Bernini

Baldaquino de la Basílica de San Pedro

Fecha : 1623
Encargo de papa Urbano VIII
Época: barroco

Basilica de San Pedro

Se trata de un magnifico altar realizado en bronce de unos 29 metros de altura.El baldoquino

se sostiene sobre cuatro columnas salomónicas,que ascienden en espiral,rematadas con
capiteles compuestos y apoyadas sobre pedestales cúbicos de mármol.Sobre las columnas se
apoyaba ambien un entablamento realizado en bronce, sobre el que se sitúan unos tallos a
modo de volutas que convergen en el centro de la composición.El vertice se corona con una
esfera que trata de representar el mundo y sobre ella una cruz ,símbolo del cristianismo.La
decoración escultórica representada por cuatro ángeles que se sitúan en la parte superior de la
columnas ,que guardan en su interior reliquias de los primeros martires cristianos.En el centro
vemos a el espíritu santo y una ángel llevando las llaves de san pedro.El resto de la decoración
versa sobre motivos vegetales y abejas,estas ,somblo del escudo de la familia Bernini a la que
pertenecia Urbano VIII.

David
Fecha:1623-1624
Galeria Borghese,Roma
Encargada por el cardenal Scipione Borghese
Época:Barroco

La escultura realizada en mármol blanco y de tamaño natural(1,70metros), muestra la imagen

de David representado en el momento de lanzar la piedra que matara al gigante Goliat.
Benini representa al personaje en un momento de la acción.Apoyando en ambas piernas, estas
se abren al máximo pareciendo querer salirse de su peana,donde apenas apoya los dedos de
los pies,único apoyo del pie izquierdo,retrasado respecto al derecho que avanza hacia
nosotros.
El cuerpo se arquea y se gira retrayéndose violentamente mientras sus brazos tensala cuerda
de la honda para lanzar la piedra.La es cultura es típicamente barrocatanto por su composición
de líneas abiertas, en forma de aspo o equix,que parecen proyectar toda la energía hacia el
exterior, como por la línea oblicua ascendiente marcada por la mirada de David, que se dirige
hacia un punto fuera de la escultura,así como la inclinación del brazo que tensa la honda.La
obra aunque tiene un punto de vista principal obliga al espectador a girar en torno a ella
mostrando desde cada angulo puntos de vista novedosos.
David muestra en su cuerpo emidesnudo la tensión y concentración del momento,manifiesta
en los músculos y en un rostro ceñudo, cuyos labios interior muerte inferior muerde fruto del
esfuerzo del momnto trascendental.En esta ocasión Bernini ha optado por un modelo adulto,
lejos del apolíneo de Donatello o del joven de miguel ángel,donde prima el realismo frente a
la idealización, de manera que David nos aparece como un vulgar pastor, pastor,como
atestigua el zurron de piel que cruza su pecho. En una época de mayor puritanismo moral,
como consecuencia de la contrarreforma, Bernini rehúye de representar el desnudo completo
de manera que el cuerpo se ve así como una coraza, de la que David no hace uso,y que podría
simbolizar la superioridad de la fe de David frente a la fuerza, representada por Goliat.

Apolo y Dafne

Fecha: 1622-1625
Etapa: Barroco
Galeria Borghese, Roma

La obra, compuesto por dos figuras esta realizado en mármol,para ello Bernini utilizo varios
bloques de mármol.
El grupo escultorico formado por dos figuras, una masculina y otra femenina,plasma el mito
recogido en la “ Metamorfosis” de Ovidio, según el cual, el dios del amor cupido,para vengarse
de la ofensa que le había inflingido Apolo burlándose de el, decidio vengarse lanzando dos
dardos,uno que provoca el amor a primera vista y otro que provocara el rechazo,acertando
con el primero en Apolo y con el segundo en Dafne, hija del dios del rio Paneo.Acosada por el
amor de Apolo Dafne huye despavorida y viéndose a punto de caer en brazos del dios pide
protección a su padre que la convierte en un árbol de laurel.
Bernini opta por representar el momento de máxima y movimiento al elegir el momento justo
en el que se comienza a producir la transformación.El joven Apolo, de facciones y proporciones
clásicas, ve interrumpido su carrera por el movimiento ascendente de la joven quien, elvando
los brazos al cielo, observa con horror como la transformación se va apoderando de su cuerpo:
de los dedos y cabello brotan las ramas y hojas, de sus pies nacen las raíces mientras el cuerpo
se va cbriendo de la corteza del tronco.
El autor contrapone por un lado el impulso hacia delante de Apolo,acentuando por la posición
apoyada en la pierna derecha mientras el brazo y la pierna izquierda la extiende hacia detrás
al igual que la tunica impulsada por el viento del dios.Frente al movimiento ascendente en
“serpentinata” de la joven Dafne.Este recurso es característico no solo de la obra de Bernini
sino de la escultura barroca en general.Asi mismo el tema permite al escultor acentuar la
transformación a través de la contraposición de la textura pulida de la carne de la joven frente
a la superficie aspera de la corteza el tronco que comienza a cubrirla.Por ultimo el gesto de
terror de la joven se contrapone por el dios,ajeno a la transformación que ha comenzado
delante de sus ojos.

Éxtasis de Santa Teresa

Fecha: 1645 y 1652
Etapa: Barroco
Capilla Cornaro en la iglesia de Santa Maria de la Victoria

El grupo escultorico de muros y columnas de mármol veteados y se encuentra dentro de un

retablo-transparente en el que la luz entra de forma natural por un vano que no vemos y
simboliza la luz divina, junto a esta luz natural están también los rayos de bronce dorados.
A ambos lados como si fueran palcos de un teatro aparecen los retratos de miembros de la
familia cornaro sobre un fondo en relieve clásico que asisten al instante del éxtasis con
sorpresa o charlando entre si.
Los materiales principalmente son mármol y bronce
El mármol presenta diferentes tratamientos .En el ángel predomina la superficie pulida por lo
que la luz brilla o resbala.En el cuerpo de la santa y en la nube predominan las superficies
angulosa y rugosas, creando claro-oscuro.
Esta formada por diagonales que crean un efecto muy dinámico.Las diagonales serian por una
parte el cuerpo de la santa y por otra el dardo del ángel dirigido hacia el corazón de la santa

El ritmo es dinámico. El cuerpo con pliegues agitados y superficie rugosa del habito transmite
la sensación del movimiento de la agitación y de la levitación con excepción de manos y pies
que caen inertes
El éxtasis es una experiencia única que lleva al abandono con los ojos cerrados, boca
entreabierta,desmayo.A esto añade una expresión de sufrimiento y gozo
Caravaggio
La vocación de San Mateo
Fecha:1599-1601
Etapa:Barroca
Iglesia se San Luis de los Franceses Roma

La vocación de San Mateo es un óleo sobre lienzo. Nos encontramos ante un lienzo casi
cuadrangular y de grandes dimensiones cuyos lados rondan los tres metros y medio.

La obra está basada en las enseñanzas del Evangelio, representando el momento en el que
Jesús entra en la casa de impuestos donde Mateo trabajaba, lo señaló y le pidió que lo
siguiera; acto seguido el apóstol así lo hizo. La escena ha sido muy cuidada y estudiada, la
composición divide al lienzo en dos zonas muy estudiadas, la parte superior está
completamente vacía, en ella tan sólo encontramos una ventana y un potente haz de luz
dorada que penetra a ala estancia desde un foco exterior, que queda fuera de la vista del
espectador.

En la zona inferior, en cambio es donde transcurre la acción. Caravaggio ha ambientado la

escena de una manera realista, así más que una casa de tributos, el lugar donde se desarrolla
la acción parece el interior de una taberna de época. Los personajes también contribuyen a esa
sensación ya que aparecen vestidos siguiendo la moda de época; en este sentido, debemos
destacar como los elegantes ropajes de recaudadores de impuestos contrastan con las
humildes vestiduras de Jesucristo que incluso aparece descalzo.

El dramatismo de la escena se intensifica con el gesto de Jesús que alza la mano señalando a
Mateo, el único de los hombres que ni siquiera ha levantado la vista de las labores que le
mantienen ocupado; este recurso nos recuerda a la postura de La Creación que Miguel Ángel
utilizó en la Capilla Sixtina. Por primera vez Caravaggio utiliza un ambiente diario y cotidiano
para representar un hecho milagroso, un recurso que también presentará en otros lienzos con
posterioridad. Tenebrismo, es un tipo de iluminación, ilumina solo unas figuras del cuadro
dejando el resto en penumbra, es un foco artificial utilizado en teatro.
San Mateo y el Angel
Fecha:1602
Etapa Barroco
Iglesia se San Luis de los Franceses Roma

2 Versiones, dado que el primero fue rechazado

La primera obra fue rechazada por que san Mateo era demasiado real,no tenia suficiente
dignidad o santidad, por otro lado es representado como una persona analfabeta al cual el
ángel le esta guiando la mano, por ultimo el ángel estaba tocando el suelo que la iglesia no lo
veía bien.
En la segunda versión San Mateo esta representado como una persona anciana,el ángel esta
en la parte de arriba inspirando a san Mateo.
La iluminación esta centrada en san mateo,lo cual da la sensación de que esta saliendo del
cuadro y invadiendo el espacio del espectador ((típico de barroco)

El martirio de San Mateo

Fecha:1600
etapa Barroco
Iglesia se San Luis de los Franceses Roma

San Mateo fue asesinado con una espada por un soldado, el cuadro se representa en el
instante de su muerte. Justo encima de Mateo hay un ángel que intenta darle una hoja de
palmera(que simboliza a los mártires),pero el soldado le sujeta la mano a Mateo para evitar qu
coja la rama.
El resto de figuras están huyendo.
El cuadro consta de 2 diagonales principales, el soldado sujetando la mano es una y la otra es
el ángel sobre san Mateo, lo cual hace que forma que se crucen las diagonales.
Al fondo se puede observar a un rostro observando, ese rostro es un autorretrato de
Caravaggio.
La crucifixión de San Pedro
Fecha: siglo XVII
Etapa Barroco
Santa maría del Popolo, Roma

San Pedro murió de la misma forma que cristo crucificado,pero el pidió que no fuera en la
misma posición que jesus,por lo que lo hicieron con la cruz al revés
No hay correspondencia entre el cuerpo y la cabeza de San Pedro,el cuerpo parece de un joven
mientras que la cara es de un anciano. El cuadro igual que los anteriores consta de
diagonales,una es la cruz y la otra es el hombre tirando de ella,se pueden identificar fácilmente
gracias a los elementos iluminados.

Jose de Ribera
San Andres
Fecha:siglo XVII
Etapa baroco
Museo del Prado

Es un retrato extraordinario, la obra es de estilo tenebrista naturalista, un foco muy intenso

artificial ilumina el rostro y cuerpo del apóstol, además solo un poco de la cruz en forma de
x(en la cual fue crucificado)y abajo a la izquierda se ve un pez, que simboliza que antes de
unirse a cristo el era pescador.
Velázquez
Vieja friendo huevos
Fecha: siglo XVII
Galería nacional de escocia, Edimburgo

Cuadro de estilo tenebrista, en esta obra Velázquez pinta escenas cotidianas, la mujer friendo
huevos es una modelo, en teoría es su suegra. Además pinta a un niño que sal en varias de sus
obras
Las características generales de las obras son similares a Caravaggio
-tonalidad
-iluminación
-pintado con toques de pinceles
Bodegón en primer plano

El aguador de Sevilla
Fecha:siglo XVII
Etapa Barroco
Apsley house,Londres

Cuadro de temática cotidiana, el modelo que utiliza en la vieja friendo huevos vuelve a
aparecer.
Composición sencilla,detalles extraordinarias(copa de vidrio, gotas que caen del recipiente
central)Hay una tercera persona observando la escena.
El triunfo de Baco (los Borrachos)
Fecha: Siglo XVII
etapa Barroco
Museo del Prado
Es uno de los primeros cuadros que pinta a llegar a Madrid, tiene una composición muy
compleja. Se sitúa en un espacio exterior, comienza a pintar objetos de la naturaleza, como
hojas de árboles.
A la derecha hay un grupo de hombres bebiendo alcohol, a la izquierda aparece Baco el dios
del vino y la fiesta y a su izquierda hay dos personajes mitológicos.
Une mitología y lo cotidiano.

La fragua de Volcano
Fecha: Siglo XVII
Etapa Barroco
Museo del Prado

Pinta esta obra la primera vez que viaja a Italia, temática mitológica (inspiradp en
“metamorfosis” de Ovidio)
Venus tuvo diversos amantes, entre ellos Marte, Apolo se entera i se lo dice a volcando.
Vulcano estaba haciendo una armadura para marte.

Se representa ese momento en que apolo va a hablar con volcano, aparece apolo a la izquierda
y a la derecha volcano.
Habitación completamente dibujada y perfectamente fugada.
Representa perfectamente los diferentes objetos y materiales. Se atreve a dibujar los cuerpos
enteros, y se ve la expresión de la cara de volcano.
La rendición de Breda (las lanzas)
Fecha :Siglo XVII
Etapa Barroco
Museo del Prado

Temática histórica
Velazquez pinta la obra mientras trabaja para el rey.
Salón de reinos->había cuadros donde se representaban las vitorias del imperio español.
Representa una victoria militar del siglo XVII(ciudad de Breda)
Al fondo hay humo ,la batalla acaba de acabar.
Velazquez representa el momento de la rendición.
A la izquierda los holandeses(son respetados)
A la derecha los españoles(llevan mas lanzas(picas)
En el centro->defensor holandés (Nasau)y el general español(Spinola)Momento que Nasau le
da las llaves de la ciudad a Spinola
Composición compleja
controla perfectamente el espacio
iluminacion clásica
muchos personajes al los lados y los principales en el centro.
Involucra a el espectador en la escena,hay un personaje que mira al espectador.
a la derecha hay un caballo en escorzo.
Las figuras están formada por pequeños toques de pincel.
Al pintar el paisaje ,velazquez suelta la pincelada,para demostrar el efecto de la atmosfera.
La familia de Flipe IV (Las meninas)
Fecha: Siglo XVII
Etapa barroco
Museo del prado
Representa una habitación de alcazzar,donde viven los reyes Velzquez esta pintando un
cuadrode rey Felipe IV y su mujer,en el momento que esta pintando aparecen la hija y las
doncellas que la acompañan.
Velazquez pinta una escena cotidiana
El autor se autoretraa pintando la obra,nosotros vemos la parte de atrás del lienzo,al fondo
aparecen en un espejo los reyes
Al fondo aparece un hombre que es el aposentador de la reina
También aparecen dos enanos que son bufones,justo delante de ellos un perro.
Iluminacion natural,dos focos,la ventana y la puerta del fondo.
En la ropa de velazquez vemos la cruz de Santiago(era cavallero)
La cruz se dice que fu pintada después de la muerte del autor.
Cuando se ve de lejos el cuadro parece que se pinto con pinceladas pequeñas pero una vez te
acercas se ven pinceladas grandes.
A velazquez le interesa cada vez mas el efecto de la luz(trazos de pincel,no tiene línea de
contorno).
Monet
Impresión del sol naciente
Fecha: Siglo XIX
Etapa: Impresionismo
Museo Marmottan-Monet,Paris

Impresionismo->cuadro llamativos,llaman la atención.Colores llamativos.

investigar el efecto e la luz en la realidad.
La luz descomposa la realidad en una serie de trazos y toques de color.
captan la descomposición en un momento concreto(instantánea)
pintan al aire libre
pincelada agitada y nerviosa
utiliza mucho el agua(lagos,mares,etc…)
Lugar real->Le havre,puerto de Paris
La niebla distorsiona la realidad->envuelve el cuadro
Los cuadros de monet tienen una superficie rugosa,por la cantidad de pintura que utilizaba.
En el momento que se realizo,esta obra se podía considerar un esbozo,pero nunca una obra
acabada.Por lo que ofendio mucho a la critica.
Los impresionistas copian la técnica asiática de subir la línea de horizonte.

Campo de amapolas
Fecha: Siglo XIX
Etapa: Impresionismo
Museo Museo d’Orsay,Francia

Primer plano->mujer e hijo de monet

En segundo plano tenemos una pareja
representa una realidad, descompuesta en colores
Paisaje real,colores reales, luminosos.
Renoir
El baile de Moulin de la Galette
Fecha: Siglo XIX
Etapa Impresionismo
Museo de Orsay

Barrio de los artistas->Monmatre

Paris,a finales del siglo XIX
Escena urbana llena de gente
Quiere ver como influye la luz a la gente
Es una plaza donde se celebraban bailes los domingos
Muestra una versión alegre de la realidad
Representa el momento en que el sol comienza a ponerse y las farolas de gas están
comenzando a escenderse.
2 versiones,una mas pequeña
En el cuadro pueden verse gente conocida de Renoir
Pareja bailando,margot i un pintor amigo suyo
5 personas en primer plano,sentadas,3 pintores y dos modelos
Al pintar la línea de horizonte puede representar mejor toda la gente
En el lado izquierdo se ve gente cortada(reforzar el efecto instantánea)
El representa el sol en el suelo,se filtra entre las ramas y ilumina a trozos.

Degas
Gauguin
Vision después del sermon
Fecha:Siglo XIX
Etapa postimpresionismo
Galeria nacional de escocia,Edimburgo

Conocido también como “Jacob y el ángel”

Representa unas mujeres que acaban de salir de misa,recordando el sermon que les ha dado el
cura.La lucha entre Jacob y el ángel.
Realidad ,mujeres con vestimenta de la época
Realidad irreal,penamiento de las mujeres,tierra pintada de color de rojo.
El artista se da la libertad de pintar los colores que quiera.

Arearea
Fecha:Siglo XIX
Etapa postimpresionismo
Museo Orsay de Paris

Dibuja la línea de contorno, influencia del arte asiático

Perro primer plano naranja
Rio,colores vivos
3 mujeres(danza trival)
colores alterados como el quiere(llamativos)
alterar la perspectiva tradicional a perspectiva plana
Van Gogh
La habitación del pintor en arles
Fecha:siglo XIX
Etapa postimpresionismo
Museo van Gogh,Ámsterdam

Pincelada suelta,impresionismo
línea de contorno,post impresionismo
perspectiva japonesa,(alta)
perspectiva alterada,deformada,pero sigue tridimensional,no la destruye
Cuando murieron los hermanos los cuadros se los quedo la cuñada,es gracias a ella que se
conservan sus obras
Color preferido,amarillo
solía pintar lo mismo unas cuantas veces

Matisse
La habitación roja
Fecha: siglo XX
estilo fauvismo
Museo del Hermitage,San Petersburgo

Perspectiva prácticamente plana

Al principio era azul,pinto el color encima.
Munch
El grito
Fecha:siglo XIX
etapa expresionismo
Galeria Nacional de Noruega,Oslo

Puerto,la costa,en el momento de la puesta de sol

Persona bloqueada en el puente,ansiedadmangustia
Entorno opresivo ,con todas esas pinceladas.

Picasso
Las señoritas de avinyo
Fecha:Siglo XX
Etapa cubismo
Museo de Arte Moderno, nueva york

Cubismo
nivel de abstracción muy grave
primera obra considerada cubismo
Escena de burdel,de esa calle de Barcelona
sabana blanca al fondo,5 chicas abstraídas a figuras geométricas
Geometrizacion o descomposicio en planos,diferentes puntos de vista,pequeño bodegon abajo
Tiene un poco de arte egipcio,románico y africano(exotico)
El aficionado
Fecha:Siglo XX
Etapa cubismo
El museo de arte de basilea, Basel

Descomposición casi completa de la realidad

Hombre del sombrero
Pistas que te permiten relacionar la representación con el objeto representado

Carra

El jinete rojo
Fecha Siglo XX
futurismo
Milán. Colección Particular

Hacia 1912, Carrá asume las últimas novedades provenientes de las vanguardias francesas,
concretamente el conocimiento de los colores intensos y vivos utilizados por los fauvistas y las
descomposiciones del cubismo analítico, esto lo influye al punto de que modifica su propio
estilo. “El jinete rojo” presenta una singular atracción hacia el caballo, coloreado con un rojo
intenso para que resalte contra el fondo claro, mientras las líneas dispuestas como una aureola
en torno al animal vislumbran la idea de la velocidad y la fuerza, tanto que se siente la
vibración de la atmósfera circundante. El cuerpo del jinete aparece nítido, pero a la vez casi
desmaterializado, tensado al máximo para reafirmar la potencia del corcel.
Duchamp

Desnudo bajando por una escalera

Fecha siglo XX
cubismo-futurismo
Museo de Arte de Filadelfia

Se capta el movimiento de la figura desplazándose en la escalera

le acompaña una línea curva a los movimientos como en las tiras comicas
Dibujos animados parten de este concepto

La fuente
Fecha Siglo XX
Dadaismo
Museo de Arte de Filadelfia

Dadá busca burlarse del arte establecido y también de una sociedad que se ha visto implicada
en la guerra. . Por todo ello introducen lo irraccional , el azar en la concepción del objeto
artístico, provocando su visión sarcástica el escándalo utilizando urinario, pintando bigote a la
Gioconda o utilizando máquinas con simbolismo erótico.
Este es un objeto simple que lo presentó con un pseudónimo R. Mutt que se puede ver en el
urinario

¿ Qué es lo que le lleva a llamar nuestra atención y convertir la obra en una provocación?.
El urinario queda descontextualizado , pierde su función y se convierte en objeto visual y
además invita a la reflexión a la interactuación de los espectadores que sienten un choque.
Dali
La persistencia de la memoria
Fecha Siglo XX
Surrealismo
Museo de arte moderno ,Nueva york

Dalí utiliza en esta obra su famoso método crítico-paranoico con el que pretendía fotografiar
los sueños. Como buen surrealista, su objetivo era el de sacar a la luz las visiones extrañas que
se producen el subconsciente, siguiendo ideas de Freud.

Para ello recurre a una técnica inspirada en los clásicos de los que era un gran
conocedor (Rafael, Vermeer, Velázquez). De aquí que nos encontremos con un dibujo correcto
(en zonas sumamente detallista), así como un uso de la luz y la perspectiva que nos provoca el
aspecto tridimensional y real de la escena, como un cuadro clásico.

Sobre esta base técnica (en nada revolucionaria) proyecta una temática de raíz
surrealista en donde son habituales las asociaciones insólitas (los relojes tirados en una playa),
el gusto por los temas escatológicos considerados de mal gusto (los insectos, la idea de
putrefacción o la de mutilación), utilización de lo monstruoso o el tratamiento del paisaje con
luces rasantes, perspectivas profundas y sombras alargadas que le dan un carácter onírico, de
escenario de sueños, con el tiempo detenido y fuera de la experiencia real.

Con todo esto pretende seguir las ideas expresadas por Bretón en su manifiesto
surrealista, mostrando todos aquellos temas que la razón, el buen gusto o las convenciones
sociales no dejan salir al exterior, siendo, en este punto, una postura revolucionaria y en gran
parte provocadora que apela, más que a la razón, a los sentimientos, o mejor aún, a los puros
instintos que aparecen aquí reflejados para que el espectador se enfrente con ellos,
asomándose a su propio abismo.
Construcción blanda con judas hervidas
Fecha Siglo XX
Surealismo
Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, Estados Unidos

Esta obra es una de las más agresivas pintadas en toda la historia. Muestra el horror de la
Guerra Civil Española que se inició en el año en que fue pintada. En realidad, Dalí terminó la
obra seis meses antes del estallido de la guerra y, hasta que ocurrió este acontecimiento, la
pintura no tuvo el subtítulo "Premonición de la Guerra Civil". Aun así, Dalí parece ya saber que
la posibilidad de una guerra era inminente, y pinta un monstruo amorfo de carnes que se
estrangulan unas con otras.

La figura está constituida por una pierna y una extremidad de la que surge otra. Estas dos
partes se intentan despedazar. Debajo del monstruo amorfo hay un pie, el cual tiene un dedo
de gran tamaño. Arriba se encuentra una cabeza sonriente inclinada hacia arriba, pareciendo
ser cegada por el Sol. Esta cabeza recuerda mucho la pintura de Goya Saturno devorando a sus
hijos, de carácter sombrío y terrorífico.

La pintura también se inspira en El coloso de Goya, a quien había sugerido la obra los horrores
de la invasión francesa de España durante las Guerras Napoleónicas. Sin embargo, la creación
de Dalí es aún más visionaria que la de Goya.

Como en otras obras de Dalí, el elemento principal del título del cuadro (las judías o frijoles) se
encuentran en una parte minúscula del mismo, sólo como un elemento secundario,
recordando a La jirafa ardiendo donde la jirafa sale en un tercer plano muy alejado. Las judías
cocidas son una de las frecuentes alusiones de Dalí a la comida en sus obras.