República Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la Educación

InstitutoUniversitario Antonio José de Sucre
Extensión: Puerto La Cruz

EL DISEÑO GRÁFICO
Y EL MODERNISMO
Docente: Alumna:
Nairovys del Carmen Tineo Francesca Sotillo
Rivas C.I: 28.533.466

Puerto La Cruz, Febrero de 2023

 INTRODUCCIÓN
Desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX, el arte se basó en
la lógica de la perspectiva y trató de recrear la realidad a través de
ilusiones ópticas. Desde un principio, los artistas se inspiraron en las
nuevas tecnologías y en la idea de crear diseños funcionales al
alcance de todos. El diseño gráfico moderno utiliza formas
geométricas y tipografía como imágenes para evocar dinamismo y
movimiento. Algunos de los movimientos de esta época que
comparten principios son el Futurismo, el Constructivismo, la
Bauhaus, el Impresionismo, el Pop Art, entre muchas otras técnicas
que se pueden implementar en un esfuerzo por lograr la mejor
propuesta de diseño posible.
EL MUNDO MODERNO Y
SUS CARACTERÍSTICAS
¿Qué es la Modernidad?
La modernidad es un conjunto de procesos sociales e intelectuales que
surgieron en Europa a partir del siglo XV, al comienzo del Renacimiento,
y que marcaron el fin de la Edad Media.
Junto con el individualismo, el método científico y los cambios en el
pensamiento (que priorizaron la racionalidad), se produjeron cambios
políticos que modificaron profundamente las instituciones del Estado,
así como la delimitación de las fronteras políticas y económicas.
Si bien los cambios de la modernidad se produjeron de manera
paulatina, afectaron la vida social, el trabajo, el espacio habitado, las
relaciones de poder, las experiencias estéticas, etc.
Características
● La modernidad surgió como fenómeno social e intelectual en Europa occidental en el siglo XV. Coincidió
con el comienzo de la Edad Moderna y se extendió posteriormente a la mayor parte del mundo.
● En términos intelectuales, la modernidad supuso el abandono de la ortodoxia religiosa en el modo de
comprender el universo e intervenir en el mundo, y su reemplazo por la razón, la lógica y el método
científico.
● El énfasis puesto por la modernidad en el individuo crítico y racional se relacionó en el ámbito del
pensamiento y el arte con el abandono del teocentrismo en favor del antropocentrismo, manifiesto en el
humanismo y el Renacimiento. Los efectos de la Reforma protestante pudieron haber contribuido
también a sustentar este hincapié en el individuo.
● En términos políticos, la modernidad supuso la conformación de Estados-nación y el despliegue de
ideologías políticas que fomentaron la división de poderes, como el liberalismo.
● La modernidad se relacionó con la expansión transoceánica, las innovaciones en comunicación y
transporte y el establecimiento de una economía mundial basada en el comercio y la dominación colonial.
Este proceso impulsó el desarrollo de una sociedad industrial en cuyas ciudades se plasmaron las
desigualdades sociales del capitalismo, especialmente a partir del siglo XIX.
●Los fundamentos intelectuales de la modernidad fueron puestos en discusión a partir de mediados del
siglo XX, por el movimiento conocido como posmodernismo.
Contexto Historico

El término “modernidad” se aplica a una serie de fenómenos que

tuvieron lugar en Europa occidental a partir del siglo XV y se
expandieron luego a escala mundial. Su surgimiento coincide con el
comienzo de la Edad Moderna, que algunos historiadores sitúan en la
caída de Constantinopla a manos del Imperio otomano en 1453 y otros
en la llegada de Cristóbal Colón a América en 1492.

De todos modos, algunas de las características que definen a la

modernidad tienen antecedentes en la época final de la Edad Media
(como el humanismo) y otras llegan hasta la Edad Contemporánea
(por ejemplo, el énfasis en la razón y el método científico). El
pensamiento moderno en occidente comenzó a ser cuestionado a
mediados del siglo XX por exponentes del llamado posmodernismo
PENSAMIENTO POLITICO
RAZÓN Y LOGICA
La razón como opuesta a la religión es uno de los ejes del pensamiento moderno, elocuentemente expresado en las ideas de la
Ilustración. A partir de la Edad Moderna, la religión dejó de ser el único discurso para la explicación del mundo, y la ciencia se
instauró como un método para entender los fenómenos naturales y humanos.
El mito fue reemplazado por la lógica y ello repercutió no solo en la filosofía y la ciencia sino también en la política y la economía,
así como en la formulación de un ideal de progreso que perduró hasta el siglo XX.
La subjetividad, base de la razón, se volvió central en el pensamiento moderno. La reflexión individual posibilitaba la crítica y la
autorrealización, e impulsaba la responsabilidad personal. Esto influyó en la aparición del pensamiento liberal y en las nuevas
formas de organización política que se implementaron a partir de fines del siglo XVIII (especialmente las democracias
republicanas).

LA RUPTURA CON LA TRADICIÓN

La modernidad se caracterizó en sus inicios por el deseo de una ruptura con lo previo, encarnado en la tradición. En el arte y el
pensamiento se buscaron los antecedentes no en el pasado próximo (la Edad Media) sino en el pasado remoto (la Edad Antigua). A
esta recuperación de aspectos de la cultura clásica grecorromana se la suele llamar Renacimiento, y su dimensión más evidente se
experimentó en el arte.

Fuera de esa referencia antigua, la modernidad suele caracterizarse por la atracción por las innovaciones y los descubrimientos. El método científico es una de las
expresiones más elocuentes de esta tendencia disruptiva que prioriza el empleo de la observación, la lógica y la experimentación por sobre el peso de la autoridad y la
tradición (por ejemplo, contra la ortodoxia eclesiástica).
LA SOCIEDAD El cambio de una sociedad rural a una sociedad industrial fue paulatino, pero no por eso
menos decisivo. La Revolución industrial (que comenzó a fines del siglo XVIII e inicios del

INDUSTRIAL
siglo XIX) le dio un impulso a este proceso que modificó en adelante la economía mundial
y la fisonomía de las ciudades.

Las características de este tipo de sociedad que apareció con la modernidad son:

El aumento de la producción a través de la organización y división del trabajo.

El desarrollo de fábricas donde se organizaba el trabajo.
La invención y fabricación de máquinas que reemplazaron el trabajo manual. Este es
un antecedente de las innovaciones tecnológicas orientadas a aumentar beneficios
que siguen vigentes en nuestros días, en que los desarrollos científicos y tecnológicos
son constantemente aplicados a la producción.
La aparición de un nuevo sector social, los asalariados, y el fortalecimiento de una
burguesía industrial.

La sociedad industrial requería una concentración de población dado que el trabajo

estaba organizado en fábricas.
Las ciudades se convirtieron en centros de producción pero simultáneamente en los
lugares de mayor consumo de bienes, servicios y energía. Estas ciudades dependían, a su
vez, de la producción primaria de alimentos que tenía lugar en los campos.
Las desigualdades sociales que se hicieron patentes en las grandes ciudades industriales
del siglo XIX influyeron en la emergencia de movimientos políticos que cuestionaban los
efectos sociales del capitalismo (especialmente el socialismo).
LA REVOLUCIÓN
INDUSTRIAL
CONCEPTO
CARACTERISTICAS
Se denomina Revolución Industrial al proceso iniciado en el siglo XVIII en
la característica esencial de la Revolución Industrial fue la introducción a gran escala de máquinas movidas por energía no humana, que
Inglaterra, por el cual la humanidad pasó de unas formas de vida tradicionales permitieron producir mucho más a menor coste.
basadas en la agricultura, la ganadería y la producción artesanal, a otras
fundamentadas en la producción industrial y la mecanización, Ello propició un Dentro de la Revolución Industrial podemos distinguir dos fases.

acelerado proceso de urbanización que alteró profundamente las estructuras

En un primer momento, durante la llamada Primera Revolución Industrial, la fuente de energía de estas máquinas fue el vapor. La máquina de
económicas, sociales, así como la mentalidad de los hombres.
vapor convertía en movimiento la presión creada en su interior por el vapor de agua calentada mediante la combustión de carbón.

La Revolución Industrial fue relativamente rápida, se produjo prácticamente en Al principio las máquinas de vapor se emplearon en máquinas para hilar algodón y telares para hacer tejidos a partir de esos hilos. La industria

tan sólo una centuria. Su importancia es equiparable a la de la Revolución textil algodonera fue, así, el primer sector industrial.

Neolítica. Sin embargo, el proceso de industrialización no fue simultáneo ni

adquirió las mismas características en todos los lugares. En la actualidad existen
en el mundo zonas poco industrializadas, que coinciden normalmente con las más
pobres del planeta.
Pronto la máquina de vapor se usó para los transportes, apareciendo el ferrocarril y los barcos de vapor. El resultado fue una revolución de los
transportes, que permitió acortar las distancias entre las distintas regiones.
Como la fabricación de máquinas necesitaba de una gran cantidad de hierro y su funcionamiento exigía el empleo de mucho carbón, la industria
siderúrgica y la minería de hierro y carbón se convirtieron también en sectores económicos punteros.
 CAUSAS Y
CONSECUENCIAS
Entre las causas más importantes de la Primera Revolución Industrial, nos encontramos con las siguientes:

Causas políticas
Por una parte, la Revolución burguesa del siglo XVII había triunfado, dándose con ello la abolición del sistema feudal. El sistema se basaba en una monarquía que había
desechado el absolutismo que se daba en otros países europeos.

Como consecuencia, Inglaterra vivió una época de estabilidad, sin sobresaltos revolucionarios y con unas mayores libertades civiles.

Causas socioeconómicas
Por otra parte, Inglaterra disfrutaba de una situación de abundancia de capitales, dada su supremacía comercial. El control del comercio con las colonias, dio lugar a un
proceso de concentración de capitales en manos de algunos empresarios. Fueron importantes las fortunas que tuvieron su origen en el comercio de productos como el té,
el tabaco o, incluso, los esclavos.
Igual de importante fue la existencia de una abundante mano de obra. Las innovaciones que se produjeron en el campo permitieron un aumento de productividad que
significó la producción de más alimentos. Este proceso se conoció como la revolución agrícola, dando como resultado un aumento de la población.
Este aumento de población supuso, a su vez, un aumento de mano de obra disponible que no resultaba productiva en el campo. Lo cual terminó provocando un importante
éxodo rural con el trasvase de importantes contingentes de población desde el campo a las ciudades. Esta población desplazada se convertiría en una bolsa de mano de
obra disponible para realizar los trabajos industriales.

Causas geográficas
La existencia de determinadas materias primas en el territorio de Inglaterra también facilitó el proceso. El hierro y carbón fueron fundamentales para permitir el
desarrollo y la generalización de innovaciones como la máquina de vapor.
Además, al tratarse de un territorio insular partía de una situación de ventaja para comerciar con sus productos en el ámbito internacional gracias al barco de vapor.
EL IMPRESIONISMO
El movimiento impresionista representa un punto de inflexión en la historia de la pintura occidental. Si bien no se le puede llamar un arte de
vanguardia, sí se puede decir que el impresionismo abrió el camino a lo que algunos expertos denominan “la voluntad diferenciadora de estilo” entre
los artistas que, finalmente, hizo posible la germinación del espíritu vanguardista (Pierre Francastel).

Otros artistas como Claude Monet, Edgar Degas o Pierre-Auguste Renoir también habían sido rechazados sistemáticamente. Todos tenían algo en
común: estaban convencidos de que tenían algo nuevo que mostrar y que su punto de vista era valioso.

Características
Los impresionistas entendían la realidad como constante devenir y no como ser acabado. Para estos artistas, las cosas no son; simplemente, las cosas parecen ser.

Por lo tanto, se abrieron a la percepción sensorial del instante, del momento irrepetible que debía ser registrado de inmediato y con rapidez. Entre los elementos
característicos del impresionismo tenemos:

• Luz como interés fundamental

Los impresionistas hacen de la luz en sí misma el centro de interés y, por tanto, se abocan a la representación de sus efectos. Es decir, estudian la luz como fenómeno: su
comportamiento, su evolución en el instante, el modo en que interactúa con los objetos. Así, todas las técnicas y características que desarrollaron se desprenden este
fundamento. Quedará en evidencia en los siguientes puntos.
• Encuadres y puntos de Vista Novedosos
Muchos artistas del impresionismo se dedicaron a explorar ángulos, perspectivas y encuadres nunca
antes vistos en la pintura. Para entonces la fotografía seguía la estética clásica del Renacimiento, pero
es cierto que ya comenzaban a vislumbrarse nuevos enfoques y ángulos. Seducidos por estas
posibilidades, los impresionistas rompieron con los encuadres clásicos, frontales y simétricos, y
optaron por ángulos inesperados en la pintura.

• Abandono del Dibujo Correcto

El dibujo perfectamente delineado se vuelve poco práctico para los impresionistas.
Muchos de ellos eliminarán la línea y proyectarán los volúmenes de las formas
coloreando directamente, lo que revela gran maestría.
Otros, como Tolouse-Lautrec o Edgar Degas, seguirán usando la línea, pero ya no
será una línea definida y limpia, sino con un ritmo algo nervioso, con repasos e
impresiones súbitas.

• Superposición de Colores en el Lienzo

Ahora los impresionistas no están obligados a mezclar colores en la paleta. De hecho, muchos se liberan de
este paso y salen al aire libre en busca de fenómenos lumínicos. Influidos por las teorías ópticas, los
impresionistas mezclan los colores directamente sobre el lienzo.
Esto lo logran mediante el uso de dos técnicas: o bien mezclan un color sobre el otro, o bien disponen colores
primarios uno al lado del otro para que, observados a cierta distancia, la vibración entre ambos genere la
percepción del color secundario. Esto requiere cierta complicidad del espectador.

• Pinceladas, Brochazos y Puntos

Si el objetivo es superponer colores lo más rápido posible para captar el efecto efímero de la luz,
lo mejor será economizar en detalles. Así, los impresionistas preferirán pinceladas directas,
muchas veces con trazos gruesos o con brochazos. También usarán la superposición de puntos
para crear masas con volumen.
 • Temas Casuales o Intransendentes

El arte anterior al impresionismo, y hasta otros movimientos paralelos, insistía en representar contenidos
trascendentes como justificación del valor de la obra artística. Toda mujer desnuda era una Venus, jamás
una simple mujer. La muerte tenía que ser heroica o trascendente; el paisaje, una ensoñación de otros
tiempos; los sentimientos personales, una bandera a defender; la pobreza, un tema a denunciar.

Los impresionistas dejan ese mundo atrás y reconocen la realidad que tienen frente a sus narices: para el
impresionismo, una mujer desnuda era una mujer desnuda. Por ejemplo, Olympia fue un cuadro de Manet
inspirado en la conocida Venus de Urbino, pintada por Tiziano en el siglo XVI, pero los atributos de Venus
fueron cambiados por los atributos de una prostituta. ¡Y vaya escándalo! Casi le cuesta la censura de los
cuadros Olympia y Almuerzo sobre la hierba a Manet.

• Ausencia de acabados y superposición de detalles a favor

del conjunto

Ya que los fenómenos lumínicos son circunstanciales y breves, los pintores impresionistas deben suprimir los
detalles, tan admirados en el arte del pasado, para favorecer la observación del conjunto.
Todas estas técnicas hacen que la obra carezca de acabados finos; los trazos se dejan abiertos, las texturas
porosas, y las líneas, cuando las hay, inconexas o repasadas.

Hay en esto también un juego psicológico: la percepción se completa en el cerebro del espectador que, a pesar de
estos detalles, logra registrar en su cerebro una imagen delimitada, siempre que mire la obra en su conjunto.
LAS CORRIENTES
Naturalismo y Abstraccionismo
Naturalismo
El Naturalismo es el planteamiento artístico según el cual el artista trata de
representar los objetos según son observados empíricamente, tanto en sus
aspectos más vulgares como en los más sublimes.

Es utilizado por primera vez por Bellori para referirse a los seguidores de
Caravaggio, a quienes agradaba copiar la naturaleza fielmente. El naturalismo no
se contrapone a la idealización de la naturaleza, sin implicar esto una atención
minuciosa al detalle, aunque esto forme parte a menudo de la visión naturalista;
por tanto, el matiz de la palabra varía mucho según el contexto en el que se
encuentre.

El movimiento realista defendió el Naturalismo como reacción frente a la

idealización romántica, de ahí que cultivara temas cotidianos, o la vida diaria de
los campesinos, frente a asuntos históricos o épicos.
 Abstraccionismo
Se denomina abstraccionismo al arte abstracto. Este tipo de arte se aleja de lo figurativo y no pretende imitar ni reproducir elementos
reales o naturales. .
• Corrientes y vertientes

En el abstraccionismo es posible reconocer diferentes corrientes. El

abstraccionismo geométrico se plantea como universal y objetivo, apelando a la
geometría para eliminar la expresividad. El abstraccionismo expresivo, en
cambio, recurre a la espontaneidad y a la improvisación, otorgándole
preponderancia a la expresividad del pintor.

Cabe destacar, por último, que en el seno del abstraccionismo encontramos

varias vertientes y grupos:

•El Constructivismo
•El expresionismo
•Abstracto
•Movimiento De Stijl
 EL AFICHE PUBLICITARIO
Henri de Toulousse Lautrec

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Litógrafo, pintor y cartelista francés natural de Albi, destacó por su habilidad para retratar la vida nocturna parisina.

Eleva la técnica de la litografía a categoría de arte y ayuda a establecer la función de medio directo que tiene actualmente el cartel publicitario. Como impresor litográfico
su aportación fue de gran importancia, realizó innovaciones en tamaño, color y forma.
En 1884 monta su propio estudio en el barrio parisino de
Montmartre, centro destacado de ocio nocturno que
contaba con importantes locales como “Moulin Rouge”, “Le
Chat Noir”, “Moulin de la Galette”, el “mirliton”, “Folies
Bergère”, el circo “Fernando” o el “Salon de la rue des
Molins”. Estos teatros, cafés cantantes, salas de baile y del
espectáculo, cabarets, prostíbulos… constituyen uno de los
puntos clave en la obra del artista, servían como refugio
para Henri, en ellos daba rienda suelta a su creatividad
pasando desapercibido entre la gente de los bajos fondos
de París.

Entre sus vecinos en Montmartre se encontraba el pintor

impresionista Edgar Degas, a el que guarda una profunda
admiración y del cual recibe un gran influjo. Ambos se
sienten atraidos por los mismos temas, aunque Toulouse-
Lautrec termina perdiendo el interés por la representación
de paisajes tan propia del impresionismo y se centra en
representar la vida que transcurría en los locales
nocturnos parisinos. Se distinguía por su habilidad de
observación que le permitía captar la psicología y
actitudes de los personajes a los que representaba,
exageraba los gestos y caricaturizaba el aspecto y
semblante de sus modelos para acentuar así su
expresividad.
ART & CRAFT
CONCEPTO Y CARACTERISTICAS
El movimiento Arts and Crafts, ligado al diseño y a las artes decorativas, nació en Gran Bretaña CARACTERÍSTICAS E
hacia 1880 y se desarrolló hasta la I Guerra Mundial. Se extendió rápidamente a través de
América y Europa hasta llegar a Japón. Su máximo ideólogo fue el artista y escritor William IMPORTACIA
Morris (1834-1896) y tomó su nombre de la Arts and Crafts Exhibition Society, fundada en Entre las ideas más características del Arts & Crafts no solo se encuentran principios estéticos, sino
Londres en 1887. también filosóficos, éticos y políticos. Algunos de los más destacados eran:
Fue un movimiento nacido desde los ideales, la preocupación por los efectos de la
industrialización en el diseño, el saber y la vida cotidiana. Abogaba por una reactivación de la •El rechazo de la separación entre arte y artesanía; el diseño de los objetos útiles es considerado una
artesanía tradicional, un retorno a una forma de vida más simple y una mejora en el diseño de necesidad funcional y moral.
objetos domésticos ordinarios.
La exposición será la primera muestra de Morris y las Arts & Crafts que tendrá lugar en España y •El rechazo de los métodos industriales de trabajo que separan al trabajador de la obra que realiza,
fragmentando sus tareas.
presentará obras maestras de este movimiento artístico. Llega a Barcelona después de su
exposición en Madrid, del 6 de octubre de 2017 al 21 de enero de 2018, en la Fundación Juan
•Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en arquitectura como en las artes aplicadas.
March.

•Proponen la arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.

•Proponen la agrupación de artesanos en talleres y guildas, siguiendo el modelo medieval de trabajo

colectivo.

•Creen en el trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio, tanto para el cliente, como para el artista.
El art nouveau es refinado, lujoso y elegante. Usa materiales caros y procura
ART NOUVEAU
acabados finos y delicados. Asimismo, comparte el mismo gusto por el arte
japonés que otros movimientos contemporáneos, como el simbolismo y el
postimpresionismo.

El Art Nouveau convierte el cartel publicitario en un objeto bello y sofisticado,

en un objeto de arte.

Pero el cartel Art Nouveau tiene su lado menos conocido. Los artistas Art
Nouveau se propusieron acercar la cultura al pueblo. Ya no se trataba
solamente de vender un producto, una marca, sino de aprovecharse de este
método de divulgación para acercar a la masa las nuevas corrientes artísticas
y los nuevos movimientos liberales del siglo XIX, que los artistas, en su gran
mayoría, compartían.

Por ejemplo, si nos fijamos en la figura femenina, figura imprescindible de la

cartelería Art Nouveau, apreciamos que su protagonismo no es casual. Esa
figura femenina, centrada como una reina en el medio del cartel, no sólo
vende un artículo. Esa figura, que hace que todas las miradas se depositen
primero en ella y luego en el producto que publicita, tiene un mensaje
subliminal, tiene la misión de representar, en la llamada Segunda Revolución
Industrial, los movimientos que defendían el derecho al sufragio femenino.
 LA BAUHAUS

Esta institución antiacadémica, centro pedagógico y experimental de las artes, puede ser considerada como la primera escuela de diseño del mundo, aquella que
funda las bases para el diseño moderno. Quizás en el imaginario de muchos se ha idealizado el momento que dio lugar a este espacio educativo tan singular como
el de una Alemania económicamente activa e industrialmente desarrollada; sin embargo, al finalizar la Primera Guerra Mundial en 1918, se trataba de una nación en
proceso de desintegración, sumida en el caos y estremecida por una gran crisis
CARACTERISTICAS
El movimiento artístico Bauhaus se ha transformado a lo largo del tiempo gracias a la participación de artistas
muy reconocidos como Kandinsky, que se unió al proyecto que era a escuela Bauhaus en ese momento, en el año
1922. De toda su transformación siempre han estado presentes estos cuatro pilares fundamentales.

1. La función se prioriza respecto a la decoración

En el diseño Bauhaus siempre prioriza la función al atractivo estético del objeto. Esto no significa que
renunciemos a tener el diseño que nos guste, más bien nos invita a apostar por piezas decorativas a la par que
funcionales para tener este doble beneficio.

2. Materiales auténticos en colores que vibran

En el diseño Bauhaus se utilizan materiales totalmente auténticos como metales, madera, acero, vidrio, plástico o
incluso cuero. La curiosidad es que en el estilo Bauhaus el diseño industrial se potencia con los colores más
vibrantes como el cromo, gris, marrón, blanco (muy de moda) e incluso negro. Tonos que, por otra parte, son
tendencia en los diseños industriales y en otros de moda.
3. Orientación minimalista
De manera intrínseca, si utilizamos muebles con distintas funciones prácticas y materiales puros que se
muestran tal cual, logramos un efecto visual más limpio y claramente minimalista.
4. Formas lineales o geométricas
En el estilo decorativo Bauhaus las formas preferidas son las lineales y también las geométricas. Lo ideal es una
combinación de ambas ya que las líneas nos permiten tener una visión más organizada de cada estructura,
mientras las formas geométricas suavizan la rigidez de las líneas generando un ambiente más acogedor.
IMPORTANCIA
El propósito de la Bauhaus era sencillo: unir las Bellas Artes con
las Artes y Oficios, de tal manera que el arte sirviera a la
sociedad y, a su vez, la sociedad se empapara de el arte de su
época. Aplicaron esta misma idea a las casas: su idea era crear
viviendas “normalizadas”, es decir, estandarizadas, que
incluyeran los últimos adelantos tecnológicos y artísticos de la
época y cuyo diseño estuviera totalmente supeditado a la
función de la vivienda. Gropius fue así un pionero de las actuales
viviendas industrializadas diseñadas al gusto del futuro
inquilino.
EL POP Y LA GRAFICA
Arte pop es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados
Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida
cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios
publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo
del cine.
Pop Art en Gráfica
El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas
Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el
aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Estados Unidos, lanzó al resto del mundo, a través de las propuestas de Herb Lubalin y Push Pin Studios
principalmente, un estilo que, si bien se presentaba heredero de los pioneros modernos
norteamericanos, revisaba y reinterpretaba la historia de la comunicación visual. Por tanto, el nuevo
lenguaje gráfico se rebelaba en contra de un Movimiento Moderno que se había manifestado anti-
histórico y contrario a la tradición. El diseñador Pop se transformó en historiador y revitalizador, a la
vez que coleccionista, de todo aquello que pudiera ser reutilizado. Demostraba sentir un gran interés
por el Art Nouveau (del que adoptaría la voluptuosidad de líneas y formas, el uso de una tipografía
gestual y caligráfica, y la incorporación de ornamentación). Asimismo se interesaba por las vanguardias
de principios de siglo como el dadaísmo, el surrealismo o el fauvismo, y por el arte tradicional de las
culturas orientales, en especial la Antigua Persia,la India o el Japón. Por último, y al igual que los
artistas del Pop Art, incorporaba elementos procedentes del lenguaje del cómic y de la cultura popular.
Todo ello configuró un estilo caracterizado por: el uso de la ilustración como elemento transmisor de
ideas y de conceptos (en lugar de la fotografía como había sido habitual hasta el momento); la
utilización de la tipografía como forma visual (el texto pasaba a convertirse en imagen); la
experimentación con las formas de las letras (aunque con ello se perdiera en claridad y legibilidad); y,
por último, la aplicación de una amplia gama cromática. Todos estos elementos serían combinados sin
el corsé y la rigidez del uso de retículas, y con grandes dosis de ingenio y de humor. Como resultado,
pasaron a producirse soluciones gráficas que no sólo respondían a finalidades informativas y de
comunicación (tal como era el objetivo principal del estilo suizo), sino que además satisfacían las
necesidades expresivas del propio diseñador dando salida a emociones y sensaciones.
CONCLUSIÓN
Al analizar cada movimiento y sus obras, se pueden percibir pequeñas

diferencias en la forma en que cada uno de estos artistas se expresa a través

del diseño gráfico para abrazar el futuro, pero es en este análisis donde las
similitudes de estos movimientos son innumerables. Las similitudes incluyen

el uso de tipografía como contenido, el uso de formas geométricas básicas, el

uso de colores primarios, especialmente el uso de fuentes rojas, blancas y

negras, fuentes sans serif y planos diagonales, y el uso efectivo del espacio

negativo. Sobre la página. A lo largo de los años, la mayoría de estos

principios de diseño y tipografía todavía se conservan y utilizan miles de

diseñadores de todo el mundo para expresar sus ideas de forma visual y

eficaz.
 REFERENCIAS
https://humanidades.com/modernidad/#:~:text=Las%20caracter%C3%ADsticas%20de%20este%20tipo,que%20reemplazaron%20el%20trabajo%20manual.
https://economipedia.com/definiciones/primera-revolucion-industrial.html
https://www.culturagenial.com/es/impresionismo/
https://definicion.de/abstraccionismo/
https://profeanacob.wordpress.com/2016/11/25/carteles-publicitarios-henri-toulouse-lautrec/
https://www.elcopoylarueca.com/cartel-publicitario-cartel-art-
nouveau/#:~:text=El%20Art%20Nouveau%20convierte%20el,acercar%20la%20cultura%20al%20pueblo.
https://es.m.wikipedia.org/wiki/Arte_pop
GRACIAS POR SU
ATENCIÓN