Guía general de acciones implementadas en PTI FOTOGRAFÍA 2022|

DOCENTES: Stuart Jaimes

META: EXPRESAR A TRAVÉS DE IMÁGENES LA SENSIBILIDAD, LA PASIÓN Y EL AMOR POR LA HUMANIDAD DESDE
EL CONOCIMIENTO TÉNICO DE LA FOTOGRAFÍA, SUS DIFERENTES ASPECTOS Y SU OBSERVANCIA DEL ESPACIO
SOCIAL Y CULTURAL EN EL QUE HABITO COMO UNA FORMA DE CREACIÓN ARTÍSTICA DIVERSA EN DONDE SE
ACEPTA EL CUARPO Y LAS CONDICIONES DE LOS SERES VIVIENTES EN EL MARCO DE LA ÉTICA DEL CUIDADO.

Elementos necesarios: usa lo que tengas al alcance de tu mano.

• Cuaderno
• Base de datos
• Celular
• Computador
• Diccionarios
• Eciclopedias
• Libros
• Etc…

Orientaciones sobre las Evidencias de aprendizaje: COMPETENCIAS:

• ARGUMENTAR
SE DEBEN ENTREGAR LAS ACTIVIDADES EL LUNES 26 DE • INDAGAR
JULIO A LAS 8 AM A TRAVÉS DEL WHATSAPP, LAS • INFERIR
CUALES DEBEN ESTAR RESUELTAS EN SUS CUADERNOS. • ANALIZAR
TENGAN EN CUENTA QUE DEBEN NIVELAR TODAS LAS • CATEGORIZAR
ACCIONES PARA PODER AVANZAR EN PTI.
• DEDUCIR
• INTERPRETAR
• INVESTIGAR
• ORGANIZAR
• DESCRIBIR

Normas para tener en cuenta en las sesiones

• Identificarse en la plataforma con el apellido, el nombre y el curso.

• Tener un trato cordial y asertivo con los y las compañeras.
• Cumplir con los tiempos asignados para la entrega de trabajos.
• Cumplir con los horarios de conectividad dispuestos por la IE.
• Tener disposición y constante dialogo con el docente para recibir la información.
• Respetar, reconocer y comprender la condición de cada uno de los y las compañeras a raíz de sus edades.
• Participación activa en las sesiones.

SESIÓN 1

¿qué es pti?

• Es el mejor ambiente de aprendizaje, pues aquí prevalece aquellas cualidades y habilidades que cada uno de uds
tienen. En PTI vamos a potencializar sus talento de manera que puedan ser explotados al máximo.
• Para nosotros es importante que cada uno de uds logren mejorar sus capacidades desde aquello que les gusta y lo
que mejor saben hacer. Aquí les mostraremos como tomar esas destrezas y convertirlas en una forma de de
mejorar la calidad de vida.

¿por qué es importante pti para mi vida?

• Al potenciar los talentos de cada una y uno de ustedes, estamos incentivando a que aprendan un arto u oficio que
les pueda mejorar la calidad de vida.
 • Forja la autonomía dentro de cada uno y una de las estudiantes a punto en que lo que se aprende se vuelve
determinante para su formación integral.
• Determina como un gusto o un talento puntual, se convierte en una posibilidad para mejorar la calidad de vida.
• Enseña la forma de explotar todo lo que se conoce y se puede hacer como una forma de ser los mejores.

¿Por qué es importante aprender fotografía?

• La fotografía, como forma de arte industrial, permite captar los diferentes momentos de la cotidianidad de las
personas, los lugares y las sensaciones, como nunca el arte lo había logrado captar.
• La fotografía puede ser una fuente económica cuando se aplica de forma correcta y estéticamente buena. Permite
comprender el espacio y sus dimensiones toto a través de los ojos. Podemos decir que la fotografía es el arte que
se realiza a través de los ojos.
• Cuando se enseña fotografía, se busca que las personas comprendan la forma como esta constituido el espacio y
sus elementos. No solo basta con dispara la cámara, sino que requiere comprender nociones básica como la luz,
el tamaño, los ángulos, la profundidad, el tiempo y una serie de nociones que suenan complicadas, pero que la
fotografía facilita.

ACTIVIDAD #1

En tu cuaderno responde las siguientes preguntas:

• ¿Qué es PTI?
• ¿Por qué es importante PTI para mi proyecto de vida?
• ¿Qué espero de la fotografía como proyecto de vida?

Respóndelas en un rango no menor a 10 renglones cada una.

Escojo mi personaje representativo

Henri El fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson fue uno de los pioneros del
Cartier- fotoperiodismo y uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Las fotografías
Bresson de los viajes que emprendió por todo Asia y Europa lo posicionaron como un
fotógrafo muy humano, ya que centró sus proyectos en momentos cotidianos
resaltando a la gente en sus estados más comunes. La documentación que hizo a
partir de eventos que marcaron la historia como la Guerra Civil Española, la
Segunda Guerra Mundial y el impacto que tuvo el asesinato de Mahatma Gandhi
en India, lo llevaron a ganar un papel muy importante como periodista a nivel
mundial. Cartier-Bresson se distinguió por ser un fotógrafo “natural” ya que usó
en casi todas sus impresiones, tomas capturadas por su Leica de 35 mm,
rechazando la tendencia a las luces artificiales y la edición de imágenes en cuartos
oscuros.

Robert De origen húngaro, Capa fue un fotógrafo que centró su trabajo en periodismo de
Capa guerra. Logró cubrir muchos de los conflictos que ocurrieron en Europa y Asia en
el Siglo XX como la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Civil Española. Se ganó
el título de “Mejor fotógrafo de guerra del mundo” gracias a la publicación de
fotoperiodismo inglés: PicturePost. Capa fue famoso por el impacto que crearon
sus fotografías de personas, hacía las tomas con un lente de tan sólo 35 mm lo que
le permitió llevar su cámara a todos lados y tomar fotografías en cada momento.
Colaborócon una gran variedad de revistas y publicaciones como LIFE y Time
haciendo de sus fotos íconos a nivel mundial.
 Helmut Este fotógrafo alemán alcanzó la fama gracias a sus shootings de moda. La estética
Newton que adoptó lo estableció como uno de los fotógrafos más atrevidos y
controversiales. Las imágenes que publicó en un sin fin de ediciones de revistas
de moda como Harper’s Bazaar, Vogue, Marie Claire, entre muchas otras,
impactaron al mundo debido al espíritu sexual que imprimía en cada una de ellas.
Aunque el enfoque de Newton fue principalmente moda, su portafolio logró
expandirse a lo largo de los años mostrando algunas de las fotos más icónicas de
figuras importantes en el mundo del cine, la política y el espectáculo alrededor
del mundo.

Ansel Adams Ansel Adams fue un fotógrafo americano que se caracterizó por sus imágenes de
la naturaleza y el medio ambiente. Sus impresiones -las más famosas se
encuentran en el parque nacional Yosemite- sirvieron de apoyo para la
conservación de reservas naturales en Estados Unidos, e incluso fue de los
pioneros en posicionar la fotografía dentro de la categoría de las bellas artes.
Adams se distinguió por usar cámaras de formato grandes, lo que le permitió
reproducir imágenes que aportaron una alta resolución y nitidez en su ejecución.
Habiendo dominado el tiempo de exposición óptimo para dar la claridad perfecta
a sus fotografías de la naturaleza, Adams fue uno de los fundadores del Grupo
f/64 que se distinguieron por tomar un estilo en el cual las fotografías resultaban
con un fondo muy agudo; esta técnica influyó a muchos fotógrafos posteriores a
él.

Andreas Andreas Gursky es un fotógrafo alemán que se ha caracterizado por sus fotos de
Gursky arquitectura a grande escala en distintas ciudades. Gursky ha logrado capturar la
vida del mundo moderno a través de lo que implican los paisajes de las ciudades
a detalle pero de un punto lejano. El impacto que sus fotografías provocan
resultan del color que les imparte a las impresiones que logra gracias a la
manipulación digital. Actualmente, Gursky mantiene el primer lugar de la
fotografía más cara vendida durante una subasta; fue una imagen de su colección
“Rhine”.

Robert Doisneau Robert Doisneau fue un fotógrafo francés pionero del fotoperiodismo. Su trabajo
como fotógrafo tomó vuelo durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue
reclutado como soldado y fotógrafo de la resistencia francesa. Doisneau se
caracterizó principalmente por su amor a la captura de momentos cotidianos de
las calles de Paris. Siendo uno de los fotógrafos más influyentes de su época, y de
los más reconocidos de la historia, Robert Doisneau fue nombrado Caballero de
la Legión de Honor en 1984 además de miembro honorario de The Royal
Photographic Society en 1991, demostrando su gran influencia en el mundo del
arte.

Thomas Struth Struth es un fotógrafo alemán conocido por su amplio dominio en diversas
aspectos de la fotografía: retratos, paisajes y fotografías de museos, entre varios.
Habiendo estudiado bajo la dirección del famoso pintor Gerard Richter, Thomas
Struth logró dominar la magia de la composición para hacer de sus prints
imágenes que parecen congelar el tiempo y el movimiento en ellas.
 Cindy Sherman Cindy Sherman es una fotógrafa americana que basa su trabajo en retratos que
relatan los roles de género en la sociedad. Sherman ha formado parte del
movimiento contemporáneo de artistas «Pictures Generation”que logró tener
mucho auge durante los años ochenta. Sus fotografías buscan hacer una conexión
entre una imagen inmóvil junto con elementos teatrales que le logran dar
movimiento y vida a la misma. Dentro de estos destacan los disfraces, las luces y
el maquillaje para relatar como la sociedad logra comprometer la identidad
personal a través de los roles que la misma hace jugar a la gente.

Ruth Orkin La fotógrafa Ruth Orkin captó una de las imágenes más determinantes, y con la
que, aún hoy, cualquier mujer se puede identificar. Esta imagen nos recuerda lo
que era ser una mujer sola en la Europa de la segunda guerra mundial. Esta foto
captada en 1951 muestra a la amiga de Ruth, Ninalee Craig, paseando en una calle
de Florencia, donde hombres extraños notaban y ponían de manifiesto su
presencia. La hija de Ruth, Mary Engel, afirma que a pesar de que esta imagen no
había sido escenificada, su objetivo era el de mostrar a una mujer explorando sola
el mundo. Ruth Orkin trabajó para el New York Times, y fue corealizadora de una
película nominada para los Óscar. Antes de su fallecimiento, en 1985, el
Metropolitan Museum of Art en Nueva York hizo una exhibición de su trabajo

Jesús Abad Nació en 1968 en Medellín. Recibió un BA en Comunicaciones de la Universidad

Colorado de Antioquia. Trabajó como fotógrafo para el diario El Colombiano de Medellín
de 1992 a 2001. Su trabajo se ha exhibido en más de 30 exposiciones, e
internacionalmente. Es coautor de dos libros, Relatos e Imágenes: El
desplazamiento forzado en Colombia y La prisión, realidades de las cárceles en
Colombia, y ha colaborado en muchos otros libros sobre el tema de los derechos
humanos, además de su reciente documental El testigo en 2019, transmitido por
el canal Caracol de Televisión. En 2000, fue secuestrado en una barricada por las
guerrillas del Ejército de Liberación Nacional y retenido durante dos días.2

ACTIVIDAD #2

1. RESPONDO EN EL CUADERNO:

¿CUÁL ES TU REFERENTE PERSONAL?

¿POR QUÉ?

2. REALIZO LA ACTIVIDAD PRACTICA:

tomaremos nuestro celular y tomaremos 5 fotografías: un animal, una persona de edad, una planta, un paisaje y una calle.
Estas imágenes deben ser enviadas de forma individual. No les pongan filtro, sino utilicen la cámara del celular según sus
propiedades.

3. CONSULTO Y ESCRIBO EN EL CUADERNO:

¿Qué es la fotografía y cual es su importancia en la historia del arte?

SESIÓN 2
En esta ocasión, revisaremos la historia del arte y la fotografía. Pero antes de ello, desarrollamos el siguiente cuadro.

Cuestionario PTI
¿por qué es importante estudiar fotografía a nivel técnico y estético?

¿Cuáles fueron los primeros intentos de fotografía y cómo se realizaron?

¿quién y cómo realizaron la primera fotografía?

¿qué son las imágenes a 35mm?

¿en qué innovó la película fotográfica?

¿qué es la fotografía digital

¿cómo te ha parecido el proceso de enseñanza en pti?

Historia de la fotografía.
La historia de la fotografía es el recuento de las invenciones, hallazgos científicos y perfeccionamientos
técnicos que permitieron al ser humano capturar por vez primera una imagen sobre una superficie
fotosensible, empleando para ello la luz y ciertos elementos químicos que reaccionan con ella.
La historia de la fotografía abarca desde el siglo XIX al XX, pero tiene muchos antecedentes en épocas
anteriores. Es una de las tecnologías más revolucionarias que el hombre ha desarrollado. Su impacto se ha
hecho sentir en las ciencias, las artes (incluso creando una nueva) y en la documentación histórica. Además
dio origen a tecnologías posteriores, como el cine, entre otras.
La palabra fotografía proviene de los vocablos griegos phos (“luz”) y graphos (“escrito” o “grabado”), de
modo que se trata de una escritura con luz o una grabación hecha con luz.

Antecedentes de la fotografía

• La idea de capturar imágenes y preservarlas ha acompañado al ser humano desde épocas

antiguas. Es el fundamento de la aparición de la pintura, la escultura y, más adelante, la
fotografía. Hubo intentos antiguos por conseguir capturar una imagen de forma automática,
sobre todo mediante el principio de la cámara oscura, que es el mismo de las cámaras fotográficas.
• La cámara oscura es un espacio cerrado o recinto, totalmente oscuro, en el que penetra la luz por
una abertura en uno de sus costados y proyecta una imagen invertida de lo que ocurre en el afuera. Este principio era conocido desde
los tiempos de Aristóteles (alrededor de 300 años a. C.) o más adelante del estudioso árabe Alhazén (alrededor del 900 d. C.).
• Las primeras publicaciones al respecto en Occidente aparecieron a partir del siglo XV, como parte de la Revolución Científica en que
participaron filósofos como Leonardo DaVinci. Uno de sus alumnos, Cesare Cesarino fue el primero en publicar estos estudios en
1521.
• A partir de ese trabajo, científicos como Giovanni Battista della Porta o Gerolamo Cardano experimentaron con la cámara oscura en
1558. En el siglo XVI, el alemán Johann Zahn del siglo XVI, desarrolló estos principios en un aparato portátil de madera, que estaba
listo para convertirse en una cámara, de haber tenido cómo fijar las imágenes.
• Recién en 1777 el sueco Carl Wilhelm Scheele publicó su tratado sobre las sales de plata y su reacción a la luz. Basados en estos
descubrimientos, varios artistas como Giovanni “Canaletto” Canal combinaron las sales fotosensibles con la cámara oscura y lograr
alguna suerte de pinturas con luz.

Primeros intentos y daguerrotipo

Las primeras imágenes fotográficas obtenidas en la historia son obra del francés Nicéphore Niepce,
científico que logró resultados mediante la prolongada exposición a la luz de placas de peltre cubiertas en
betún, dentro de una cámara oscura. La primera imagen obtenida así fue Vista desde una ventana en Le
Gras, de 1826, que tomó ocho horas de exposición a plena luz del día.
En 1827 Niepce conoció a Louis Daguerre y firmaron un acuerdo de trabajo que le dejó a este último todo
el conocimiento de las técnicas fotográficas de Niepce tras su muerte en 1833. Daguerre añadió al
mecanismo una placa de plata pulida, sobre la cual se producían las impresiones, reduciendo así
enormemente el tiempo de exposición.
Así nació el daguerrotipo, bautizado en su nombre. Esta nueva técnica permitía hacer retratos, y fue la
forma más conocida de fotografía durante mucho tiempo. Sin embargo, al mismo tiempo y sin conocerse
otros inventores como Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot estaban estudiando
sus propios métodos para obtener impresiones semejantes.
Otros procedimientos similares que aparecieron en el siglo XIX fueron el calotipo y la ambrotipia.

El colodión húmedo

• Este procedimiento sustituyó al daguerrotipo en la segunda mitad del siglo XIX, ya que permitía realizar copias de la impresión, era
mucho más económica y reducía el tiempo de exposición a unos pocos segundos. El colodión húmedo fue inventado por Gustave Le
Gray en 1850 y divulgado al año siguiente por Frederick Scott Archer.
• Consistía en verter un barniz llamado colodión sobre una placa de vidrio muy limpia y pulida. El colodión era previamente
sensibilizado en nitrato de plata, expuesto todo al mismo procedimiento de la cámara oscura. Una vez realizada la captura, se
procedía al revelado en sulfato de hierro amoniacal.
• Desde 1855 esta técnica se convirtió en la más empleada y los fotógrafos llevaban encima los implementos para fabricarla, lo cual era
aparatoso e iba en contra de la fragilidad de las láminas de vidrio. Finalmente fueron desplazadas por las “placas secas” al gelatino-
bromuro.
 Las “Placas secas” al gelatino-bromuro

• Inventadas en 1871 por Richard Leach Maddox y perfeccionadas en 1878 por Charles E. Bennet, constituían un salto adelante
respecto al colodión húmedo. Permitía obtener negativos en vidrio que se podían positivizar sobre papel para hacer copias de la foto.
• Esta técnica empleaba también láminas de vidrio que eran recubiertas de una solución de bromuro de cadmio, agua y gelatina
sensibilizada con nitrato de plata, y luego expuestas en una cámara oscura a la imagen que se deseaba capturar.
• Con las “placas secas” se permitió emplear materiales secos y reducir el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, algo muy
cercano a la posterior fotografía instantánea. Algunos de sus más importantes fabricantes en Francia fueron los hermanos Lumière,
célebres inventores del cine, así como Guilleminot et Cie y Agfa.

Fotografía a color

Durante el siglo XIX se intentó obtener fotografías a color. La primera fue obtenida por James Clerk
Maxwell en 1861, a través de la toma de tres fotografías consecutivas con un filtro rojo, azul y verde
cada una, para luego superponerlas en una proyección y obtener los colores deseados.
Sin embargo, no hubo forma de fijar los colores a la foto y generalmente las fotografías del siglo XIX
y principios del XX eran coloreadas a mano, usando acuarelas, óleos u otros pigmentos.
La primera placa fotográfica a color fue patentada en 1903 por los hermanos Lumière, y llevada en
1907 a los mercados comerciales bajo el nombre de Autochrome. Con soporte de vidrio, se basaban
en un sistema de rejilla de puntos semejante al que luego tuvo la TV de color.
La película fotográfica a colores fue inventada recién en 1935, por la empresa Eastman Kodak y
comercializada como Kodachrome (utilizada hasta 2009). En 1936 la versión de Agfa, llamada
Agfacolor, llegó para quedarse.

La película fotográfica

El filme fotográfico fue inventado en 1884 por el estadounidense George Eastman, usando largas tiras de papel
recubiertas con emulsión fotosensible.
En 1889 inventó la primera película flexible y transparente, en tiras de nitrato de celulosa, marcando un antes
y un después en la concepción de la fotografía. A partir de entonces empezó a emplearse cada vez más el rollo
fotográfico, y este fue además clave para el desarrollo de la cinematografía.

El formato 35mm

En 1920 el inventor y fotógrafo alemán Oskar Barnack introdujo al mercado

la cámara Leica, que empleaba un nuevo formato de película: el 35
milímetros, conocido también como formato Leica o formato Barnack.
Este formato revolucionó la industria fílmica y del cine. Consistió en una película pequeña, del formato 135
de 35 milímetros de ancho, con una relación de aspecto de 3:2 y un tamaño en la diagonal de unos 43mm.
Pensado inicialmente para el cine, abarató enormemente los costos de fabricación de las cámaras y permitió
su popularización, naciendo así los fotógrafos aficionados.

El flash o iluminador

• El flash o iluminador se empezó a usar a principios del siglo XX. Consistía en una mezcla de polvos
finos de magnesio que se encendían con un detonador, produciendo una pequeña explosión que
iluminaba los alrededores, pero también una nube de gases tóxicos.
 • Por esta razón en 1930 se inventó la lámpara de flash o flash de bombilla, un aditamento
inicialmente externo, que empleaba electricidad para generar la descarga de luz. El primer flash
incorporado a una cámara manual (flash de xenón) apareció en la segunda mitad del siglo.

La fotografía digital

La fotografía digital es la vertiente más recientemente inventada, que saca provecho a las tecnologías que
trajo consigo la Revolución informática de finales del siglo XX. Permitió entre otras cosas la supresión del
rollo fotográfico y de toda forma de revelado químico, guardando las imágenes directamente en formato
electrónico o computarizado.
Así, no hace falta “escanear” o digitalizar las imágenes, y además se las puede intervenir empleando software
especializado. Por si fuera poco, las cámaras digitales permiten previsualizar la foto y decidir si conservarla
o tomarla de nuevo. Además nos brindan ayuda electrónica de toda índole, como autofoco, corrección de ojos
rojos, etc.

Línea de tiempo de la fotografía

• 300 a. C. Aristóteles usa la primera cámara oscura.
• 1521. Primera publicación sobre la cámara oscura en Europa.
• 1777. Primer tratado sobre las sales de la plata.
• 1826. Primeras imágenes capturadas por Niepce.
• 1839. Se difunde el daguerrotipo.
• 1850. Se inventa el colodión húmedo.
• 1861. Primera fotografía a colores de James Maxwell.
• 1864. Primer uso de flash a base de magnesio.
• 1871. Se inventan las “placas secas”.
• 1889. Primera película fotográfica flexible.
• 1903. Primera placa a colores de los Lumière.
• 1920. Primera cámara de 35mm.
• 1930. Aparece la lámpara de flash.
• 1936. Aparece la película de color Agfa.
• 1975. Kodak anuncia la primera cámara digital.

Actividades:

• Realizar el cuadro presentado

• Realizar una línea de tiempo descriptiva en donde se plasme la historia de la fotografía.
• Investigo la historia del arte y con ello, realizado un mapa conceptual.

Sesión 3

CONOZCO A MIS EJEMPLOS A SEGUIR EN FOTOGRAFÍA.

AMSEL ADAMS
Ansel Easton Adams (San Francisco, California, 20 de febrero de 1902 - 22 de abril de 1984) fue un
fotógrafo estadounidense, conocido por desarrollar el llamado sistema de zonas.
Fue conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional de Yosemite en
Estados Unidos (entre otros paisajes), y como autor de numerosos libros sobre fotografía, como su
trilogía de manuales de instrucción técnica (La cámara, El negativo y La copia). Fundó la asociación
fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros, como Edward Weston, Willard Van Dyke e Imogen
Cunningham, entre otros.
 Vida de Ansel Adams
Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Cuando Adams tan solo tenía cuatro años, estuvo presente
en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique nasal. Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray,
creció en un ambiente victoriano (social y conservador). Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le
causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza.
Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box
Brownie que le dieron sus padres.

Se unió a un club donde conoció a su esposa, Virginia Best, y se casaron en 1928 y tuvieron dos hijos. En
1927 apareció Albert M. Bender en su vida, quien le ayudó, dándole energía y seguridad. En 1927 Adams
conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y
Weston formaron un grupo llamado "f/64" en 1932. Este grupo promovió y evolucionó la “straight
photography”. En 1930, Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran
impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo pictorialista y a encaminarse hacia el estilo de
“straight photography” (fotografía directa o pura), donde la claridad del lente es lo más importante, y
donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible.
En los años 1930 desarrolló el sistema de zonas. Adams fue destacando cada vez más por su energía y
entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que
siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición. En 1936 colaboró organizando
la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Ahí conoció a
Beaumont (historiador de la fotografía) y a Nancy Newhall (escritora-diseñadora). Más tarde colaboraría
con Dorothea Lange para un trabajo de la revista Life.

Obra de Ansel Adams

 Ruth orkiin

Ruth Orkin (3 de septiembre de 1921-16 de enero de 1985) fue una fotógrafa, fotoperiodista
y cineasta estadounidense, con vínculos con la ciudad de Nueva York y Hollywood. Mejor
conocida por su fotografía An American Girl in Italy (1951), fotografió a muchas
celebridades y personalidades como Lauren Bacall , Doris Day , Ava Gardner , Tennessee
Williams , Marlon Brando y Alfred Hitchcock

Ruth Orkin nació el 3 de septiembre de 1921 en Boston , Massachusetts de Mary Ruby y

Samuel Orkin. Ruth creció en Hollywood debido a la carrera de su madre como actriz de
cine mudo. En 1931, recibió su primera cámara, una Univex de 39 centavos, y pronto
comenzó a experimentar tomando fotografías de sus amigos y maestros en la escuela. A
la edad de 17 años, decidió recorrer América en bicicleta, comenzando en Los Ángeles y
terminando en la ciudad de Nueva York para la Feria Mundial de 1939 . Completó el viaje
en tres semanas, tomando fotografías en el camino.
Asistió brevemente a Los Angeles City College para realizar fotoperiodismo en 1940, antes
de convertirse en la primera mujer mensajera en MGM Studios en 1941, citando el deseo
de convertirse en directora de fotografía. Dejó el cargo luego de descubrir las prácticas
discriminatorias del sindicato que no permitían afiliaciones femeninas. Se unió al Cuerpo
del Ejército Auxiliar de Mujeres durante la Segunda Guerra Mundial , en 1941 en un
intento de adquirir habilidades cinematográficas, como prometían los anuncios que
promocionaban al grupo. Sin embargo, el intento no fue fructífero y fue dada de alta en
1943 sin ninguna formación cinematográfica.

La vida de RUTH ORKIN

En 1943, Orkin se mudó a la ciudad de Nueva York en busca de una carrera como reportero gráfico independiente. Comenzó a trabajar como
fotógrafa de clubes nocturnos y recibió su primera asignación en 1945 de The New York Times para fotografiar a Leonard Bernstein . Poco
después, su carrera independiente creció mientras viajaba a nivel internacional en las tareas y fotografías para contribuyó vida , Look , Ladies'
Home Journal , y otros. A Orkin se le atribuye haber entrado en un campo fuertemente masculino.
La imagen más famosa de Orkin es An American Girl in Italy (1951). El tema de la ahora icónica fotografía era Ninalee Craig, de 23 años
(conocida en ese momento como Jinx Allen). La fotografía era parte de una serie originalmente titulada "No tengas miedo de viajar solo". La
imagen mostraba a Craig como una mujer joven caminando con confianza junto a un grupo de italianos que se comían con los ojos en
Florencia. En artículos recientes escritos sobre la pareja, Craig afirma que la imagen no fue puesta en escena y fue una de las muchas tomadas
a lo largo del día, con el objetivo de mostrar la diversión de viajar solo.
En 1952, Orkin se casó con el fotógrafo, cineasta y miembro de la Photo League , Morris Engel . Orkin y Engel colaboraron en dos importantes
largometrajes independientes, "Little Fugitive" (1953) y "Lovers and Lollipops" (1955). Después del éxito de las dos películas, Orkin volvió a
la fotografía, tomando fotografías en color de Central Park como se ve a través de la ventana de su apartamento. Las fotografías resultantes
se recopilaron en dos libros, "Un mundo a través de mi ventana" (1978) y "Más imágenes desde mi ventana" (1983).
Orkin enseñó fotografía en la Escuela de Artes Visuales a fines de la década de 1970 y en el Centro Internacional de Fotografía en 1980. [1]
Después de una larga batalla privada contra el cáncer, Orkin murió a causa de la enfermedad en su apartamento de la ciudad de Nueva York
el 16 de enero. , 1985.

OBRA DE RUTH ORKIN

ACTIVIDAD

como tarea, debían tomar 10 fotografías monocromáticas (blando y negro) según la técnica de ruth orkin

SESIÓN 4

HOY VEREMOS LA TEORÍA DEL COLOR. PARA ELLO, INICIAREMOS CON RESPONDINDO EN EL CUADERNO LOS
SIGUIENTES INTERROGANTES.

• ¿Qué es color?
• ¿Cuáles son los colores primarios?
• ¿Cuáles son las gamas de color?
• ¿Por qué es importante el color en la fotografía?

TEORÍA DEL COLOR EN FOTOGRAFÍA

Teoría del color: Cómo jugar con el color en la fotografía

Donde hay luz, hay colores…

El color está siempre presente en la fotografía y nos puede ayudar de manera significativa para resaltar nuestros encuadres. El mismo tiene
una importancia muy grande dentro del lenguaje visual teniendo un gran impacto emocional.
La teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz. La luz
blanca se puede producir combinando el rojo, el verde y el azul, mientras que combinando pigmentos cían, magenta y amarillo se produce el
color negro.
El círculo cromático se divide en tres grupos de colores primarios, con los que se pueden obtener los demás colores. Los colores primarios son
el azul, amarillo y rojo. La combinación de estos produce un fuerte contraste entre ellos.
Consideramos como colores secundarios : verde, violeta o naranja. Definimos como colores terciarios : rojo violáceo, rojo
anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo.

Todos los colores que percibimos poseen tres atributos básicos:

Tono o matíz : es el color en sí mismo, la esencia del color.
Brillo o luminosidad: La mayor o menor brillantez que posee un color respecto a los
demás.
Saturación: La pureza de un color sin mezcla de otro.
En toda composición bien organizada, el matiz, así como su saturación y luminosidad
están establecidas de tal modo que forman entre si un conjunto equilibrado.

¿Cómo puedo usar el color para enriquecer mi fotografía?

El uso de ciertos colores impacta el estado de ánimo de las personas. El mismo es esencial para determinar el impacto de la imagen en los
espectadores.
La división de los colores en cálidos y fríos :
Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo. Son colores “cálidos” porque suelen llevar asociada una sensación subjetiva
relacionada con la calidez. Los colores fríos son los que van del azul al verde. Provocan una sensación subjetiva asociada al frío. Visualmente
hablando, los colores calientes dan la impresión de avanzar y los fríos de retroceder.

Los colores azul, amarillo y rojo se utilizan de manera adjunta y producen una sensación de armonía. Los colores complementarios producen
un efecto de agresividad, provocado por el máximo contraste al utilizarlos juntos.
• Rojo y verde
• Azul y naranja
• Amarillo y violeta

TRABAJO EN CASA

VAMOS A TOMAR PINTURA DE LOS COLORES PRIMARIOS Y VAMOS A TRAZAR LAS GAMAS DE COLORES QUE
PODAMOS RELIAZAR CON NUESTRAS PROPIAS CAPACIDADES.
LO RELIZAREMOS EN HOJAS BLANCAS DE MANERA ORGANIZADA COMO SE MUSTRA EN ESTE EJEMPLO.
 SESIÓN 5

VAMOS A DILIGENCIAR EL SIGUIENTE CUADRO PARA DETERMINAR LA ESTRUTURA DE NUESTRO DESCRIPTOR

CUADRO PARA LA CONSTRUCCIÓN DE DESCRIPTORES

NOMBRE CURSO AMBIENTE DE APRENDIZAJE
PTI FOTOGRAFÍA
META DE APRENDIZAJE
EXPRESAR A TRAVÉS DE IMÁGENES LA SENSIBILIDAD, LA PASIÓN Y EL AMOR POR LA HUMANIDAD DESDE EL
CONOCIMIENTO TÉNICO DE LA FOTOGRAFÍA, SUS DIFERENTES ASPECTOS Y SU OBSERVANCIA DEL ESPACIO
SOCIAL Y CULTURAL EN EL QUE HABITO COMO UNA FORMA DE CREACIÓN ARTÍSTICA DIVERSA EN DONDE
SE ACEPTA EL CUARPO Y LAS CONDICIONES DE LOS SERES VIVIENTES EN EL MARCO DE LA ÉTICA DEL
CUIDADO.
QUÉ APRENDÍ DEL AMBIENTE DE APRENDIZAJE

¿QUÉ TRABAJOS ENTREGUÉ? ENUMERALOS Y NOMBRALOS

SEGÚN MIS AVANCES, ESCRIBO MI DESCRIPTOR

SESIÓN 6

Veremos ampliamente como se componen los PLANOS dentro de una fotografía.

Los 7 Tipos de Planos Fotográficos que Debes Conocer para Retrato (También el Plano Americano)
Seguro que en más de una ocasión has oído expresiones como plano americano, plano corto, plano medio, plano detalle o plano entero... La
mayoría de estas expresiones están asociadas a la fotografía de retrato, y se utilizan para definir cuáles son los límites de un encuadre. Para
un fotógrafo es mucho más conciso hablar de un primer plano, que hablar de un plano en el que se le vea la cara a nuestro modelo, ya que de
esa forma son demasiadas las opciones que tenemos.

Los tipos de plano según la escala nos ayudarán por tanto a saber por dónde cortar el encuadre a la hora de hacer nuestros retratos. Además,
cada uno de ellos tendrá una serie de connotaciones que nos ayudarán a transmitir un determinado sentido con nuestra imagen. En el artículo
de hoy veremos los diferentes tipos de plano según la escala y qué implicaciones tienen. ¿Te lo vas a perder?

Los 7 Tipos de Plano Según la Escala en Fotografía de Retrato

Coge tu cámara. Encuadra. Mira a través del visor o del live view y finalmente dispara. Cuando hacemos esta acción estamos decidiendo el
tipo de encuadre de nuestra fotografía aunque no seamos conscientes de ello. Tanto la posición en la que situemos la cámara como la escala
con la que vayamos a sacar nuestro motivo fotográfico o sujeto, determinarán el tipo de plano de nuestra imagen. Gracias a ellos,
aprenderemos a analizar nuestra fotografía antes de disparar la toma, y no después, prestándole especial atención a factores importantes
como son el fondo y los bordes del encuadre.

Los tipos de planos describen una serie de estándares a la hora de encuadrar a nuestro elemento protagonista. Como te decía antes,
normalmente están dirigidos a retratos porque en ellos se diferencian de manera muy clara las diferencias entre unos y otros. Pero los tipos
de plano no son algo exclusivo de la fotografía de retrato, sino que podemos generalizarlos a cualquier estilo fotográfico, y cuando hablemos
de ellos lo haremos refiriéndonos al elemento protagonista de nuestra imagen, ya sea una persona, un animal, un objeto o cualquier otro
elemento sobre el que se focalice la atención de la toma.

La mayoría de tipos de plano que veremos a continuación provienen del cine, y es que la fotografía y el cine comparten mucha terminología
al tratarse de disciplinas hermanas. Hemos dejado aparte dos tipos de plano: el gran plano general y el plano general. El motivo es que este
tipo de planos abarcan un ángulo de visión muy grande y normalmente no son los más indicados si queremos realizar fotografía de retrato,
ya que el sujeto pasa bastante desapercibido en el entorno.
No obstante, te dejamos este fragmento de fototip de nuestra Zona Premium donde podrás observar en qué casos se pueden utilizar estos dos
tipos de plano.

Y tras el vídeo, seguimos con el artículo y partimos desde el plano entero en retrato llegando hasta el plano detalle, poniendo este orden en
función de mayor a menor ángulo de cobertura. Veamos en un esquema visual cuáles son los 7 tipos de plano según la escala para retrato que
abordaremos en este artículo.

1. Plano Entero

En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero si a
quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en
nuestra foto. El protagonista de nuestra foto por tanto ocupa todo el encuadre, convirtiéndose en el
punto de interés de la toma. Puedes apurar más o menos el encuadre, pero procura siempre no cortar ni
los pies ni la cabeza.

En este tipo de plano tendremos que cuidar la pose de nuestro modelo, ya que si ésta es buena la foto
será mucho más atractiva. De la lista que presentamos en el artículo, este es el plano más lejano de todos.
A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.

2. Plano Americano/Tres Cuartos

Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que
triunfaban las películas del género Western o, como también las llamamos, de
indios y vaqueros. En estas películas era importante que las armas que llevaban
los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran
suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte. Algunos lo
llaman también plano tres cuartos.

El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la

rodilla o por el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado,
la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas. Es
ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.

3. Plano Medio

Conforme nos vamos acercando más al sujeto conseguiremos un mayor grado de intimidad en la
fotografía. Con el plano medio nos acercamos un poco más que con el plano anterior, cubriendo desde la
cabeza hasta la cintura. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta
aproximadamente la mitad del muslo.

Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de
plano muy utilizado en fotografía de moda. También se utiliza mucho para retratos formales, y para
mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

Es importante que antes de disparar te fijes en la posición de las manos y los brazos, para en la medida
de lo posible, evitar cortarlos. Si no tenemos más remedio, lo haremos intentando que queda de forma
natural y sin cortar las articulaciones.
 4. Plano Medio Corto

El plano medio corto es una variante del plano medio, y es también conocido
como plano de busto o primer plano mayor. Este tipo de plano recoge el cuerpo
desde la cabeza hasta debajo o mitad del pecho, aproximadamente. Este plano
nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro,
descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima
atención.

5. Primer Plano

El primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato,

recoge el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el
plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a
continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve
para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje. La pose
del cuerpo de nuestro modelo en este caso no cobrará importancia,
pero sí que lo hará el gesto o expresión de su cara, que se convertirán
en protagonistas de la imagen.

6. Primerísimo Primer Plano

El primerísimo primer plano va un paso más allá que el primer plano,

acercándonos más aún al rostro de nuestro modelo. Este plano capta el
rostro desde la altura de la frente hasta por debajo de la barbilla.

Con este tipo de encuadre, el primerísimo primer plano consigue también

dotar de gran significado a la imagen, y que a carga emocional e la
intimidad de la captura sean extremas.
 7. Plano detalle

El plano detalle en el retrato es el más cercano de todos, y es el que recoge una

pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder
con el rostro. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los
gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el
protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.

Actividades.

1) Observamos la información presentada hasta acá y en nuestro cuaderno escribimos y definimos cada uno de los
7 tipos de planos usados en fotografía. Esto lo hacemos para poder identificar cada uno de ellos como un elemento
independiente en el ejercicio fotográfico.
2) por cada uno de los planos, vamos a realizar 4 fotografías diferentes y me las envían para con ello verificar sus
aprendizajes.
Sesión 7
Hoy aprenderemos las principales emociones y trataremos de situarlas en la fotografía. Pero antes de ello, en nuestro cuaderno vamos a
resolver los siguientes interrogantes a modo de autoevaluación. Cada respuesta debe sobrepasar las 5 líneas.

¿Qué he aprendido hasta el día de hoy?

¿Cuáles son los saberes que más tengo presentes al momento de tomar una fotografía

Principales emociones Humanas

Las emociones humanas son las

responsables de hacernos estremecer, llorar,
reír, sentirnos felices, desdichados,
abrumados… Dentro del campo de la
medicina y, en concreto, de la psicología, se
han determinado diferentes tipos de
emociones que merece la pena conocer.

ACTIVIDAD:
• Investigo y Realizo un mapa conceptual de las emociones propias de los seres humanos
• Capturo dos fotos en donde se muestre tristeza, dos de alegría y dos de nostalgia.
 SESIÓN 8
10 funciones atractivas de las cámaras digitales modernas
septiembre 20, 2010Iván Luzardo

Detrás de características utilizadas comúnmente por los vendedores como detector de sonrisa y rostro, estabilizador de imagen, tomas
panorámicas o sensores de contraste hay un decidido intento de las compañías por hacer más fáciles de manejar estos aparatos. Varias de las
funciones que los fabricantes de cámaras fotográficas promueven en sus equipos van más allá de un simple gancho comercial para atraer
compradores. Detrás de características utilizadas comúnmente por los vendedores como detector de sonrisa y rostro, estabilizador de imagen,
enfoque automático, tomas panorámicas o sensores de contraste hay un decidido intento de las compañías por hacer más fáciles de manejar
estos aparatos y simplificar las cosas en el momento de tomar una fotografía.

En opinión de Carolina Vásquez, gerente de mercadeo y ventas de Canon, si bien la gente busca cámaras atractivas en apariencia y con
diferentes opciones incorporadas, no le gusta leer manuales y tener un producto que es complejo en su funcionamiento. Por lo tanto, dice
Vásquez, muchos usuarios quieren un dispositivo que haga todo por ellos, que al manipularlo no se compliquen y sea tan sencillo como
encender y presionar el obturador para que la foto quede bien tomada. Además, los equipos son cada vez más amigables, con íconos gráficos
que identifican de inmediato la función correspondiente. Incluso ciertos modelos, al seleccionar alguna opción, muestran en la pantalla la
explicación de lo que se va a modificar.

Por su parte, Paola Illera, jefe de producto de imagen personal de Sony, agrega que en la actualidad una buena parte de las funciones para
facilitar la captura de fotografías viene incluida en las cámaras básicas, por lo que las personas deben saber que así adquieran un aparato de
bajo costo podrán disfrutar de dichas características. Por ejemplo, en el caso de Sony, la empresa comenzó incluyendo su función de fotografía
panorámica en las cámaras de gama alta, pero a partir del 2011 la tendrá en todos sus modelos disponibles en el mercado.

Las opciones que han incorporado los fabricantes para lograr este objetivo son varias. Entre ellas se destacan la posibilidad de que el aparato
detecte el tipo de escena y acomode de manera automática la configuración para el disparo, la corrección inmediata de movimientos de la
mano cuando se presiona el obturador y la capacidad de recortar o cambiar el tamaño de una foto directamente desde la cámara fotográfica.
A continuación encontrará una explicación de las características más importantes y la razón para que sean definitivas a la hora de captar
mejor los momentos.

Estabilizador de imagen

Esta es una de las funciones que más tiempo lleva incorporada a las cámaras fotográficas digitales, útil para aquellas personas cuyo pulso no
es el mejor. Su objetivo consiste en aminorar los movimientos que hace la mano de manera natural cuando la personas presionan el obturador.
De esta manera es posible obtener imágenes más nítidas, con brillo y naturalidad, incluso cuando la persona toma fotos y está en movimiento
o en momento de poca luz y en los que no se quiere utilizar el flash.

El estabilizador de imagen, según el fabricante, es óptico o digital. El óptico estabiliza la imagen antes de ser procesada, con lo cual no se
pierde calidad en la foto, mientras la tecnología digital, si bien es eficiente, con la técnica utilizada se sacrifica un poco la resolución y claridad
de la foto.

Escenas automáticas

Para evitar que los usuarios tengan que manipular los modos de fotografía de las cámaras digitales, los fabricantes han comenzado a incluir
la función de detección de escenas, para aquellas personas que no saben mucho de fotografía o aquellos que no desean ajustar el aparato de
acuerdo con el momento específico a capturar.

La cámara se pone en modo automático y dependiendo del ambiente y los personajes (retrato, macro, contraluz, sobreexposición) el
dispositivo elije, en el caso de los equipos Canon con la opción Smart Auto, entre una gama de hasta 21 configuraciones distintas. En los
productos Sony y Olympus se denomina Intelligent Auto. Esto asegura la calidad de la imagen.

Detector de rostros

En vista de que muchas de las fotografías que captura la gente incluyen personas, los fabricantes han incluido la opción de detección de
rostros, que se activa de manera automática en la mayoría de cámaras. La función identifica las caras presentes en una toma, muestra un
recuadro en cada una y le permite al fotógrafo hacer un enfoque más preciso a los rostros.

El detector de rostros opera muy bien en grupos reducidos, ya que si son muchos los individuos a fotografíar, la cámara no podrá hacer un
enfoque ajustado para cada una de las caras.
Detector de sonrisa

Una de las primeras compañías que innovó en este aspecto fue Sony, con su línea de cámaras CyberShot. La función se activa desde el menú
y permite que la cámara tome la foto automáticamente cuando la persona sonríe. Sin embargo, es posible graduar los niveles de sonrisa para
que capture el momento cuando el individuo (también aplica para varios personajes) haga una simple mueca o sólo hasta que suelte una
carcajada.

Fabricantes como Canon han incluido la opción de detector de parpadeo, que toma la foto cuando la persona realiza este movimiento de los
ojos, por lo que sirve para la gente que no sonríe mucho.

Fotografía panorámica

Las fotos panorámicas son ideales para captar imágenes de paisajes y lugares en los cuales lo que se quiere retratar tiene una longitud más
grande que la que cabe en el ángulo de la cámara. Los primeros intentos con esta función obligaban al usuario a tomar una primera foto e ir
moviendo el aparato para ajustar la siguiente imagen ajustándola sobre una ligera sombra dejada por la anterior. Este sistema, aunque
eficiente, en algunos casos no llega a ser tan preciso.

En la cámaras Sony se incluye la opción Sweep Panorama o barrido panorámico, para hacer fotos de este tipo en sentido horizontal o vertical.
El usuario sólo configura la función y, luego de presionar el obturador, debe deslizar la cámara en el sentido que desee para obtener finalmente
una fotografía con un ángulo de 270 grados.

Edición en cámara

Ciertos modelos de cámaras van más allá de tomar la fotografía, teniendo en cuenta que los usuarios en muchas oportunidades desean hacer
algunos arreglos a las imágenes sin necesidad de contar con un computador a la mano y aplicaciones especiales para retoque y edición de
fotos.

Por ejemplo, es posible hacer recortes de las fotos para eliminar un objeto indeseado o cuando se quiere quitar parte de la imagen porque se
considera que sobra (esto disminuye su tamaño). También está la opción de redimensionar las imágenes, que implica bajar la resolución si
han sido tomadas a una muy alta. Con ello se puede liberar espacio en la tarjeta de memoria para tomar más en caso de que ya esté llena. La
función de intercambio de colores permite escoger el color de un objeto determinado que esté en la foto y cambiarlo por otro, desde que esté
en la misma gama de colores.

Sensor de contraste

Para mejorar la calidad de las fotografías, algunos modelos de Canon, por ejemplo, poseen el sensor inteligente de contraste, que se puede
aplicar de manera automática o graduar de acuerdo con el gusto del usuario. De esta manera, la opción permite nivelas los colores de la foto
dependiendo de la cantidad de luz que tenga la escena, al igual que ajustar las tonalidades de la piel cuando se están retratando personas. Esto
también aplica, antes y después de tomar la fotografía, para la corregir el problema de ojos rojos en los individuos.

Para ubicar las fotos

Los equipos con sistema de posicionamiento global (GPS) incorporado y que también poseen brújula registran la ubicación y dirección en las
que ha sido capturada cada foto y permite, al llevar las imágenes al computador, verlas en un mapa agrupadas según el sitio en el que hayan
sido tomadas. Esta información incluso funciona con algunos servicios en la Red como Panoramio (www.panoramio.com), de Google, cuya
comunidad hace aportes en imágenes para que la gente conozca diversos sitios del mundo por medio de las escenas captadas por los usuarios.

Toma perfecta

Para aquellas personas que les gusta experimentar con diferentes efectos y funciones de la cámara pero que no desean un manejo complicado,
la opción Perfect Shot, incluida en las cámaras Olympus, ofrece la posibilidad de ver en la pantalla LCD de la cámara diversos cuadros
pequeños, cada uno con un efecto diferente aplicado.

Así es posible elegir antes de tomar la foto cuál de ellos es más atractivo o se ajusta de mejor forma al ambiente que se desea capturar, evitando
así capturar muchas imágenes para seleccionar posteriormente la ideal.

Foto de ‘repuesto’

Esta opción es sencilla, pero ahorra tiempo y es útil cuando se están tomando fotografías en escenas en las que la iluminación es difícil, puede
ser en contraluz, ambientes nocturnos o en días oscuros. La función ‘dual shot’ o ‘doble toma’ captura una segunda foto de manera automática,
sin necesidad de presionar dos veces el obturador de la cámara. De esta forma, el usuario puede, posteriormente, seleccionar entre ellas la
que mejor haya quedado y evitar así las imágenes borrosas y con poca definición.

CÓMO USAR LAS FUNCIONES MANUALES EN LA CÁMARA DE TU MÓVIL

Sácale el máximo provecho a la cámara de tu móvil usando los modos manuales que te ofrece y que hoy te enseñamos a
manejar.
Cómo usar las funciones manuales en la cámara de tu móvil

De entre todos los usos que se le puede dar a un teléfono actualmente, la fotografía destaca. Y no destaca únicamente por la cantidad de fotos
que se realizan alrededor del mundo con la cámara de un móvil, sino también por la revolución que ha supuesto el no necesitar una cámara
aparte. Además, las cámaras integradas en los móviles han conseguido una comodidad para tomar fotos que antes era inimaginable. Donde
antes se necesitaba llevar la cámara encima y que ésta estuviera preparada, ahora solo necesitamos sacar nuestro teléfono del bolsillo y pulsar
un botón.

Sin embargo, existen personas que, sin buscar la profesionalidad de una cámara réflex, sí buscan un mayor control a la hora de fotografiar
algo desde sus terminales. Y este mayor control pasa obligatoriamente por conocer el funcionamiento de las distintas opciones que nos ofrece
nuestro dispositivo. Por ello, hoy hemos pensado en aclarar los términos que generalmente desconocemos sobre la cámara de nuestro móvil.
Asimismo, explicaremos el funcionamiento de dichas opciones y cómo afectan al resultado final de nuestra fotografía.

EL MODO DE ENFOQUE
El modo de enfoque es una de las opciones más importantes a la hora de tomar una foto con el móvil. Como su propio nombre indica, ajusta
el enfoque que se usará a la hora de tomar la foto. No debemos confundir este término con el enfoque manual, ya que son dos términos
distintos. En un teléfono móvil, las opciones de enfoque están generalmente limitadas a tres: enfoque automático, enfoque macro y enfoque
infinito.

El enfoque automático: Hace exactamente lo que indica su nombre. Decide, calcula y ajusta automáticamente el enfoque para cada toma.
El enfoque macro: El macro se centra en los objetos pequeños y de distancias muy cortas. Para fotografiar objetos desde muy cerca, ésta
es nuestra mejor opción.
El enfoque a infinito: Obviamente, con este término no nos referimos a enfocar infinitamente, ya que esto es imposible. El enfoque a
infinito se usa para resaltar objetos lejanos. Con este modo de enfoque, es posible fotografiar de forma nítida la luna o alguna montaña lejana.

EXPOSICIÓN
Alta exposición
Si el modo de enfoque no era la opción más importante a la hora de tomar fotos, es porque la exposición compite también por ese título. Esta
opción es en gran parte la que diferencia una buena foto de una mala. Por ello, debemos entender perfectamente qué es la exposición y qué
supone en el resultado final de nuestra imagen.

Cuando hablamos de exposición, nos referimos a la cantidad de luz que capta la cámara para tomar una fotografía. En ciertos teléfonos, la
exposición aparece indicada también como EV o Exposure Value. Esta capacidad repercute de forma directa en la nitidez y en el color de una
foto. La capacidad de exposición de una cámara está directamente ligada a la apertura de su lente. Esto quiere decir que una cámara con una
apertura de f/1.8 tendrá mayor capacidad de exposición que una lente de f/2.2.

Baja exposición
No obstante, en la cámara de nuestro móvil, la exposición pierde cierta relevancia, ya que configuramos esta opción de forma digital. Por
tanto, el resultado obtenido con la variación de la exposición en un teléfono puede verse reducido a un simple cambio de brillo. Aun así, este
cambio es capaz de suponer una mejora notable de la calidad de la foto.

El valor a usar para medir la exposición en nuestro terminal es muy simple. Generalmente, las cámaras de nuestros dispositivos no pasarán
de un +3 de exposición ni bajarán del -3 de ésta. Sabiendo esto, la fórmula es sencilla: a mayor exposición, mayor brillo (primera imagen), y
a menor exposición, mayor oscuridad (segunda imagen).

EL BALANCE DE BLANCOS
Fluorescente cálido
Hasta ahora hemos hablado de enfoque y luz, pero la siguiente opción es clave para el color. Hablamos del balance de blancos o, como aparece
en algunos móviles, el ‘White Balance’ (WB). Esta opción controla la temperatura del color de nuestra cámara. La temperatura determina si
la imagen tendrá tonos propios de temperaturas más frías (rojos, amarillos y anaranjados) o más calientes (blancos y azulados). Dependiendo
de la escena que queramos fotografiar, el balance de blancos debe ser distinto. Para ciertas imágenes es clave una buena configuración, ya que
implica una mejora significativa de la calidad de nuestra foto.
Fluorescente Luz del día
En las tres imágenes de arriba, es posible apreciar la diferencia entre distintos balances. La primera imagen está tomada con una temperatura
de color alta, y esto es visible en la presencia de tonos azules. Para esta primera foto se ha usado un balance de blancos de luz fluorescente
cálida.

Por otra parte, en la segunda imagen es posible ver que el color ha mejorado, adquiriendo un tono más natural. No obstante, aún permanecen
algunos restos de tonos azulados en ciertos lugares. Esta segunda fotografía se ha tomado con un balance de blancos de luz fluorescente.

Por último, en la tercera fotografía podemos apreciar la configuración óptima de color para la escena que queremos captar. A diferencia de
las otras dos imágenes, el color de esta tercera foto concuerda con el color del paisaje. El resultado salta a la vista: la fotografía representa de
manera más fiel lo que el ojo ve en el momento de captar la imagen. En este caso, la configuración del balance de blancos se establece en el
modo día soleado.

Un dato a tener en cuenta es que, el tipo de luz que indique cada opción del balance de blancos no debe concordar obligatoriamente con el
tipo de luz de la escena. Es muy probable que, para una foto con luz artificial, queramos usar un balance de blancos de día soleado. Todo
depende de la calidez que queramos darle a nuestra fotografía.

LA SENSIBILIDAD ISO
Esta última configuración es de las más desconocidas en la cámara de nuestro teléfono. El ISO es de las opciones más interesantes a la hora
de buscar otros enfoques artísticos en una foto. Explicado de forma simple, el ISO mide la sensibilidad de nuestra cámara en relación a la luz
que capta. Esto se traduce en que, a mayor cantidad de luz, menos sensibilidad ISO. Pero, ¿cómo se plasma esto en una imagen?

Los más aficionados a la fotografía estarán acostumbrados a escuchar y lidiar con la palabra ‘ruido’. El ruido en una foto es ese efecto granulado
que aparece, generalmente por la baja calidad del sensor. Sin embargo, con la sensibilidad ISO, es posible configurar en cierta medida la
cantidad de ruido de una imagen. Si antes hablábamos de que la cantidad de luz es inversamente proporcional a la sensibilidad ISO, debemos
saber que, a mayor sensibilidad ISO, mayor cantidad de ruido tendrá nuestra fotografía.

Baja sensibilidad ISO Alta sensibilidad ISO

Aun así, un ISO alto no solo implica ruido, sino mejor captación de la luz. Si observamos las dos imágenes de arriba, es posible apreciar las
diferencias. La primera imagen está tomada con una sensibilidad ISO baja. Esto se aprecia en la oscuridad de la foto, y en el poco ruido de la
misma. No obstante, en la segunda imagen el ruido es mayor, pero la oscuridad ya no supone un problema. Esto es debido a la alta sensibilidad
aplicada.

TRABAJO AUTÓNOMO

Investigo y defino en el cuaderno los siguientes conceptos:

Obturación, Encuadre, ISO, Objetivo, Velocidad de la luz.

SESIÓN 9

Funciones de las cámaras para tener en cuenta al momento de hacer fotografía

Obturación
La velocidad de obturación es una de las formas de regular la cantidad de luz que entra al sensor de nuestra cámara. Variando el control de
la velocidad de obturación podrás hacer la misma fotografía con resultados muy distintos. Uno de los elementos en los que impacta de una
manera más determinante es en la congelación (o no) del movimiento.

Encuadre
El encuadre, en fotografía, hace alusión a la porción de la escena que como fotógrafo, utilizaras para tus fotografías. Es decir, que
proporción de la escena vas a capturar en una fotografía. Imagínate al encuadre como el escenario en donde transcurren tus fotos.

ISO
ISO es la sensibilidad a la luz de una película o de un sensor de imagen. Una ISO baja necesita más luz para lograr una buena exposición,
mientras que una ISO alta es más sensible a la luz y necesita menos luz para una buena exposición.

Trabajo autónomo:
Tomar tres fotografías con cada concepto explicado de manera que comprendan la manera en que configura la
fotografía profesional