Batería 1

Escuela de Música Fernando Sor S.A.
S
NIT 900.516389-1
Institución Educativa para el trabajo y el desarrollo humano

Aprobada por la secretaría Distrital de Educación de Bogotá D.C.
Resoluciónes 2569 del 27 de Julio de 2000, 2435 del 9 de Junio de 2005
y 13-0084 del 3 de Junio de 2010 y 13049 de Abril de 2012
Calle 26 No. 34A-37 Tels: 3407771/72

Fax: 3407773
www.fernandosor.edu.co
escuela@fernandosor.edu.co
CARTILLA DE BATERIA
(Nivel I)
Autor:
Jose Madero
Dirección General:
Edilson Gómez
Coordinador de programa
Fernando de Jesus Arias Roncancio
Diseño y diagramación
John Alexander Amézquita G.
Primera edición impresa

Julio 2019
Impreso por:
Título del Curso: Batería I
Ubicación del Programa:
Intensidad Horaria: 1
Duración Total del Curso: 16 semanas
Propósito General de las clases individuales de Batería:
Formar instrumentistas (batería) profesionales que puedan desempeñarse en diferentes contextos

musicales dentro del medio artístico popular-contemporáneo nacional e internacional.
Cada estudiante deberá estar en capacidad de generar procesos de desarrollo musical desde su ins-
trumento, en distintos escenarios que son posibles, mediante el dominio en su instrumento musical,
y puedan generar campos de acción en su quehacer musical como el de formación de grupos mu-
sicales con amplio rango de opciones musicales actuales, estar perfectamente preparado para des-
empeñarse con experticia en diversos proyectosde grabación que requieran un amplio dominio de
diferentes géneros musicales, poder responder desde su instrumento y de una forma grandilocuente
a diferentes proyectos musicales en diversas áreas (conciertos, obras musicales, acompañamientos
a cantantes e instrumentos líderes, grabación de jingles, música comercial, talleres, docencia etc).
El estudiante también reconocerá el patrimonio artístico de las múltiples y diversas comunidades étni-
cas colombianas, sus ritmos y estilos musicales que en cada región se produce y como estos pueden
ser usados como recursos para crear nuevos sonidos y preservar tal diversidad étnica aportando a
su propia cultura. Asimismo, se busca un perfil de músico –baterista, investigador que pueda tomar
todos los recursos ya creados en las distintas áreas de su instrumento y crear nuevos sonidos, ritmos,
fusiones que puedan llevarlo a generar su propio sonido y una identidad como músico muy personal
y autentica que incidan en la transformación y el enriquecimiento cultural y musical del país.
Desarrollar habilidades que susciten la competencia comunicativa que se dan en los diversos espa-
cios musicales y ser capaces de generar nuevas propuestas.
Objetivo de la clase individual de Batería Fundamentos
Capacitar al estudiante en las bases teórico-prácticas del instrumento abordando sus diferentes as-
pectos (técnica, lectura, coordinación, interiorización del tiempo) y crear un puente para la funciona-
lidad y aplicabilidad en los géneros y ritmos que se verán en el semestre y de la misma manera com-
prender el origen de los mismos, su historia, contexto cultural, social, geográfico y también biografías
de sus más importantes creadores y expositores. Brindar herramientas a los estudiantes para que
ellos vayan generando su propio camino de acuerdo con sus necesidades, apetencias y condiciones,
sin perder los lineamientos que el programa propone y las metas apuntadas para el semestre, pero
si dando flexibilidad al estudiante de conformar su propia identidad musical desde sus inicios. Espe-
cíficamente desarrollar técnicas, para interpretar con fluidez, buen sonido y solidez de tiempo ritmos
básicos de Rock (subdivisión en corcheas), Funk (subdivisión en semicorcheas) y Bossa Nova. Fami-
liarizar al estudiante con el uso del metrónomo y trabajar con diferentes subdivisiones del pulso para
ir solidificando el groove. Capacitar al estudiante en el entendimiento de la forma musical en los géne-
ros rítmicos trabajados. Utilización y aplicación de distintos recursos técnicos como golpes simples y
redobles dentro de los fills. Desarrollo de la independencia y coordinación buscando armonía de las
extremidades para una correcta ejecución musical del instrumento.
Batería I - Escuela de Música Fernando Sor
Texto requerido: Cartilla de Batería Fundamentos
Exámenes:
30% Primer examen

30% Segundo examen
40% Examen final
Criterios de evaluación:
4.5-5.0: Ejecución precisa y muy musical de los ejercicios, con fluidez y sin irregularidad en el pulso.
Hay buen fraseo, buena técnica y buen sonido.
4.0-4.4: Ejecución de los ejercicios con musicalidad y muy pocas imprecisiones, con fluidez e irregu-
laridades mínimas en el pulso. Fraseo, técnica y sonido muestran pocas fallas.
3.5-3.9: Ejecución con imprecisiones pero alcanza a ser musical. Falta fluidez, pero se mantiene un
pulso. Hay varios errores en fraseo, técnica y sonido.
2.5-3.4: Ejecución con frecuentes imprecisiones y poco musical. No hay fluidez y hay paradas y alte-
raciones del pulso. Numerosos errores de fraseo, técnica y sonido.
1.5-2.4: Ejecución incompleta y no-musical. No se percibe un pulso claro o para con frecuencia. Fra-
seo, técnica y sonido deficientes.
0.0-1.4: Ejecución de solo un fragmento o no hubo ejecución. No hubo música. Fraseo, técnica y so-
nido incomprensibles.
Metodología
Las clases son individuales, en las que el profesor revisa y corrige los ejercicios que se han planteado
y proporciona nuevo material para ser trabajado. El estudiante debe preparar las lecciones.
Asistencia:
La asistencia a esta clase es obligatoria. Esta materia se pierde si el estudiante tiene 3 o más fallas sin
excusa. Se cuenta como falla llegar 10 o más minutos tarde después de la hora de inicio de la clase.

Tema: Rudimentos técnicos
Contenido: Técnica: posición de cuerpo y manos, agarre de las baquetas, ubicación del instrumento,
concepto de rudimentos básicos y ejercicios con los mismos, golpes simples o alternos, dobles.
Lectura. árbol rítmico, figuras y silencios correspondientes redonda, blanca, negras, corcheas, se-
micorcheas. Escritura en la batería, símbolos concepto de tresillos y grupos irregulares. Signos y
compases.
Definiciones. Para comenzar, enumeramos algunos conceptos y definiciones básicas de la teoría

musical. Muchas veces se dan por sentado algunos términos, es por esa razón que es oportuno de-
tenerse a repasarlos para comprenderlos e incorporarlos de una manera más concreta.
Ritmo. El ritmo en la música se refiere a la frecuencia de repetición en una composición. El ritmo se

definecomo la organización en el tiempo de pulsos y acentos que perciben los oyentes en una es-
tructura.Esta sucesión temporal se ordena en nuestra mente, percibiendo de este modo una forma
unificada.
Compás. Subdivisión del tiempo, usando un numerador (que indica la cantidad de pulsos por com-
pás)y un denominador que indica la fracción correspondiente a la división de la figura que ha de ser-
vircomo unidad básica de pulso, es decir si es negra, corchea, etc.
Nota. Signo que representa el sonido y la duración en una pieza musical.
Figura. Signo que representa la duración de un sonido en una pieza musical.

El set de batería, nombre de sus instrumentos y ubicación
POSICION.
A diferencia de otros instrumentos, la batería tiene, desde los herrajes y soportes, una amplia varie-
dad de posibilidades para rotar, subir, bajar e ir acomodando el set. Cada uno encontrará la comodi-
dad de su posición y la posición de los cuerpos de la batería de una manera muy personal. El principal
aspecto a tomar en cuenta al sentarse frente a la batería es sentirse cómodo. Para lograrlo, es reco-
mendable seguir la manera que el cuerpo se mueve naturalmente.
Cuando vas a tocar la batería, es muy importante la posición de tu cuerpo con respecto al instru-
mento, sentarse con la espalda recta, pero estar relajado y cómodo. Mantener un espejo donde se
practica, y revisar su postura con frecuencia es una muy buena herramienta para adquirir una buena
posición también es bueno grabarse en video constantemente para ir corrigiendo errores que sin una
observación desde afuera podrían pasar desapercibidos.

A continuación, algunos pasos a seguir para encontrar y mejorar la postura:
1. Tomarse un segundo para relajar los brazos, la espalda, los hombros y el cuello.
2. Sentarse con la espalda derecha, apoyándose sobre los isquiones.
3. Dejar caer los brazos al costado del cuerpo.
4. En esa posición, levantar el antebrazo en un ángulo aproximado de 90 grados con el resto del bra-
zo, siempre buscando la comodidad y sin tensionar la espalda, los hombros ni el cuello, de la manera
más relajada que sea posible.
Esa es la posición inicial con la que luego se sostienen las baquetas y comienza la técnica de agarre
de las mismas.
Recordar: se debe estar relajado y cómodo. El set de batería tiene que estar SIEMPRE EN FUN-
CIÓN a uno mismo, y no a la inversa.
La postura del cuerpo frente al pedal de bombo y hi hat
Un problema bastante común al momento de sentarse en la batería es que al usar los pedales se
pierde la estabilidad del torso y éste se mueve hacia los lados cada vez que se intenta presionarlos.
Lo que se debe lograr es mayor independencia de las piernas respecto al resto del cuerpo para evitar
movimientos no deseados.
Es importante tomarse el tiempo de sentarse, probar posiciones y altura del sillín, regular el pedal y
acomodar los tambores y platillos de la batería hasta estar seguros que encontramos la comodidad.
No hay una única ni correcta manera de hacerlo más que la que se considere cómoda para uno mis-
mo. Uso y aprovechamiento de la física y gravedad.
Contrario a lo que se puede creer cuando recién se comienza a tocar, pegarle a la batería con mayor
fuerza no es necesariamente sinónimo de un buen golpe o buen manejo del instrumento. El mejor
rendimiento se obtiene con el dominio y manejo adecuado de la energía y el aprovechamiento de la
gravedad. Esto es lo que nos va a permitir poder estar tocando durante horas sin cansarnos. La ex-
plicación de esto es puramente física, cuando uno se sienta a tocar la batería, se manejan dos tipos
de energía:
Energía Cinética: Es aquella que se presenta en el movimiento, energía de movimiento.
Energía Potencial: Es la energía almacenada por un cuerpo de acuerdo a su posición en el espacio.

Al levantar la baqueta con la muñeca, se genera el primer impulso de energía. Esta se transfiere a la
baqueta y se acumula a medida que va bajando. Cuando impacta en el tambor, la energía se trans-
fiere al parche. Otra parte de la energía se vuelve a transferir a la baqueta, que es la energía que la
hace subir nuevamente. Por eso, siempre hay que dejar el camino libre y no interponer este recorrido
tensionando el brazo, porque de esa manera, se frena la energía, la cual en vez de quedarse en la
baqueta, se transfiere a la muñeca, y de esa manera puede romperla, o el parche o incluso dañar
la muñeca. Una vez que se encuentra una postura que es cómoda, el siguiente paso es adecuar la
posición de las manos. A esto se lo denomina empuñadura, agarre o grip.
POSICION DE LAS MANOS.
Hay dos tipos de agarre básicos: matched (emparejado, o igual) y el tradicional (la izquierda cambia),
en primera instancia trabajaremos el matched ya que la mano derecha (para los diestros) está más
desarrollada y nos ayuda a desarrollar la izquierda (trabajo de espejo).
TIPOS DE GOLPES.
Existen cuatro movimientos básicos que forman parte de la técnica Down-Up diseñada para mostrar
cómo se deben mover las manos a la hora de ejecutar un patrón determinado. Cuando comenzamos
a practicar esta técnica, las notas acentuadas deben tocarse desde una altura considerable (90 gra-
dos aproximadamente) y las notas no acentuadas desde poca altura (15 grados aproximadamente).
Usando este proceso de manera exagerada, será más fácil que notemos los diferentes movimientos
que empleamos al tocar. También se debe intentar pasar de uno a otro tan rápido y limpiamente como
se pueda, eliminando cualquier movimiento innecesario. A medida que se dominan estos movimien-
tos, se debe empezar a practicar de una manera más habitual, donde la diferencia entre las alturas de
las figuras acentuadas y no acentuadas no sea tan grande.
Los cuatro tipos de golpes básicos son:
FULL STROKE (F)

UP STROKE (U)
(Golpe completo)
(Golpe hacia arriba)
El golpe comienza arriba y termina arriba

El golpe comienza bajo y termina arriba
DOWN STROKE (D)

UP STROKE (T)
(Golpe hacia abajo)
(Golpe completo más suave)
E golpe comienza arriba ytermina abajo tras golpear

El golpe comienza y termina abajo.

TÉCNICA: La técnica es el modo por el cual se adquieren herramientas para la ejecución correcta
del instrumento. El trabajo que requiere dominar la técnica puede parecer aburrido o tedioso, pero
utilizarla a favor de uno permitirá a largo plazo lograr expresarse a través de la batería de una manera
más sólida y consistente.
El cuerpo como motor para hacer funcionar la batería
Un motor es la parte de una máquina capaz de transformar la energía para realizar algún tipo de
trabajo. Un motor mide su potencia según su cilindrada. Cuantos más cilindros posee, mayor va
a ser la potencia del motor. Esta idea ayuda a entender la lógica de la ejecución de la batería. El
cuerpo es la máquina que va a hacer “funcionar” la batería. Para obtener mayor “cilindrada” de po-
tencia, necesitamos manejar, controlar y utilizar individualmente cada una de las distintas partes
que compone nuestro cuerpo, para que cuando las usamos en conjunto, obtendremos mejores
resultados que si solo estuviésemos usando una sola. Por ejemplo, si únicamente se usa la mu-
ñeca para manejar la baqueta, se obtiene un resultado mucho más limitado al que se obtendría
utilizando los dedos, muñeca, brazo y antebrazo. Para esto, cada movimiento se va estudiando
individualmente para luego ponerlos en funcionamiento en conjunto. Hay técnicas y ejercicios
para realizar rutinas que ayudan a dominar cada parte de nuestro cuerpo y la relación con las ba-
quetas y la batería. Se pueden dividir entonces a cada uno de estos “cilindros” que darán mayor
potencia en los siguientes puntos a trabajar:
• DEDOS
• MUÑECAS
• BRAZOS
• ANTEBRAZOS
• HOMBROS
Cada uno de ellos tiene su propia técnica y a su vez, trabajan en conjunto.
MUÑECAS: Técnica de GLADSTONE o FREE STROKE A esta técnica se la conoce como máximo
control con mínimo esfuerzo. Es una técnica que aprovecha el rebote natural de la baqueta contra el
tambor utilizando únicamente la muñeca sin hacer esfuerzo con ninguna otra parte del cuerpo.
DEDOS: Ejercicio para encontrar el punto exacto de balance (fulcrum) Sostener la baqueta con el
dedo índice y el pulgar y con la otra hacerlo rebotar como si fuese una pelota. Intentar que la baqueta
rebote el tiempo suficiente sin realizar ningún tipo de esfuerzo extra. El fulcrum es el punto donde se
siente que rebota naturalmente. Una vez que se siente ese rebote y es cómodo, recordar ese punto
para luego adaptarlo al agarre (grip) de ambas manos.

BRAZOS (Hombros y antebrazo) Hay una técnica llamada MoellerTechnique, la cual involucra en el
movimiento a los brazos. Un ejemplo gráfico que sirve para entender de manera clara esta técnica es
imaginarse una cadena sobre el piso. Si se toma un extremo de la cadena y se realiza un movimiento
tipo de látigo, la cadena generara una especie de “ola” que recorrerá todo el largo de la misma. Eso
es lo que se debe generar con el brazo y la baqueta, sin “frenar” en ningún momento ese recorrido
con algún golpe o movimiento innecesario. Esta técnica usa un movimiento específico de tipo “látigo”
que permite que la gravedad haga la mayor parte del trabajo, permitiendo que el baterista pueda tocar
más rápido y aún así mantenerse relajado. Utilizar esta técnica permite realizar mucho menos esfuer-
zo y reduce el riesgo de lastimarse.
*La batería-aspectos básicos y concejos para la práctica de la batería- Cecilia Gramaticco.
RITMOS
Estos son los algunos ritmos básicos. Los pulsos están numerados abajo del pentagrama.
1 2 3 4 1 2 3 4 1 2 3 4 1 2 3 4 1 2 3 4
Para conectar las notas se utiliza una ligadura. La primera nota se mantiene durante un total de seis
pulsos
1 2 3 4 (1 2) 3 4
Para extender el valor rítmico de una nota mediante el uso del puntillo. Un puntillo aumenta el valor la
mitad del valor de la figura.
1 2 3 4
Tresillo. División ternaria de una figura de nota en un compás de división binaria.
Los tresillos de corcheas tienen una duración de tres golpes equivalentes en un solo pulso.
Tresillo de
corchea
1 2 3 4
NOTACION PARA LA BATERIA.
Aunque dependiendo del libro o método pueden cambiar algunas posiciones de cada uno de los
instrumentos que conforman la batería, cada uno va a tener este tipo de clave para ordenarlo dentro
del pentagrama.
Ejemplo:
Hi Hat Abierto
Ride Hi Hat Cerrado
Tom 1 Tom 2
Redoblante Cross Stick Tom de piso
Rim Shot
Bombo Hi Hat con el pie Opcional
COMPASES
El grupo de pulsos son divididos con diversas medidas de tiempo que se encuentran dentro de los
compases. Esta medida está en 4/4, hay cuatro negras en cada compás.
En el compás de 12/8 se encuentran 12 corcheas por cada compás.

Tema: lectura figuras silencios en el redoblante.
EJERCICIOS DE LECTURA EN EL REDOBLANTE. *Fundamental Studies for Snare Drum- Garwood

Whaley
Ejercicio # 1 Redonda, blanca, negra con sus silencios correspondientes

Ejercicio # 2 Negras, corcheas con sus silencios correspondientes.

Silencios de corchea

Tema:
Historia de la batería desde sus orígenes y su evolución hasta nuestros días.
La batería es un conjunto de instrumentos de percusión, ensamblados de manera tal, que un solo

músico sea capaz de ejecutarlos todos de manera coordinada y simultánea. Estos instrumentos de
percusión tal cual los conocemos hoy en día, tuvieron orígenes en distintas latitudes del mundo. Se
sabe que en África, se originaron los tambores, así como también otros que provienen de China; sin
embargo, en el caso del bombo, este procede de Europa. Otro elemento muy utilizado en las bate-
rías, son los platillos o platos, que también se les pueden denominar címbalos o cimbales, los cuales
nacieron en medio oriente. Se sabe que entre los años 1890 y 1910, existían orquestas en las cuales
había de tres a cuatro percusionistas que tocaban varios elementos por separado, por ejemplo, uno
tocaba el redoblante, otro músico se encargaba del bombo, y otros de distintos elementos más, como
los címbalos y panderos. Tras las pérdidas generadas por la primera guerra mundial, se vio la necesi-
dad de unir varios instrumentos de percusión, que luego de manera básica, constituyeron lo que más
tarde conoceríamos como la batería actual, pero para esto pasó por una serie de transformaciones a
través de los años.
En el año 1910, fueron comercializados por primera vez, los pedales para bombo, y los soportes de
los redoblantes, por la compañía Ludwig. Esto permitió el ensamblaje de distintos elementos y así
poder ser ejecutados por un solo instrumentista. Cabe destacar que en aquellos tiempos, la batería
no era como hoy la conocemos, sino que tenían elementos poco usuales como los Wood-blocks y un
solo plato suspendido, y en cuanto a los parches, estos eran de piel animal.
Para principios del siglo XX, la batería no jugaba ningún papel relevante ni protagónico en las obras
musicales, sino que cumplía con el rol de mantener el tempo de las canciones, basándose solo en
los rudimentos del tambor clásico y marchas muy parecidas a las militares. Más adelante empiezan a
aparecer mejoras en su configuración, surgiendo otros tipos de soportes para ensamblar elementos
adicionales al bombo, se empiezan a utilizar los primeros toms-toms con la capacidad de afinarse, y
se incorporan los llamados sockcymbals, LowBoy o lowhat, que eran unos platillos que se tocaban
con la ayuda de un pedal, concepto que más tarde daría lugar al actual Charles o Hi-Hat.
La batería en décadas.
De la década de los 20 a los años 60:
Durante el último tercio de los años 20, se empezaron a utilizar intros en batería, que resultaron ser
relativamente llamativos, los cuales luego se vieron enriquecidos gracias a los aportes del baterista
ZuttySingleton, quien sin ser un revolucionario supo aprovechar los diferentes matices de la batería
para la música instrumental de la época.
Con la llegada de la década de los 30, se hacen necesarios los bateristas de ritmo, esto debido al
auge de la música para bailar, y la multiplicación de clubes de baile por doquier. Con esto, la fabrica-
ción de las baterías mejoró en tecnología y la calidad de los materiales con los cuales eran fabricadas,
trayendo consigo la inclusión de otros implementos como el pedal de charles, lo cual

transformó la manera de llevar el pulso, cambiando el desplazamiento de los sonidos de la batería a
través del ritmo. De esta manera, poco a poco, los bateristas fueron ampliando la variedad de ritmos,
incrementando la versatilidad del instrumento, con la implementación del plato ride, y las modificacio-
nes hechas a los toms, en lo que refiere a afinación.
Para el año 1937, con el virtuoso baterista Gene Krupa, la ejecución de la batería gana mayor protago-
nismo, con esto, los baterías se convirtieron en auténticos solistas de sus agrupaciones y orquestas.
Fue así como incluso, la forma de configurar la batería, cambió, y los fabricantes tomando en cuenta
las ideas de los bateristas de la época, llegaron a formar el set de instrumentos que conocemos hoy
en día. En la década de los 40, aparecen más bateristas para marcar un periodo, como es el caso
de SidCatlett, en quien se puede apreciar una técnica muy versátil para ejecutar solos, sin embargo,
aún se mantienen muchos de los rudimentos y las marchas similares a las militares en las canciones.
Con la llegada del baterista conocido como el “Papa” Jo Jones, cambia un poco esa tendencia y le
proporciona mas melodía a los sonidos de la batería. Es importante destacar, que ya para los años 50
se introducen los parches fabricados con materiales sintéticos, con la marca Remo y el fabricante Ro-
gers, específicamente en el año 1959, crea un sistema de soportes, con los que los toms, quedarían
fijados sobre el bombo. Con el boom del rock’n’roll, la llegada de grupos musicales como The Beatles
y Rolling Stone, la batería se vuelve un instrumento muy popular entre los jóvenes de la época. Los
fabricantes de baterías, comienzan a implementar materiales diferentes llegando a producir baterías
con un sonido de alta calidad. La década de los 60, trae consigo la aparición de muchos talentosos
bateristas entre los cuales se pueden destacar Keith Moon, de la banda TheWho y más tarde John
Bonham junto a LedZeppelin.
De los años 70 hasta nuestros días:
Durante los años 70, llegan al mercado las baterías procedentes de fabricantes asiáticos, como la
marca japonesa Tama, quienes proporcionaron una fuerte competencia a las baterías americanas y
europeas, debido a que estas eran de alta calidad y precios bajos. Otro de los aspectos a destacar
en las historia de la batería, es que en esta se inventan las baterías electrónicas, así como también la
utilización de sonidos y ritmos sintetizados. De aquí en adelante la influencia de la música rock sobre
el jazz, y también del blues, contribuyeron en la evolución de la batería, hasta llegar a la configuración
que conocemos actualmente.
¿Cuáles son los elementos que componen una batería?
Una batería se compone de una serie de tambores, que son mayormente fabricados en madera, los
cuales están cubiertos por parches hechos de material sintético, estos parches en ocasiones, tienen
aceite con la finalidad de optimizar el sonido. Los tambores constan de dos parches, uno superior y
otro resonante los cuales pueden variar en su afinación debido a la tensión del mismo, así como tam-
bién por el material del cuerpo de los tambores. Otros de los elementos presentes en un set de bate-
ría, son los platillos, los cuales pueden variar en su forma, tamaño y material de fabricación. Algunos
elementos que también pueden incluirse en una batería son los timbales, cencerros y panderetas,
esto depende de la intención y el gusto del baterista.
Los tambores utilizados en el set de batería son:
El redoblante o caja: Es un tambor membranófono que cuenta con unos bordones en el parche re-
sonante, lo cual le proporciona un sonido brillante y estridente característico. Al redoblante también
se le conoce como tarola y es parte fundamental de la batería.
El bombo: Es un tambor cuyo tamaño puede variar entre las 18” y las 26” de diámetro y las 14” y 22”
de profundidad. Debido a su gran tamaño proporciona un sonido grave, ejecutado a través de un pe-
dal que el percusionista maneja con el pie. En algunos casos, se maneja con pedal doble, utilizando
ambos pies.
Los toms: Generalmente se utilizan uno o dos, y se soportan sobre el bombo, aunque en algunos
casos no es así, sobre todo cuando se utilizan más de dos. Los toms pueden variar en su tamaño,
desde 6” hasta 15 de diámetro.
Tom de piso o granadero: Algunas veces tienen soportes independientes, o pueden depender de la
base de algún platillo. En una batería puede haber hasta dos toms de piso, uno con la afinación más
grave que el otro, variando también en su tamaño desde 14 hasta 20”.
Los platillos utilizados en la batería:
Crash: Es un platillo o címbalo de choque que se utiliza para dar énfasis durante los ritmos. Un crash
pude ser de 12” o hasta 22”.
Hi-hats: Es un sistema compuesto por dos platillos que instalados en un soporte con pedal, hace el
movimiento de uno contra el otro, produzca el sonido. También se pueden tocar abiertos o cerrados,
dependiendo de la intención del baterista o el tipo de música ejecutada. Comúnmente, los hi-hats
suelen ser de 14” o 15”, pero tambien se han fabricado de 16”. Charles, Charleston o contratiempos,
son otro de los nombres que se les puede dar al Hi-hats.
Ride: Es un platillo grande de entre 17” y 32” que tiene como función llevar el ritmo en sustitución del
Hi-hats, dependiendo de la intención del baterista y la cadencia que quiera otorgarle a las canciones.
Splash: Es un platillo de menor tamaño de entre 5” y 13”, el cual es utilizado para aportar ciertos efec-
tos y para dar acento en canciones de poca intensidad.
China: Es un platillo que se utiliza para efectos especiales, son colocados al revés y pueden variar su
tamaños entre las 10” hasta 22”.
Crash-ride: Se utilizan como crash y también como ride, debido a su sonido variable en color y po-
tencia.

La batería se toca con baquetas o escobillas, las cuales pueden variar mucho en su forma, peso, ta-
maño, color y material. Nuevamente, cabe destacar que todas esas características variables, depen-
den la intencionalidad y los gustos del músico. Por lo cual en la música rock y sus variantes, es común
el uso de baquetas pesadas, debido a la potencia que proporcionan.
En el caso de las escobillas, estas poseen en su extremo unas cerdas que pueden ser de material
plástico o metálico, estas últimas generan un sonido un poco más brillante y son utilizadas con mayor
frecuencia en el Blues o el Jazz.
En cuanto a los pedales, estos se emplean para controlar algunos elementos de la batería, como pue-
den ser los Hi-hats, el bombo, y en algunos pocos casos, para tambores. Los pedales para el bombo
se componen de:
Una plataforma sobre la cual, el pie aplica fuerza.
Un mazo pesado que golpea el parche del bombo, su extremo puede tener una superficie de materia-
les variables entre el plástico, la madera o el fieltro.
Un sistema de tracción que provoque la transmisión del movimiento y la tensión necesaria para que
el mazo del pedal vuelva a su posición de reposo.
En años recientes, el uso del pedal doble se ha hecho más común, pues este sistema permite al ba-
terista tocar patrones más complejos sin tener que utilizar un segundo bombo.
En cuanto al Hi-hat, el funcionamiento es parecido al del pedal del bombo, aunque su función es la de
hacer que el platillo superior golpee al inferior, abriéndolos o cerrándolos.
La batería electrónica:
Una batería electrónica está compuesta por elementos que basándose en pads electrónicos, propor-
cionan sonidos que imitan a las baterías acústicas. Estos sonidos programados para los pads son
procesados por un módulo. Hoy en día, los fabricantes de baterías electrónicas tratan de lograr en
sus sistemas, sonidos muy parecidos a los producidos por la ejecución de una batería acústica. Por
otro lado, las baterías electrónicas pueden ser conectadas a una computadora, lo cual permite que
los sonidos de los pads, se reprogramen o modifiquen.
El músico baterista:
Cuando los bateristas, son capaces de interpretar cualquier género musical con un análisis rápido de
las partituras correspondiente, se les denomina bateristas de estudio o sesión, a los cuales les llega
a tomar unos pocos minutos prepararse para tocar una obra musical completa. Y es que por lo antes
mencionado se debe tener en cuenta que el baterista, es un músico que para ejecutar cualquier tema,
se vale de la coordinación, sentido del ritmo, fuerte seguridad en su tempo, mucha energía, resisten-
cia física y musicalidad. Con todas estas características, el baterista podrá crear diferentes ritmos que
girarán alrededor de los beats de una canción, otorgándole así mayor dinamismo.
Tema: Grooves de rock.
Contenido: aprendiendo el beat, manteniendo un tiempo estable e ir desarrollando los patrones

(grooves) básicos de Rock con diversos golpes de bombo, siguiendo tres pasos.
1. Empezar con el Hi-Hat con un acento natural en el tiempo fuerte.

2. Añadir el redoblante en los tiempos 2 y 4.
3. Añadir las variaciones de bombo.
Paso 1 Paso 2 Paso 3
Hi-Hat Redoblante Bombo
GROOVES DE ROCK VARIACIONES BOMBO EN CORCHEAS. * 3499 Grooves For Drumset- Von An-
dreas Schwarz

EL ROCK HISTORIA Y EVOLUCION. * Desde la mira- el-rock-historia-y-evolución.
El Rock, es un género musical que se caracteriza por los significados que contienen las letras de las
músicas que lo integran. Mas en él, se pueden expresar un sinfín de cosas, entre ellos sentimientos,
felicidad o tristeza, recuerdos, incluso la filosofía se adueña también de este ámbito con algunos
grupos.
Este género musical nace en pleno siglo XX. El mismo deriva del “Rock and Roll” además de otros
estilos de músicas, entre los que se puede citar, al country, el góspel, el jazz y el blues, principal-
mente del último nombrado ya que es un estilo muy rápido.
Los instrumentos que forman parte del rock, son por la mayoría de los casos, la batería, el bajo, la
guitarra y en algunas ocasiones lo suelen hacer también los teclados o pianos. El Rock, con el co-
rrer de las décadas ha sufrido combinaciones con otros géneros como los anteriormente citados.
Dichas fusiones daban resultados a distintos estilos, así el rock + el folk, resultaba el folk rock; otro
de los tantos casos es la suma del blues y el jazz con el rock derivando en blues rock y jazz-rock,
respectivamente. De esta manera, la evolución de este estilo evoluciono y se divido en varios sub-
géneros, entre los más destacados el Hard Rock, el Rock Alternativo, el Trash Metal en los años
1980 y, en 1990 nace el Grunge.
Con esta historia en las espaldas pero sin tantos detalles, a los cuales vamos a ahondar, el rock no
sería nada sin sus estrellas. Estas comenzaban a brillar en el año 1954, donde el joven Elvis Presley
llega a grabar una canción considerada – según la revista Rolling Stone – la primera dentro del Rock
and Roll, de la misma manera este cantante iniciaba su camino dentro del ámbito musical por el que
es recordado hasta hoy día.
En 1960, el género rockero va fortaleciéndose con apariciones de grupos como The Beatles, los
RollingStones, TheWho y otros grupos, esta ola fue conocida como la invasión británica. También,
a estas agrupaciones se unen Bob Dylan, JimiHendrix, Eric Clapton, LedZeppelin entre otros que
son hoy en dia grupos bastante escuchados entre la comunidad que gusta de estos artistas y estilo
de música; así con más grupos sumergidos al género terminaba la década con los subgéneros rock
psicodélico y rock progresivo y se iniciaban los ‘70.
Una nueva era se inicia a partir del año 1970 donde más estilos se unirían a los ya existentes. Aquí
siguen LedZeppelin, DeepPuple junto a Black Sabat además de otros grupos surge el Heavy Metal.
Paranoid álbum de Black Sabat inaugura y planta las bases para el nuevo estilo. Ahora, en torno a
este genero existe una frase bastante conocida, que surge en esta década, “Drogas, Sexo y Rock
and Roll” que se asienta a través de la gira (American Tour) realizada por los RollingStones en 1972.
Nacen otras bandas como Queen, con el Hard Rock, Rock Progresivo y el Glam Rock así también
Ramones se inicia con el Punk Rock. Entre los géneros citados, la agrupación norteamericana Ae-
rosmith salta a la fama en el universo de la música introduciéndose en una mezcla entre Hard Rock
y Funky. En esta década, la de 1970, van emergiendo varios grupos nuevos como IronMaiden y
nuevos estilos como el Rock Electrónico, el Rock Gotico, Industrial, todo esto en la etapa final de la
década de 1970 e inicios de 1980.
A partir de los años ’80, el rock sufre un cambio con el surgimiento del estilo Neo-progresista, de-
rivado del Rock Progresivo. Este estilo se caracteriza por ser más melódico y las letras que hacen
parte de este, son sentimentales. Algo que también se une a la música es una vestimenta con pei-
nados propios de la época.
Bon Jovi, Europe, Michael Jackson, Madonna, Duran Duran y Guns N’ Roses, artistas y agrupa-
ciones ganan renombre en esta época con numerosos éxitos. También aparece el Rock Cristiano,
interpretado por bandas cuyos participantes son cristianos. El Trash Metal se inicio con grupos como
Metallica, Megadeth, Slayer, Sepultura y Pantera entre otros más.
Una nueva era se inicia con la llegada del año 1990, donde nacen los estilos Black Metal, Death
Metal, Rock Fusion, unión del Rock, Metal, Punk y fusión con los estilos rap y funk. Así también tiene
continuidad el Grunge, con el lanzamiento del álbum “Nevermind” de la agrupación estadounidense,
Nirvana. Más tarde se unen Nickelback, TheSmashingPumpkins.
El año 2000 se alista en la historia del rock agregando a nuevas bandas musicales dentro de la
corriente. Nuevas bandas de rap metal como Rage AgainstThe Machine, Linkin Park y LimpBizkit.
Otros géneros y grupos que se unen a la historia son el Nu metal, con System of a Down. El Pop
Rock Alternativo, con agrupaciones como Coldplay, Muse, también Linkin Park, Green Day y Eva-
nescence entre otros. Devino además una oleada con el Pop-Punk, dentro de este se introdujeron
bandas como TheOffpring, Blink 182, Sum 41 y el mencionado grupo norteamericano Green Day.
Muchos tantos grupos son los que forman este estilo de música que combina sentimiento, filosofía
y cultura, el Rock, un género que puede absorber otros tantos y formar nuevos adaptándose a las
épocas y perpetuándose en la historia, en los oídos de mucha gente, en el pensamiento y en el co-
razón de numerosos amantes de la música, pero por sobre todo del Rock.

Tema: Grooves de rock en cuatro compases con fills de cuatro, tres, dos y un tiempo. *José Madero.

Tema: Lectura, subdivisión de las semicorcheas, células rítmicas. *José Madero.
LECTURA SUBDIVISIONES EN SEMICORCHEAS
1. Primera semicorchea 2. Segunda semicorchea
3. Tercera semicorchea 4. Cuarta semicorchea

5. 1ra y 2da semicorchea 6. 2da y 3ra semicorchea
7. 3ra y 4ta semicorchea 8. 1ra y 3ra semicorchea
9. 2da y 4ta semicorchea 10. 1ra y 4ta semicorchea
11. 1ra, 2da y 3ra semicorchea 12. 2da, 3ra y 4ta semicorchea

13. 1ra, 2da y 4ta semicorchea 14. 1ra, 3ra y 4ta semicorchea
15. Todas las cuatro semicorcheas

Tema: Lectura en el redoblante subdivisión semicorcheas *Fundamental Studies for Snare Drum-
Garwood Whaley

Tema: Transcripciones de partituras completas de canciones de rock, pop con fills y formas sencillas.

Tema: Grooves de rock subdivisiones en semicorcheas en redoblante y bombo. * 3499 Grooves For
Drumset- Von Andreas Schwarz

Grooves cuatro compases con fills en subdivision de semicorcheas. *Jose Madero

Grooves sub semicorcheas + fills 3,2 y 1 tiempo

GROOVES ROCK-FUNK (SUBDIVICION EN SEMICORCHEAS) *Realistic rock- Carmine Appice.

GROOVES FUNK CON BAJO (PLAYALONE) *José Madero

GROOVES ROCK-FUNK (TRESILLO DE SEMICORCHEAS-SEISILLOS) *Realistic Rock- Carmine
Appice.

TEMAS ROCK

Tema: grooves de rock con abiertos en hi-hat y crossstick en redoblante. * 3499 Grooves For Drum-
set- Von Andreas Schwarz

Grooves de rock subdivisión semicorcheas en el hi-hat.

Hi Hat contratempos (off beats)

Philly (mas grooves subdivision semicorcheas hi-hat)

TEMA BOSSA NOVA: SU ORIGEN, HISTORIA. *Jazzeando.com.ar. Estilos e historia del jazz-bos-
sa-nova
Bossa-nova, estilo musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada
por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en
los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo
nuevo" o "el camino nuevo " aunque etimológicamente significa "voz nueva". Se hizo muy conocida
en Brasil gracias a la grabación de "Chega de Saudade", interpretada por João Gilberto y compuesta
por Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, tres de los principales exponentes de este género en
Brasil.
No hay un consenso que reconozca la bossa-nova como un movimiento. Sin embargo, este estilo
es reconocido por su importancia dentro de la historia de la música brasileña. Recogió los rasgos
distintivos de la samba callejera, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y
llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nue-
vas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la
música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz. Las letras y la música mantenían además
una estrecha relación entre sí, aunque su característica principal es el ritmo, de raíz brasileña. La
bossa-nova se hizo tremendamente popular en Brasil y en otras partes de Latinoamérica, aunque su
éxito internacional estuvo limitado a pequeños periodos de tiempo, como por ejemplo tras el estreno
de la película Orfeo negro o con los lanzamientos de los nuevos trabajos de Stan Getz en los sesenta.
Gracias al descubrimiento que figuras estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd hicieron de la
bossa-nova, se produjo un importante intercambio cultural entre estos músicos y otros como el pre-
cursor Laurindo Almeida, Antonio Carlos Jobim, João Gilberto o Astrud Gilberto, generando así una
nueva rama de la síncopa que se basó en los esquemas de la música brasileña. Quizás la canción
más conocida de la bossa-nova es "La Chica de Ipanema" (A Garota de Ipanema) de Antonio Carlos
Jobim, conocida a lo largo y ancho del mundo tanto en su versión original portuguesa como en su
traducción al inglés.
“Bossa-Nova” significa “bossa nueva”. Por otra parte, la palabra “bossa”, usada aisladamente, ya era
común en Brasil, antes de la creación del género musical, refiriéndose al encanto particular, al “estilo”,
“instinto” o capacidad natural. Es así como fue de uso frecuente por los músicos antes de la grabación
de “Chega De Saudade”. En 1932, Noel Rosa utilizó la palabra en una samba… cuando expresó "O
samba, a prontidão e outrasbossas/São nossascoisas, sãocoisasnossas" (la samba, la determina-
ción y otras bossas/son nuestras especialidades.)” En los finales de los años 50 y el principio de los
años 60 solamente los jóvenes usaban el término Bossa Nova en su modismo para definir cualquier
cosa nueva, o estilo nuevo, pero cuando la canción “Presidente Bossa Nova” del artista Juca Chaves
se volvió un gran éxito en la radio, el término llegó a estar muy de moda y fue utilizado libremente por
cada uno. Para la nueva manera de realizar la samba surgió él término originalmente llamado "Samba
Bossa Nova" y luego, poco más tarde, solo "Bossa Nova". Nadie puede alegar saber con exactitud
cual fue el origen del término “Bossa-Nova”. Lo más probable es que el término “BOSSA” fuera usado
para referirse a cualquier nueva “tendencia” o a la tendencia de moda dentro de la cultura-costera
artística de los últimos 50 años en Río de Janeiro. El término finalmente llegó a ser conocido y am-
pliamente utilizado para referirse a un nuevo estilo de la música, a una fusión de la samba y a jazz,
cuando los creadores aplicaron a su nuevo estilo el término como “la nueva cosa”. Era probable usar
el término “Bossa-Nova” entonces como referencia genérica a lo que hacían en la música en ese
entonces, que no tenía ningún nombre particular todavía. Sin embargo, el término se arraigó como
la definición de su propia creación artística específica, que se conocía como “Bossa-Nova” o luego
simplemente como “Bossa”, como lo conocemos hoy en día.
La bossa-nova se toca normalmente con guitarra clásica, cuerdas de nylon y con los dedos (sin púa).
En su forma más pura basta con la guitarra sin acompañamiento y la melodía cantada, como puede
escucharse en numerosas interpretaciones de João Gilberto. Incluso en los arreglos de jazz de más
envergadura, que se hacían para grupos hay casi siempre una guitarra que lleva el ritmo principal.
Aunque no sea tan importante como la guitarra, el piano es otro de los instrumentos que se usan en la
bossa-nova; Jobim escribió para el mismo e interpretó en él en la mayor parte de sus grabaciones. El
piano ha servido también como puente estilístico entre la bossa-nova y el jazz, permitiendo que estos
dos géneros se influencien el uno al otro. Los tambores y la percusión no se consideran una parte
esencial, de la instrumentación en la bossa-nova (y de hecho los creadores tendían a prescindir de
ellos), aun así hay un estilo de percusión definido en la bossa-nova, caracterizándose por continuas
octavas en los timbales (imitando la pandereta de la samba) y golpeando ligeramente el aro, general-
mente a contratiempo.
Artistas destacados:
• Vinicius De Moraes
• Joao Gilberto
• Antonio Carlos Jobim
• Toquinho.
TEMA BOSSA NOVA PATRON BASICO. *José Madero

BOSSA NOVA VARIACIONES CROSS STICK *Jose Madero.

BOSSA NOVA ORQUESTACIONES Y VARIACIONES. * Complete modern drum set-Frank Briggs.

BOSSA NOVA APLICACIONES CON PISTAS, CHART APLICANDO PATRONES VISTOS.
10 TEMAS IMPORTANTES DENTRO DE LA MUSICA DE BOSSA NOVA.
- “Chega de saudade” 1958 (V. de Moraes/ A. Carlos Jobim) https://www.youtube.com/watch?v=gu-
Mek3_D6ls
- “Garota de Ipanema” 1962 (V. de Moraes/ A. Carlos Jobim) https://www.youtube.com/watch?v=c-
5QfXjsoNe4
- “Desafinado” 1963 (A. Carlos Jobim / Newton Mendoça) https://www.youtube.com/watch?v=3WXR-

jcBPbFY
- “Mas que nada!” 1963 (Jorge Ben)
https://www.youtube.com/watch?v=dDlVZNfxVtE
- “Agua de beber” 1963 (V. de Moraes/ A. Carlos Jobim) https://www.youtube.com/watch?v=CnBZoI-
Bi9TY
- “Berimbau” 1963 (V. de Moraes/ Baden Powell) https://www.youtube.com/watch?v=0JK34NqxmvU
-“ Wave” Tom Jobim- canta Gal Costa
https://www.youtube.com/watch?v=TRaRzTt5U1o
- “Dindi” Tom Jobim –canta RossaPassos
https://www.youtube.com/watch?v=PSFIWnd7_p8
-Vocevai ver Tom Jobim-canta RossaPassos
https://www.youtube.com/watch?v=sHStV_0BKYY
- “Aguas de Março” 1974 (A. Carlos Jobim)
https://www.youtube.com/watch?v=srfP2JlH6ls

BOSSA NOVA APLICACIONES CON PISTA. *José Madero- pista: Tommy Igoe

TEMA BOSSA NOVA “RECADO”

TEMA GROOVES ROCK CON TRESILLOS DE SEMICORCHEAS EN BOMBO. *Realistic
rock-Carmine Appice.

GROOVES ROCK-FUNK (SUBDIVISION TRESILLOS DE SEMICORCHEA-SEICILLOS 12 COM-
PACES)

GROOVES DE ROCK-FUNK (REVISION EJERCICIOS)

TEMAS POP, ROCK. *Transcripción José Madero

Los anteriores contenidos pueden ser variados por el profesor según su criterio y oportunamente
comunicado al estudiante.
Recursos adicionales para el estudiante: Además de la comunicación con el profesor de este curso,
el estudiante puede contactar a los siguientes profesores en la Escuela o a través de correo electró-
nico:
Coordinador de Batería: José Madero (josemadero@fernandosor.edu.co)

Otros asuntos académicos: Fernando Arias (fernandoariasr@fernandosor.ed
u.co)

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Institución Educativa para el trabajo y el desarrollo humano

Calle 26 No. 34A-37 Tels: 3407771/72

Primera edición impresa

Propósito General de las clases individuales de Batería:

Formar instrumentistas (batería) profesionales que puedan desempeñarse en diferentes contextos

Objetivo de la clase individual de Batería Fundamentos

30% Primer examen

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Definiciones. Para comenzar, enumeramos algunos conceptos y definiciones básicas de la teoría

Ritmo. El ritmo en la música se refiere a la frecuencia de repetición en una composición. El ritmo se

Nota. Signo que representa el sonido y la duración en una pieza musical.

Figura. Signo que representa la duración de un sonido en una pieza musical.

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La postura del cuerpo frente al pedal de bombo y hi hat

Energía Cinética: Es aquella que se presenta en el movimiento, energía de movimiento.

Energía Potencial: Es la energía almacenada por un cuerpo de acuerdo a su posición en el espacio.

FULL STROKE (F)

El golpe comienza arriba y termina arriba

DOWN STROKE (D)

E golpe comienza arriba ytermina abajo tras golpear

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El cuerpo como motor para hacer funcionar la batería

Cada uno de ellos tiene su propia técnica y a su vez, trabajan en conjunto.

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*La batería-aspectos básicos y concejos para la práctica de la batería- Cecilia Gramaticco.

NOTACION PARA LA BATERIA.

En el compás de 12/8 se encuentran 12 corcheas por cada compás.

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EJERCICIOS DE LECTURA EN EL REDOBLANTE. *Fundamental Studies for Snare Drum- Garwood

Ejercicio # 1 Redonda, blanca, negra con sus silencios correspondientes

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La batería es un conjunto de instrumentos de percusión, ensamblados de manera tal, que un solo

De la década de los 20 a los años 60:

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De los años 70 hasta nuestros días:

¿Cuáles son los elementos que componen una batería?

Los platillos utilizados en la batería:

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Una plataforma sobre la cual, el pie aplica fuerza.

Contenido: aprendiendo el beat, manteniendo un tiempo estable e ir desarrollando los patrones

1. Empezar con el Hi-Hat con un acento natural en el tiempo fuerte.

Paso 1 Paso 2 Paso 3

Hi-Hat Redoblante Bombo

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LECTURA SUBDIVISIONES EN SEMICORCHEAS

1. Primera semicorchea 2. Segunda semicorchea

3. Tercera semicorchea 4. Cuarta semicorchea

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7. 3ra y 4ta semicorchea 8. 1ra y 3ra semicorchea

9. 2da y 4ta semicorchea 10. 1ra y 4ta semicorchea

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15. Todas las cuatro semicorcheas

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