Escultura Etrusca

28/12/21 15:48 Escultura etrusca - Wikipedia, la enciclopedia libre
Escultura etrusca
La escultura fue una de las expresiones artísticas
más importantes del pueblo etrusco, que habitó la
región del norte y centro de Italia entre el siglo IX y
el I a. C., aproximadamente. Su arte era en gran
parte una derivación del arte griego, aunque
desarrollado con muchas características propias.1
Dada la falta casi total de documentos escritos
etruscos, problema agravado por la poca
información sobre su idioma —todavía sin descifrar
en gran parte— es en su arte donde se encuentran
las claves para la reconstrucción de su historia,
aunque las crónicas griegas y romanas sean
también de gran ayuda. Como su cultura en general,
la escultura etrusca tiene muchos aspectos oscuros
para los estudiosos, siendo objeto de controversia y Frontón escultórico de Luni, conservado en el Museo
que obligan a proponer sus interpretaciones Arqueológico de Florencia.
siempre con carácter provisional, pero el consenso
es que fue parte del legado más importante y
original del arte italiano e incluso contribuyó significativamente a la formación inicial de las tradiciones
artísticas de la antigua Roma.2 3 La visión de la escultura etrusca como un todo homogéneo es errónea,
habiendo importantes variaciones, tanto regionales como temporales.4
Frontón escultórico de Luni,
conservado en el Museo Arqueológico de Florencia.
Índice
Contexto histórico
Grecia y Etruria
Escultura privada
Escultura religiosa
Escultura decorativa
Periodos
Villanova
Orientalizante
Arcaico
Clásico
Helenístico
Materiales y técnicas
Terracota
Otros materiales
La herencia escultórica
Siglos XV - XVI
Siglos XVII - XVIII
https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_etrusca 1/18
Siglo XIX
Siglo XX
Véase también
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos
Contexto histórico
El origen de los etruscos ha sido objeto de polémica desde la antigüedad. Heródoto creía que eran los
descendientes de poblaciones procedentes de Anatolia antes del año 800 a. C., que desplazaron a los
habitantes anteriores,5 aunque Dionisio de Halicarnaso los tenía como autóctonos. La investigación
moderna tampoco ha llegado a un consenso y los expertos acabaron considerando este tema insoluble,
pasando a estudiar, cómo la sociedad estaba organizada, antes que de dónde venían.6 Lo que se sabe con
certeza es que a mediados del siglo VII a. C. sus principales ciudades ya habían sido fundadas, iniciando
enseguida un periodo de expansión territorial que acabó por dominar una gran región más o menos en el
centro de la península Itálica, abarcando desde Véneto y Lombardía a Lacio y Campania, lo que se ha
denominado Etruria.7 Sin embargo, en los siglos siguientes sus conquistas fueron amenazadas y varios
pueblos itálicos consiguieron hacer remitir sus avances. Por último, sus últimos bastiones fueron tomados
por los romanos, que absorbieron su cultura y causaron su disolución. En su apogeo, los etruscos eran el
pueblo más poderoso de la Italia prerromana y establecieron una civilización próspera con una gran
producción agrícola, una poderosa flota, un comercio floreciente que cubría gran parte del Mediterráneo y
una cultura única, donde el arte tuvo un gran papel, influyendo de forma importante en la formación
inicial del arte de la Antigua Roma.3 8
Su presencia en Italia se supone desde el siglo IX a. C., pero las inscripciones en los monumentos y
objetos, que proporcionan una mayor certeza en su datación, sólo aparecen alrededor de 700 a. C. A pesar
de que compartían una cultura común, los etruscos no formaban una unidad política coherente y su
organización social era semejante al sistema de la polis griegas, incluso también combatían entre ellas. No
existen textos literarios etruscos, su historia se puede recuperar directamente de la evidencia
arqueológica, pero mucho de lo que se conoce ha sido relatado por los griegos y romanos. Tito Livio habla
de una sociedad de las «gentes etruscas» formadas por «cuñados» —consanguíneos—, «sodales» —
compañeros de armas— y «clientes» —personas que ofrecían sus servicios y esperaban recibir protección
por parte de sus patronos—.9
Grecia y Etruria
Mantenían contacto con Grecia, posiblemente desde sus orígenes, contacto que se intensificó cuando los
griegos fundaron sus primeras colonias en el sur de la península itálica, alrededor del 775-750 a. C.
Adoptaron un alfabeto similar al griego y, también parte de su mitología5 e importaban utensilios griegos
en gran cantidad, sobre todo cerámica. Estos objetos encontrados en territorio etrusco han supuesto una
de las fuentes para determinar la cronología de su historia.1 8 Las inscripciones más antiguas en lengua
etrusca se remontan al siglo VII a. C. y los primeros signos están pintados en la cerámica, relacionados
siempre con el alfabeto griego pero adaptado a la lengua local. También se ha encontrado escritura en
tablillas dentro de los ajuares funerarios principescos, lo cual era signo de distinción social.10 De hecho,
la influencia griega se ha vuelto tan importante que la nomenclatura de historia del arte etrusco es un
reflejo de la utilizada para describir los periodos correspondientes del arte griego:8
Periodo Vilanoviano o geométrico: IX-VIII a. C.

Periodo orientalizante: siglo VII a. C.
Periodo arcaico: siglo VI a mediados del siglo V a. C.
Periodo clásico: mediados del siglo V-IV a. C.
Periodo helenístico: siglos III-I a. C.
Incluso con la masiva asimilación de la cultura extranjera es significativo que, tanto los griegos como
después los romanos consideraran a los etruscos un pueblo perfectamente individualizado. El estudio de
la cultura etrusca se inició en el renacimiento y se profundizó a partir del siglo XIX, pero los historiadores
más antiguos condenaron muchas veces su escultura, viéndola como una mera imitación, sin creatividad,
del arte griego. Esta posición ha ido cambiando en los últimos años y hoy es considerada como un
fenómeno original. De todos modos, la distinción entre las esculturas griegas en Etruria y las etruscas
propiamente dichas es, a menudo, todavía muy difícil para la crítica moderna. Las influencias fenicias,
romanas, egipcias y orientales, junto con la pérdida de gran parte de su producción escultórica más
relevante, hacen el problema aún más complicado.1 11 Sin embargo, el examen de la escultura etrusca, en
comparación con sus vecinos, especialmente los griegos, puede dar lugar a estimaciones de valor y de
significado tendencioso que impiden apreciarla por sus valores intrínsecos y típicos, ya que
históricamente la escultura griega, especialmente del periodo clásico, fue muchas veces considerada como
el modelo ideal de la escultura de Occidente; opinión que aún resuena en los estudios y la visión popular.
La realización de varias excavaciones arqueológicas en los últimos años en lugares encontrados intactos y
la restauración de obras capitales que habían sido desfiguradas por las intervenciones en el siglo XIX, han
aportado una gran información auténtica adicional para una mayor comprensión de los rincones oscuros
de este tema.2 11

Escultura privada
Uno de los rasgos distintivos de la escultura etrusca es que sirvió,

principalmente, para la decoración privada y la religión.12 En su
periodo cenital, los etruscos desarrollaron una élite rica y cultivada,
amante del arte y del lujo, pero a diferencia de otros pueblos de la
antigüedad, parecen no haber tenido interés en registrar a través del
arte su propia historia, ensalzando las virtudes de los ciudadanos.
Aspecto del interior de la Tumba de Tampoco crearon grandes obras de culto para los dioses ni deseaban
los Relieves, Cerveteri. Helenista. adornar sus ciudades con grandes monumentos civiles para proclamar
la gloria de su civilización. Por lo tanto tampoco surge la figura de un
artista creador o escuelas estilísticas reconocidas por su genio
individual. Su arte es anónimo, colectivo, ecléctico y no competitivo. Sin embargo, se conoce el nombre de
un escultor etrusco —Vulca— que trabajó en Roma y allí se hizo famoso.13 Así pues, la escultura fue
esencialmente utilitaria, tanto la religiosa como la decorativa o privada. Su profunda creencia en la vida
después de la muerte les hizo desarrollar un complejo sistema de prácticas funerarias, cuyo objetivo era
principalmente proporcionar comodidad a los muertos en su morada sepulcral y agradar a los dioses,
llenándola de objetos que estaban destinados a facilitar su otra vida. A partir del periodo arcaico el diseño
de las tumbas se realizó como si fueran verdaderas casas para los muertos; una costumbre que continuó
hasta su inmersión en la cultura romana. Sus características variaban en función de la época, de la región
y de la clase social del fallecido y en determinadas fases, las tumbas de los personajes más importantes
llegaron a ser extraordinariamente ricas.2 14
Escultura religiosa
La religión también determinó la preferencia por ciertos tipos de

escultura presentes en las tumbas, como exvotos y estatuillas de los
dioses, más allá de las figuras esculpidas de los muertos en urnas
funerarias y sarcófagos. La estatuaria vinculada a los contextos
fúnebres es, en gran medida, la producción más abundante
etrusca.2 15
Otras tipologías son también importantes como la pareja
abrazada y varias estatuillas, amuletos y relieves que muestran
imágenes de fuerte carácter sexual, usadas en una amplia variedad de
prácticas rituales de conjuros. También aparecían con frecuencia
escenas de sacrificio humano, a menudo con impactantes detalles
realistas siendo especialmente común el episodio del sacrificio de
Ifigenia. Las imágenes posiblemente no reflejaban sacrificios reales,
sino que los sustituían simbólicamente. Otro tema recurrente es la
figuración de los diversos mitos locales y griegos, centrándose sobre
todo en escenas de batallas violentas. Pero mientras que los griegos
crearon muchas imágenes de dioses y divinizaban incluso virtudes
Urna cineraria, terracota, Chiusi. abstractas, los etruscos los abordaron de forma mucho menos
Arcaica. concreta, con varias imágenes de las que no se sabe siquiera si fueron
alguna divinidad local.14 16

Escultura decorativa
En cuanto a la desnudez de la escultura, los etruscos tenían opiniones muy diferentes de los griegos.
Mientras que estos la favorecían ampliamente, aquellos la evitaban, siendo escasas las veces en las que se
mostraban desnudos, pero innovaron el tipo de la madre amamantando con el pecho expuesto, sin
precedente en el arte griego, tipología que con el advenimiento del cristianismo sería un antecesor directo
de una variación del tipo fértil de la Virgen, la Virgo lactans.17 Con respecto a sus cánones estilísticos,
según Cunningham y Reich no estaban los etruscos, como los griegos, preocupados con reflexiones
profundas sobre las asociaciones entre el arte y la ética o la comprensión de cómo funciona el cuerpo en
una representación artística y su atención se dirigió más a los efectos inmediatos de las figuras.18 Prueba
de ello es la existencia de innumerables figuras distorsionadas, esquemáticas o desproporcionadas, a
menudo con un acabado rudimentario, acercándose al carácter de la caricatura, resaltando los rasgos
individuales sin ningún tipo de idealismo. Para los grupos decorativos de las fachadas de los templos y en
algunos edificios privados, su composición no era un complemento lógico de la forma del edificio, sino
una adición libre decorativa, independientemente de la coherencia arquitectónica. Estos grupos son el
género más típico y original de la escultura etrusca monumental.2
Periodos
Villanova
El periodo de cultura de Villanova, a veces llamado geométrico, fue el preludio de la formación de la

civilización etrusca. Su nombre es el mismo que el de un importante yacimiento arqueológico, el de
Villanova, descubierto en el año 1853 por Giovanni Gozzadini, cerca de Bolonia, caracterizado por el rito
funerario de la inhumación y por el vaso cinerario bicónico.19 El periodo se caracterizó por la expansión y
refinamiento de la metalurgia y por un arte que empleaba a menudo motivos geométricos simples
dispuestos en patrones complejos, heredados de culturas anteriores —locales y griegas—, y que
permanecerían en el arte etrusco hasta tiempos históricos. La tradición local anterior —llamada cultura
«protovilanoviana»— parece haber influido en la costumbre de añadir pequeños elementos escultóricos
en los vasos y urnas funerarias, mientras que el elemento griego se manifiesta en

la creación de diminutas figuras de animales en bronce, que básicamente imitan
los diseños encontrados en los vasos.20 Vulci fue probablemente el primer
centro en tener una tradición artística típicamente etrusca, que se manifiesta en
formas de vasijas y calderos con pequeños grupos de figurillas de hombres y
animales en sus tapaderas. Fueron estas las primeras representaciones humanas
en el arte italiano sólo atribuidas con cierta seguridad a personajes mitológicos a
partir del final del periodo.2 4
La producción artística vilanoviana parece haber sido abundante, pero hay

pocos restos escultóricos. Los objetos recuperados por los arqueólogos se han
encontrado en contextos funerarios dentro de las tumbas donde fueron
depositadas las urnas que contenían objetos variados.2 Son de pequeñas Jarrón con figurillas de
dimensiones y en su mayoría son objetos utilitarios de bronce, como arneses bronce, Vulci o Bisenzio.
para los caballos, cascos, puntas de flechas y lanzas, cántaros, pulseras, collares,
así como calderos y sartenes y otros utensilios de utilidad desconocida, junto
con recipientes de cerámica de todo tipo: vasijas, jarras y platos.21 Muchos de
estos objetos son claramente de origen oriental, lo que indica la existencia de un
activo comercio con regiones distantes.22 Los príncipes etruscos imitaban a los
soberanos neo asirios y con la compra de bienes de lujo asentaban su poder ante
su comunidad.23 La gran demanda que se produjo, hizo que fuera necesaria la
creación de talleres locales en los que se desarrollaban las iconografías del Estatuillas de bronce,
mundo griego oriental, se producían figurillas antropomorfas, muy estilizadas y Villanova/Orientalizante.
esquemáticas pero de gran vivacidad.24
Orientalizante
El número de piezas de tipología oriental encontradas en las tumbas de finales del siglo VIII a. C. es tan
grande que todo el período fue llamado Orientalizante. Es entonces cuando el comercio con los griegos y
los fenicios se intensificó, convirtiéndose en sus principales socios comerciales. Este aumento de la
circulación de mercancías procedente de una gran variedad de lugares se debió a la necesidad de
satisfacer los deseos de una élite que se había organizado, enriquecido y ennoblecido.25 Las principales
ciudades de la época, Vulci, Tarquinia, Cerveteri y Veyes, se convirtieron en los principales centros
comerciales, y el mayor número de restos de esculturas se han encontrado, de nuevo, en tumbas
subterráneas. Durante este periodo, las tumbas se hicieron más grandes y más complejas, con varias
cámaras, pasillos y una gran cubierta abovedada en la parte superior, formada con anillos concéntricos de
bloques que avanzaban gradualmente, a veces con una pilastra central que contribuía a sostener la
cubierta.26 Los entierros eran a menudo de lujo, incluyendo una profusión de objetos tanto decorativos
como sagrados, los príncipes guerreros, invertían en comprar bienes suntuarios a semejanza de las
pompas y tipologías orientales.27
Los motivos decorativos como las hojas de palmera, el loto y el león se volvieron frecuentes y son buenos
ejemplos las pulseras y colgantes con figuras de leones de marfil encontrados en Tívoli, una placa de plata
en relieve que representa la «Señora de las fieras», de origen incierto, y los escudos de bronce de gran
tamaño que se utilizaban para colgar en las tumbas, especialmente las de Cerveteri, decorados con
relieves en un estilo que recuerda a los patrones geométricos de la cultura de Villanova, pero que incluyen
otros elementos orientales. En la cerámica, la novedad era la imitación de las formas hasta ahora
reservadas al bronce, dándoles una nueva audacia en el modelado de las figuras de bulto completo y en
accesorios escultóricos como los vasos. De particular interés son los pequeños vasos aríbalos con forma de
animales usados para almacenar perfumes, junto con otros vasos de adornos complejos —los bucchero—,
que también puede ser catalogados como esculturas, y las urnas canópicas con tapas cubiertas con figuras
antropomórficas que podían tener grandes dimensiones y estar entronizadas. Se hace notar en esta fase,
el desarrollo del arte de la joyería, ricamente ornamentada, de la que existen ejemplos comparables a
esculturas en miniatura.1 4 22

Los mitos griegos ya aparecían con frecuencia en las representaciones orientalistas pero es posible que
hubieran sido interpretados de acuerdo con las tradiciones religiosas locales. Fue durante este periodo
que surgieron las primeras estatuas de culto etruscas, una tipología religiosa diferente de las estatuillas
votivas que ya se veían en la fase anterior. Algunas son identificables fácilmente a partir de sus modelos
griegos, pero otras son adaptaciones locales, que requieren de la interpretación de los estudiosos para ser
identificadas. Como ejemplo de ello son las estatuas de un dios lanzando un rayo, que podría tratarse de
Zeus, pero joven y sin barba, complicado aún más por el conocimiento de al menos 9 dioses etruscos con
el atributo del rayo, según relata Plinio el Viejo.24 28
Al final del periodo, su producción artística ya había
logrado formular una estética que superaba de forma consciente la mera imitación de los modelos
extranjeros y su habilidad con los metales preciosos y bronce, llegó a ser conocida más allá de sus
fronteras.4
Aríbalo en forma de Vaso tipo Caldero con cabezas

conejo, terracota. bucchero, de león, bronce.
de
terracota.
Arcaico
La importación del estilo arcaico de Grecia fue natural, teniendo en cuenta la continuidad de los fuertes
vínculos comerciales y culturales que unían ambos pueblos y favorecido por el hecho de que hacia el 548-
547 a. C. los persas conquistaron Jonia, provocando la huida de muchos griegos hacia Italia. Muchos de
ellos eran artistas que aportaron una nueva estética en la construcción de la figura humana con líneas
estilizadas o de grandes dimensiones, más naturalistas. Los tipos de producción arcaica griega se
desarrollaban siguiendo las normas esencialmente idealistas y fijaban modelos definidos que ilustraban
plásticamente los conceptos éticos y morales, no encontrando una imitación exacta entre los etruscos, ya
que ellos realizaban la forma del cuerpo humano con un perfil mucho más descriptivo y, de hecho,
haciendo imágenes casi como retratos, cuando entre los griegos toda la idiosincrasia personal había sido
abolida de las imágenes. Otra diferencia es que la figura masculina, aunque era muy similar a la del
kouros griego solía vestirse y los patrones de sus vestiduras tenían relación con la ropa de las femeninas
kore. Además, tenían un gusto especial para el ornamento, introdujeron muchos detalles decorativos
nuevos y usaban un mayor número de personajes en las escenas de grupos que sus modelos griegos.
También hubo diferencias en el material empleado, que, por lo general, fue la terracota, prefiriendo la
coroplastia que es donde realizaron sus obras más perfectas. Emplearon también la piedra aunque nunca
con la originalidad y la frescura que conseguían con la arcilla e ignoraron el mármol.29 Uno de los
ejemplos más conocidos de estatua exenta o aislada de esta fase es la escultura de culto del Apolo de
Veyes, actualmente en el Museo Nacional Etrusco de Villa Julia.1
Durante este periodo se hicieron importantes cambios en la

escultura también debidos a cambios en el ámbito de la
arquitectura y la religión. La fusión de las mitologías etrusca y
griega propició un acercamiento en las formas de culto. La forma
del templo etrusco, que antes poco se diferenciaba de una casa
común, se modificó y se amplió, volviéndose similar al templo
griego. Una vez más, la asimilación no fue literal, usando
materiales alternativos para su construcción, mostrando
diferentes divisiones en los espacios del edificio, en su
Antefija de terracota policromada distribución y diseño de columnas y con el uso de muchos detalles
(Metropolitan Museum of Art). decorativos en terracota policromada, como frisos, acroteras,
antefijas y placas con escenas narrativas o con motivos
ornamentales diversos. La decoración de los templos principales
—más pequeños que los griegos pero más decorados— se coronaba con un gran grupo escultórico en alto
relieve en el frontón, también en terracota, tipología que se consolidó a mediados del siglo VI a. C. como
uno de los más típicos y originales géneros de escultura monumental etrusca. Grandes ejemplos de esta
nueva tendencia son el grupo del templo A en Pirgi y otro en Veyes.30 Cambios similares se produjeron
en la construcción de las tumbas, haciéndolas más complejas y mayores, con varias habitaciones
decoradas de acuerdo con sus funciones como si fueran casas y decoradas con elementos escultóricos,
como pedestales, columnas y capiteles, y relieves de diversos tipos.1 2
A partir de esta época es frecuente la representación de la escena del «banquete», en la que, a diferencia
de la tradición griega, participaban las mujeres representadas tumbadas al lado de sus maridos. Así se
muestran en los ajuares fúnebres y en algunas urnas de Chiusi tanto en la pintura de sus muros como en
los relieves de las urnas.31 Se inició así el desarrollo de un nuevo tipo de urna de enterramiento, con las
dimensiones de un sarcófago para los cuerpos que no eran incinerados, sino enterrados. Consistía en una
caja decorada con relieves en los laterales y cubierta con una tapa en la que se representa a los muertos en
una posición reclinada, como si estuvieran en un banquete.32 Algunas veces representaban parejas, como
el célebre Sarcófago de los esposos del Museo Nacional Etrusco. Las figuras de los fallecidos, sin
embargo, no eran retratos, sino tipos genéricos. Es posible que este género estuviera inspirado en la
tradición cartaginesa de enterramiento, fusionada con el modelo egipcio con tapa en forma de momia y la
oriental en forma de caja. El modelo de sarcófago etrusco se utilizaría mucho más tarde en Roma,
extendiéndose sobre una gran área del Mediterráneo.1 2
Grupo con escena El Apolo de Sarcófago de los Escena de banquete,

mitológica, Veyes, esposos, terracota, piedra calcárea,
terracota, Pyrgi. terracota, Caere. Chiusi.
Veyes.
Escena Detalle de Estatua Trípode,

mitológica, plata Carro votiva, bronce,
repujada, Castillo etrusco de bronce, Vulci.
de San Marino. Monteleon Chiusi.
e, Brufa.
Clásico
El estilo arcaico siguió siendo predominante en la antigua Etruria, mientras que en Grecia, el canon
clásico prevalece en los siglos V al IV a. C. De hecho, fue prácticamente ignorado entre los etruscos.
Pallottino justifica esta diferencia diciendo que la cultura clásica griega se encontraba en ese momento,
por diversas razones, más centrada en Atenas y en el Peloponeso y de alguna manera había bloqueado la
influencia de su radiación a las regiones vecinas.14 Por su parte, Nancy Grummond describe la fase como
«neutra» que dio lugar a sólo unas pocas obras importantes, el Marte de Todi, que está cerca del canon de
Policleto, la famosa Quimera de Arezzo, que tiene una influencia clásica pero conservando aún vestigios
arcaicos, el Busto de Bruto (a veces considerada obra romana) y decoraciones arquitectónicas en Orvieto y
Falerii. Aunque raros, estos ejemplos muestran una gran maestría en la construcción de la forma y la
técnica de la fundición y se consideran obras maestras. Después de la caída de Veyes en el 396 a. C. bajo
los romanos, los centros de producción más activos pasaron a estar en Chiusi, Falerii y Bolsena, sede de
uno de los santuarios más importantes etruscos.2 24
La escultura clásica griega siguió mostrando gran preocupación idealista como en la fase arcaica, pero
ahora con una notable capacidad para imitar la anatomía de cuerpos reales mostrando una combinación
entre lo ideal y lo natural en las figuras humanas, dotándolas de un carácter intemporal, arquetípico y
exaltado, incluso cuando se trataba de dioses. También los etruscos reafirmaron su originalidad,
prefiriendo un nivel más cercano a lo natural y ornamental. Su desviación del canon extranjero no puede
ser explicado por una supuesta incomprensión del modelo, ya que la élite etrusca estaba lejos de ser
ignorante y los artistas habían demostrado la alta capacidad técnica, sino porque tenían objetivos
diferentes en el arte. Comprender estas diferencias es particularmente relevante para el estudio del
periodo clásico etrusco, debido a la gran cantidad de figuras mitológicas que han sobrevivido.2 24
33

En el caso de los sarcófagos, hay una preocupación ligeramente mayor para describir con más
aproximación la fisonomía de los muertos, aunque difícilmente se pueden considerar verdaderos retratos.
Las figuras se presentan con más variedad de formas, apareciendo incluso como personas durmientes.1
Proliferan paralelamente las estatuillas votivas de dioses y exvotos en forma de cabeza, que se han
conservado en gran número, pero que aún no han sido suficientemente estudiados.2
Busto de La Quimera de Caballos alados Estatuilla

Brutus, Arezzo, bronce. de Tarquinia, de Apolo,
bronce. terracota. bronce.
Helenístico
La fase helenística es una de las más difíciles de describir. En ese momento el imperio etrusco estaba en
declive, amenazado por sus vecinos, especialmente los romanos, que iban conquistando una a una sus
ciudades. En el choque de las dos culturas se inició un proceso de fusión. Cambiaban sus estructuras
sociales, poniendo énfasis en el gobierno militar y la formación de una nueva aristocracia con la
asimilación de los plebeyos enriquecidos. La religión y las costumbres funerarias son cada vez más
sencillas, ya que no se realizaban tumbas decoradas con el lujo de las anteriores fases, ni con tantos
objetos o accesorios, lo que sugiere que los intereses de la sociedad se estaban volcando más en la vida
presente que en la de ultratumba, tanto más porque empezaban a predominar visiones pesimistas con
respecto al futuro de su pueblo.24 En cambio se reanudó el contacto con Grecia, que ya trabajaba bajo el
eclecticismo helenístico.14
Los sarcófagos y urnas aún continuaban siendo piezas muy decoradas, pero las esculturas de los muertos
se convierten más esquemáticas y genéricas. Aunque el repertorio formal sigue siendo variado, alrededor
del siglo II a. C. los modelos ya estaban establecidos y la demanda era tal que condujo a su fabricación en
serie, a partir de un mismo molde —en terracota— o de un mismo modelo —en piedra—, con un fuerte
descenso en las piezas individualizadas. Lo mismo sucedió con las piezas de cabezas y estatuillas votivas,
su calidad también tendió a decaer, posiblemente causada por la producción intensiva de los moldes de
segunda o tercera generación y la renuncia al trabajo manual después del modelado. Las urnas fueron
producidas principalmente en Chiusi, Volterra y Perugia, mientras que los sarcófagos provenían de
Viterbo y Tarquinia. Las tumbas más importantes en este periodo se encuentran en la región de
Tarquinia, Toscana, Perugia y Sorano.34 35
Los grupos arquitectónicos tienden a estar más poblados de figuras, dispuestos en secciones que
alternaban gran movimiento y violencia con otras de un ambiente más pacífico y utilizando recursos
eclécticos de varias fuentes, incluso del arcaico. Ejemplos importantes de esta fase son los grupos del
frontón de Talamone de Luni o El orador, una estatua en bronce exenta.36 En el siglo I a. C. la calidad de
las obras en general se volvió muy pobre y toda la producción original etrusca ya había sucumbido a la
influencia romana, llegando a su fin.35 Los etruscos obtuvieron la ciudadanía romana a principios del
siglo I y su territorio se denominó Regio VII Etruria, una de las once comprendidas en la reforma
augusta.37
Cabeza Menelau y Meriones Sarcófago de Larthia Cabeza de Minerva entre

femenina, levantan el cuerpo de Seianthi, terracota con divinidad, Hércules y
terracota, Patroclo, como manda restos de policromía, bronce. Lolaus, en un
Vulci Ulises, alabastro, Chiusi. espejo, bronce
Volterra. con
incrustaciones
de oro y plata.
Tapa de una urna

Cubierta de sepulcro de Antefija en funeraria, terracota,
terracota policromada. forma de Volterra.
cabeza de
Attis,
terracota,
Fiesole.
Materiales y técnicas
Terracota
La inmensa mayoría de los restos escultóricos, tanto de grandes dimensiones —estatuaria arquitectónica y
sarcófagos— como de piezas más pequeñas, fue realizada en terracota, cuya facilidad de manejo servía
perfectamente a los propósitos de los escultores y patrocinadores y a la gran demanda de obras fúnebres y
decorativas. Además, esto permitió la creación de piezas en serie a través de moldes, una técnica
aprendida de los griegos. Se modelaba a mano un prototipo de arcilla, del que se hacían varios modelos, y
con estos se podía replicar el prototipo numerosas veces hasta que el molde se desgastaba y se volvía a
reemplazar. Se retiraba la pieza del molde, mientras estaba todavía húmeda de forma que aún podían
añadirse detalles o rectificar imperfecciones de la fabricación, dando a cada pieza un carácter único. A su
vez, las piezas moldeadas podían también servir como nuevo prototipo para una segunda generación de
moldes y copias. Por una parte esto posibilitaba la producción masiva de piezas semejantes a bajo costo
para satisfacer la creciente demanda pero a medida que los moldes se desgastaban su calidad descendía,
lo que resultó fatal para el arte etrusco, especialmente en su fase final, cuando el acabado se había
reducido mucho, sin añadidos o correcciones después del moldeo. Sin embargo, la calidad del acabado
final de las obras era muy variado existiendo casos de estatuaria importante con un acabado
sorprendentemente rústico, incluso en etapas anteriores a la producción en serie como el gran edificio de
Murlo, cuya cornisa fue decorada con al menos trece acroteras de tamaño natural, así como con planchas
de terracota con representaciones de diversas escenas, pero con una técnica muy rudimentaria.38 Otros
ejemplos, sin embargo, son de gran refinamiento, entre las que se encuentra el frontón del templo de
Portonaccio en Veyes, con una escena mitológica, y otro conjunto de excepción es el Frontón de
Talamone. Más general, sin embargo, fue el uso de placas simples y frisos con varias escenas y detalles de
menor importancia como las antefijas, acroteras y medallones con motivos humanos, animales, plantas y
abstractos.2 35

Frontón de Talamone, terracota, Luni

.
Otros materiales
La piedra nunca fue muy utilizada en la escultura etrusca. Existen pocos ejemplos de esculturas de piedra
caliza suave, alabastro o toba; el mármol es aún más raro. Sus dimensiones son modestas y su técnica
bastante primitiva. Los detalles eran a menudo toscamente trabajados, pero las imperfecciones se
ocultaban con la práctica de la pintura sobre la superficie. En un taller de Chiusi se esculpieron plañideras
y esfinges en piedra local, mientras que en Vulci se realizaban esculturas de seres fantásticos derivados de
la mitología griega.39 Sólo en el periodo helenístico se encuentran más ejemplos de escultura en piedra,
especialmente para los sarcófagos, pero la técnica no parece haber evolucionado de manera
significativa.40
El marfil, la madera y el bronce también fueron materiales excepcionales para las grandes estatuas,
aunque puede ser que muchas piezas importantes se pueden haber perdido. Para elaborar piezas
pequeñas, el bronce fue un material privilegiado con el que alcanzaron un alto grado de conocimientos
técnicos y de complejidad formal. Dominaban varias técnicas, como la cera perdida, el grabado o el
laminado. Fueron capaces de agregar al bronce otros metales como el oro, el cobre o las incrustaciones de
plata y su producción tenía un gran mercado entre varios de sus pueblos vecinos, especialmente los
romanos, siendo ésta una técnica elogiada por Horacio.2 14
41
Entre las piezas realizadas en ámbar del
siglo V aC se encuentra la fíbula del Grupo de ámbar con dos figuras que se conserva en el Museo
Metropolitano de Arte de Nueva York.42
La herencia escultórica
La principal herencia escultórica por parte de los etruscos se desarrolló en Roma, donde las esculturas
romanas datadas del siglo VI a. C. son claramente de estilo etrusco; una influencia que se prolongó hasta
el periodo helenista y posiblemente más allá, incluso hay signos de ello hasta la época de Augusto.43
Siglos XV - XVI
La tradición etrusca cayó en el olvido hasta el siglo XV cuando empezó a ser rescatada a partir de los
trabajos del monje Annio da Viterbo, cabalista y orientalista, que publicó un libro donde especulaba sobre
un posible origen común de los idiomas hebreo y etrusco, después de haber realizado diversas
excavaciones en tumbas, descubierto sarcófagos y tratado de descifrar su lenguaje.44 Esta atención fue
creciendo hasta que en 1553 se descubrió en Arezzo la famosa Quimera, luego trasladada a Florencia
donde causó gran sensación entre los artistas y estudiosos. Fue expuesta en el Palazzo Vecchio como una
maravilla de la antigüedad. Junto con otras estatuas encontradas con ella, pasaron a la colección privada
de Cosimo I de Medici. En un momento en que Roma había suplantado a Florencia en prestigio cultural y
político, el descubrimiento se revistió de un carácter nacionalista, convirtiéndose en un símbolo de linaje
de prestigio y de identidad específica de la Toscana.45
Hígado de Piacenza
Siglos XVII - XVIII
En el siglo XVII el erudito escocés Sir

Thomas Dempster contribuyó
significativamente al conocimiento de los
etruscos con la obra de siete volúmenes
titulada De Etruria Regali, una
recopilación de fuentes antiguas
El llamado Hígado de Piacenza, es una reproducción en bronce de
acompañada de noventa y tres grabados un hígado de animal, con inscripciones en etrusco, del nombre, de
que mostraban sus monumentos. Su las divinidades conectadas a cada parte del órgano. Como se sabe,
trabajo, sin embargo, permaneció inédito los antiguos interpretaban la presunta voluntad de los dioses
hasta 1723, cuando Filippo Buonarroti lo mediante el examen de las vísceras de animales sacrificados. Por
publicó junto con los comentarios de su esto representa un pequeño «manual de instrucciones» para un
propio trabajo, esta obra está considerada arúspice. El objeto fue encontrado en 1877 y se mantiene en el
como un hito en la historia etrusca museo Cívico de Piacenza. Se pueden observar cuarenta palabras.
moderna. Tres años más tarde fue creada la
Accademia Etrusca en Cortona, que en
poco tiempo fue sumando diversos estudios especializados. En 1743 Antonio Gori sacó a la luz su Museum
Etruscum, con cientos de ilustraciones, y en 1761 Giambattista Piranesi publicó un volumen sobre
arquitectura e ingeniería romana, donde avanzó varias teorías acerca de la participación etrusca en el arte
romano que después se confirmaron.46
Estos trabajos pioneros, naturalmente, contenían muchos errores, inexactitudes y falsas atribuciones,
pero contribuyeron para una primera delimitación más científica del campo de estudio y también para la
gestación del neoclasicismo, cuyo intenso interés desencadenó una fiebre coleccionista entre las élites
políticas e intelectuales europeas. Con Winckelmann, uno de los teóricos neoclásicos más influyentes, los
estudios llegaron a un nivel más elevado, escribiendo extensamente sobre el arte etrusco, incluyendo la
escultura, distinguiendo claramente entre su estilo y el griego, reconoció también sus variaciones
internas, elogió la destreza de sus artistas y lo consideró «una noble tradición».28 46
En el siglo XIX
Hegel, aunque más preocupado por los aspectos idealistas del arte antiguo, no dejó de apreciar el arte
etrusco, reconociendo que demostraba un interesante equilibrio entre el idealismo y el naturalismo,
representando muy bien el espíritu práctico de los romanos.47 Las piezas de escultura etrusca fueron una
revelación para el romántico Ruskin, ayudándole a comprender la historia del arte occidental.48
Friedrich Nietzsche, sin embargo, los despreciaba.33 Frobenius estableció analogías impregnadas de un
romanticismo fantástico entre el arte etrusco de su escultura y los pueblos precolombinos, en boga en
aquella época, vinculadas a las teorías sobre la Atlántida.49
Siglo XIX
Incluso en el siglo XIX la escultura etrusca ganó un importante

foro de debate cuando se creó en 1829 el Istituto di
Correspondenza Archaeologica para promover la cooperación
internacional del estudio de la arqueología italiana, publicando
muchos artículos y realizando excavaciones en varias necrópolis.
Sin embargo, la creciente disponibilidad de hallazgos
significativos ocasionó la destrucción de numerosos yacimientos
arqueológicos por los cazadores de restos, desastres denunciados
por el cónsul británico en Italia, George Dennis en su libro The
Cities and Cemeteries of Etruria, de 1848, que se convirtió
inmediatamente en un best seller y cuya tercera edición (1883)
sigue siendo una buena introducción al tema. Otra importante
publicación fue Antica Etruria Marittima (1846-51) de Luigi
Canina, con la introducción de una metodología topográfica
revolucionaria. Pero quizás más importante fue la contribución de
Alois Riegl, que aunque no se centró especialmente en el arte
etrusco, estableció definitivamente la validez de las expresiones
artísticas «neoclásicas», en un momento en que el legado griego Esfinge en Chiusi.
se consideraba un modelo. Mientras tanto, algunos sectores que
participaban en el proceso de unificación italiana pasaron a tomar
a los etruscos como la fuente más legítima del origen del pueblo italiano tiñendo el debate cultural con el
color político y patriótico tendencioso.14 33
46

Siglo XX
A principios del siglo XX la escultura etrusca pudo haber influido en los grabados clásicos de Picasso. A la
vez, Christian Zervos, mientras catalogaba las obras del artista, encargó un estudio sobre el arte etrusco al
arqueólogo Hans Muhlestein, que se publicó en el artículo Histoireet esprit et contemporain, donde
recomendaba a los artistas modernos el estudio del arte antiguo como antídoto para la idea, entonces
prevalente, de que el mundo estaba regido por una fuerza puramente mecánica.50
Otro escultor importante, Marino Marini, declaró que su descubrimiento del arte etrusco fue «un
acontecimiento extraordinario» y su entusiasmo fue apenas una parte de una onda revival de gran
importancia para la evolución del arte moderno italiano durante el fascismo, fortaleciendo al mismo
tiempo el mito fascista de la supremacía del pueblo italiano y de las tradiciones latinas. Varios
intelectuales italianos de ese momento reafirmaban las cualidades del estilo etrusco y elogiaban a los
artistas por haberlo revalorizando antes que los arqueólogos.51 En muchos sentidos, la cultura etrusca
fue objeto de una fascinación renovada en la Europa de principios del siglo XX, incluyendo entre sus
admiradores a Aldous Huxley y D. H. Lawrence.52 53 Esta reputación, paralelamente favoreció la
aparición de un número creciente de obras falsas en el mercado. Los casos que más repercutieron fueron
las obras creadas por la familia de Pío Riccardi y Alceo Dossena, tan bien realizadas que fueron adquiridas
por importantes museos y permanecieron expuestas al público como auténticas durante varios años hasta
ser descubierto el fraude.54
Varias instituciones de Europa y Estados Unidos han dedicado en las últimas décadas, importantes
fondos para proyectos de investigación teórica, excavaciones y formación de colecciones de objetos y arte
etrusco, contribuyendo a una mejor comprensión de un tema que está en gran parte oculto por incógnitas.
Son especialmente importantes las colecciones de los de los museos Nacional Etrusco en Villa Julia, del
Louvre, Arqueológico Nacional de Florencia y Metropolitano de Nueva York. Muchas de las colecciones
más importantes se han establecido entre el siglo XIX y principios del XX, cuando muchos sitios fueron
excavados por aventureros sin criterio para abastecer el mercado negro de antigüedades y, aun cuando lo
fueron por expertos, los procedimientos arqueológicos no se habían normalizado y se estaban empezando
a adecuar a las metodologías de la ciencia moderna. Esto ha conllevado a la pérdida irrecuperable de
información acerca de estratigrafía, origen, antecedentes y otras cuestiones vitales para el estudio
contemporáneo. Un estudio que desde el principio ha sido dificultado por la falta de documentos etruscos
escritos, lo que impide saber lo que pensaban, acerca de su arte en sus propias palabras.33 46
55
56

Los etruscos han sido recientemente fuente de inspiración para muchos escritores de la literatura de
ficción o pseudo-histórica, aprovechando el aura de misterio que aún se cierne sobre ellos en la cultura
popular y, por otra parte, se han escrito narrativas que se venden bien y que atraen la atención de una
gran audiencia sobre la cultura etrusca, aunque, en palabras de Ross, «perpetúan los estereotipos y un
hacen flaco favor al verdadero conocimiento». Otros autores sugieren que el legado etrusco en el centro
de Italia está vivo en las supersticiones populares y símbolos religiosos, en las prácticas agrícolas, en
ciertas formas de celebración pública y en los proyectos decorativos de los edificios e interior de las casas,
sobre todo en técnicas de tallas en relieve.52 55
Véase también
Etruscos
Sociedad etrusca
Arte etrusco
Arquitectura etrusca
Pintura etrusca
Idioma etrusco
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Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Escultura etrusca.
Etruscos. Dioses y Hombres. Texto sobre la religión etrusca. cervantesvirtual. (http://descargas.cerva
ntesvirtual.com/servlet/SirveObras/09255074379869662977857/021865.pdf?incr=1)
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28/12/21 15:48 Escultura etrusca - Wikipedia, la enciclopedia libre

Periodo Vilanoviano o geométrico: IX-VIII a. C.

Uno de los rasgos distintivos de la escultura etrusca es que sirvió,

La religión también determinó la preferencia por ciertos tipos de

El periodo de cultura de Villanova, a veces llamado geométrico, fue el preludio de la formación de la

en los vasos y urnas funerarias, mientras que el elemento griego se manifiesta en

La producción artística vilanoviana parece haber sido abundante, pero hay

Aríbalo en forma de Vaso tipo Caldero con cabezas

Durante este periodo se hicieron importantes cambios en la

Grupo con escena El Apolo de Sarcófago de los Escena de banquete,

Escena Detalle de Estatua Trípode,

Busto de La Quimera de Caballos alados Estatuilla

Cabeza Menelau y Meriones Sarcófago de Larthia Cabeza de Minerva entre

Tapa de una urna

Frontón de Talamone, terracota, Luni

En el siglo XVII el erudito escocés Sir

Incluso en el siglo XIX la escultura etrusca ganó un importante

Britannica Online. Consultado: 07-10-2009 (en 0art%22&f=false). In Koloski-Ostrow, Ann Olga

Soncini, Sara. Myths of Europe. Volume 107 de &as_maxy_is=2009&as_brr=3&hl=pt-BR#v=one

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