Como Crear Una Canción Desde Cero, Paso A Paso - Francisco Soto Aparicio

Cómo Crear Una Canción
Desde Cero, Paso a Paso
Francisco Soto Aparicio

músico/compositor/educador
www.franciscosotoaparicio.com
Cómo Crear una Canción Desde Cero, Paso a Paso
Introducción
Te presento mi nuevo libro: Como Crear Una Canción Desde 2.- Aquel que ya conoce bastante de teoría pero no la ha
Cero, Paso a Paso. El título es bastante descriptivo: lo que aplicado del todo en una composición real. Le servirá para
haremos será seguir y analizar desde el inicio la creación tener un ejemplo claro y práctico de cómo comenzar a apli-
de una pieza musical tipo canción. car sus conocimientos en una situación creativa real. Te in-
teresará especialmente el Paso 5, que va un poco mas allá
Si bien la composición es un proceso muy personal, intenté con conceptos mas avanzados.
sistematizarlo de forma tal que sea sencillo y fácil de
replicar a la hora de abordar la creación propia, para “soltar No pretende ser un libro de teoría, si no de aplicación.
la mano”. Para la teoría, tengo un libro disponible a la venta que
trata con detenimiento cada punto y posibilidad: “Armonía
Comienzo desde los acordes (armonía), ¿Por qué? Porque, y Composición”. Si te tomas en serio el oficio de crear
para el principiante, es mas sencillo. La intuición melódica música, te recomiendo que le des un ojo, aquí. Presenta
y el oído interno requerido para emparejar la melodía con una gran variedad de recursos teórico-prácticos referentes
el acorde adecuado no está desarrollada aún en quien a la composición.
recién comienza. Mas adelante, te insto a probar el sentido
inverso: comenzar con la melodía y luego los acordes. Como ayuda para los guitarristas, presento algunos
ejemplos en tablatura. Insto a aprender un poco de
Este libro está escrito para 2 tipos de músico: partitura: no es necesario ser un lector fluido para captar
algo de este sistema. La teoría se hace muy visible tanto
1.- Aquel que hace poco tiempo está creando canciones (o desde el pentagrama como desde el piano. Además, todos
bien nunca ha hecho una), y está en busca de recursos y los ejemplos tienen audios, lo que te ayudará a relacionar.
un método claro para comenzar a componer. Sabes algo de
teoría básica, y conoces las notas y los acordes básicos. Si Espero que lo disfrutes y no dudes en escribirme por
hay conceptos que no entiendes, no te preocupes, ¡sigue cualquier consulta, duda o apreciación.
adelante! de todas maneras podrás sacar algo en limpio.
Recuerda que es un libro práctico. Francisco Soto Aparicio,
contacto@franciscosotoaparicio.com

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Recomendaciones técnicas
El libro está disponible en dos formatos:
PDF
Epub (3.0)
Yo recomiendo el segundo de estos, si bien es menos universal, funciona de mejor manera respecto al contenido
integrado (audios). Si estás en PC o Notebook, recomiendo el lector Readium, que funciona dentro de Google Chrome o
bien Calibre. Si estás desde Android (smartphone o tablet) recomiendo Lithium. Hay bastantes alternativas disponibles
en ambas plataformas.
Si decides usar el PDF, te recomiendo Acrobat Reader ya que tiene mejor compatibilidad con el audio que otros lectores.
Necesitarás tener instalado Flash para oír los audios desde el PDF.
Si de todas las formas no logras oír los audios (es una tecnología no del todo implementada en todos los dispositivos),
puedes descargarlos desde el siguiente link de Google Drive. Están en orden de aparición, con un nombre que indica a
qué contenido corresponde.
Carpeta de audios

Glosario
A continuación un pequeño glosario de los conceptos teóricos 3.- Tonos y semitonos: La especie del intervalo la determinamos
que aparecerán en el libro. De esta forma, nos enfocaremos por la cantidad de semitonos que separa las dos notas. El
en la parte práctica. Cada concepto se trata de manera semitono es la unidad de medida mas pequeña que tenemos
superficial: habría que escribir un libro mucho mas largo para en música occidental. En el teclado, es de una tecla blanca a
darle profundidad. Para nuestros fines, es suficiente. la tecla negra que está justo por encima o por debajo. En la
guitarra, es un espacio. Un tono es la suma de dos semitonos.
1.- Escala: Es un grupo o una colección de notas sucesivas, un Tambien se les llama segunda menor (semitono/medio tono)
conjunto, que recibe un determinado nombre según cual sea y segunda mayor (tono).
su estructura. Se construye por segundas, es decir, de una
nota a la siguiente (do a re, re a mi, mi a fa etc.). Es como una 3.- Acorde: Un acorde es un conjunto de 3 notas o 4 notas
escalera, paso a paso, de ahí su nombre. Las mas conocidas (por ahora 3, o sea una tríada), que, a diferencia de la
son la escala mayor y la escala menor. escala, se construye a partir de terceras y no de segundas.
Así, tenemos tres notas: fundamental, tercera y quinta
2.- Intervalo: Es una medición de la distancia entre dos notas. (tercera+tercera=quinta). Es la unidad básica de la armonía
Consta de 2 partes: un número y una clasificación o especie. moderna, y la forma mas efectiva de acompañar una melodía.
Por ejemplo, entre do y re hay una segunda: do, re. Entre do Los acordes mas conocidos son los mayores y los menores.
y mi, una tercera: do, re, mi. Luego, esas terceras y segundas Los mayores tienen tercera mayor, y los menores tercera
pueden ser mayores o menores (su especie), dependiendo menor. La quinta es justa, en ambos casos.
de la distancia. Otros intervalos son justos, disminuidos o
aumentados. Conviene investigar, ya que son los ladrillos 4.- Tonalidad: Cuando tomamos la escala y construimos
primordiales de la teoría. También se recomienda el acordes con ella, sobre cada una de sus notas, comenzamos
entrenamiento auditivo al respecto, aprender a reconocerlos. a formar lo que llamamos tonalidad: un complejo de notas y
Para evitar confusión, aclaro que no necesariamente por haber acordes que tienen una relación, una jerarquía, y funciones
una segunda mayor estamos en presencia de una tonalidad diferenciadas para cada uno de estos acordes. A veces, al
mayor, por ejemplo. Todos los intervalos se presentan en principio, se usa casi como sinónimo de escala. Poco a poco
todas las escalas, de distintas maneras. entenderemos mas en profundidad qué es la tonalidad, ya
que es todo un sistema.

5.- Tempo/pulso: Es el corazón de la música, lo que va un aire nuevo a cada nota de la melodía, de llevarla a otros
por debajo de ella y la sostiene. Es lo que llevamos con el lugares. Sin duda se complementan.
pie mientras escuchamos una música movida. Es estable,
salvo en casos excepcionales donde se ralentiza, se apura, Hoy, hablar de armonía es prácticamente hablar de acordes.
o cambia. El ritmo es lo que sucede encima de ese pulso Cabe mencionar que una melodía lleva implícito un ritmo
base, como se divide. que la caracteriza. Sin el ritmo, deja de ser la misma melodía.
6.- Timbre: El color de un instrumento, lo que hace que una 8.- Notación americana / clave americana: Se refiere a la
misma nota (altura) suena distinto en un piano que en una manera de expresar cada nota a través de una letra:
guitarra. Depende de los “armónicos”, que a grandes rasgos A=La, B=Si, C=Do, D=Re, E=Mi, F=Fa, G=Sol.
son los componentes del sonido. Cada instrumento tiene
un distinto balance en estos armónicos, y es el principal Se usa mucho para cifrar acordes: C, sin nada mas, simboliza
responsable de su sonoridad. un acorde de Do mayor. Cm simboliza un acorde de Do
menor. Cm(b5) es un acorde menor, con quinta disminuida.
7.- Melodía y armonía: armonía es simultaneidad de alturas C7 es un acorde de Do mayor con séptima menor. Etc. Por
o notas. Cuando suena mas de una nota al mismo tiempo, ahora solo usaremos los básicos.
ya sean 2, 3, 4 o mas notas, hablamos de armonía.
Es el opuesto complementario de la melodía: una sucesión Puede que ya supieses algunas de estas cosas, puede
de notas, una tras de otra. La armonía es la verticalidad que no. Si no lo entiendes todo, ¡No te desanimes! Ya lo
mientras que la melodía es la horizontalidad: simultaneidad entenderás. Recuerda que es un libro práctico. Avanza
contra sucesión. de todas maneras y en el camino irán cuajando las ideas
en tu cabeza. La música es un sistema de relaciones y
Ambas tienen una relación recíproca en la música analogías, y el hacer es la mejor manera de aprehender.
actual, llevando igual importancia. Una melodía sin Confía en ello.
acompañamiento armónico, suena estéril, débil, plana.
Una base armónica sin ningún elemento melódico suena
vacía y repetitiva, sin vida. La armonía es capaz de darle

Paso 0: El Lienzo
Para iniciar el proceso y volverlo mas sencillo, nos pondre- - El ambiente general será nostálgico y esperanzador, sin
mos algunas “restricciones”. Es decir, definiremos un par de caer en lo meloso.
cosas de antemano, antes de siquiera tocar el instrumento.
Esto nos ayuda a tener un foco mas claro. Y si bien el poner- 2.- La forma/estructura:
se tales limitaciones puede hacer parecer el proceso como
un mero ejercicio, no tiene por qué ser “anti-artístico”. Es La forma de una canción define cómo guiaremos el viaje
más, a veces puede contribuir a que la idea no se pierda y del oyente a través de nuestra canción, por qué paisajes
que lo esencial de la canción se mantenga intacto. lo haremos pasar, qué emociones sentirá, y en qué orden.
Una canción es un viaje emocional, y cada sección tiene un
Te recomiendo que sigas la misma dinámica para tu crea- “por qué” y un efecto sobre el oyente.
ción. Al menos al principio, hasta que desarrolles una visión
mas completa de lo que estás creando. Esta vez no nos complicaremos y haremos una estructura
muy simple, para ahorrarnos energía al respecto:
Entonces, ¿Qué definiremos? estrofa-estribillo-estrofa-estribillo. A la estrofa le asignare-
mos la letra A, y al estribillo B.
1.- El título de la canción, el mensaje y ambiente general Así, nuestra estructura sería: A - B - A - B
que queremos transmitir:
Añadiremos el detalle de que la segunda estrofa tendrá una
Por lógica, nos ayudará a perfilar mejor todos los demás variación respecto a la primera, y que el segundo estribillo
aspectos de la pieza musical. se repetirá.
- En este caso, la canción llevará por nombre “Volver a casa”.
- El mensaje será sobre el volver al equilibrio, al estado de Quedaría: A - B - A’ - B - B
paz interior y comodidad con la vida y las personas que nos
rodean.

3.- Escala/tonalidad:
Definiremos una escala para trabajar y construir nuestros acordes y melodía. Si bien mas adelante podremos salirnos de
la escala un poco, al principio nos mantendremos estrictamente dentro. La escala será La menor (Am en notación ame-
ricana) y su relativa mayor Do mayor (C). Que sean relativas significa que tienen las mismas notas, pero dependiendo de
cual enfaticemos (La o Do) conseguiremos un sonido mayor (extrovertido, brillante) o menor (opaco, mas introvertido).
Las notas de Am son: La, Si, Do, Re, Mi, Fa, Sol.
(O sea, sólo notas “naturales” o teclas blancas en el teclado: ningún sostenido, ningún bemol)
Si construimos acordes con estas notas, nos da los siguientes acordes, que llamamos grados
de la tonalidad y les asignamos un número romano:
Nota: Primero suenan los acordes como están escritos en la partitura. Luego como se tocan usualmente en la guitarra, con las posiciones básicas.

Pensémoslo ahora desde Do mayor

Las notas de C mayor son: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si.
(Nuevamente, sólo notas “naturales” o teclas blancas en el teclado: ningún sostenido, ningún bemol)
Grados de la tonalidad:
En la sección A, tomaremos como centro tonal Am, para generar un ambiente introspectivo. Para la sección B, cambia-
remos el centro tonal a su relativa mayor, que es C mayor. Así se formará un color mas brillante y hacia afuera. Como
ya indicamos, tienen las mismas notas, por ende el proceso es muy simple.

4.- La instrumentación:
La instrumentación será de banda de rock típica: batería, bajo, 2 guitarras, voz. Luego podremos añadir algunos
arreglos adicionales, mas no primordiales, que sumarán textura y variedad al arreglo.
Si no entiendes algo hasta acá, puedes preguntarle a alguien que sepa mas que tú, pero de todos modos siempre
recuerda que no es necesario que lo captes todo para avanzar. Todo el libro es así: entenderás lo que esté de acuerdo a
tu nivel. Lo mas importante es aplicar para internalizar lo que se pueda.
Si es importante que sepas tocar esos acordes en tu instrumento, en posición básica (exceptuando el Bm(b5), que
intentaremos evitar por el momento). Si no tocas un instrumento armónico, te recomiendo aliarte con alguien o bien
buscar una aplicación que te permita armar bases con acordes.
Teniendo estos 3 elementos bien definidos, podemos avanzar y comenzar con nuestra creación!
Dividiremos el proceso en 4 pasos: Los acordes, la melodía, la letra, y el arreglo.
Desarrolla el Paso 0 para tu canción: define el título, el mensaje y el ambiente que buscas generar.
Luego, la forma y la estructura, y por último la tonalidad o tonalidades a utilizar. Si estás en duda,
puedes usar La menor/Do mayor como lo hago yo. Si te manejas con mas soltura en otras tonalida-
des, busca la que te acomode vocal e instrumentalmente. Define finalmente la instrumentación.
Sientete libre de utilizar algunas de las directrices que plantee o bien crear las tuyas propias.
Notas:
1. La partitura se utiliza mas como una ayuda, no es necesario saber leerla. No te asustes. De todos modos, te insto a intentar leerla un poco!
2. Utilizaremos el acorde de Em y no E o E7 como se suele usar, tanto para simplificar la implicación teórica como para incluir el color modal (eolio).
3. Los términos bIII, bVI y bVII, se refieren a grados construidos sobre la 3ra menor, 6ta menor y 7ma menor a partir de la fundamental. Es para diferenciarlo de
los grados de la escala mayor: IIIm, VIm, VIIm(b5). No le des demasiada importancia, lo escribo para ser correcto mas que nada.

Paso 1: Los acordes

Como lo plantee en la introducción, comenzaremos por definir los acordes que serán la base sobre la que descansará el
resto de la música. Es el proceso mas sencillo al principio, cuando aún no tenemos una intuición melódica muy desarro-
llada. Además, tener la base armónica nos entregará rápidamente una sensación de plenitud musical, sonará “lleno” de
inmediato. No así con una melodía sola cuando aún no tiene una base que la sustente.
Indicábamos en la sección anterior, que la tonalidad de La menor tiene los siguientes acordes:
Am Bm(b5) C Dm Em F G
Si juegas con estos 7 acordes (6, si omitimos el Bm(b5), cuyo uso es levemente problemático por ahora y lo evitaremos),
te mantendrás dentro de la escala. Todas sus notas están dentro Am, y si le das suficiente foco a dicho acorde, se
establecerá como el centro tonal y estaremos efectivamente en tonalidad de Am (La menor). Si enfatizas el acorde de
C, estaremos orbitando en Do mayor. Independiente de que usemos los mismos acordes: para cada cual, estos acordes
significan cosas distintas.
Para cada centro tonal, tenemos grados principales y grados secundarios:
Principales (I, IV y V)
I IV V
Tonalidad de La menor Am Dm Em
Tonalidad de Do mayor C F G
Secundarios (II, III, VI, VII)
II III VI VII
Tonalidad de La menor Bm(b5) C F G
Tonalidad de Do mayor Dm Em Am Bm(b5)

Así, vemos como los mismos acordes tienen roles distintos No profundizaremos ya que es un tema amplio de abordar:
dependiendo del lado de la tonalidad que nos encontremos, queda abierto para que puedas investigarlo por tu cuenta.
mayor o menor. Nos aprovecharemos de esta propiedad
en nuestra canción para utilizar los mismos acordes, y por Cabe mencionar que la tonalidad menor no tiene un
tanto las mismas notas, pero generar ambientes distintos dominante de forma natural, por lo que se altera una nota
en cada sección gracias a sus relaciones. para formar la familia dominante. No utilizaremos dicha
alteración (escala menor armónica) en este libro, si no
Además, cada grado principal funciona como cabecilla que trabajaremos con la escala “menor natural”, antigua
de una familia de acordes o funciones tonales, llamadas o modal (modo eólico), o sea una escala sin dominante,
Tónica (la estabilidad, el centro, representado por el I), blanda. Aparte de tener menos implicancias teóricas, nos
Subdominante (una tensión moderada que no tiende hacia interesa su sonido.
la tónica, el IV) y Dominante (tensión con punta que empuja
hacia la tónica, V).
Ya tenemos claro qué acordes podemos utilizar, y que debemos enfatizar el Am si queremos “sonar a La menor”. Ahora,
sólo nos queda probar y buscar una combinación que nos agrade auditivamente, que refleje el sentimiento que buscamos
plasmar. No nos vamos a preocupar mucho de la rítmica, nos dejaremos llevar ya que luego vamos a profundizar dicho
tema. Probablemente, como buscamos un sentir mas introspectivo, tenderemos a usar un tempo o pulso mas lento y
pausado, que contribuya a generar un clima contemplativo. Yo elegí los siguientes acordes para mi sección A, la estrofa:
Nota: cada barra simboliza un tiempo de negra

Nota: el ritmo por ahora es completamente plano y neutro. No plantea ningún acento. Es la idea, ya que posteriormente trabajaremos la rítmica y la perfilaremos con
mayor claridad en el capíutlo de “arreglo”. Por ello, suena plano y aburrido. En la realidad ambos procesos se llevan de forma mas simultánea, pero para efectos de
método los hemos separado.

Me agrada mi estrofa. Es coherente con la sensación que buscamos generar, es simple y efectiva. Se nota que está en Am
(cuando pasa por dicho acorde, se siente el reposo y el centro. Tiene un detalle rítmico interesante que le da puntuación,
al final de cada vuelta: se hace 2 acordes en un solo compás.
Ahora tenemos que buscar una secuencia de acordes para la sección B. Esta debe enfatizar el área de C mayor. Tenemos
la gigante ventaja de que la sección anterior finaliza en un G. G es el dominante de C (su V). Ello nos facilitará la vida ya
que tiene hacia él. Por lo mismo, comenzaremos la sección con un C (notar que, en la sección anterior, comenzamos con
un IVm, Dm, y no con la tónica, Am).
Mi sección B, estribillo, queda como sigue:
Deliberadamente, cambié el “ritmo armónico” : la velocidad con que se suceden los acordes. Al cambiar mas rápido
la armonía, genera un movimiento que se expande a toda la música, ayudando a generar el clima que buscamos:
inspiracional, emotivo, esperanzador. Además genera interés. Busqué que cada parte de la armonía tuviese un carácter
rítmico propio, lo que le da personalidad, ¡y lo diferenciará un poco de las mil canciones que usan los mismos acordes!
Identificar qué grado de la escala es cada acorde, pensando en C.
Ya puedes crear tu propia secuencia de acordes para tus secciones, considerando los aspectos que te planteaste en
el Paso 0. Recuerda que debes intentar transmitir una emoción y un carácter con tu música. La elección del pulso y el
ritmo armónico también es importante, si bien mas adelante trabajaremos en detalle la parte rítmica.

Paso 2: La melodía
La melodía es el alma de una canción. Es lo que mas nos queda en la mente luego de oirla, y si es una melodía contagiosa,
se nos quedará pegada. El aspecto melódico nos conecta con nuestra humanidad: nadie puede cantar un acorde (nadie
puede cantar mas de una nota), pero todos somos capaces de cantar una melodía. Tal vez no con una gran voz o precisión,
pero podemos. Es un elemento humano intrínseco. Desde siempre se ha cantado, las primeras manifestaciones musicales
son las percusiones, tambores, palos y demás, y el canto, tanto individual como grupal. La misma historia de la música
occidental se podría decir que inicia con el “Canto Llano”, música de carácter sacro en la que un coro canta al unísono
una misma melodía. Es una música “monódica”, es decir, que no tiene acompañamiento (simultaneidad/verticalidad), si
no que suena únicamente una nota a la vez.
Para crear una melodía, cuando ya tenemos una armonía 2.- Evitaremos grandes saltos: Los saltos grandes generan
determinada como la secuencia de acordes que hicimos una energía muy intensa. Privilegiaremos el uso de intervalos
en el paso anterior, estableceremos 3 comportamientos de 2das, o sea notas contiguas entre sí. Cuando utilicemos un
usuales: salto, conviene estar consciente de ello y aprovechar esa
energía que despliegan. Por lo general se compensa el salto
1.- Las notas de la melodía tienden a ser notas que pertenecen siguiendolo con un movimiento en la dirección contraria. Si
al acorde sobre el que estamos: ya vimos que cada acorde hay una nota común, se puede mantener.
tiene 3 notas (para el caso de las tríadas, como todos los
acordes que hemos visto hasta ahora. Un acorde de 7ma 3.- Podemos rellenar con otras notas de la escala, pero
tiene 4 notas). Entonces, la melodía tiene 3 posibilidades el esqueleto son las notas del acorde: Es decir, podemos
para cantar sobre ese acorde, y que suene consonante. Si usar notas de paso, rellenar y nunca sonará fuera de lugar
cantamos otra nota, una que no esté dentro del acorde, no mientras respetemos la escala, pero siempre debemos
necesariamente sonará mal, pero por lo general son notas descansar en las notas del acorde para no generar
del acorde, y conviene aprender a oír esto. disonancias fuertes.

Así, vamos a disponer primeramente qué notas tiene cada

acorde. Recordemos que un acorde tiene 3 notas (por
ahora), y se construye por 3ras sucesivas. Estas 3 notas se
llaman fundamental, tercera y quinta (dos terceras seguidas
nos dan una quinta). Un acorde mayor tiene una tercera
mayor y una quinta justa. Un acorde menor tiene una tercera
menor y una quinta justa. El disminuido tiene tercera menor
y quinta disminuida.
Entonces, una nota La, aislada, puede ser tanto la

fundamental de un acorde de Am, como la 3ra de F, o bien la
5ta de Dm:
Entonces, ¿Qué notas tiene cada acorde?
Un truco sencillo e infalible es contar con los dedos
de la mano para buscar las 3ras. Por ejemplo la 3ra de Am= La, Do, Mi
Re es Fa: Re, mi, fa. La 3ra de Fa es La: Fa, sol, la. Y así Bm(b5)= Si, Re, Fa
sucesivamente, contamos 3, incluyendo la nota desde la C= Do, Mi, Sol
que iniciamos. Dm= Re, Fa, La
Em= Mi, Sol, Si
Cabe mencionar que en la guitarra tendemos a doblar F= Fa, La, Do
algunas de estas notas, por ejemplo un acorde de C en su G= Sol, Si, Re
posición mas común tiene las notas, de graves a agudas:
Do, Mi, Sol, Do, Mi. Es decir, duplica la fundamental y la
3ra.
A continuación, cantaremos el arpegio de cada acorde, es decir, las notas que lo componen pero de forma melódica,
una a la vez, secuencialmente. Comenzaremos desde la fundamental de cada acorde. Este ejercicio es sumamente útil
para desarrollar el oído y la intuición melódica, y te recomiendo aplicarlo. Nos ayuda a ubicar auditivamente qué nota
del acorde estamos cantando y encontrar las notas mas cómodas dentro de nuestro registro. Te insto a hacer el mismo
proceso con tu creación, tocando el arpegio primero en tu instrumento y luego cantarlo.

Sobre cada acorde cantamos 4 notas: fundamental, tercera, quinta y volvemos a la tercera. Notar que, con cada nuevo
compás, tenemos un salto hacia la fundamental del acorde siguiente. Como ejercicio tiene la ventaja de practicar
un salto y de ubicarnos desde la fundamental rápidamente. Pero, musicalmente, es poco práctico (el salto capta
la atención del oyente) y no muy bonito. Alteremos un poco la fórmula: nos moveremos, desde la nota en la que
quedamos, hacia la nota mas cercana del acorde siguiente, sea esta fundamental, tercera o quinta.

¡Mucho mejor!
Si fuese una linea de cellos o violas, e inclusive una segunda guitarra, sonaría
bastante bien para acompañar una melodía...
Pero, claramente, no es una melodía ni cantable, ni recordable, ni especialmente
bella o expresiva. Son demasiadas notas.
¡Es solo un ejercicio!
Ahora, para crear nuestra melodía, comenzaremos por elegir solo una nota por cada acorde. Así, poco a poco iremos
agregando detalles y embelleciendola para darle vida. Por ahora solo plantearemos el esqueleto sobre el que la
construiremos
¿Qué debemos tener en cuenta?

Que el perfil melódico de las notas que elegimos nos agrade, que exprese la sensación que buscamos y nos planteamos
al principio, que haya equilibrio entre fluidez (poco movimiento) y contraste (mas movimiento). Es tan aburrida una
melodía muy plana como una demasiado móvil.
Hagamos un primer intento:

¿Un poco repetitivo no? Además, a mi personalmente me queda en un registro muy agudo. Por lo general, cuidamos
de usar los registros extremos en lugares significativos de la canción, como el estribillo. No es buena idea usarlos tan
temprano en la canción. A menos que tengamos una buena razón para ello! Lo que si me gusta la última nota, Si, que
funciona tanto como la quinta de Em, como la tercera de G: es una nota común. Segundo intento:
¡Mucho mas interesante!

Si bien la nota La me sirve para los primeros 5 compases, sería demasiado plano. Elijo subir una tercera hasta el Do, y
luego volver a bajar a La. Si considero qué notas estoy cantando respecto a cada acorde, serían: quinta, tercera, tercera,
fundamental, quinta, quinta, tercera.
Notemos que cantar la fundamental sobre un acorde tiende a dar un sonido vacío, hueco, resolutivo, que funciona muy
bien para terminar una canción o frase. La tercera es colorida y emotiva. La quinta en la melodía es mas dura.
Es importante mencionar que este proceso, a la hora real de componer, debe ser mas intuitivo y fluido. La melodía
probablemente se presente por sí misma. Lo importante ahora es entrenar al oído a que aprenda a reconocer y asentarse
sobre un acorde. Luego, cuando nuestra inspiración esté fluyendo, vamos a estar mejor ubicados auditivamente y vamos
a poder resolver de mejor manera los problemas que aparezcan.

Por ejemplo, imaginemos que va todo bien hasta que llegamos a un acorde raro, donde nos perdemos al cantar: basta con
ver qué notas tiene el acorde y qué opciones tengo mas a mano, tocarlo la melodía en el instrumento para internalizar
su sonido y luego cantarlo hasta que lo tengamos.
Ya teniendo este esqueleto, pensemos: ¿qué le falta? ¡No agreguemos notas porque si!
Es mejor pensar con calma qué podría sumarle más a la música, y añadirlo poco a poco, sin sobrecargar.
Elementos que podemos introducir o variar para darle vida a es que el centro esté en las notas del acorde. Hay casos, si
nuestra melodía: bien específicos, donde la melodía acentúa notas que no son
1.- Aprovechar las otras notas de cada acorde, el arpegio, para del acorde explicitamente, si no una sexta o una septima. En
generar una linea melódica mas móvil: hay muchas melodías el fondo es una manera de ampliar la armonía. Se justifica
que se basan en los arpegios de los acordes. Como ejemplo, mejor auditivamente si la melodia es repetitiva o “pedal”:
oír, “Soy pan, soy paz, soy más”, de Luis Ramón Igarzábal/ que repite un mismo motivo mientras la armonía cambia.
Piero. La melodía inicial (“soy agua, playa,...”) consta de los Para entender el concepto de pedal, oír la introducción de
arpegios de cada acorde en forma descendente. Podemos “Can’t Stop” de Red Hot Chili Peppers, donde la nota grave
usar 2 notas del acorde por compás, por ejemplo, o bien cambia mientras los agudos se mantienen como pedal. Los
introducir una nota mas corta, a modo de redondear la frase intervalos que se generan no necesariamente corresponden
y darle una curva mas característica. Todo es oír y aprender a a un acorde de tríada, pero el oído los digiere bien gracias a
sistematizarlo, para que se vuelva intuitivo. la repetición.
2.- Notas de paso u otras notas de la escala que no son parte 3.- Rítmica característica: ya hablamos antes que la
del acorde. Como bien dijimos, el esqueleto melódico tiende rítmica es parte fundamental de una melodía. Si bien está
a estar basado en las notas del acorde. Sin embargo, podemos fuertemente influenciada por la letra (las palabras le darán
pasar por cualquier nota de la escala (y mas adelante, bajo obligadamente un ritmo al contorno melódico), podemos
ciertos criterios, por cualquier nota, sea o no de la escala) perfilarlo y determinar algún elemento que sea característico
mientras la frase descanse en una nota que si sea del acorde. y diferenciador. Pensar en cualquier melodía buena y sacarle
Por ejemplo, si tenemos un Fa y luego un La, podemos el ritmo: se pierde toda su identidad. La rítmica incluye los
pasar por la nota Sol para unir ambas. O, si tenemos 2 veces silencios.
la nota Mi, podemos ir a Fa y volver a Mi, para que no se
vuelva tan estático y plano. También podemos hacer toda
una escala para conectar notas mas lejanas. Lo importante

Veamos cómo queda nuestra melodía si introducimos los elementos planteados...
Como se puede oír, toma mucha mas vida y carácter, ya parece una canción.
¿Qué utilizamos?
-> En el compás 1 una nota de paso para conectar el La y el Do, un Si. Luego, en el compás 2, la misma nota de paso se
utiliza para volver a La.
-> En el compás 3, agregamos otra nota del arpegio de F. En el compás 4, también agregamos otra nota del arpegio, esta
vez de Am. El ritmo los diferencia para evitar que sea muy plano.
-> En el compás 5, comenzamos con la nota Do y luego hacemos un pequeño floreo que le dá contraste y carácter a la
frase. Son todas notas de la escala, y la nota Do aparece continuamente. En el fondo, se usan las notas por sobre y por
debajo del Do para hacer el floreo (Re y Si).
-> En el compás 6 mantuvimos la nota Si (y su conducción, desde el Do). Para generar un impulso extra a la frase,
añadimos la nota Sol al final de compás, con tiempo de negra. Esta nota en realidad pertenece a la frase siguiente, es
decir, empujará hacia el La del principio (sobre Dm). Es lo que se llama un alzar o anacrusa (básicamente, una nota de la
melodía que precede al tiempo fuerte. Caso emblemático es “Cumpleáños feliz”.
Es interesante notar que el ritmo de una blanca con punto (3 tiempos) seguido por una negra, se usa 3 veces en nuestra
melodía. Se convierte por tanto en un motivo, junto con el ascenso inicial por segundas (de una nota a la siguiente).

¿Qué es un motivo?
Un motivo es un elemento musical pequeño y recurrente, que le da forma a la pieza completa o bien a alguna frase
o sección. Por lo general se reciclan. Se podría decir que son como el minimo común múltiplo de una pieza. Toda la
música responde a ellos y así se obtiene unidad y homogeneidad. Gracias al uso de motivos (que pueden ser melódicos,
rítmicos o armónicos) es que podemos memorizar y relacionar la música. Motivos famosos serían el de la 5ta Sinfonía
de Beethoven (rítmico melódico: pa pa pa paaam), el motivo melódico de Autumn Leaves (que se replica a distintos
intervalos), o el motivo melódico de Enjoy the Silence de Depeche Mode (que le da unidad a la estrofa y al estribillo,
apareciendo en ambos).
¡Ya tenemos lista nuestra melodía para la primera sección!
Cuadra bastante bien con lo que buscábamos. Ahora, realizaremos un proceso análogo, si bien mas rápido, para la sección
B. Nos convendrá buscar una melodía recordable, un “gancho”, algo que quede en la mente del oyente (aprovechando
que el estribillo repite la letra). Podemos ver la estrofa como la narración de una historia, mas lineal, y el estribillo como
la reafirmación de la esencia misma de la historia, mas circular. Ambos se retroalimentan y son interesantes gracias al
otro. El ideal es que tengan elementos en común que nos hagan relacionarlos y no que parezcan dos canciones aparte.
Armemos primero el esqueleto:

Funciona... Usa un registro mas agudo, lo que inducirá una sensación de climax o mayor intensidad. Intentamos mantener
las notas comunes entre los distintos acordes para que la melodía sea recordable y no demasiado móvil. Todas estas
decisiones deben pasar por el caso particular y lo que la música nos pida, pero es bueno tenerlas en cuenta.
Ahora, adornemos un poco este esqueleto:
No es demasiado lo que hicimos, pero le entrega bastante:

-> En el compás 1, aprovechamos el motivo que planteamos antes, lo que conecta muy satisfactoriamente ambas
secciones.
-> En el compás 2, agregamos una nota de paso para ir al do. Si bien sobre F sonará un Mi, y es su séptima, no nos
preocuparemos. No suena tan disonante, ya que el acorde dura poco. Se formaría un acorde de Fmaj7 (F+7ma mayor).
-> En el compás 3, adelantamos la nota Do, usando el Mi solo como nota de paso. Do funciona tanto como fundamental
sobre C, como quinta sobre F.
-> En el compás 4, dejamos silencio casi todo el compás, para rematar con otro alzar o anacrusa, que nos lleva a la
repetición del estribillo. Al volver a la estrofa, podríamos cambiar la nota Re por Si o bien por Sol, para caer en el La con
que inicia la sección, o bien omitir la anacrusa. Va a depender bastante de la letra.

¡Ya tenemos nuestras melodías armadas!

Solo nos falta la letra, y definir el arreglo, o sea la forma en que presentaremos el material. En la tradición jazzistica, se
da con frecuencia que se entrega solo la melodía y la armonía de una música, y el arreglo se improvisa o bien se prepara.
El conjunto entre armonía (acordes) y melodía, es la base de una música, su esencia.
Vamos a mitad del camino...
Para crear tus melodías, te recomiendo, al principio, seguir un procedimiento similar. Es importante aclarar que, mas
que un método para componer, lo que expongo es un ejercicio. Es poco artístico, pero sirve mucho para desarrollar
el oficio. La idea es que, ya familiarizado con los mecanismos y la práctica del hacer música, todo esto esté tan
internalizado que no sea necesario pasar por una serie de pasos y procesos:
Mas adelante, la melodía nacerá sola, junto con su armonía y su rítmica, inclusive con su letra.
La base de todo es desarrollar el oficio.

Paso 3: La letra
El tema de escribir una letra siempre es un paso complicado para el músico. A algunos se les hace fácil y natural, a otros
se les hace difícil. Si bien no ahondaré en temas sobre métricas clásicas o rima, expondré el proceso que yo sigo, para
crear la letra de esta canción.
Lo primero que haré es retomar las temáticas que dispusimos en el Paso 0. Citando:
- En este caso, la canción llevará por nombre “Volver al centro”.

- El mensaje será sobre el volver al equilibrio, al estado de paz interior y comodidad con la vida y las personas que nos
rodean.
- El ambiente general será nostálgico y esperanzador, sin caer en lo meloso.
Tambien dijimos que la sección A será mas introspectiva y melancólica, mientras que la sección B sería brillante y
esperanzadora.
Coordinemos ambas cosas: haremos que la sección A esté ligada al desequilibrio, a la falta de centro, a la “oscuridad”, a
la búsqueda de visión o luz. La sección B, por el contrario, la ligaremos al encuentro de esa luz, a lo esperanzador, al sol,
al equilibrio, el sustento. Tiene lógica, pensando en las armonías y melodías que hemos construido: es coherente.
El primer ejercicio que haremos, será escribir una lista de palabras clave para cada sección:
Estrofa (A) Estribillo (B)
- Nostalgia - Confusión - Centro/equilibrio - Hogar/casa

- Antiguo - Lejanía - Luz/claridad - Volver
- Perdido - Luna - Expansión - Sol
- Buscar la luz - Añoranza - Crecimiento - Plenitud
- Cueva - Tristeza - Divinidad

Ya teniendo estas palabras clave, se nos hará mucho mas

sencillo el proceso.
Tip: si tienes una frase buena, poéticamente, pero no
entra bien musicalmente, es posible que puedas arreglarlo
usando un sinónimo. Así, nos sirven todas estas palabras+sus
sinónimos o palabras relacionadas. Además, las palabras no
tienen por qué aparecer textuales, si no mas bien dar un
marco general sobre la sensación o sentimiento.
Personalmente, lo hago de forma un tanto intuitiva, voy
Ya con la temática general y el ambiente o mensaje de cada probando según el mensaje que quiero transmitir y luego
sección definidos, podemos avanzar. Nos conviene imaginar definiendo o cambiando en base a eso.
un poco lo que queremos, antes. En general, durante todo el
proceso, recomiendo entrenar la imaginación al desarrollar Para el estribillo, usaré pocas palabras (así se vuelve mas
imágenes cada vez mas claras de lo que queremos y luego cantable o recordable, y además vuelve cómodo el usar notas
comenzar a traerlo a tierra, ya sea música o texto. largas, que le darán potencia a la interpretación). Mi lenguaje
musical tiende a usar notas largas durante las vocales, lo que
¡El creador trabaja desde la imaginación! En gran parte el oficio me lleva a letras mas bien reducidas.
es aprender a traer esa imaginación a tierra, a convertirlo en
algo tangible e interpretable. Cada cual va desarrollando y mutando en su lenguaje, viendo
lo que le funciona, lo que le gusta, lo que necesita renovar con
Yo imagino una sección A que, debido a su naturaleza de el tiempo para no volverse monótono y lo que debe quedar
estrofa, llevará 2 textos distintos en cada vez que aparece como su esencia. Es tan importante reinventarse e innovar
dentro de la estructura. Las notas de la melodía no me dan como no dejar el centro.
como para usar tantas palabras, salvo ese pequeño floreo
con que finaliza la frase. Si bien no necesito usar rima, en Mi proceso para crear una letra se basa en la improvisación,
un sentido clásico, si necesito que la cantidad de sílabas me la repetición, la prueba y el error. Primero debo tener a mano
cuadre. Podré añadir notas, o cambiar el ritmo, probablemente la melodía, ya que dependo de ella. En una situación real,
repitiendo la nota: una blanca, de lo que habíamos definido puede que sea al revés, o bien que ambas se retroalimenten
antes, podría perfectamente convertirse en una figura rítmica simultáneamente. Me ha pasado crear melodías que llevan
mas compleja al cantar la palabra “imaginación” sobre una una letra desde un principio, o bien letras que piden una
misma nota (altura): cierta curva melódica.

Antes que nada, pensemos que, si mantenemos el ritmo (o mas bien la vocal de la sílaba, que es lo que prolongamos),
textual, tendría que usar una sílaba por nota. Pero, como para todas las corcheas, creando un “melisma”: “Grupo de
bien vimos en el ejemplo anterior, podemos variar el ritmo notas sucesivas que se cantan sobre una sola sílaba”. Esta
para usar palabras completas dentro de una nota larga. técnica, muy usada en el Gospel, el Soul y el Pop, viene desde
el canto llano o gregoriano, donde se cantaban melismas
Probablemente, el alzar del último compás (la nota sol), lo larguísimos. Nosotros elegiremos cambiar la sílaba en cada
use para la primera aparición de la estrofa también, ya que es nota, para introducir mas texto, ya que el resto de la melodía
un recurso que le entrega impulso al inicio de la melodía, y en no nos lo permite de manera tan explícita. El compás 6, como
español se dá de forma natural para acentuar correctamente buen cierre, terminará con una sola sílaba, que cierre la
muchas palabras. Respecto a la acentuación, hay quienes palabra, para, en el alzar de la nota sol, comenzar el texto de
cambian la acentuación natural de las palabras, si bien se la repetición de la estrofa.
puede, intentaremos no hacerlo.
¡Creemos ahora la letra, utilizando todo lo que hemos definido
Los dos primeros compases me transmiten una sensación de de antemano! Repito, una vez mas: el proceso creativo real se
antiguedad, casi de canto llano (gregoriano). El compás 3 y 4 da de forma mas fluida y simultánea.
nos invita a usar 2 sílabas por compás (si bien podríamos usar
mas). Esto acentuaría la sensación de cierre de la primera Este ejercicio es para pensar cosas que generalmente no
semifrase. Podemos dividir esta frase en dos semifrases: pensamos, para poner atención en qué podemos mejorar,
antecedente, hasta el compás 4, y consecuente, que serían los para desarrollar el oficio.
dos últimos compases. Es como decir pregunta y respuesta.
El compás 5 nos permite introducir un texto mas largo ya que
tiene varias notas. También podriamos usar una sola sílaba

Lejano sentir
De manos tibias
Dentro de un hoyo me encontré
Buscando luz y
Fuegos viejos
Antiguo deseo de sentir...
¡No está mal! No es la letra del año, pero es totalmente funcional. Yo sigo algunas directrices a la hora de escribir:
- Intento evitar frases muy cliché. Así mismo, repetir palabras. Acá, repito la palabra sentir...
- Uso bastantes adjetivos poéticamente interesantes (fuegos viejos, manos tibias, antiguo deseo, lejano sentir).
- Si bien uso tanto rima como métrica libres, al leerlo tiene un sentido y una continuidad. Si contase las sílabas, me da:
5, 5, 8 / 4, 5, 9 . Como vemos, no varía tanto.
Debemos mencionar una figura que se da usualmente, la Sinalefa: básicamente, cuando tenemos 2 sílabas contiguas,
donde la primera termina en vocal y la otra comienza en vocal o en h, se agrupan como una sola sílaba. Por ejemplo, en
la frase “dentro de un hoyo me encontré”, hay sinalefa entre “de-un” y entre “me-en(contre)”. Ambos cuentan como una
sílaba, por ello la cuenta nos dá 8 sílabas, y se cantan naturalmente como tal.
Veamos ahora como queda la melodía junto a nuestra letra. Notemos que hemos variado el ritmo donde fué necesario.
Lógicamente, todo ello se puede hacer de forma intuitiva, sin necesidad de ponerlo en partitura ni racionalizarlo.

Antes de hacer la letra para la segunda estrofa, seguiré con el estribillo. Tomamos en cuenta que, en la melodía de la
estrofa, no incluí el último alzar (la nota sol), ya que pertenece al texto del estribillo.
Planteo directamente el estribillo con la letra que cree. Queda como tarea para el lector comparar con la versión anterior
a la letra (aquí: p20), y ver qué cambios se hicieron y por qué motivos.
El sol que entrega

La claridad
Volver al centro
Y respirar
¡Vamos por muy buen camino! Tenemos la letra para ambas secciones. Solo nos faltaría la letra de la segunda estrofa y
podemos pasar al último paso: ensamblar todo y definir el arreglo.

Para la segunda estrofa, debo desarrollar mas la idea de la primera:
Mis pies, se mueven

Solos, Cansados
Nostalgia de un tiempo por venir
Una cueva, un fuego
Inmenso, y veo
Sombras que imitan la verdad
¡Tenemos prácticamente lista la letra!

Probablemente, al repetir el estribillo final, necesitaremos una variación para no aburrir. Pero eso lo podemos
ver luego, dependiendo de que se construya la forma final. No definiremos todo tan “a rajatabla” para no ser tan
cientìficos y rígidos. Recuerda que la partitura es para poder ilustrar nada mas, en música popular no es tan ventajoso
el escribir todo ya que su rigidez puede confundirnos si no consideramos libertad en el fraseo, adornos espontáneos
(en especial en la voz), y demás libertades que esta música pide. Imagina un tango, cantado: escribirlo sería limitarlo
tremendamente, si bien sirve como referencia, no alcanza a expresar ni la mitad de su riqueza.
¡Ahora te toca a ti!

Crea tu letra, muéstrala a gente de confianza, pide retroalimentación, prueba, experimenta. Y luego, definela y ya no
la cambies. La perfección solo viene con el oficio. Y hecho, es mejor que perfecto.

Paso 4: El arreglo
Ya nos queda el último paso, El arreglo. En palabras ¿En qué nos enfocaremos?
sencillas, el arreglo es todo lo que hacemos con la música - Darle una rítmica característica a ambas secciones, que le
para llevarla a su versión “definitiva”: instrumentación, de identidad. Por ahora es muy genérico.
estructura, introducciones y finales, el “cómo se tocan - Conducir mejor, desde la sección rítmica, de una sección
los acordes” (voicings), doblajes, segundas voces, ritmos, hacia la otra. Que se sienta que va a pasar algo.
cortes o quiebres, etc. De cierta manera, se puede decir - Crear cortes/quiebres si la música lo requiere.
que es todo lo que no sea el complejo “armonía/melodía” - Añadir una introducción o un final que repita la última
que constituye la esencia de una música. frase (coda). Ayuda a darle dirección a la forma, sentido.
- Generar una textura distinta entre ambas secciones, que
Muchas veces el compositor de una canción se limita a estos las diferencie claramente. Así mismo, utilizar registros
dos elementos, y otra persona es la encargada de producir distintos en el acompañamiento.
el arreglo. Si bien hacer un arreglo puede tener bastante - Crear una linea de bajo mas interesante.
complejidad (por ejemplo, podríamos hacer un arreglo para - Agregar algunos elementos como contramelodías,
orquesta de cuerdas de esta canción que estamos haciendo, colchones, pequeños detalles, efectos.
o bien para big band), hemos seleccionado instrumentos - Añadir elementos que diferencien ambas estrofas.
relativamente sencillos de arreglar. - Definir dinámicas (fuerte/despacio, forte/piano) para cada
momento, asi como crescendos y diminuendos.- Quitar y
Nos preocuparemos principalmente de añadir los detalles añadir instrumentos en distinas secciones. Es usual que, un
que harán que el oyente tenga un viaje musical mas fluido, saxo por ejemplo, no toque por la mitad de la canción.
llevadero y completo. Es darle el mejor envase posible a
nuestra canción (aunque, a veces, ¡el arreglo termina
tomando mas protagonismo que la canción en si!)

Lo primero que haremos será definir una rítmica que le de personalidad a cada sección. Hasta ahora, es muy genérica.
Nuestra melodía está en 4/4, o sea que cada compás tiene 4 negras. Sería dificil pasarlo a 6/8 o 3/4, por ejemplo, por ende
mantendremos esa “métrica” o cifra de compás. Mantendremos el “groove” general de la música, y el acento de la caja. El
hihat lo mantendremos plano, en corcheas. Un buen baterista sabrá introducir subdivisiones y darle interés.
Esta rítmica afectará principalmente a la batería y al bajo, pero también a la guitarra. Muestro a continuación tres ejemplos de
rítmicas, donde cada una es un desarrollo de la anterior. En la partitura, solo presento la notación rítmica a modo de “clave”,
es decir, un ritmo base sobre el que orbitará el desarrollo rítmico. No es una indicación rígida si no mas bien una guía de los
acentos prominentes. En el audio suena dos veces cada patrón, luego la segunda repetición usa solo el 3ero.
Nos
quedaremos con la tercera de estas opciones, por ser la que tiene mayor individualidad. Como dijimos mas arriba, es un
desarrollo de los otros dos. Recordemos que no es algo rígido, si no una base o rejilla sobre la que construimos. Perfectamente
podríamos haber desarrollado una rítmica de dos compases o más. Elegimos un patrón de un compás por ser mas sencillo
de replicar.
Ahora nos toca elegir una rítmica para la sección B. La haremos en base al patrón que hemos elegido para A, ya que no puede
ser algo tan distante (demasiada variedad). Tampoco es la idea que sea igual a A (demasiada unidad, monotonía).

Tomaremos en cuenta que queremos algo mas “terrestre”, anclado en los tiempos fuertes, sólido y muy claro. Que no
interfiera con los cambios mas rápidos de acordes que se presentan en esta sección.
Nuestro desarrollo rítmico para B, a partir del patrón de A, es el siguiente:
¡Genial! Ya tenemos los dos patrones rítmicos predominantes para cada sección. Sobre ellos nos moveremos, variando,
llendo y viniendo, usándolos de distintas maneras, pero siempre volviendo a ellos.
Probablemente tanto la batería como el bajo, añadirán lo que en inglés llaman “fill” o relleno. Son incisiones, generalmente
al final de algunas frases, que ayudan a redondear. Es por ejemplo, lo que hace el baterista al incluir un pequeño juego
de toms cada 4 vueltas, o el bajista al usar una pequeña escala antes de volver a comenzar el A. Lo dejaremos a libertad
del intérprete. Bien podríamos escribirlos o definirlos y transmitirselo al músico, pero sería, muy probablemente, un
gasto de energía injustificado, a menos que tengamos muy claro lo que queremos. En este caso, dejaremos ese elemento
a juicio de quien lo toca, tal vez indicándole donde nos gustaría algun fill o una respuesta a la melodía, sabiendo que,
incluso intuitivamente, siempre se moverá dentro del patrón rítmico que definimos.
Mención especial lleva la relación bombo-bajo. Nunca deben chocar. Por eso es bueno definir claramente un patrón
rítmico, del que ambos estén conscientes. No es necesario que lleven siempre lo mismo, pero sí que no choquen.

Siguiendo en el ritmo, veremos de qué forma éste puede apoyar el paso de una sección a otra (de A a B en este caso).
Existen varios recursos, muchos que se aplican de forma intuitiva, para preparar un cambio de sección. Lo mas usual sería
introducir un pequeño juego de toms en la batería, apoyado por el bajo:
Si bien nos gusta y es efectivo, quiero añadir un poco mas de tensión a ese cambio. Aprovecharemos que la melodía lleva
una negra como alzar (“EL sol...”) y haré que todos los instrumentos apoyen ese alzar de negra para caer con todo en el
tiempo fuerte siguiente. El juego de toms y bajo estará, pero caerá en la misma negra, la idea es que quede ese “aire”
entre la última negra y el inicio de la siguiente sección.
A grandes rasgos, este elemento de puntuación, que llamaremos quiebre, podemos escribirlo así:
Me gusta, y lo aprovecharé para ambos cambios, con una ligera variación para evitar la monotonía. Así, acentúo mas aún
la identidad rítmica de la pieza, ya que al aparecer dicho quiebre por segunda vez, estoy alimentando la expectativa de
forma positiva. La música es un juego de expectativas: algunas se cumplen, otras se rompen.
Es bueno mencionar que un quiebre o “break”, tradicionalmente, se trata de un espacio de música donde toda la sección
rítmica queda en silencio, y un instrumento queda haciendo una pequeña improvisación. Es típico del jazz. Para nosotros,
un quiebre será mas amplio: cualquier elemento rítmico que genere puntuación.
Para volver desde B a A, sólo haremos un pequeño fill de batería, simple.

Ahora añadiremos una pequeña introducción:

Antes de comenzar con la estrofa 1, usaremos la misma armonía y rítmica de A, pero sin la parte vocal. Es decir,
introduciremos la sonoridad y ambiente de la estrofa. Podemos usar otra melodía, o bien usar la misma melodía pero
llevarla a otro instrumento (una guitarra, un violín, una flauta), y adornarla según las posibilidades del instrumento, o
derechamente variarla. Además, también podemos dejar la base sin melodía, o bien con algun elemento “etéreo”, tipo
efecto. Lo importante es que algún elemento se disponga en el primer plano. Todo depende de lo que la música nos pide,
a veces es mejor dejar espacio vacío que otra cosa. En nuestro caso, añadiremos una melodía derivada de la melodía
vocal de A
Esta misma sección de “relleno”, por ponerle algo, la utilizaremos para separar un poco el estribillo de la segunda estrofa.
Lo llamaremos A’’. Tip: la música por lo general pide un reposo, un descanso. A veces necesita mucho menos información
de la que pensamos
También, para marcar el final, y preparar al oyente, para darle a entender que estamos finalizando y cerrar la canción
convincentemente, haremos un pequeño movimiento:
Primero, vamos a repetir el estribillo dos veces (añadiendo mas tarde alguna textura distinta la segunda vez, para no
aburrir), y al finalizar la segunda repetición, repetiremos el penúltimo compás (C - F) dos veces, con una dinámica
(intensidad) mucho mas suave. Este recurso, bastante usado, es un excelente cierre. También se podría hacer lo mismo,
pero con los dos primeros compases de la estrofa. En este caso, queremos dejar como final el mensaje del estribillo.
Hablemos ahora de textura... Si bien puede ser un concepto amplio, lo trataremos de una forma simple: hablaremos de
texturas mas densas y de texturas mas vacías. Es sencillo de comprender y de aprovechar. Lo podríamos definir como
la forma en que se exponen los materiales musicales en su conjunto, y el ambiente o tipo de movimiento que generan,
siempre pensando en el conjunto.

Realizaremos el mismo ejercicio de ir sección a sección, definiendo con palabras lo que queremos transmitir en cuanto a
textura. No es un ejercicio técnico, si no casi simbólico:
A’’ (intro) A B A’’ A’ B B’ (coda)
Vacío, misterio- Vacío, suave, Enérgico, lleno, M i s t e r i o s o . Dudoso, mas Enérgico, lleno, Esperanzador,
so, lunar. nostálgico. pleno, solar. Más enérgico tenso que an- pleno, solar. suave.
que antes. tes.
¿Cómo logramos transmitir eso?

Veamos...
Para la sección A, usaré un acompañamiento de guitarra bastante escueto, sin un ritmo muy continuo si no mas bien
sostenido en el tiempo (redondas, si queremos). El bajo y la batería sostendrán la rítmica, como lo vienen haciendo. La
voz llevará una manera de cantar mas bien delicada, suave.
En B, la voz llevará mas energía que antes, y añadiremos otras guitarras que completen el registro que falta llenar: los
agudos. Además, estas guitarras llevarán una rítmica marcada, respecto a lo anterior.
En A’, la guitarraa si llevará el rimo de forma marcada, inclusive con un riff o bien un arpegio. Le dará tensión. Una
segunda guitarra añadirá un colchón, muy por detrás, que también sumará tensión y misterio. Puede ser disonante y
funcionar muy a modo de efecto. La reverb y el delay serán nuestros aliados.
B’ es sencillamente la repetición de la última frase de B, como lo dispusimos mas arriba, en forma suave y esperanzadora,
para terminar con aquel mensaje. La guitarra lleva los acordes, largos, acompañado por el bajo y la batería con platillos,
todo muy suave.

No hemos hablado del bajo: haremos una linea ligeramente mas móvil, con algunos detalles.
Es un tema amplio, pero el bajo por lo general se mueve entre la fundamental y las otras notas del acorde (3ra y 5ta),
añadiendo notas de paso ya sea de la escala (diatónicas) o no (cromáticas). En este lenguaje, privilegia la fundamental
y tiende a contestar con pequeñas melodías al final de cada frase. Nosotros le daremos ese énfasis de fundamental y
algunas notas del acorde (arpegio) durante los tiempos mas débiles del compás, y también añadiremos algunas melodías
en lugares estratégicos donde el bajo brillará.
El arreglo de bajo, a grandes rasgos sonará así:
Ahora, definamos un par de arreglos de guitarra para ambas secciones:

- Primero, le añadiré un efecto de “tremolo” a la guitarra rítmica durante la sección A, lo que le dará mas interés tímbrico.
En A2, segunda estrofa, una guitarra tocará los arpegios de los mismos acordes, también en un registro mas agudo,
pero esta vez con un efecto de delay, que le dará profundidad e interés. Probablemente el delay lo use también para el
estribillo, para darle profundidad.
- En B, el arreglo que hice fué añadir una guitarra, tocando los mismos acordes en registro mas agudo, esta vez con un
poco de overdrive, que le dará potencia, y una rítmica insistente. No uso demasiado “drive” para no saturar los acordes. Si
fuese un acorde de menos notas, funcionaría con mas drive. Es otra opción: una guitarra haciendo sólo acordes de quinta
(power chord), sobre tiempos largos, y la otra usando acordes mas llenos y con un sonido mas limpio. Hay infinidad de
opciones al arreglar una canción!
- En la repetición final de B, incluiré un pequeño solito de guitarra, que utiliza justamente notas que corresponden a la
armonía.

Ya estamos listos para una primera versión completa de la canción. Se pueden hacer muchos arreglos mas, pero esta es
una buena base sobre la qué podemos trabajar. En el siguiente paso, llevaremos todo el arreglo mas allá con inclusión
de nuevos recursos técnicos, un poco mas avanzados. Tomemos en cuenta que los conceptos que hemos utilizado hasta
ahora son mas bien básicos, y que aún así pueden llevar a muy buenos resultados!
El oficio es la clave, dominarlos de forma tal que sean naturales. Luego añadimos recursos mas complejos sobre esa base
sólida. Debemos tener control sobre lo que hacemos, en todo momento, entenderlo y oírlo.
¿Que te parece?
Seguro que he hecho canciones mejores que esta. No es la intención hacer una obra de arte, si no mas bien ilustrar el
proceso y cómo podemos realizar todo de forma práctica. Esto, unido a la inspiración, es lo que crea una buena obra
de arte: el influjo de algo mas alto, unido al despliegue técnico que nos permite traer eso a tierra. Imagina lo que se
puede hacer con una mejor idea, si uno trabaja así (la idea es deliberadamente débil en este caso).
Ahora busca tú, qué es lo que mas le va a sumar a nuestra canción? qué le falta? Interés? Acción? Dirección?
Le sobra algo? Es demasiada información? Cómo podemos lograr que el mensaje se transmita de mejor forma?

Paso 5: Mas lejos...

Te presento un arreglo que utiliza recursos mas avanzados. Hasta aquí, quise mantenerlo lo mas simple posible, para que
sea accesible para músicos de todos los niveles. Es un poco raro añadir cosas a esta altura: la melodìa vocal, por ejemplo,
tendría mucho que ver con el comportamiento armónico. Si tengo un acorde de 9na, es usual que la voz cante la 9na.
Todo va encadenado. Aún así, es un ejemplo bastante ilustrativo.
- Adición de acordes de 6ta, 7ma y 9na: Acordes de 4 o 5 sonidos, para lograr una textura armónica mas moderna y sofis-
ticada. Basta tener el cuidado de que dichas notas no choquen con las notas de la melodía, y que sean parte del campo
armónico correspondiente (a no ser que queramos lo contrario).
- El bajo fluye de manera mas libre, a veces usando inversiones de los acordes y pasando libremente tanto por las notas
del acorde como por otras notas de paso o de aproximación.
- Intercambio modal: Usar acordes que pertenecen a otro modo, para entregar otros colores armónicos, siempre que no
choquen con la melodía. En este caso se usa un acorde del modo Lidio, durante el estribillo (D).
- Nuevos recursos rítmicos: Síncopa (en las estrofas, a la mitad), y detalles nuevos en la batería (el uso del hihat, por
ejemplo), que le darán otro elemento de interés a la música, llevando el ritmo al primer plano por momentos.
- Un acorde de paso para volver a Dm, desde B a A. Se trata de un dominante secundario: A7, V7/IVm.
- La interpretación vocal añadió una gran flexibilidad rítmica, lo que le da vida y hace que no suena tan cuadrada. Tam-
bién suma algunas inflexiones melódicas que le dan interés.
- En el paso a A2, añadí una segunda linea melódica a la guitarra, que hace una armonización semi contrapuntística, con
movimiento contrario y paralelo.
No pasaré ni los elementos uno a uno ni sus implicancias teóricas. Es solo una vista general de cómo queda este mismo
material si involucramos otros conceptos y recursos.

Palabras finales
Espero que el desarrollo de este libro haya sido de utilidad para ti. El crear música original de calidad es una tarea y una
misión de complejidad! Desarrollar las herramientas para hacer de ello algo placentero y fluido depende de nosotros y
de las posibilidades a las que podamos acceder. Por ello es que presento este libro, para ayudarte a obtener un marco
claro sobre el que basar tu trabajo y organizarlo mejor.
Te invito a que me sigas en las redes sociales y sigas aprovechando el valor que entrego por dichos medios, así como
todos mis colegas que se dedican a lo mismo.
¡Es una época interesante para ser autodidacta!

Hay que aprovecharlo y por sobre todo aplicar: hay mucha mezquindad en el acumular conocimientos sin darles una
aplicación real, que termina derivando en soberbia, egocentrismo y el cerrarse.
Es muy importante dedicarse con voluntad: darse tiempos realistas pero constantes, dedicarle energía al proceso de
aprendizaje, ser organizado. No es fácil ser artista y vivir de ello, pero se puede!
Amemos el hacer música, incorporemos la teoría y llevemosla a la práctica, que se convierta en algo natural, compartamos
lo que sabemos con el que está recién empezando en el camino, seamos guías con lo que sabemos, sea mucho o sea
poco.
¡Suerte y mucha fuerza en tu camino!



Como Crear Una Canción Desde Cero, Paso A Paso - Francisco Soto Aparicio

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Desde Cero, Paso a Paso

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Pensémoslo ahora desde Do mayor

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Dividiremos el proceso en 4 pasos: Los acordes, la melodía, la letra, y el arreglo.

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Paso 1: Los acordes

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Nota: cada barra simboliza un tiempo de negra

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Mi sección B, estribillo, queda como sigue:

Identificar qué grado de la escala es cada acorde, pensando en C.

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Así, vamos a disponer primeramente qué notas tiene cada

Entonces, una nota La, aislada, puede ser tanto la

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¿Qué debemos tener en cuenta?

Hagamos un primer intento:

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¡Mucho mas interesante!

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Veamos cómo queda nuestra melodía si introducimos los elementos planteados...

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Armemos primero el esqueleto:

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Ahora, adornemos un poco este esqueleto:

No es demasiado lo que hicimos, pero le entrega bastante:

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¡Ya tenemos nuestras melodías armadas!

El conjunto entre armonía (acordes) y melodía, es la base de una música, su esencia.

Vamos a mitad del camino...

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- En este caso, la canción llevará por nombre “Volver al centro”.

- Nostalgia - Confusión - Centro/equilibrio - Hogar/casa

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Ya teniendo estas palabras clave, se nos hará mucho mas

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El sol que entrega

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Para la segunda estrofa, debo desarrollar mas la idea de la primera:

Mis pies, se mueven

¡Tenemos prácticamente lista la letra!

¡Ahora te toca a ti!

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Nuestro desarrollo rítmico para B, a partir del patrón de A, es el siguiente:

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Para volver desde B a A, sólo haremos un pequeño fill de batería, simple.

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