Taller de Redes, Fotos y Flyers

TALLER INTENSIVO
DE REDES SOCIALES
COBERTURA Y DIFUSIÓN
Herramientas
básicas sobre
creación de
contenido para
redes.
Dictado por:
Constanza Sanchis
Sophía Rodríguez
Agustin Nieva
2023
Taller de Comunicación Comunitaria SOMOS
ÍNDICE
-Comunicación comunitaria ¿qué es?
- Introducción a la Comunicación
-Fotografía
-Infodemia y Fake News
-Diseño de logos y flyers. Canva.

-Manejo de redes sociales.
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¿Qué es la COMUNICACIÓN COMUNITARIA?

La comunicación comunitaria es aquella que busca la participación democrática,
generando acceso público a la información, haciendo hincapié no sólo en la recepción
de mensajes, sino también en la producción y difusión de ideas, visiones y realidades;
por sobre todo de los sectores populares que son los que no tienen una posibilidad
concreta de acceso a los medios de comunicación. Al hacer comunicación comunitaria
emprendemos un proceso educativo, en el cual creamos canales de participación, de
diálogo y de unidad de los vecinos para que en un espacio democrático podamos
comprender críticamente nuestra realidad, pudiendo de esta manera transformarla.
Todos tenemos derecho a comunicar, es por ello que sumergirse en este proceso es
entender que debemos avanzar más allá de la simple crítica y la denuncia: tenemos que
llamar a la integración, facilitando un camino concreto de diálogos, de participación,
pero por sobre todas las cosas de acción. Para organizarnos y juntos solucionar nuestros
problemas.
Es por todos estos motivos, que en este taller nos enfocaremos en el uso de los teléfonos
celulares, aplicaciones de edición gratuitas y redes sociales, como grandes
herramientas de acceso público a la información, creación y difusión de contenido
propio; aunque cabe aclarar que no son las únicas.
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Antes de comenzar, vamos a hablar sobre lo que entendemos de la comunicación y del

comunicador: Probablemente, lo primero que piensan sobre estos conceptos sean los
medios tradicionales de comunicación: la televisión, el periódico, la radio. Y sus
respectivos profesionales: periodistas, locutores, fotógrafos, etc. Y si bien estos
espacios continúan existiendo como tal, es decir, si encendemos la televisión o la radio
sigue habiendo programas comunicando “a la antigua”, es de público conocimiento
que, con la llegada de las redes sociales y el internet, estos medios han mutado. Las
noticias que antes veíamos por la televisión ahora podemos verlas más rápidamente
en un video por Facebook, el periódico nos envía notificaciones para leer sus noticias
digitalmente, y los programas de radio se han adaptado también al formato
transformándose en streamings o podcasts. No en todos los casos ocurrió, lo sabemos,
pero gracias a internet existe hoy una tendencia marcada por la pluralidad de voces, el
desarrollo de medios de comunicación independientes y hasta la participación de
comunicadores pasivos o activos: los usuarios.
El internet y sobre todo las redes sociales nos han permitido, a lo largo de las últimas
décadas, algo que los medios tradicionales no permitían de forma tan directa:
participar. Podemos comentar, compartir y redactar nuestras propias publicaciones. Y
todo de forma gratuita. Lo que los convierte en espacios clave para la participación de
las clases populares.
Lo mismo ocurre cuando hablamos de los teléfonos celulares. ¿Quién no tiene hoy un
celular? No dependemos de comprarnos una cámara profesional, ni de adquirir
equipos costosos o servicios de terceros para ser comunicadores. Hoy, contamos con
las plataformas (donde habrá un público al cual dirigirnos), un equipo de trabajo (el
celular), y tenemos una gran variedad de aplicaciones para aprender a editar y diseñar
lo que sea que queramos comunicar. Lo único que falta es unir todo esto con teoría
sobre composición y ya podrán salir a la calle a explorar y experimentar, hasta volverse
comunicadores comunitarios.
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FOTOGRAFÍA
El celular democratiza la fotografía
Primero lo primero. Toda cobertura o red social que vayan a administrar incluye fotos. Por lo
tanto, es necesario que conozcan los principios básicos de la fotografía, para manejar un
criterio adecuado a la hora de seleccionar o descartar el contenido que van a compartir a sus
seguidores.
Con una fotografía podemos contar una historia, expresar una idea o transmitir un
sentimiento. Pero para lograrlo, primero debemos aprender a componer nuestro encuadre de
la forma correcta. Aprender sobre planos, ángulos, luz, colores.
Lo primero que debemos saber es que la calidad y costo de nuestro teléfono es lo que menos
debe importarnos. Ya que, para ser buenos fotógrafos, lo verdaderamente importante es saber
componer una buena fotografía. Por lo tanto, vamos a concentrarnos en usar las herramientas
que tengamos a nuestro alcance y sacarles el mayor provecho posible.
Ahora bien, comencemos…
El primer paso para sacar una fotografía, es conocer nuestra cámara. En casi todas las cámaras
de celular más modernas, existen dos formas de sacar fotos: en el modo automático y en el
manual o pro.
Cámara en automático
Para sacar una foto en automático, basta con sacar el celular, abrir la cámara y sacar una foto.
Lo que significa que sea automático es que el celular está decidiendo de qué forma se van a
configurar las herramientas (que veremos en un rato) de la cámara. Interpretando la cantidad
de luz, los colores, la cercanía de lo que queremos capturar, entre otras cosas, la cámara se
acomoda de la forma “ideal”.
El tema es que ese ideal es más una aproximación y no siempre sale como más nos gustaría a
nosotros, como fotógrafxs. En general, nos da poco control de la imagen, si es que no nos da
ninguno: posiblemente, si apretamos en la pantalla sale la opción de oscurecer o aclarar más la
imagen; o quizá, dependiendo de dónde hagamos clic, intenta enfocar ahí.
Pero esas opciones no nos permiten realmente un control de las fotos que sacamos. Existen
formas mucho mejores, personalizadas y elegantes para intervenir en las imágenes que
capturamos.
Cámara manual o pro

Si investigamos un poco la cámara de nuestro celular, jugamos con sus íconos, configuraciones
y opciones, tarde o temprano nos vamos a encontrar con el modo manual o pro. A la primera
que “entremos” en él, la imagen que estaba capturando la cámara y se veía bien quizá se
vuelva súper oscura o muy brillante, (¡además de todos los nuevos íconos que aparecieron!)
pero no te preocupes, tu cámara sigue perfectamente. Pero ¿por qué nos importa?
Exactamente por lo mencionado antes: a veces el celular (o cámara) no es el mejor
interpretando la situación que queremos capturar o cómo, y los ajustes a los que llegue por
cuenta propia no le van a hacer ningún favor a nuestras fotos. En momentos así, nosotros,
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como fotógrafxs, tenemos que intervenir, hacer el trabajo sucio. ¿Y cuáles van a ser nuestras
herramientas para este trabajo?
Triángulo de exposición
Primero tenemos que entender que sin luz no tenemos ningún tipo de fotografía. Esto significa
dos cosas: necesitamos que la escena que vamos a capturar tenga luz decente y que nuestra
cámara capte bien dicha luz.
Existen tres controles de la luz en una cámara, cada uno con su propio “efecto secundario”.
Estos son: la apertura del diafragma, la velocidad de obturación y el ISO. Modificar uno para
conseguir uno de sus otros atributos, implica que la sensibilidad de la luz también va a cambiar
y vamos a tener que equilibrar las tres herramientas para conseguir la luz deseada con
“efectos secundarios” deseados.
Apertura
La apertura del diafragma se refiere al tamaño de la abertura circular de la lente que deja
pasar la luz.
Cuanto más grande es, más luz entra. En

verdad, al sacar fotos con el celular, este
tema no nos importa mucho porque (de
momento) no podemos modificar este
aspecto. Sin embargo, vamos a
explicarlo igual para que lo tengan en
cuenta y entiendan más sobre la
fotografía. Cuán abierto o cerrado está
el diafragma se mide con el “número f”,
por ejemplo: f/1, f/1.4, f/2.8, f/8, f/11,
f/22, etc.
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Al contrario de lo que aparenta, cuanto mayor es el número f, no entra más luz. Al contrario.
Cuanto mayor es la apertura del diafragma y más luz dejamos entrar, menor es el número f.
Entonces la apertura del diafragma nos permite decidir cuánta luz dejamos pasar hacia el
sensor, pero ¿cuál es su “efecto secundario”? A medida que abrimos o cerramos la apertura,
afectamos la profundidad de campo; esto es, en palabras sencillas, qué tan enfocado o borroso
se ve el fondo de la imagen. Cuanto más abierto esté el diafragma (número f bajo) menor
profundidad de campo vamos a obtener, es decir que va a estar más borroso. Si quisiéramos
que toda la escena esté enfocada, por ejemplo para paisajes, tendríamos que cerrar el
diafragma (número f alto).
Velocidad
Esto sí nos interesa porque sí lo podemos modificar en algunos celulares. Lamentablemente no

todos, pero también es bueno saberlo no sólo para fotografía en general sino ¡por si en algún
futuro cambiás de celular! El obturador se encarga de regular el tiempo en el que la luz llega
hasta el sensor de la cámara. La velocidad de
obturación entonces es la cantidad de tiempo que
el obturador está abierto (lo cual se mide en
segundos y fracciones de segundos). Cuanto mayor
es la velocidad que ponemos, más rápido se abre y
se cierra el obturador y menos luz llega hasta el
sensor. Mientras que, cuanto menor es la
velocidad, más lento se abre y se cierra y llega más
cantidad de luz. Siendo así, tendríamos que usar velocidades lentas cuando tengamos poca
iluminación, y rápidas cuando tenemos mucha luz. ¿Y cuál es la otra modificación que aporta?
El movimiento. De esta herramienta depende tener una imagen totalmente congelada (aunque
el objeto o persona haya estado en movimiento) o algo que se vea “barrido” y borroso. Si el
sujeto u objeto está en movimiento y queremos que salgan quietos, debemos aumentar la
velocidad de obturación, así logra captar esa fracción de segundo exacta. Por el contrario, si
quisiéramos conseguir capturar el movimiento para que se vea borroso y dinámico,
necesitaríamos velocidades lentas, que permitan tomar la luz de la secuencia de su
movimiento.
ISO
Por último, en esta tríada tenemos al ISO que

también está en la mayoría de los celulares. El ISO
representa la sensibilidad del sensor digital, así que,
cuando elegimos un valor de sensibilidad en
concreto, le estamos indicando al sensor qué
cantidad de luz debe absorber.
Los valores más altos de ISO indican que el sensor

necesita recolectar mayor cantidad de luz (por
ejemplo, en lugares poco iluminados). Asimismo,
usaríamos una sensibilidad baja cuando no
necesitamos tomar tanta luz (es decir, cuando tengamos un espacio con mucha luz).
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En este caso, el efecto secundario en verdad es un efecto secundario y no tanto un “atributo”

más. Aunque algunos fotógrafos lo usan de forma estética, buscando cierto estilo, en general
esto se intenta evitar: tener un ISO muy alto, es decir, muy sensible, genera lo que se llama
ruido. El ruido es ese efecto granulado que tienen algunas imágenes y fotos. Esto puede
resultar bastante dañino para la foto porque elimina detalles. Por eso mismo es mejor
modificar el ISO al final e intentar aumentarlo lo menos posible. En algunos casos será
necesario, tampoco hay que exagerar, pero es mejor evitarlo.
Enfoque
Algunos celulares traen una herramienta para modificar manualmente el enfoque de la
imagen, aunque lamentablemente no todos. El enfoque permite que determinada parte de la
imagen salga más nítida y con más detalle, mientras que el resto se vuelve un poco más
borroso. Como ya mencionamos, quizás haciendo clic en la pantalla tu celular busque enfocar
ahí. También podría tener una opción que te permita elegir entre una “foto normal” o una foto
hacia algo pequeño; seleccionando esa opción, nos permite enfocar cosas más cercanas a la
cámara. Por último, podría ser que tengas algún tipo de escala donde puedas elegir entre
fotografía a paisajes o a objetos cercanos (y todos sus intermedios).
Balance de Blancos
Otra herramienta que quizá tenga nuestro celular es el balance de blancos o “white balance”
(WB). Cuando sacamos una fotografía, debido a las diferencias en la luz, el tipo y el color que
esta puede tener, los colores de la imagen pueden salir algo mal. Particularmente se notaría
porque los blancos no serían blancos puros, sino que tendrían algún tinte en particular.
Mientras que eso se podría corregir durante la edición, algunas veces tenemos el control
manual de esto al momento de sacar la foto. Dependiendo de tu celular, esto puede estar en
automático (sí, aunque estemos en modo manual); en una escala que va de colores cálidos a
fríos; o te puede dar diferentes opciones como “día nublado”, “atardecer”, “luz de foco” y
demás.
Otras configuraciones
Otras cosas que podemos tener en cuenta en nuestra cámara son:
● El flash, que posiblemente aparece como el dibujo de un rayo. Si le hacemos clic lo podemos
desactivar (y esperamos que lo desactives), dejar automático (es decir a decisión del celular) o
encendido.
● En la configuración (el ícono de la ruedita) se encuentra posiblemente el tamaño del

encuadre, donde recomendamos que elijas 16:9 o 4:3, en sus tamaños (Megapíxeles) más
altos, así podemos tener la mejor calidad de imagen.
● En ese mismo lugar quizá tengamos la opción de guardar la imagen en formato RAW, que es
algo de lo que hablamos mucho más adelante, pero es bueno que sepas dónde está.
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● El temporizador es otra cosa que es bueno saber dónde está por si no tenés fotógrafo para
una foto grupal o autorretrato.
● Otra herramienta que es bueno tener activada es el HDR, que nos permite captar mejor
cuando hay mucho contraste de luz.
● Con suerte también tenés algo que quizá diga “líneas guía”, y si es así, activalo en “3x3”, que
es algo que más adelante veremos para qué sirve.
Composición I: Encuadre
Lo que capturamos en la cámara y cómo
El ojo y la cámara no ven igual. Nuestro cerebro suele descartar los datos de la vista que no
parecen importantes o los detalles más pequeños, que son dejados de lado para dar lugar a
una idea más general de lo que estamos viendo. La cámara, en cambio, no tiene esta
subjetividad y capta todo lo que se le presente. Y en el momento de que otros vean la imagen,
al ser un momento capturado eternamente, van a tener bastante tiempo de ver todo lo que
hay y preguntarse "pero ¿qué quería mostrar?"
Es por eso que uno no sólo usa una cámara como usaría sus ojos; requiere un poquito más de
esfuerzo. Requiere tomarse el trabajo de acomodar ciertos aspectos de la escena para que se
transmita, en una sola imagen, mucho más; quizá ideas, historias, emociones y otros sentidos.
Acá entonces nos topamos con la composición.
Todo en una imagen conforma su composición. Aprender a componer es como aprender un

idioma, conformado por muchos elementos separados (como formas, color, textura, entre
otros). Aunque es conveniente estudiarlos por separado, la composición es el modo en el que
se combinan.
Encuadre y relación de aspecto

Una de las primeras decisiones que se debe tomar al hacer una foto es el punto de vista que
tendrá. Quizá te parezca normal, al ver algo digno de fotografiar, agarrar el celular y
posicionarlo más o menos a la altura de tus ojos, paralelo al piso. Eso no está mal, pero
tenemos muchas más posibilidades.
El encuadre es lo que delimita la escena que estás mostrando, y eso afecta a la composición
debido a todos los detalles que se pueden agregar o dejar de lado tan sólo con mover un poco
la cámara. Un sólo elemento diferente o en otro ángulo o ubicación podría cambiar totalmente
lo que transmite la fotografía.
Pensemos en la imagen que tenemos en el celular como si fuera un

cuadro, considerando el marco que nos la delimita: esto es lo que se
denomina encuadre, y junto con otros factores es el primer
responsable de la composición de la fotografía.
Relación de aspecto
La relación de aspecto es la forma que va a tener este cuadro. Su uso

va a depender del medio donde se vaya a exponer la imagen o de
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gustos personales. Pero, aunque no haya uno mejor que

otro, estas medidas sí afectan la composición.
Por ejemplo, en Instagram (y quizá películas más antiguas)

es común las imágenes de 1:1, es decir, totalmente 1:1
cuadradas.
Hoy en día se utilizan medidas más alargadas,

rectangulares. En general horizontales (en caso de las
películas actuales o para paisajes), pero también hay
fotógrafos que prefieren que sean verticales (en especial
si son retratos). 4:3
Las medidas que posiblemente tengas en tu teléfono son: 1:1 (cuadradas), 4:3 (para una
imagen rectangular pero no tan alargada) y 16:9 (para algo mucho más alargado); aunque
tampoco hay que delimitarse, ya que se pueden cortar y dar otra forma cuando editemos.
Es importante no confundir esas

medidas con el tamaño o calidad de
la imagen, que depende de los
megapíxeles (MP). De hecho, muchos
celulares van a tener estas tres
medidas mencionadas y ofrecerlas en
dos calidades: una más alta (por
ejemplo, 9.1 MP) y otra más baja (por
ejemplo, 3.7 MP).
Planos
Los planos, se podría decir, son la forma en la que la imagen va a interactuar con nuestro
centro de interés, nuestro sujeto. Si quisiéramos fotografiar una manzana, sería totalmente
diferente que lo hagamos a metros de distancia donde se puedan apreciar el lugar donde está
ubicada y pocos detalles de la manzana en sí, a que sea tan cerca que sólo se vean sus colores.
No necesariamente tiene que ver con qué tan cerca estemos nosotros, como fotógrafos, del
sujeto, sino qué tan cerca haga sentir al público.
Debido a que la fotografía de retrato es tan popular y porque también son utilizados en cine,
los planos suelen dividirse en relación al cuerpo humano, como veremos a continuación, pero
eso no implica que no puedan utilizarse con no-humanos.
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Gran plano general (GPG)
Este tipo de plano es el más abierto de

todos, y comprende gran cantidad de
paisaje. Sirve para describir y ubicar el
lugar donde sucede la foto. Los
personajes no tienen importancia o
tienen muy poca, ya que lo importante
es la localización, el escenario o
contexto de la imagen.
Plano general (PG)
Este tipo de plano muestra también una gran

cantidad de paisaje, pero no de una manera tan
lejana e impersonal como el GPG. Suele tener
algo que protagoniza el plano, un punto de
interés; no es simplemente un paisaje amplio.
Pero, aunque tenga un “protagonista”, el fondo
tendrá casi la misma importancia. Así, permite
contemplar los personajes de cuerpo entero
pero también una amplia información del
contexto, reconocer al sujeto y al entorno de forma precisa.
Plano entero (PE)
Nuestro modelo o elemento de interés

sale completamente, y ocupando de
arriba a abajo todo el encuadre. Con una
persona, aparece todo el cuerpo, se es
capaz de reconocer todas las
características del modelo y un poco del
contexto donde se sitúa. El protagonista
de nuestra foto por tanto ocupa todo el
encuadre, convirtiéndose en el punto de
interés de la toma.
Plano americano (PA)
El nombre “plano americano” viene de los

tiempos en los que triunfaban las películas del
género Western o de vaqueros, donde era
importante que las armas que llevaban los
protagonistas en la cintura se vieran lo
suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la
línea de corte. Algunos lo llaman también plano
tres cuartos. El sujeto se encuadra
aproximadamente de la cabeza hasta, más o
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menos, las rodillas. Este tipo de plano te permite resaltar suficientemente el rostro y la figura
de la persona.
Plano medio (PM)
El plano medio es un poco más discutido,

pero va desde la cabeza hasta algún punto
entre la cadera y pecho. Con este plano
podemos aislar a nuestro sujeto,
descontextualizándolo de su entorno para
concentrar en él toda la atención; del fondo
se obtiene muy poca información, sólo para
enmarcar al sujeto.
Primer plano (PP)
Recoge el rostro y los hombros. Este tipo de

plano (al igual que el plano detalle y el
primerísimo primer plano que ya veremos)
da cierta intimidad con el modelo debido a
su cercanía; su pose no es muy importante,
a diferencia de su rostro y la expresión que
tenga.
Primerísimo primer plano (PPP)
El primerísimo primer plano va un paso más allá

que el primer plano. La cara rellena por
completo el encuadre, en general captando el
rostro desde la altura de la frente hasta por
debajo de la barbilla. Acá no hay fondo y nada
que distraiga del rostro.
Plano detalle (PD)
Como su nombre indica, muestra el detalle

de un objeto o de una persona. Es el más
cercano de todos, y es el que toma una
pequeña parte del cuerpo, que no
necesariamente se tiene por qué
corresponder con el rostro.
Ángulos
Como mencionamos al principio de Encuadre, quizá cuando pensamos en sacar una foto se nos
ocurre ponerla a la altura de nuestros ojos, paralelo al piso, pero, como ya dijimos, esta no es
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la única opción. Los ángulos dependen de cómo se posicionará el lente de la cámara en

relación al sujeto; no su cercanía en sí, sino la altura. Existen seis tipos:
Ángulo cenital
Podríamos decir que es una variación del ángulo

picado (el cual veremos a continuación), donde lo
llevamos a su punto más extremo: la imagen se toma
en un ángulo completamente perpendicular (o de
90°), de arriba hacia abajo, con respecto al suelo. Es
decir, estamos justo encima de lo que estamos
fotografiando, y lo que estamos fotografiando lo
tenemos justo debajo.
Ángulo picado
El punto de vista de la cámara se sitúa por encima

del sujeto a fotografiar, apuntando hacia el suelo
(de arriba hacia abajo), en un ángulo más abierto
que el cenital. Este tipo de ángulo transmite cierto
dramatismo, poniendo a tu personaje u objeto por
debajo, empequeñeciéndolo, mostrando cierta
vulnerabilidad.
Ángulo normal
La cámara se coloca a la altura de los ojos (de

nuestro sujeto) y mira en dirección paralela al
suelo, que resulta más natural al fotografiar.
Proporciona una sensación de estabilidad y
tranquilidad, ya que es la posición en la que todos
observamos el mundo.
Ángulo contrapicado
Como te imaginarás, este es el opuesto al

ángulo picado; colocamos la cámara de modo
que tengamos un punto de vista ligeramente
bajo y apuntando hacia arriba. Con esta
perspectiva, el sujeto se agranda visualmente,
dándole
mayor
importancia
y una posición dominante, de poder y fuerza.
Ángulo nadir: Este es plano contrario al cenital, ya que en

este caso la cámara apunta directamente hacia el cielo o
techo, por lo que lo podemos considerar un contrapicado
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“extremo” (la cámara se sitúa completamente por debajo del personaje y perpendicular al
suelo).
Ángulo aberrante
En este ángulo, la cámara gira generalmente entre 25 y 45 grados,

pero no en relación con nuestro personaje sino con la línea del
horizonte, quedando así inclinadas todas las figuras verticales u
horizontales. Este ángulo se utiliza generalmente para transmitir
irrealidad, inestabilidad, locura, o para sumar dinamismo jugando
con las líneas conductoras (que veremos más adelante).
Los tercios
La regla de los tercios es una simplificación de otra "regla", la proporción áurea (que, por su
complejidad y falta de practicidad, no vamos a explicar acá).
Los tercios implican dividir a la imagen (según su relación de aspecto) en nueve rectángulos
iguales a partir de dos líneas horizontales y dos verticales. Muchos celulares, aunque no todos,
tienen la opción de activar estas líneas para que aparezcan cuando sacamos la foto (pero no en
la imagen final).
Según esta regla, la atención de la gente suele dirigirse a uno de los cuatro puntos de
intersección resultantes de estas cuatro líneas cruzadas. Además, aporta a la imagen cierto
dinamismo que no se tendría si sólo centráramos nuestro sujeto.
Estas intersecciones tienen diferente "potencia" visual. El punto más cercano a la esquina
superior derecha (1) tiene el mayor peso, después el punto cercano a la esquina superior
izquierda (2), después el cercano a la esquina inferior derecha (3) y por último el más cercano a
la esquina inferior izquierda (4). Aunque no siempre nuestro sujeto se encontrará en solo un
punto de atención, muchas veces ocupará dos.
En el caso de los paisajes, por ejemplo, se recomienda no dejar la línea del horizonte en el
centro de la imagen sino a la altura de una de estas líneas horizontales. Si es la superior o
inferior dependerá del efecto que quieras darle o la parte que más quieras mostrar (cielo o
tierra).
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Pero, aunque se diga “regla”, como cualquier regla, se puede romper o simplemente usarla
como guía. Esto dependerá de la foto en sí y cómo los diferentes elementos de ella colaboren
entre sí.
Aire
El "aire" en una foto es el espacio que el sujeto de

atención no está ocupando. En relación con los tercios,
si hiciéramos un plano medio dejando a la persona en
los puntos de la izquierda, todo el espacio restante
sería aire.
Es normal que, si la persona de la imagen mira, se

mueve, señala (o algo del estilo) hacia alguna dirección
de la imagen, se deje aire en esa misma dirección; así
la mirada podrá seguir esa misma dirección y recibir más información.
Tener una persona a la derecha de la imagen mirando a la derecha (donde ya no vemos),

dejando aire a la izquierda, suele sentirse algo incómodo o entorpecido, en especial si no hay
información visual que nos interese de ese lado.
Composición II: Escena

Qué capturamos con la cámara y cómo utilizarlo
Centro de Atención
Antes de fotografiar debemos definir concretamente cuál
es nuestro punto de interés, o sea, qué es lo que
queremos captar en esa imagen, qué queremos mostrar y
que el resto vea. Es como pensar qué vamos a decir antes
de decirlo.
Además, es recomendable tomarnos el tiempo para

considerar si el resto de los elementos diferentes a
nuestro punto de interés son necesarios en el encuadre o
podemos desecharlos. Estos elementos deben siempre
reforzar la intención de la fotografía, acentuar y resaltar a
nuestro centro de interés, no distraer a la vista.
Peso
Ciertos sujetos tienden a atraer la vista más que otros,
ya sea porque aprendimos a esperar más información
de ellos o porque estimulan nuestras emociones.
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Así, en una persona, lo más atractivo para la mirada suele encontrarse en el rostro humano,
especialmente en los ojos y boca.
Otro sujeto atractivo es la escritura, aunque la lengua

en la que esté sea desconocida para el público.
Todo esto nos puede ayudar a definir mejor el centro

de atención o atraer la vista hacia el mismo. También
lo contrario: asegurarnos que ningún otro factor más
atractivo quite atención a nuestro sujeto.
Formas y líneas
Las líneas y formas se encuentran en todos lados: los umbrales de una puerta son líneas
verticales y una pelota tiene una línea curva; una puerta es un rectángulo y una pelota una
esfera. Estos dos componentes van de la mano porque uno define al otro.
Las líneas pueden existir de forma literal, ser creadas por el contraste entre un elemento y otro,
o ser creadas por nuestro cerebro gracias a la unión de dos o más puntos.
“Leading lines”
Las leading lines, por su término en inglés que significaría algo como “líneas conductoras”. Son
una forma de composición que consiste en guiar la vista del espectador por la imagen, haciendo
un camino fácil que suele comenzar al borde de la
imagen hasta llegar a nuestro sujeto. Esto se puede
conseguir ya que nuestros ojos tienden naturalmente
a seguir líneas. También ayudan a crear la sensación
de profundidad u obligar al espectador a recorrer más
de la imagen, o recorrerla de una forma en particular.
Como cualquier herramienta de composición, es

importante entender cómo usarlas. Ya que, si se las
utiliza de forma inconsciente, pueden dañar la
composición dirigiendo la mirada al lugar equivocado.
“¿A dónde se dirigen tus líneas conductoras?” es la pregunta más importante que se debe hacer
acá. Si la respuesta es "a ninguna parte en particular" o "fuera del cuadro", puede generar cierta
confusión.
Luz
Conceptos básicos de luz
¿Por qué es importante la luz? Como ya dijimos: porque sin luz no tenemos imagen; “foto”
quiere decir luz y “grafía”, dibujo. Así que podríamos decir que fotografiar es dibujar con luz.
La luz es controlada por el fotógrafo para que las imágenes resultantes presenten el efecto
deseado, y ésta puede venir de diferentes fuentes: artificiales o naturales.
Con la luz artificial debemos seleccionar el tipo de luces y acomodarlas para tener el efecto
deseado, mientras que, con la luz natural, debemos adecuarnos a las condiciones de ese
momento, el lugar y el clima, o esperar esas condiciones.
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A su vez, la iluminación cumple dos funciones: técnica y estética. La primera se encarga de

proporcionar luz suficiente para una exposición adecuada, y la segunda consiste en hacer al
sujeto visible y proporcionar belleza o expresar un sentimiento.
Calidad
Calidad se refiere al tipo de sombra que produce la
fuente de luz sobre el sujeto: dura y nítida o suave
y difusa. La luz dura proviene de una fuente
compacta y puntual, por ejemplo, una vela; la luz
suave proviene de una fuente envolvente y de
mayor tamaño, por ejemplo, en un día nublado.
Dirección
La dirección de la luz determina dónde se proyectará la
sombra en el sujeto y su entorno, lo que afecta su apariencia
y volumen.
Similar a los ángulos de la cámara, existe la iluminación

cenital y nadir, la primera viniendo desde arriba y la segunda
desde abajo.
También tenemos luz frontal, proviniendo de frente al sujeto,

como sucedería si usamos el flash del celular, lo que
proporciona un efecto plano, sin volumen.
La luz lateral proviene de los costados y provee más textura y

volumen. Mientras que el contraluz se hace cuando ubicamos
la fuente de luz del lado contrario a la cámara, dejando al
sujeto en medio; esto resalta la silueta del sujeto.
Contraste
El contraste es la diferencia entre las partes más claras y más oscuras del sujeto.
A diferencia del ojo, las cámaras no pueden captar los detalles de ambas zonas (claras y
oscuras) simultáneamente si hay mucho contraste. Por ejemplo, si deseamos captar el detalle
en una zona clara, las sombras quedarían totalmente negras, aunque nuestros ojos sí puedan
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apreciar el detalle. Y si exponemos para obtener el detalle de las sombras, la foto se “quemaría”,
o sea, se perdería el detalle de la zona iluminada quedando totalmente blanco.
Por ejemplo, si tuviéramos un rostro iluminado por el atardecer y quisiéramos captar todos los
detalles, tanto de las sombras como las partes iluminadas, podríamos añadir una fuente de luz
adicional en la dirección opuesta, para iluminar levemente las sombras. A esto se le llama luz de
relleno, para sujetos relativamente pequeños, retratos, etc.
Esto haríamos, claro, si nos encontráramos en una situación en la que

contamos con equipos de iluminación. Pero como dijimos
anteriormente, la idea de este taller es que pensemos cómo
prepararnos para las situaciones donde no tendremos tanto control:
registros callejeros, actos, muestras de talleres. Donde no contaremos
con luces adicionales, ni tiempo de sobra. Pensemos por ejemplo en
una manifestación: si vamos a fotografiar personas bajo la sombra de
un árbol en un día soleado, debemos cuidar que los fondos no tengan demasiada luz y ubicarnos
nosotrxs de manera que evitemos los altos contrastes.
Si bien, la edición puede ayudarnos luego a balancear las luces y sombras, no logrará
emparejarlo del todo en situaciones extremas. Por lo que debemos tener esto en cuenta antes
de tomar nuestras fotos.
Fuentes
Artificial
La luz artificial proviene de cualquier fuente luminosa fabricada por el

hombre. Existen diferentes tipos de luces fotográficas, pero no vamos a
profundizar en este tipo de fuentes ya que no son tan accesibles, ni nos
serán predominantes en nuestros registros barriales.
Natural
La luz natural es la luz del Sol

en cualquiera de sus formas: directa, difusa,
reflejada, o en distintas combinaciones. Y es en la
que profundizaremos, por su evidente carácter de
accesibilidad.
Aunque siempre provenga de la misma fuente, las

formas en las que la luz del Sol se modifica o puede ser modificada permiten miles de tipos de
iluminación.
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Por ejemplo, el Sol puede estar en diferentes puntos del cielo a lo largo del día, además que
podemos lograr diferentes efectos según dónde nos posicionemos nosotros según su ubicación.
La elección del punto de vista, la hora en la que sacamos la foto y, sobre todo, la anticipación,
son habilidades fundamentales cuando se trabaja con luz natural.
Luz de la mañana
El amanecer proporciona una luz lateral suave, cálida y de colores saturados.
Luz del mediodía
La luz del mediodía se suele considerar

demasiado dura para hacer fotografías,
creando sombras desagradables debajo
de los ojos o provocando que la gente
entrecierre los ojos. La solución que podemos usar es
modelar la luz con difusores y reflectores, como ya
mencionamos en el apartado de “calidad” (si la situación
lo permite). Pero comprendemos que no siempre tendremos esta opción y habrá ocasiones que
ameriten registros inmediatos, en horarios como este. Es aquí donde debemos ser más creativos
y buscar una luz reflejada o situarnos en una dirección que nos resulte no tan dañina para
nuestras fotos.
Luz del atardecer
Mientras la luz de la mañana es suave y difusa, la luz del

atardecer es una fuente más intensa, dura e inclinada
que proyecta largas sombras sobre el terreno.
Las puestas de sol son posiblemente el motivo más

fotografiado; los intensos rojos y dorados del atardecer
nunca dejan de agradar a la vista y a menudo
despiertan emociones profundas.
Edición
Una vez que preparamos todo y sacamos la foto, ¿cuál sería nuestro último paso? Editar.
Aunque hay gente que prefiere dejar la imagen intacta, otros lo consideran un paso
imprescindible; algunas veces la cámara no capta lo que en realidad estábamos viendo, otras
veces no transmite el mensaje o sensaciones que buscamos, o simplemente queremos cambiar
algo por una cuestión estética.
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En este taller proponemos dos aplicaciones gratis de celular bastante útiles y sencillas para
retocar nuestras fotos. En orden de simplicidad, éstas son: VSCO y Snapseed.
Filtros, edición manual y curvas

En la mayoría de los editores de celular (no sólo los mencionados) es normal encontrarse con
estas tres formas de retoques: filtros, edición manual y curvas.
Filtros
Debe ser lo más común, lo que se encuentra hasta en las aplicaciones de edición más básicas,
incluso en WhatsApp, que ¡no es un editor de fotos!
Los filtros, de forma fácil, son ediciones (que se podrían conseguir con la edición manual y/o
curvas) predeterminadas que, en general, podemos aplicar a una foto en cantidades. Estos
retoques suelen variar en luminosidad, contraste, temperatura, combinación de colores y la
sensación que transmite.
Así, por ejemplo, tenemos filtros que dan la idea de una foto antigua, como una en blanco y
negro o por un modelo de cámara vieja. Otras simplemente aclaran la imagen y vuelven las
sombras azuladas, dando una sensación invernal quizá. También hay algunas que hacen que
todos los colores fríos se acerquen más a un verde o celeste mientras que los colores cálidos se
tornan más naranjas o rojizos, haciendo que toda la imagen cobre un esquema cromático
complementario.
Muchos de estos filtros suelen ser muy intensos y, si se abusa de ellos, puede destruir un poco
la foto; por eso mismo en general uno tiene la opción de bajarle la intensidad y hacer estos
efectos menos notables. Quizás la imagen no se aclara tanto, o el amarillo no se vuelve tan
anaranjado y el contraste no es tan exagerado.
Usarlos en su justa medida puede generar bastante armonía de forma sencilla en la foto.
Edición manual
Similar al modo manual en la cámara, que te permite decidir vos sobre cómo se va a capturar la
foto, podemos conseguir “filtros” propios si nos ponemos a jugar con estas herramientas.
No todas las aplicaciones de edición tienen estas herramientas o todas las opciones, es por eso
que particularmente recomendamos algunas que las tienen.
Como en este taller queremos que puedan conseguir buenas fotos sin la necesidad que sean
profesionales, esto es en lo que nos enfocaremos más adelante (en “Herramientas”).
Curvas
En todavía menos aplicaciones nos encontramos con las curvas, una herramienta que permite
con aún más detalle y libertad tratar las luces, contraste y colores de una imagen. Pero como es
19
compleja (o más bien: difícil de tomarle la mano) no vamos a entrar en detalles con ella, más
allá de saber que existe y que, si la exploramos un rato y entendemos, puede ser de mucha
ayuda.
Un poco sobre cada aplicación…
VSCO
VSCO es, de las dos aplicaciones ofrecidas, la más sencilla y liviana, pero no por eso
menos buena. Es la mejor para vos si no te interesa hacer ediciones muy
importantes o si buscás filtros prolijos y agradables o crear los tuyos propios.
A la vez que es aplicación de edición, es una red social para compartir fotografías (no
tanto como Instagram, sino más orientada a lo artístico), así que requiere que crees
una cuenta, pero no es necesario publicar nada.
Una vez tenemos hecha la cuenta, en la parte inferior nos aparecen cinco íconos: los dos
primeros tienen que ver con su función de red social y descubrir fotos; el del medio (el que nos
interesa) nos lleva al “estudio”, donde subimos las fotos que queremos editar, las editamos, y
guardamos (sin necesidad de guardarlas en el celular, aunque eso significa que requiere
Internet); el cuarto ícono nos lleva a nuestro perfil de la red social donde podemos ver nuestras
fotos compartidas; y la última opción es para la versión paga de esta aplicación.
Estando en el estudio tenemos los íconos para usar la cámara de la aplicación o importar fotos,
que no es muy distinto a otras aplicaciones. En un principio nos ofrece algunos filtros y ajustes
preestablecidos gratis que podemos ajustar a gusto propio; hay muchos más, pero son pagos.
Si miramos la parte inferior de la pantalla otra vez, vemos cuatro íconos. Los filtros están en el
primero. El segundo nos lleva a la edición manual.
Su forma de edición es bastante intuitiva: hacemos clic en alguna herramienta y nos presenta
una barra con un punto. Si movemos el punto a la derecha o izquierda sobre la línea, aumenta
el efecto de la herramienta o no; si nos gusta, hacemos clic en la tilde, y sino, en la cruz.
El tercer ícono en la parte inferior nos abre una pestaña con las opciones: borrar todo, deshacer
o la de editar/borrar las ediciones que hicimos individualmente. Además, nos muestra un signo
más que nos permite guardar esos ajustes para tener nuestros propios filtros ya hechos.
El cuarto ícono es, otra vez, sobre las opciones pagas.
Cuando terminamos la edición, en la parte superior de la pantalla, tenemos las opciones de

guardar o publicar. Cabe aclarar que esa opción de “guardar” sólo sirve para guardarla en la
aplicación, y si queremos guardarla en el celular tenemos que (una vez guardada en la aplicación)
hacer clic en los tres puntos de la parte inferior, donde tenemos las opciones: compartir, guardar
en la galería (o sea, el celular), y eliminar.
Snapseed
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Snapseed es un poco más completo y bastante flexible: lo podemos usar para

cuestiones similares a VSCO o arreglárnosla para hacer cosas que, uno pensaría, sólo se
pueden conseguir en Photoshop en una computadora.
La aplicación en sí tiene un diseño muy minimalista que, una vez le tomamos la mano,
resulta muy fácil de usar.
Su pantalla de inicio es un signo más con una clara indicación por debajo: presiona en cualquier
lugar para abrir una foto. Si hacemos caso, sólo tenemos que buscar en nuestra galería la foto
para editar.
En la parte inferior tenemos tres opciones: estilos (los que acá explicamos como filtros),
herramientas, y exportar (o sea, guardar).
En “estilos” tenemos ajustes preestablecidos, que más que ser filtros que buscan cambiar la
iluminación y colores de la foto, estos buscan embellecerla, quitarte el trabajo duro; lo malo es
que no podemos ajustar la intensidad. Usarlos no está mal, pero no siempre son la mejor opción.
Si vamos a “herramientas” se nos abre una pestaña con muchos íconos que quizá intimiden un
poco. Y acá viene su flexibilidad: podemos usar unos pocos o todos.
Estos íconos, más que herramientas de por sí, son “carpetas” para estas herramientas, ya que,
por lo general, hay más de una adentro.
Una vez dentro de estas carpetas, la forma de usarlo suele ser la misma: si arrastramos el dedo
para arriba o abajo tenemos el menú de las herramientas reales que se van marcando con azul
a medida que la seleccionamos. Habiendo seleccionado una, si deslizamos el dedo a la derecha
suele tener un resultado de la edición, y a la izquierda, otro. En la parte de arriba de la pantalla
nos muestra una barra con el número de intensidad.
En la parte superior también hay un cuadrado con una línea que lo divide. Si le hacemos clic nos
muestra la foto sin esa edición.
Además, en muchas carpetas hay un ícono como de una varita mágica que hace una edición (de
todas las herramientas de la carpeta) automática. Algunas veces es útil, otras no.
Otro tipo de funciones que nos podemos encontrar tienen que ver con herramientas específicas.
Por ejemplo:
● en la herramienta “rotar”, mover el dedo para la izquierda y derecha o arriba y abajo,

más que aplicar un efecto, gira la imagen.
● En la herramienta “efecto de enfoque” se nos muestra un punto en el centro y dos
círculos alrededor. Si hacemos clic sobre el punto, podemos arrastrarlo por la imagen.
Si ponemos dos dedos sobre la pantalla y los movemos, podemos deformar esos
círculos. Además de tener el menú de herramientas como ya explicamos.
● En la herramienta “selectivo”, si movemos el dedo sobre la imagen se abre una lupa. Si
soltamos, se crea un punto en ese lugar. Una vez hecho el punto, si subimos o bajamos
el dedo tenemos un menú de herramientas otra vez que funcionan como ya explicamos,
pero sólo en la sección de la imagen que ese punto tome. Si queremos ver qué toma el
punto, tenemos que apretar la pantalla con dos dedos al mismo tiempo y vas a ver que
se pinta de rojo. Podemos agrandar o reducir el círculo abriendo o cerrando los dedos,
y crear más puntos con el signo más que hay abajo.
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● En la herramienta “pincel” podemos pasar el dedo por la pantalla y “dibujar” la edición,

es decir, marcar las zonas que se van a ver afectadas por esa edición. Además, podemos
cambiar la intensidad del efecto con los íconos de flechas en la parte inferior de la
pantalla.
Así entre otras cosas que, jugando un poco con las herramientas, podemos descubrir.
Otra particularidad de esta aplicación está en la parte superior de la pantalla, en un ícono con
una flecha para atrás. Si le hacemos clic se nos abre un menú con las opciones deshacer (para
volver un paso atrás), rehacer (para volver un paso adelante), revertir (para borrar todas las
ediciones), y la opción “ver cambios”, que, similar a VSCO, nos muestra las ediciones individuales
que hicimos. Al seleccionar la edición o “capa” podemos borrarla (primera opción de izquierda
a derecha), modificarla (última opción) o hacer lo que se llama máscara (opción del medio). Esto
nos permite hacer algo muy similar a la herramienta “pincel” y pintar sobre la foto, marcando
sólo algún lugar donde ese efecto sea aplicado.
También cabe aclarar que las herramientas que no explicamos en la sección de “herramientas”
tiene que ver con a) la obviedad de la herramienta (como la de “texto”); b) su especificidad
(como la de “cabeza”, que igual invitamos a explorar); o c) porque son más bien filtros (como
“blanco y negro”, “grano de película”, “vintage”, etc.), de lo que ya hablamos.
Antes de terminar, si no tenemos ninguna herramienta seleccionada y presionamos sobre la

pantalla sin soltar, nos muestra la foto sin ediciones.
Y finalmente, si vamos a “exportar”, podemos guardar la foto.
RAW
Quizá les suene el “formato JPG” o “JPEG”, que es el tipo de archivo en el que normalmente se
guardan las imágenes. Es un formato bastante práctico porque es universal (es decir, lo
podemos ver en prácticamente todos los dispositivos) y liviano, no ocupa mucho espacio.
Cuando sacamos una foto con nuestro celular, en general su formato es este mismo, pero no es
nuestra mejor opción cuando se tratan de fotos (fotos importantes, al menos). Esto es porque
las diferentes cámaras (de celulares o comunes), para conseguir la imagen JPG, deben procesar
la información tomada y, por decir, editarla, para que quede lo mejor posible. Automáticamente
cambia el balance de blancos, temperatura, contraste, saturación, entre otros. Por eso muchas
veces no hace falta ni editar una foto después de sacarla, y por la misma razón muchas veces la
foto que sacamos no se parece nada a la realidad.
El problema de todo esto es que, al ser un formato liviano, comprimido, se pierde mucha
información de la foto y, al editarla nosotros mismos, estamos intentando re-armar un
rompecabezas con piezas faltantes.
Entonces, ¿qué significa RAW?
Es un tipo de formato para fotografías que, a diferencia del primero, puede ser cuatro veces
más pesado y sólo es visible en una cámara; si lo queremos compartir sí o sí tenemos que
editarlo, no es una opción.
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“Raw” es una palabra en inglés que significaría algo como “crudo” o “en bruto”, que tiene
bastante que ver con cómo funciona como formato, ya que contiene la totalidad de los datos
captados por la cámara. Es algo sin cocinar.
Pero a nivel práctico, ¿qué significa todo Unesto?
Para empezar, significa que cuando veas la foto sin editar, posiblemente te parezca mucho más
fea que la que podías sacar en JPG; debido a que no
está comprimido y “arreglado”, todo se ve bastante
gris y plano. Sin embargo, cuando nos ponemos el
trabajo de editar por nosotros mismos, a diferencia
de una foto grisácea en JPG que podemos “estirar”
para que tenga más contraste y colores, con la foto
RAW podemos conseguir ese contraste y color de
forma más natural y orgánica porque esa
información está en la imagen. No la estamos
inventando.
Y esto aplica a otras cosas: quizá aumentar la luz en las sombras en un archivo JPG implicaba
terminar con un color grisáceo. Con el RAW no sucedería eso; podríamos sacar una foto bastante
oscura y salvarla, con colores vivos y una buena luz, porque, nuevamente, la información está
ahí.
Ahora, esto no significa que la foto con tus amigos o las de un cumpleaños la vayas a sacar en
RAW y editar… A menos que quieras. Con esto no queremos demonizar al JPG porque,
nuevamente, es muy útil y práctico, además de rápido.
Si estamos haciendo registros que necesitan ser enviados rápidamente, no queremos usar el
modo manual de la cámara, queremos una edición nula o mínima, o simplemente no tenemos
mucho espacio en nuestro celular, un archivo JPEG es más conveniente.
Pero si buscamos algo más profesional, con más

opciones de edición y más calidad, es mucho más
conveniente el RAW, con lo que eso conlleva: usar el
modo manual, ocupar más espacio, y editarlo.
Como ya explicamos al principio de este documento,

dependiendo de tu celular, la opción de RAW se puede
encontrar en la configuración de tu cámara, en la
parte de la calidad y tamaño de imagen. Las
aplicaciones que mencionamos para edición aceptan
este formato, así que no hay necesidad de usar otra. Eso sí: si te aparecen un par de opciones o
herramientas nuevas, ¡no te asustes! Eso es para “revelar” la foto y que puedas hacer el trabajo
que tu celular no hizo automáticamente como con las fotos en JPG.
Consejos extras
Durante el taller dimos algunos consejos que, por no entrar tanto en la teoría, no están descritos
en acá. Pero si no tomaste nota o faltaste, ¡no importa! A continuación, vamos a escribir algunos
para que los tengas en cuenta:
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● No sobreedités la foto si querés dar una sensación de realidad o naturalidad.

● Si tu celular tiene la opción de RAW, en general podés hacer que guarde la misma foto
dos veces: una en JPG y otra en RAW.
● Si querés sacar una foto en blanco y negro, siempre es recomendable sacarla en color y
editarla después, aunque tu celular te de la opción de sacarla directamente sin colores;
esto es porque hay diferentes formas de decidir qué zonas van a ser más oscuras o
claras, y en la fotografía en BYN eso es un pedazo de vital importancia.
● Un filtro en blanco y negro puede salvar fotos con poca luz, ruidosas, borrosas, con
movimiento, muy oscuras o muy claras, entre otras. Hay que probar.
● Los filtros de colores pueden ayudarte a que los colores de tus fotos se vean más
armónicos, en vez de planificar con luces y composición los esquemas cromáticos.
INFODEMIA Y FAKE NEWS

Bien, ya tenemos los conceptos claves para tomar una buena fotografía, o para saber
seleccionar y editar con criterio las fotos que nos envíen nuestros compañeros. El siguiente
paso es la difusión de las mismas. Pero antes de publicar, es necesario que tengamos en
cuenta que existen en la web muchos tipos de información circulando, de muchos medios y
usuarios diferentes.
Como hablábamos al principio, los celulares y las redes sociales democratizaron el internet, lo
que conlleva a una pluralidad de voces. Pero esto no significa que siempre sea una ventaja. Si
vamos a ser administradores de nuestros contenidos, tenemos que saber que internet es un
espacio donde no podemos confiar ciegamente en toda la información que se nos presente.
Debemos ser cautelosxs, no aceptar cualquier información como una verdad absoluta y
también comprender que ser comunicadores conlleva una gran responsabilidad en la
información que compartimos.
Identificar conceptos como la Infodemia y las Fake News nos ayudará a entender un poco
más de lo que estamos hablando:
La infodemia se define como el exceso de información sobre un tema, que muchas veces
conlleva a rumores que dificultan encontrar
información veraz y confiable. Son noticias falsas,
rumores nocivos, de rápida propagación y que
aumentan el pánico en la sociedad. Y, si se trata de
temas delicados, puede incluso traernos
problemas serios de salud.
En los últimos tiempos, la desinformación y

la circulación de noticias falsas fueron también
parte de la pandemia del coronavirus.
Por tu salud mental y para controlar tu ansiedad es mejor que evites la sobre-información.
24
Las Fake News, por otro lado, hacen referencia a la difusión de contenido engañoso, falso o
fabricado. Que genera un circuito vicioso, donde una noticia falsa se replica miles de veces en
cuestión de segundos.
Existen siete tipos de contenido erróneo que puede circular:
1) Sátira o parodia: No pretende causar daño o engaño.

2) Contenido engañoso: Se trata del uso engañoso de la información para incriminar a
alguien o algo.
3) Contenido impostor: Es el tipo de información que suplanta fuentes genuinas.
4) Contenido fabricado: Contenido nuevo que es predominantemente falso, diseñado
especialmente para engañar y perjudicar.
5) Conexión falsa: Cuando los titulares, imágenes o leyendas no coinciden con el
contenido.
6) Contexto falso: Cuando el contenido genuino se difunde con información de contexto
falsa o recortada.
7) Contenido manipulado: Cuando información o imágenes genuinas se manipulan para
engañar.
¿Cómo podemos combatir las Noticias Falsas e Infodemia?

Es mejor siempre primero desconfiar hasta asegurarnos que esa información haya sido
publicada en sitios oficiales y confiables.
Por ejemplo, en caso de tratarse de cuestiones de salud, es importante compartir sólo
información oficial de los Ministerios de Salud de la Nación y la Provincia y de la Organización
Mundial de la Salud, antes de portales de origen desconocido.
¿Qué hacer cuando...?

● Cuando recibimos una noticia: mirar la fuente de información, quién lo publica, el
contexto en el que se hace y la fecha. Ver que no sea de otro país o fotos antiguas, etc.
● Cuando leemos noticias: desconfiar de los títulos llamativos y alarmistas, y siempre
leer toda la noticia y no quedarse sólo con el título.
● Cuando tenemos dudas: buscar el título de la noticia, o las imágenes y videos que
recibas, copiando los links y pegándolos en los buscadores para ver si existen.
● Cuando recibimos mensajes reenviados (por ejemplo, en WhatsApp): no lo creas como
real ni los reenvies, hasta que no confirmes si son ciertos. Preguntá a quien te lo envió
de dónde sacó la información.
¡Una forma de cuidarnos es que no circule información falsa!
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DISEÑO GRÁFICO: LOGOS Y FLYERS

Una vez tenemos presentes los cuidados y responsabilidades que conlleva administrar nuestra
red social como comunicadores, podemos pasar a los siguientes elementos que completarán
nuestro perfil: por un lado necesitamos un logo, el cual nos dará una identidad única, y por
otro, debemos aprender a diseñar un flyer digital, que nos servirá para difundir mensajes e
información sobre nuestros eventos. Ambos elementos requieren de conocimientos sobre
diseño gráfico. Y, si bien este es un lenguaje tan complejo como la fotografía, haremos un
resumen de los puntos más importantes a tener en cuenta para poder incursionar en el diseño
de este tipo de imágenes.
Vamos por partes…
-El logo es un símbolo compuesto por elementos gráficos, texto e imagen que sirve como el
identificador visual de una agrupación, empresa, proyecto o entidad del tipo que fuera.
Muchas veces, a la hora de encarar un perfil, necesitaremos de una imagen que nos
represente. Y para eso, debemos decidir cuál será nuestro nombre y cómo será el diseño que
necesitamos.
-El flyer digital, por otro lado, es una herramienta utilizada

para comunicar un mensaje, bien sea para transmitir
información acerca de eventos, vender un producto o
promocionar una tienda. Y su carácter digital hace referencia a
su creación y difusión virtual, que surgió como una adaptación
moderna del flyer o folleto impreso.
Ambos elementos tienen como objetivo despertar el interés de

los usuarios de forma rápida y sencilla, y comunicarles un
mensaje, idea o sensación.
Veamos cuáles son los elementos básicos del diseño gráfico a tener en cuenta:
1. Color
2. Líneas
3. Textura
4. Tamaño
5. Forma
6. Valor
7. Espacio
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8. Tipografía
1. COLOR
Dentro del diseño gráfico, la psicología del color es un campo de la ciencia

que analiza todos los efectos que tienen los diferentes colores en la
percepción de las personas y cómo pueden influir en su comportamiento,
emociones, sentimientos, reacciones e incluso en la toma de decisiones.
Lo ideal es estudiar las tonalidades a utilizar meticulosamente

para conseguir los objetivos que se desean. Los colores se pueden
dividir entre cálidos, fríos o neutros. Cada uno de ellos transmitirá
emociones diferentes, ya sea porque nos recuerdan a algo o
porque se los ha ligado culturalmente a dicho sentimiento. Por
ejemplo, un azul o verde (colores propios del mar o un campo) dan
sensación de tranquilidad, mientras un rojo (asociado al amor) nos
transmite pasión.
Pero no se trata solamente de la elección de un color. La

tonalidad dentro de cada color es importante también. Por
ejemplo, los colores pasteles se asocian con bebés, mientras
que colores más sólidos con la edad preescolar.
Las intensidades de los colores van a crear sensaciones o

reacciones ante los ojos de quien los mira. Por eso, como
comentamos anteriormente, es importante conocer qué
reacciones queremos crear y a quiénes va dirigido nuestro
mensaje.
Ejemplos y significados:
● Gris: Color neutro, pero puede significar inseguridad, desaliento, depresión y falta de
energía.
● Marrón: Seriedad, calidez, naturaleza, confianza, apoyo, practicidad. También puede
tener connotaciones negativas como falta de humor, pesadez y falta de sofisticación.
● Violeta: Relacionado a la espiritualidad, significa también contención, lujo, autenticidad,
verdad y calidad. Negativamente puede significar introversión, decadencia, supresión e
inferioridad.
● Negro: A pesar de que este color está asociado a opresión, amenaza, frialdad y pesadez,
también puede significar elegancia, seguridad, eficacia, sustancia y sofisticación.
● Azul: El azul refleja inteligencia, verdad, comunicación, serenidad, eficacia, lógica, deber,
calma, lógica y reflexión. De la misma forma puede representar frialdad, reserva, falta
de emoción y hostilidad.
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● Rojo: El rojo se asocia a fuerza, valor, calidez, energía, pasión, estimulación,

supervivencia, combate, emoción. También es un color desafiante, agresivo, puede
simbolizar tensión.
● Verde: Este es un color muy relacionado con la naturaleza, frescura y ecología. También
representa la paz, equilibrio, conciencia, seguridad, frescura y descanso. Sin embargo,
de forma negativa puede usarse para representar estancamiento, aburrimiento y falta
de energías.
● Amarillo: Este color simboliza optimismo, alegría, autoestima, fuerza, seguridad,
creatividad y amistad. También puede estar relacionado con el miedo, irracionalidad,
depresión y angustia.
Otra decisión que debemos tomar es cómo combinar nuestros colores. Si

buscamos una mayor armonía, lo mejor es utilizar los colores que aparecen
totalmente enfrentados o contiguos en el círculo cromático, ya que estos suelen
crear las combinaciones más agradables.
2. LÍNEAS
Las líneas no sólo son separadores. Las líneas adecuadas pueden sugerir movimiento y
emociones, lo que permite unificar una composición y lograr una apariencia profesional. Es
importante entender cuándo suman y cuándo no. Recordemos que todos los elementos deben
facilitar la mirada y no distraerla o abrumarla.
3. TEXTURA
Dado que la textura es un elemento táctil, el cual describe las superficies físicas de los objetos,
es sencillo trasladar dicha cualidad al diseño gráfico para crear diferentes sensaciones y agregar
profundidad. Una buena forma de abordarlo es haciendo una relación directa con la temática
de nuestro logo o flyer. Por ejemplo, un taller de carpintería podría tener de fondo una madera
pulida y lustrada.
4. TAMAÑO (de los elementos que usamos en el diseño)
Cada vez que diseñamos un objeto o alguna figura, el tamaño juega un papel
muy importante a la hora de dotar nuestro diseño con una distribución tanto
funcional como atractiva. Así, lo que debemos tener en cuenta:
-El tamaño del que disponemos;
-Si tendremos un título o nombre, y si este irá acompañado por una imagen o
no. Debemos definir jerarquías según la importancia de cada elemento, para que no compitan
entre sí;
-En caso de haber texto informativo, ir disminuyendo el tamaño, de mayor a menor importancia.
5. FORMAS
Hay dos categorías de formas que deben considerarse: las formas geométricas, que se definen
en proporciones uniformes perfectas (como un círculo, un cuadrado o un triángulo) y las formas
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orgánicas, que tienen bordes menos definidos y proporciones fluctuantes y, esencialmente, no

tienen reglas (como las cosas onduladas o con forma de gota, que no se ajustan a ninguna
categoría real).
6. VALOR (contraste, en sombras, colores que usamos)
El valor hace referencia a cuán clara u oscura es el área de los objetos. El uso de gradientes es
una excelente manera de visualizar el valor. Cada sombra entre objetos tiene un valor. Usá el
valor para dar profundidad, patrones o para enfatizar elementos.
7. ESPACIO
El espacio es exactamente lo que parece: las áreas vacías entre los elementos
de un diseño. Cuando se trata de crear diseños propios de aspecto
profesional, a veces, lo que no se incluye es tan importante como lo que sí se
incluye.
Al trabajar en un diseño, considera no sólo los elementos que incorporas

(como las imágenes y el texto), sino también cómo los ordenas y los agrupas en la composición.
8. TIPOGRAFÍA
Debes tener muy claro cuál es la intención de tu composición visual; a partir de eso todo será
más sencillo.
Al igual que los colores y las imágenes, los tipos de letra son parte esencial de un diseño.
La tipografía es un canal de expresión para aumentar la eficacia de un mensaje, por eso es

crucial conocer los tipos de letras que existen y sus usos principales.
Hay 4 tipos de tipografías más comunes:
1. Con serifa: También conocidas como letras romanas, son aquellas que se caracterizan
por tener decorados o remates.
2. Sin serifa: Al contrario de las primeras, las letras sin serifa o de palo seco no cuentan
con adornos o patines en sus terminaciones; sus orillas son lisas y planas.
3. Itálica. También es conocida como manuscrita o script (ojo: no debe confundirse con la
versión inclinada de cualquier tipo de letra). La itálica se distingue por tratar de imitar
el trazo hecho a mano.
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4. Display: La tipografía de decoración es difícil de categorizar, porque su diseño es más

libre y puede implicar estilos llamativos y personalizados que en gran medida se usan
para resaltar un titular.
Las diferentes combinaciones de colores y su juego con la tipografía pueden dar como
resultado una gran variedad de diseños con distintas interpretaciones a su vez.
Canva
Nuestra sugerencia para diseñar
Canva es una aplicación gratuita de herramientas de diseño gráfico simplificado.
Utiliza un formato de arrastrar y soltar, por lo que es sumamente sencilla para
cualquier usuario. Es utilizada del mismo modo por aficionados y profesionales; y
sus herramientas se pueden utilizar tanto para el diseño web como para los
medios de impresión y gráficos.
Una de sus principales ventajas es que no vas a necesitar grandes conocimientos para
utilizarlo, ya que tiene una interfaz extremadamente intuitiva y fácil de utilizar, con centenares
de plantillas y elementos multimedia que puedes agregar. Además de que puedes acceder
desde tu celular o PC.
Esta aplicación ofrece una colección de 8000 plantillas gratuitas para 100 tipos de diseños con
múltiples finalidades. Pero también te permite hacer tus propios diseños desde cero,
añadiéndoles imágenes, otros elementos y textos. Es ideal para crear diseños personales,
educativos o profesionales de panfletos, papelería, y otros tipos de proyectos múltiples. Y, es
mayormente gratuita, aunque te da la alternativa de pagar para obtener opciones avanzadas.
Canva también da la posibilidad de crear videos, pero no nos detendremos en esa sección para
centrarnos en el diseño visual, que es lo que venimos viendo… aunque obviamente podés
investigar esa parte por tu cuenta y obtener grandes resultados.
Veamos cómo se usa, paso por paso…
Lo primero que debemos hacer dentro de la aplicación es iniciar sesión. Y para ello canva nos
ofrece dos opciones: continuar con Google o continuar con Facebook.
Una vez iniciada la sesión podemos comenzar a diseñar, y para ellos tenemos diferentes
opciones:
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-Por un lado, podemos iniciar haciendo clic en el signo “+”, que aparece en
la parte inferior del inicio, en color violeta. Esta opción nos desplegará un
menú con sugerencias de proyectos y sus respectivos tamaños (por
ejemplo: “Flyer 210 x 297 mm”), además de una opción para tamaño
personalizado que, como su nombre lo indica, nos permitirá elegir el
tamaño de nuestra hoja, y la opción editar foto que nos permite empezar
la edición desde una imagen en nuestro almacenamiento.
- Otra forma de empezar a editar es haciendo clic en la herramienta de la

lupa, situada en la parte superior, mediante la cual podemos buscar por
palabras alguna plantilla predeterminada que deseemos utilizar como
base, si no queremos diseñar todo desde cero;
- Y como tercera opción, similar a la anterior, podemos buscar en el abanico de opciones que
nos presenta el inicio, un formato preestablecido que coincida con lo que queremos crear, y
nos permita editar un diseño existente a nuestro gusto. Esta opción es recomendable si estás
empezando a usar la aplicación o si no tenés mucho tiempo
para editar desde cero. Las opciones de formato son más o
menos las mismas que en el menú de la primera opción: post
para Instagram, póster, logotipo, invitación (cuadrada),
tarjeta (horizontal), flyer, etc.
Recordá que es sumamente importante antes de elegir el

formato pensar en a qué público apuntamos, y a qué
plataforma… y a partir de ello, qué tamaño será el
adecuado.
Ahora bien, una vez que ya tenemos nuestro proyecto iniciado, ya sea como una “hoja en
blanco” o un diseño predeterminado, nos aparece la siguiente opción:
● Añadir
Nos figura nuevamente como un signo “+” dentro de un círculo violeta, y si le hacemos clic nos
dará diferentes opciones de búsqueda:
- En la sección plantillas, podemos elegir (otra vez) un proyecto predeterminado para

usar como base.
- A su lado, en la sección elementos podemos encontrar opciones de líneas, formas,
tablas y gráficos, entre otras cosas, que nos serán muy útiles para diseñar nuestro
proyecto y darle personalidad.
- En la sección galería, podemos agregar una imagen de nuestro teléfono como un
elemento más de la composición.
- En archivos subidos, tenemos una especie de “historial” con los elementos que
venimos agregando a canva.
- En texto podemos escribir la parte informativa y, como sucede en las instancias
anteriores, nos da la opción de textos con fuentes y tamaños predeterminados o
textos básicos que podemos editar luego de seleccionarlos.
- Y por último, en la sección más tenemos opciones extras donde encontraremos
paletas de colores, más fondos, etc.
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Esas son las opciones que tenemos para sumar objetos en nuestro diseño. Ahora bien, una
vez que elijamos el elemento que queremos, (ya sea una forma, una imagen de la galería,
o un texto) veremos que haciéndole clic se ubica en nuestra imagen.
De allí, podemos ubicarlo donde queramos, girarlo o cambiar su tamaño con los iconos
que aparecen debajo de él, o bien, utilizar las opciones que aparecen ahora en la parte
inferior de la pantalla: reemplazar, eliminar, duplicar, color, efectos, recortar, girar,
animar, transparencia, etc. Esta nueva lista de modificaciones puede variar según cuál sea
el elemento seleccionado, pero básicamente esas son las que se repiten. La mayoría no
necesita explicación, pero veamos cómo utilizar las siguientes:
- Reemplazar. Nos sirve para reemplazar un elemento por otro en caso de cambiar de
opinión, o también para cambiar los elementos de nuestra plantilla predeterminada
(en caso de haber utilizado una). Es recomendable, si usamos plantillas
predeterminadas de base, que esta herramienta sea nuestro primer paso y que
comencemos por reemplazar el fondo, ya que si lo tenemos definido desde un inicio
podremos seguir editando con un “tono” definido.
Si hacemos clic en esta herramienta, veremos que podemos elegir una imagen ubicada
en nuestra galería, o bien una foto/fondo que nos ofrezca la aplicación.
Al terminar de editar nuestro elemento, simplemente tenemos que hacer clic en otro
lugar de la imagen.
- Duplicar. Nos permite copiar y pegar el elemento seleccionado para utilizarlo más de
una vez. Resulta útil para no tener que buscar nuevamente.
- Efectos. Nos permite aplicar efectos visuales de distintos tipos.
- Animar. Le agrega movimiento a nuestro elemento, pero tenemos que tener en
cuenta que eso convertirá nuestro proyecto en un video y quizás no es lo que
buscamos.
Una vez que terminemos de editar el elemento seleccionado, sólo tenemos que hacer clic
en otro lugar de la imagen.
Y por último, cuando hayamos finalizado y estemos satisfechos con el resultado de nuestro
diseño, podemos guardarlo haciendo clic en la flecha hacia arriba ubicada en la parte
superior, y luego en “descargar”. Allí, podremos elegir el formato: PNG, JPEG, PDF
estándar (si lo compartiremos digitalmente), o PDF para impresión (si lo imprimiremos, ya
que lo guardará en mayor calidad). La aplicación nos recomienda el formato PNG, ya que
es liviano y de una calidad bastante aceptable para difundir tu imagen en redes y páginas
web.
REDES SOCIALES
Claves Generales
Ya sabemos cómo fotografiar y diseñar. Sólo nos queda el último paso: juntar todos estos
conocimientos en nuestro nuevo perfil. Si bien no existen reglas firmes sobre cómo se usan las
redes sociales, hay algunos tips que pueden ser de gran ayuda a la hora de obtener seguidores,
mostrar profesionalismo y hacer crecer nuestro perfil.
⮚ Usar lenguaje sencillo y directo, sin abreviaturas.
32
⮚ Responder e interactuar. Además de publicar, también debemos escuchar.

Pensemos que estamos al servicio de la comunidad de forma online. Seamos cercanos.
⮚ Revisar textos (faltas de ortografía).
⮚ Se recomienda, siempre que se pueda, utilizar contenido gráfico para mejor

captación.
⮚ Compartir otras causas afines.
⮚ Hacer comunidad, involucrando a más gente.
⮚ Generar contenido original y de calidad y, si se puede, hacerlo a través de historias

(storytelling).
⮚ Contenidos que sean útiles para quienes lo leen.
⮚ Ser transparentes y no mentir.
⮚ Y si algo sale mal, pedir perdón y reconocer nuestros errores (no nos olvidemos que
seguimos siendo humanos).
¿Qué publicar y compartir?

● Tener en cuenta siempre a quién nos dirigimos (público objetivo). Podemos dirigirnos
a diferentes personas, y enviarles diferentes mensajes. No es lo mismo hablar con
empresas, que con adolescentes, mujeres o trabajadores.
● Horarios: Publica preferiblemente en los horarios donde tu audiencia presenta
mayor respuesta. En Facebook hay una tendencia que indica más actividad entre la 1 y
las 4 pm, mientras que en Instagram generalmente, los fines de semana (sobre todo
los domingos) de 7 a 10 pm aproximadamente. Esto va de la mano con el público al
que apuntamos. Los jóvenes (usuarios de Instagram) suelen postear más los fines de
semana.
● Compartir contenidos actuales, estar al día, posicionarnos siempre que estemos
seguros de que nuestra organización defiende unas ideas y desea manifestarlo
públicamente.
● Uso de lenguaje inclusivo.
● Adaptar los contenidos a cada red social.
● Dar respuesta a comentarios y menciones.
● Si usamos el humor, mantener siempre el respeto.
33
● En ocasiones, ir más allá de nuestro mundo interno. No quedarnos siempre en

hablar con la gente que ya nos sigue, dándonos la razón entre quienes ya opinamos
igual, sino buscar nuevos adherentes.
● Siguiendo lo anterior, es importante utilizar un lenguaje comprensible para
todos los públicos. No usar palabras propias sólo de nuestros círculos.
● Emplear #hashtags lógicos y prácticos. Ser escuetos,
#notodaslaspalabrasjuntassonbuenas y #no #saturar #con #hashtags.
● Revisar siempre antes lo que se ha publicado para no duplicar las publicaciones.
Facebook
● Los contenidos con fotos tienen más visualizaciones. Hacer uso de ellas y de los
álbumes. El tamaño ideal de las imágenes para publicar en Facebook: esta red sugiere
emplear fotos con un tamaño mínimo de 1200x600 píxeles, pensando en los
dispositivos de alta resolución. Lo cierto es que podés utilizar imágenes más pequeñas,
siempre y cuando respetés la proporción (el tamaño mínimo es de 600x315).
● No excederse con el texto. 5 líneas es más que suficiente. Se puede añadir un enlace
acortado con un previo de [+ info: enlace]. La idea es que el usuario pueda enterarse
rápidamente de cuál es tu propuesta. Se trata de una tendencia que va en aumento,
especialmente impuesta por redes sociales como Instagram, Twitter y Vine. En ellas los
textos son generalmente muy cortos y concisos. Con ese objetivo, al momento de
insertar enlaces te recomendamos acortarlos con servicios como Bit.ly.
● Crear comunidad, fomentando el debate y ejerciendo de moderador/a.
● Es mejor contestar a los comentarios antes que dar “me gusta”. Al igual que con los
mensajes: siempre contestar y no dejarlos esperando tanto tiempo.
● Cuidado con el spam y las publicaciones demasiado seguidas. Pero a su vez, intentar
que nuestras publicaciones tengan una continuidad, un ritmo.
● Los eventos funcionan en ocasiones para que la gente consulte directamente cierta
información, pero no son útiles para saber cuánta gente va.
● Destacar las publicaciones importantes (fijar en la parte superior).
● Emplear, si es necesario, programador. Útil en fines de semana y vacaciones, sobre

todo.
● Mantener actualizada la página. Este punto es esencial para favorecer la conexión

emocional con tu audiencia: si tu última publicación es de hace una semana, perdés
“frescura” y atractivo ante el público. Actualizar tu página diariamente es esencial para
34
aumentar tu presencia en Facebook. Además, favorece tu imagen ante los usuarios,

dado que estar actualizado es una muestra de profesionalismo de toda marca del s.
XXI.
● Llamar a la acción. Las publicaciones que generan más interacción por parte del
público son aquellas que llaman a la acción de manera explícita. Por esa razón,
siempre tenés que decirle a tus seguidores aquello que esperás que hagan. De esa
forma podés invitarlos a compartir contenidos, a hacer clic en un link, a etiquetar a sus
amigos y otras posibilidades.
● Adaptarnos al formato móvil. Ahora mismo la mayoría de los usuarios de redes

sociales se conectan a través del celular. Debes adaptarte a ellos con un formato
audiovisual y ligero que puedan ver desde este tipo de pantallas, que son mucho más
pequeñas.
Twitter
● No hacer spam.
● Nombrar adecuadamente.
● Si queremos que nos retuiteen, nombrar a un usuario cada vez (etiquetándolos,
también), por ejemplo: no meter a 4 usuarios de diferentes organizaciones en un
mismo tuit porque no lo retuitearán.
● Tener en cuenta que, en una respuesta, si queremos que la vean todos nuestros
seguidores, debemos poner un punto antes del arroba: .@nombredeusuario.
● Si querés obtener retuits, dejá espacio suficiente en los 140 caracteres.
● Cuando compartás en Twitter un artículo, nota o url de página web, tratá de colocar el
link dentro del texto, preferiblemente entre 2 oraciones. Según estudios, cuando el
link se encuentra dentro de la primera mitad del tuit, tiene muchas más posibilidades
de ser clickeado.
● Los tuits con imágenes subidas directamente a Twitter tienen más posibilidades de ser
retuiteados.
● Retuitear cosas afines, así creamos comunidad e interactuamos.
● Usar los hashtags de manera adecuada y sin ser pesados.
● Las mayúsculas en los hashtags dan igual, pero lo hacen más visual: #caraacara vs
#CaraACara.
● La herramienta TweetDeck es muy útil para la gestión de cuentas de twitter,
seguimiento de etiquetas, listas, usuarios o programar tuits… y es gratis.
● Si escribís tuits, los seguidores llegarán.
Instagram
● Disfrutá. En esta red social, importa más la calidad que la cantidad. Así que publica
fotos de una manera natural, eligiendo con cuidado la foto y escribiendo un título
acorde a ella.
● Interactuá. Comentá las fotos de otros perfiles y responde a la gente que te escribe de
forma amable. No olvides dar likes a las publicaciones que te gustan.
35
● Etiquetá. Si en tus fotos sale más gente o te interesa que se entere alguien más, no
dudes en etiquetar esa cuenta. Es una herramienta muy útil para que otras personas
puedan encontrarte y seguirte.
● Compartí. Instagram te permite compartir las publicaciones también en tus cuentas de
Facebook y Twitter.
● Horarios. Buscá el mejor momento del día, analiza las “horas pico” y comparte tus
fotos para que mucha más gente pueda verlas.
● Creatividad. Sacá tu lado creativo y experimenta con tus fotos y videos… ¡tal vez podás
crear una nueva tendencia!
Gestión de haters y trolls

- Los trolls son personas que publican mensajes provocadores, irrelevantes u ofensivos en una
comunidad, con la intensión de alterar la conversación y buscar enfrentamiento.
- “No alimentes al troll”: Si no se puede contestar con un mensaje neutro y respetuoso es

preferible ignorar antes que hacer comentarios irónicos o seguir la discusión.
- Se recomienda enfrentarse a ellos de forma sincera, disculparse si hay algún error, pero sin
faltar al respeto. En algunos casos, nuestros seguidores pueden salir en defensa nuestra.
- Si somos empáticos, activos y algo creativos, podemos convertir a los haters en “lovers”.
- Si el hater continúa atacándonos hasta no dejarnos publicar tranquilos, lo reportamos y luego

bloqueamos.
Meta Business Suite

La aplicación que recomendamos, si vas a crear una página de Facebook y de
Instagram para el mismo proyecto, es Meta Business Suite. Esta es, al igual que las anteriores,
una aplicación gratuita y se encuentra disponible para usar desde el celular o PC (sin
instalación previa). Su función principal es facilitar la administración de los perfiles,
unificándolos en una misma aplicación. Esta nos permite:
● Publicar en instagram y facebook al mismo tiempo sin tener que redactar dos veces;
● Ver las notificaciones y mensajes en un mismo lugar, agilizando las respuestas;
● Programar publicaciones para distintas fechas y horarios (lo cual es uno de los puntos
más interesantes);
● y hasta nos permite administrar varias páginas a la vez.
Esta no es una herramienta que vayas a necesitar tanto como las anteriores, pero sin dudas
puede simplificar tu trabajo si vas a utilizar más de una red social.
36
Bibliografía:
https://valencuezzo1012.wordpress.com/monopolios-de-comunicacion/
https://somosperiodismo.com/como-clarin-se-hizo-con-el-poder-mediatico/
https://www.notasperiodismopopular.com.ar/2021/10/12/ley-de-medios/
https://www.ifj.org/fileadmin/user_upload/Fake_News_-_FIP_AmLat.pdf
37

Taller de Redes, Fotos y Flyers

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TALLER INTENSIVO

-Diseño de logos y flyers. Canva.

¿Qué es la COMUNICACIÓN COMUNITARIA?

Antes de comenzar, vamos a hablar sobre lo que entendemos de la comunicación y del

Ahora bien, comencemos…

Cámara manual o pro

Cuanto más grande es, más luz entra. En

Esto sí nos interesa porque sí lo podemos modificar en algunos celulares. Lamentablemente no

Por último, en esta tríada tenemos al ISO que

Los valores más altos de ISO indican que el sensor

En este caso, el efecto secundario en verdad es un efecto secundario y no tanto un “atributo”

Otras cosas que podemos tener en cuenta en nuestra cámara son:

● En la configuración (el ícono de la ruedita) se encuentra posiblemente el tamaño del

Acá entonces nos topamos con la composición.

Todo en una imagen conforma su composición. Aprender a componer es como aprender un

Encuadre y relación de aspecto

Pensemos en la imagen que tenemos en el celular como si fuera un

La relación de aspecto es la forma que va a tener este cuadro. Su uso

gustos personales. Pero, aunque no haya uno mejor que

Por ejemplo, en Instagram (y quizá películas más antiguas)

Hoy en día se utilizan medidas más alargadas,

Es importante no confundir esas

Gran plano general (GPG)

Este tipo de plano es el más abierto de

Plano general (PG)

Este tipo de plano muestra también una gran

Plano entero (PE)

Nuestro modelo o elemento de interés

Plano americano (PA)

El nombre “plano americano” viene de los

Plano medio (PM)

El plano medio es un poco más discutido,

Primer plano (PP)

Recoge el rostro y los hombros. Este tipo de

Primerísimo primer plano (PPP)

El primerísimo primer plano va un paso más allá

Plano detalle (PD)

Como su nombre indica, muestra el detalle

la única opción. Los ángulos dependen de cómo se posicionará el lente de la cámara en

Podríamos decir que es una variación del ángulo

El punto de vista de la cámara se sitúa por encima

La cámara se coloca a la altura de los ojos (de

Como te imaginarás, este es el opuesto al

Ángulo nadir: Este es plano contrario al cenital, ya que en

En este ángulo, la cámara gira generalmente entre 25 y 45 grados,

El "aire" en una foto es el espacio que el sujeto de

Es normal que, si la persona de la imagen mira, se

Tener una persona a la derecha de la imagen mirando a la derecha (donde ya no vemos),

Composición II: Escena

Además, es recomendable tomarnos el tiempo para

Otro sujeto atractivo es la escritura, aunque la lengua

Todo esto nos puede ayudar a definir mejor el centro

Como cualquier herramienta de composición, es

A su vez, la iluminación cumple dos funciones: técnica y estética. La primera se encarga de

Similar a los ángulos de la cámara, existe la iluminación

También tenemos luz frontal, proviniendo de frente al sujeto,

La luz lateral proviene de los costados y provee más textura y

relleno, para sujetos relativamente pequeños, retratos, etc.

Esto haríamos, claro, si nos encontráramos en una situación en la que

La luz artificial proviene de cualquier fuente luminosa fabricada por el

La luz natural es la luz del Sol

Aunque siempre provenga de la misma fuente, las

El amanecer proporciona una luz lateral suave, cálida y de colores saturados.