ros, y Lalo de los santos, entre muchos otros. es docente, y su proyecto más im-
portante es el powerjazz Trío (junto a chino piazza en batería y eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente
originales, basadas en el contrapunto en la improvisación.
www.myspace/juampyjuarez
juampyjuarez@hotmail.com

48 | Suplemento Técnico Guitarristas y Bajistas.ar

ESTiLOS Por Pablo Santos
DONALD DuNN
Influencia ineludible para el bajo soul y que nos dejara físicamente el pasado año. Aunque su trabajo mas
popular sea el de la “Blues Brothers Band“ (en la película fuma pipa y groovea tremendamente con su Fender
Precision), también tocó con artistas como Elvis Presley, Tom Petty, Eric Clapton y Bob Dylan entre otros.

Afortunadamente tanto él como Jamerson nos han dejado una extensa discografía a
los amantes de la música funk y soul. En el ejemplo 1 (verso y estribillo de “634-5790”
de Wilson Pickett) lo mas notorio es el recurso de tocar sextas mayores en el segundo
tiempo del compas y resolverlas en la 5ta. del tiempo siguiente. Este “yeite” es frecuen-
temente utilizado en líneas de blues y soul y consiste en tocar notas del arpegio en los
tiempos fuertes del compas (1 y 3) y notas diatónicas en los débiles (2 y 4). En este
tema, el intervalo de sexta mayor en el walk le da además continuidad a la melodía del
estribillo. En ejemplo 2 (“She Caught the Katy” de los Blues Brothers) se repite este re-
curso de la sexta mayor en el 2do tiempo. La base del estribillo es una genialidad a lo
Jamerson en cuanto a cromatismos y sincopas. El ejemplo 3 es el bajo de “Soul Man”
(Blues Brothers). Para que las corcheas del estribillo no suenen “rockeras” es necesario
tocarlas staccato o sea a la mitad de su valor escrito. El pedal de tónicas en corcheas
staccato es fundamental en este tipo de líneas y es muy utilizado en los estribillos del
soul. Les recomeindo escuchar “The Blues Brothers Complete”, “The Very Best of Bo-
oker T & The MG’s”
Agradeciendo las inquietudes que me hacen llegar facebook mediante les dejo un sa-
ludo. Nos vemos en el próximo número!

paBLo sanTos es bajista de JaF y director musical de soledad pastorutti, tocó en las bandas estables de david Lebón, alejandro
Lerner y diego Torres. además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, gloria estefan, León
gieco, Horacio guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, nito Mestre, chico novarro, olodum, pappo, Luciano pereyra, Luis
salinas, sartén system, Bebu silvetti, Mercedes sosa, patricia sosa y Lito Vitale, entre otros. su libro “Técnicas modernas aplicadas
al bajo” va por la 5ta. edición.

Facebook: pasantosblo@hotmail.com
http://www.myspace.com/santospablo

Guitarristas y Bajistas.ar Suplemento Técnico | 49

ShrED GuiTar
yNGwIE MALMSTEEN PArTE 2
Últimamente estuve escuchando algunos de los viejos discos del sueco,
así que decidí hacer la segunda parte de una lección que escribí hace
Por Silvio Gázquez un par de números atrás.

Malmsteen nació el 30 de junio de 1963 en Estocolmo, Suecia. Ha participado en
grupos como Steeler, Alcatrazz, para luego dar inicio a una larga carrera solista que
aún sigue vigente, aunque lamentablemente no posee el brillo de sus comienzos.
También fue uno de los creadores del subgénero conocido como Metal neoclásico y
podríamos decir que fue uno de los grandes exponentes de la movida guitarrera co-
nocida como `Shred´ durante la década de los 80s. Después de él, cientos de guita-
rristas siguieron por el mismo camino, héroes de la guitarra como Vinnie Moore, Tony
McAlpine, Jason Becker, entre otros. Yngwie basa su estilo en la velocidad y, princi-
palmente, en el uso de la escala menor armónica. Las técnicas que más emplea son
la púa alternada y el sweep picking o barridos. ¡También posee un vibrato y sonido
único!... Es de esos guitarristas que tocan 2 notas y ya sabemos de quien se trata.
Ej. 1. El primer ejemplo, es uno de sus clásicos licks sobre una cuerda. En este caso,
para abarcar gran parte del diapasón elegí la tonalidad de F# menor. Se trata de un
patrón descendente de 4 notas, el cual vamos a tocar obviamente con púa alternada.
Ej. 2. En este ejemplo veremos una progresión de arpegios que Yngwie ha usado in-
cansablemente. Estamos hablando de arpegios en 2 cuerdas, en este caso, mayores
y menores en la tonalidad de E menor. La técnica a usar es sweep picking, por lo
tanto, es muy importante respetar la dirección de la púa…
Ej. 3. Esta es una típica subida con arpegios disminuidos utilizando 3 cuerdas. Se
trata del arpegio de F disminuido y sus inversiones. El acorde disminuido tiene 4
notas que están a una distancia de 1 tono y medio, al estar todas las notas a la misma
distancia, vamos a obtener siempre el mismo arpegio por todo el diapasón. Por su-
puesto, usaremos la técnica de sweep picking o barridos, pero también es muy im-
portante el uso de algunos ligados y notas arrastradas (slides notes).
Ej. 4. En el último ejemplo, veremos otra frase de sus frases típicas. Se trata de una
línea melódica llamada nota pedal o nota pivot. Este tipo de melodía o recurso me-
lódico, fue muy usado en el período Barroco, J.S Bach fue uno de los compositores
que más la utilizaron.
Espero que les sirva el material y que lo puedan incorporar a su propio estilo. No se
queden con estos ejercicios solamente, exploren y creen sus propias ideas. Cualquier
consulta no duden en escribirme a mi email topogazquez@hotmail.com

sILVIo gÁzquez oriundo de Lincoln (prov. de Buenos aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La plata, en donde reside
actualmente. en el 2008 fue contratado por una compañía de ee.uu. para filmar dVd’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso
guitar secrets. y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online guitar Idol 2008, y convocado para participar del Álbum del
guitar Idol 2008. en el 2009 ganó en youtube el concurso petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del guitar Idol
2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: shred This (top 45); Mayones contest (top 15); give
me a riff (top 10); y strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces.

www.silviochops.com
www.myspace.com/silviogazquez
www.youtube.com/user/papuza

50 | Suplemento Técnico Guitarristas y Bajistas.ar

bajO jazz
VICTOr wOOTEN
Les quisiera hablar del bajo como instrumento solista, no en el sentido de improvisación sobre un
tema, que es algo de lo que venimos hablando, sino que en el sentido de poder generar una música
Por Damián Vernis con el bajo literalmente solo. Por esa razón hablaremos de Victor wooten.

Tomaremos como ejemplo un fragmento del arreglo del bajista Victor Wooten
hecho sobre el tema de los Beatles “Madera Noruega”, versión grabada en el
disco “What did he say” en 1997. En la grabación Wooten usa una afinación co-
nocida como tenor, que consiste contando desde los graves: A – D – G – C, es
decir afinado una cuarta arriba, aunque en esta ocasión prefiero presentarles las
transcripciones con la afinación normal de bajo de 4 cuerdas.
Como podemos apreciar (Ejemplo A), la melodía y la armonía original esta en E
mayor, aunque también en una fracción de tiempo pasa por la séptima menor
(modo mixolidio). Ahora veamos la primer parte del arreglo en la cual mantiene
la idea armónica de mi mayor, Pero esta vez enriquecida rítmica y melódicamente,
en donde utiliza para lograr este arreglo la técnica de tapping (2 manos) (Ejemplo
B). Luego (Ejemplo C), la tercera vez que repite la melodía, los bajos son cam-
biados, y a raíz de estos cambios se generan nuevos acordes, quedando de esta
manera la melodía rearmonizada. Este es un recurso que puede ser aplicado en
música en general, por ejemplo en el arreglo de una banda.

daMIÁn VernIs Bajista, compositor y docente. estudió con Marcelo Torres, Juan carlos cirigliano y néstor Marconi. en el año 2000 viajó
a Brasil, donde tomó clases en la “escuela de Música popular de curitiba”. a lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales
como: Mario parmisano (pianista de al di Meola), ricardo nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), nora sarmoria, yeye López,
adrián Birlis y Beto satragni, entre otros. paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por europa y estados unidos
(2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, adrián otero. podrán obtener más información
en www.myspace.com/damianvernis

Guitarristas y Bajistas.ar Suplemento Técnico | 51

imPrOTéCniCa Por Gabriel Caparrós
ESCALA DISMINuIDA
utilizada mucho los guitarristas de fusión como, Greg howe, Guthrie
Govan, John Scofield, Pat Metheny, Brett Garsed, Alex hutchings Frank
Gambale, Scott hernderson entre otros.

Esta escala esta formada alternando semitono - tono de la siguiente manera 2) Aquí un ejemplo típico de Frank gambale, donde usaremos la escala con ar-
S/T,T, S/T, T, S/T, T,S/T, T. Ejemplo en D: D, Eb, F, F#, G#, A, B, C, pegios disminuidos con la técnica sweep picking, técnica favorita del guitarrista.

1) Este ejemplo es una subida típica de guitarristas de fusión con ligados y tap- 3) Ahora solamente veremos un patrón rítmico sobre la escalas con intervalos de
ping, con un dibujo bastante fácil para poder acordarse porque siempre la forma terceras, que suenan muy bien en estilo fusión, y mas tocadas con swing y con
es igual, salvo en la segunda cuerda que hay que correrlo un semitono por la afi- esta escala.
nación de la guitarra. Los dejo este material y saquen frases con estos ejemplos.

gaBrIeL caparrós Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de diego Mizrahi. es profesor de guitarra eléctrica y Flamenca
en la escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la doble 2, y con
ricardo alonso (“el griego”, ex baterista de pappo). actualmente da clases particulares de guitarra.

e-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

52 | Suplemento Técnico Guitarristas y Bajistas.ar

b. b. kinG
riley B. king más conocido como B. B. king, nació el 16 de septiembre de 1925 en la ciudad de Itta Bena, Mississippi, EEuu.
hijo de Albert y Nora, cultivadores del algodón cuyas condiciones de vida eran cercanas a la esclavitud, sus padres se sepa-
raron cuando tenía cuatro años. El pequeño se fue a vivir con su madre, que moriría cinco años más tarde. Desde ese en-
tonces quedó a cargo de su abuela, Eleonora y a través de ella tuvo su primer contacto con la música. Por Sergio resar

B.B. King se unió al coro de la iglesia St. John Gospel,
en la que su tío estaba conocía con el reverendo. A la
edad de dieciséis años, tuvo en sus manos su primera
guitarra a la que bautizó “Lucille” en honor a una mujer
que estuvo a punto de morir en un incendio. En esta
etapa de su vida, B.B. empezó a pasar música en la
única radio de raza negra que había en la ciudad, su
apodo fue "Beale Street Blues Boy", luego abreviado a
B. B. y a su vez manejaba un tractor en la plantación.
Cobraba en esa época 22 dólares al mes y cuando fi-
nalizaba su trabajo se dirigía a cualquier esquina a tocar
su guitarra, con lo que llegaba a conseguir cien dólares
por noche. Decidido a dedicarse la música, viajó a la ciu-
dad de Memphis, en el estado de Tennessee, donde
llegó a formar varios grupos. En esta ciudad conoció a
Sonny Boy Williamson II, con quien colaboró como disc-
jockey en su programa de radio. Gracias a sus contactos
en la emisora, en 1949 logra grabar su primer disco lla-
mado “Miss Martha King” en honor a su esposa. No fue
hasta dos años más tarde, en su octavo single, que co-
noció el éxito, “Three o'clock blues”. En los ‘50s, B. B.
King se convirtió en uno de los nombres más importan-
tes en la música R&B, con una impresionante lista de
éxitos en su haber que incluía canciones como "You
Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please
Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "You
Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin'
Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little
Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My
Love". En 1962, King firmó contrato con ABC-Paramount
Records. En noviembre del ’64 grabó su legendario
disco “Live at the Regal en el Regal Theater de Chicago,
Illinois”. Primero, King tuvo éxito fuera del mercado del
blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de
Roy Hawkins, “The Thrill Is Gone”, la cual se convirtió
en un éxito en las listas de pop y R&B, lo cual fue raro
para un artista R&B. También llegó al puesto 193 en las
500 mejores canciones de todos los tiempos de la re-
vista Rolling Stone. Ganó popularidad siendo parte del
grupo soporte del Tour por América de 1969 de Los Ro-
lling Stones. Los sucesos dominantes de King continua-
ron durante los ¡70s con canciones como “To Know You
Is to Love You” y “I Like to Live the Love”. Entre 1951 y
1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la
Revista Billboard 74 veces. Los ‘80s, ‘90s y 2000s vieron
a King grabando menos, pero manteniendo una carrera
muy visible y activa apareciendo en numerosos progra-
mas de televisión. En 1988, alcanzó a una nueva gene-
ración de seguidores con el tema “When Love Comes
To Town”, junto a la banda Irlandesa U2 en su álbum
Rattle and Hum. En el 2000, King se unió con el guita-
rrista Eric Clapton para grabar “Riding With the King”.
En el 2003, King se mostró en el escenario con la banda
de rock Phish en New Jersey, tocando tres de sus clá-
sicos durante 30 minutos. B.B King también hizo una
aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en
marcha por Eric Clapton. A los 80 años, el 29 de marzo
de 2006, King tocó en el Sheffield’s Hallam Arena. Esta
fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Eu-
ropa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero con-
vertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha
previamente realizado otras giras, incluyendo la canción
“Since I Met You Baby”. Esta gira finalizó el 4 de abril
con un concierto en el Wembley Arena. En julio, B.B.
volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su
despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio)
en la décimo cuarta edición del mundialmente famoso
Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el
«Blues at Sunset» el 14 de julio. Durante su último show
en Montreux en el Salón Stravinski tocó junto a Joe
Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys
Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John
McLaughlin, Barbara Hendrix y George Duke. La Gira
de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiem-
bre de 2006 en el estadio D’Coque (telonado por Todd
Sharpville). Entre noviembre y diciembre, King tocó seis
veces en Brasil. Durante una conferencia de prensa el
29 de noviembre en São Paulo, un periodista le preguntó
a King si aquella sería la verdadera gira de despedida.
Él contestó: “Uno de mis actores favoritos es un hombre
de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de us-
tedes lo deben conocer como James Bond, 007. Hizo
una película llamada «Never Say Never Again” (Nunca
digas nunca jamás).

54 | B. B. king Guitarristas y Bajistas.ar