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TEORÍA DEL ARTE Y METODOLOGÍAS

1º Teoría del Arte y metodologías

Grado en Historia del Arte

Facultad de Filosofía y Letras

Universidad de Zaragoza

Reservados todos los derechos. No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su
totalidad.
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TEORÍA DEL ARTE Y
METODOLOGÍAS

FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS

GRADO EN HISTORIA DEL ARTE

NATALIA GARCÍA ROYO

CURSO 1º 1er CUATRIMESTRE
Año académico 2019/2020

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TEMA 1: LA HISTORIA DEL ARTE COMO DISCIPLINA

La Historia del Arte nace en el S.XVIII (Siglo de las Luces). Siglo caracterizado por el
movimiento filosófico de la Ilustración. La Ilustración en su estudio por el conocimiento
humano se centra en la creación artística, que es una forma de creación intelectual.
Lessing escribe la obra Laocoonte (1766). Este autor es uno de los intelectuales de la
época que se interesa por el arte. Defiende que el arte debe ser autónomo y considera que
la finalidad del arte debe de ser la consecución de la belleza. Hasta ese momento, el arte no
había sido autónomo pues anteriormente este estaba atado a la representación religiosa. Por
tanto, Lessing dice que el arte debe independizarse de la religión y además aspirar como
único objetivo a la consecución de la belleza.
Es la primera vez que se plantea la idea que el arte debe separarse de cualquier tema

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cotidiano. Esto es así porque anteriormente la vida de una persona estaba ligada
profundamente a rituales que se desarrollaban a lo largo de toda su vida. Estos rituales tenían
una carga estética pero esta no era lo primordial, sino la dimensión propagandística, como en
el caso de un retablo, que pretende transmitir un mensaje religioso además de así mostrar el
poder de un lugar.
El artista estaba dentro de una tradición establecida en el gremio, por lo que no tenía
plena libertad pues la parte creativa estaba muy limitada.
La reivindicación de la autonomía del arte de Lessing muestra que realmente le
importaba el arte pues quería librarlo de las cadenas que lo ataban.
Por otra parte, encontramos la gran importancia que Lessing le da a la belleza.
Anteriormente no se daba importancia a la belleza, de hecho, se perseguía incluso lo
grotesco. Tanto en el pasado como en la actualidad, los artistas reivindican que la fealdad
también es expresiva.
Actualmente el artista está sujeto a una sociedad, lo que se ve reflejado en su obra.
El arte está unido a todas las formas de vida de una sociedad.
La Historia del Arte como disciplina solo puede surgir en este contexto del S.XVIII
pues es cuando se empieza a valorar el arte por sí mismo. Sin este cambio de mentalidad
todo lo posterior no habría sido posible. Lo importante no es la afirmación de la autonomía y
de la belleza pues esto es algo utópico, lo importante es que se produce el interés por la
producción artística. A partir de esto se explicará el desarrollo de una serie de disciplinas que
se van a ocupar de reflexionar, estudiar y analizar el hecho artístico de las obras de arte.

LAS DISCIPLINAS

Las tres disciplinas más importantes son; la estética (1750-1758), Alexander G. Baumgarten
escribe Estética, obra en la que por primera vez se reflexiona sobre el concepto de la belleza,
siendo este el comienzo de esta disciplina; la crítica del Arte, cuyo fundador es Denis Diderot
que escribe una serie de cartas a un amigo en las que le cuenta cómo ha asistido a un
certamen en el que se exponen obras (el famoso salón de París), el género epistolar era uno
de los más importantes, estas cartas aglutinadas conforman la obra Salones (1759-1781), por
tanto consideramos a Diderot el primer crítico y a su obra la primera crítica de Arte pues es la
primera vez que se explican por escrito obras de arte contemporáneas al autor; la Historia del
Arte, que aparece por primera vez con la obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764)
Winckelmann.

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Disciplina Historia del Arte

Winckelmann tiene un deseo consciente de hacer una Historia del Arte ya científica. Le da
forma a un método para estudiar las obras de arte de ese período (griegas). Este método,
aunque sujeto a revisiones, ha tenido su continuidad. Ha marcado para bien o para mal el
desarrollo de la Historia del Arte. En las obras anteriores a Winckelmann se hace mención a
obras de arte o a artistas pero sin tener intención de hablar solo de ellas.
En los antecedentes encontramos a Plinio, el viejo que escribió Historia Natural.

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Pequeña enciclopedia que trata cuestiones diversas entre las que encontramos algunas
obras, pero no pretende hacer Historia del Arte. También encontramos las crónicas,
inventarios, guías para peregrinos o hagiografías (vida de un santo). Estas producciones nos
han servido para conocer obras pero su fin no era difundir en el ámbito artístico. Por otro lado,
encontramos Vidas de Vasari donde nos cuenta la vida de varios artistas, esta ya si es una
obra que se aproxima más al estudio de la Historia del Arte aunque el objetivo es tratar a los
artistas como hombres ilustres de los lugares (por ejemplo Florencia).
En cuanto a las aportaciones encontramos; el deseo de abordar de forma científica la
historia del pasado; también que la obra de arte se convierte en protagonista o sujeto de la
historia del arte, lo importante no es el artista sino la obra en sí pues lo que el historiador del
arte debe estudiar es la obra de arte. Esto no quiere decir que debamos desentendernos del
artista, pero se estudia a este porque su vida explica también la obra. Vasari asienta las bases
de que lo importante es la obra de arte y no el artista. Se empieza a aplicar un esquema
biológico a las obras de arte pues a su vez se estaba aplicando este esquema en la historia
natural. Este esquema ha perdurado en la Historia del Arte pues clasificamos las obras por
estilos y, dentro del estilo, por períodos (método de Winckelmann). Por ejemplo, en el arte
griego clasificamos las obras en períodos arcaico (nacimiento), clásico (madurez) y
helenístico (desarrollo máximo), así se aplica el esquema biológico. Es una forma efectiva
pero no rigurosa, no es un patrón inamovible pues la aparición de un nuevo estilo o período
no significa que el anterior muera. Para Winckelmann el arte griego es el punto cumbre de
toda la historia del arte. Para él, hay unas razones objetivas que explican la excelencia del
arte griego (el clima, el medio, la organización política, la sociedad, el desarrollo del
pensamiento filosófico, el cuestionamiento del mito). Los griegos crearon una producción
artística en consonancia con esas razones. Esto lleva a que la obra de arte se puede explicar
por el contexto.
Por tanto, Winckelmann es el padre de la Historia del Arte, pues desarrolla por primera
vez el método en el que se pone el acento en la obra de arte, aplica el esquema biológico.
La generación posterior comienza a cuestionar a Winckelmann cuestionando la
excelencia del arte griego.
Después de Winckelmann, la Historia del Arte se convierte en una disciplina científica
al entrar estos estudios en la universidad (1813). En un principio entran en Alemania, Austria
y Suiza. Así aparece la primera generación de historiadores del arte (Burckhardt, Von
Schloser, Riegl y Wölffin). En España, hasta 1901 no entra alguna materia de estudios de
arte en las universidades.

Disciplina Crítica del Arte

El término crítica, proviene del griego “crino”, que significa juzgar. La crítica consiste en
expresar por escrito una opinión individual sobre obras de arte o acontecimientos artísticos
contemporáneos al crítico. Valoración por escrito (actualmente hay más medios pero nació
por escrito) de una obra de arte realizada por parte de un crítico, se hacía en publicaciones
periódicas. No solo obras, también movimientos artísticos.

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La crítica nace en el S.XVIII. Según I. Kant, el momento en el que una persona

comenzaba a pensar por sí mismo sin dejarse llevar por religiones, alcanzaba la madurez y
la “mayoría de edad”. Crítica de la razón práctica, Crítica del juicio. Sostiene que solamente
cuando el ser humano desarrolla una capacidad crítica llega a la madurez. Enjuiciar la
realidad.
Los cambios que se producen en el mercado artístico; por un lado el nacimiento del
Salón de París; por otro lado, el auge de la burguesía. Esto está muy ligado al Rey Luis XIV
(el Rey Sol) pues este fundará la Academia Real de Pintura y Escultura para controlar la
enseñanza del Arte en Francia con la finalidad de que haya una unidad en las formas artísticas
para así controlar el lenguaje artístico y que este difunda una imagen adecuada de su
monarquía.
Los jóvenes debían ingresar desde muy niños en un taller de un maestro reconocido
en el que asumiría tareas rutinarias como moler los colores para después ir desarrollando sus

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capacidades artísticas bajo la supervisión del maestro hasta que, en caso de tener el dinero
suficiente, podría examinarse para así convertirse en maestro. Estos talleres estaban
controlados por el rey (cada taller tenía sus secretos como en la forma de hacer los
pigmentos). Lo que Luis XIV quería controlar era la forma de formar los talleres, unificar las
técnicas, etc. y así controlar la formación.
El salón nace dentro de la academia, se hace una especie de exposición interna de
los maestros y los jóvenes alumnos para que estos tomaran ejemplo. Estos espacios
comienzan a quedarse pequeños por lo que los artistas le piden a Luis XIV una sala del
palacio del Louvre (salón carrée, 1699). Esto empieza como una actividad lúdica y educativa
y toma forma de espectáculo de carácter público. Se convierte en un salón bianual abierto al
público en 1737. En este momento la burguesía se afianza como una clase social que va a
controlar los medios de producción. Esta burguesía aspira a imitar los modos de vida de la
nobleza (esto sucede desde la Edad Media), quieren el mismo prestigio por lo que adoptan
los símbolos de la nobleza (vestimentas, viviendas de tipo palaciego…) y, una de las formas
de adoptar estos símbolos era consumir obras de Arte. Se convierten en un cliente muy
importante de los artistas. Sin embargo, la burguesía no tiene conocimientos de Arte pues no
se habían interesado por este anteriormente, por lo que necesitan un consejero que les
enseñe sobre este campo. Este consejero va a ser el crítico. El salón es un escaparate para
exhibir las obras que burguesía y nobleza comprarán posteriormente y, la figura del crítico
determinará el éxito o fracaso de estas obras.
El primero que recoge el ambiente del salón y de las obras expuestas en él y que por
tanto se considera el padre de la crítica es Denis Diderot. Estas críticas las recoge en una
serie de cartas que enviará a su amigo Friederich Melchior Grimm para comentarle lo que ha
visto en el salón como el ambiente de este y comenta las obras más prometedoras. Por tanto,
esta será considerada la primera crítica.
Al finalizar la exposición se entregaban unos premios al mejor artista. Conforme se
van desarrollando las artes y las normas o formas van acercándose a las vanguardias. Llega
un momento en el que tantos son los artistas que quieren exponer que se hace una prueba
inicial a la obra, un examen, donde hay una criba y los que no la pasen no serán expuestos.
Diderot no se dedicará oficialmente a la crítica del Arte, surgirán unos críticos
profesionales, los cuales vivirán de ello. Surge la necesidad para la burguesía del
asesoramiento, por lo que surgirán los críticos, siendo estos unos intermediarios entre artista
y comprador. Se desarrollarán unas publicaciones periódicas en las que el crítico escribe
sobre el salón. Publicarán una especie de crónica, no de gran extensión donde valorarán las
obras.

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Los críticos, para poder serlo, debían conocer las necesidades de la burguesía
(debían saber que la burguesía quería el Arte para promocionarse y saber sus gustos).
También, deben dominar los recursos lingüísticos pues la crítica se hacía por escrito, por ello,
los críticos en un inicio eran literatos, más cercanos al mundo de la literatura que al del Arte.
Por encima de todo debían saber escribir y moverse entre los artistas y los burgueses. Tener
conocimientos sobre Arte era, paradójicamente, secundario. Las primeras generaciones de
críticos son jóvenes de provincias, hijos de la burguesía acomodada, que iban a París para
triunfar y veían en este mundo una manera de empezar. Para darse a conocer deben escribir
unas críticas escandalosas.
La valoración de las obras es complicada por el contexto en el que se exponían (el
espacio, la forma en que se colocaban…), la formación del crítico y su opinión, etc. Las
primeras críticas tienen elementos de subjetividad y son relativas y temporales porque
dependen del crítico que tiene que hacer una crítica de algo contemporáneo. Sin embargo,

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esto no quiere decir que todas las críticas tengan que ser subjetivas, algunas pueden ser en
mayor o menor medida objetivas al explicarla en el contexto en el que surge. Cuanto más
conocimientos se tengan de la obra y su contexto, más objetiva será.

Baudelaire: “una pasión razonada y una razón apasionada”. Para él lo primero

es tener pasión por lo que haces pero también razón para razonarla de forma
que tenga sentido. La razón entra por tanto en la medición de la obra. Al
introducir la razón, los comentarios van a poder sostenerse.

Hay momentos en la Historia del Arte en los que los artistas siguen ciertos
procedimientos técnicos. Por tanto, en la medida en que veamos si esta técnica ha sido
utilizada mejor o peor, podremos valorar de forma objetiva la obra de Arte. Solo en caso de
que use esta técnica. Para esto, debemos tener conocimientos de Arte pues si no, no
podremos hacer esta medición o valoración. Por tanto, la crítica tiene niveles; desde la
subjetividad más clara hasta el esfuerzo de hacer un análisis de la obra más o menos objetivo.

Historia del Arte vs. Crítica del Arte

Se separan las disciplinas cuando la Historia del Arte entra en la Universidad. Esto hace que
la Historia del Arte se convierta en un conocimiento científico mientras que la Crítica del Arte
se mueve en publicaciones periódicas por parte de jóvenes literatos y escritores.
Además la Historia del Arte se ocupa del arte del pasado, es decir, no emite juicios de
valor, mientras que la crítica se centra en el arte contemporáneo al crítico y valora la obra.
Hay una diferencia en cuanto a la cronología de las obras de Arte que estudian. También, hay
una diferencia en cuanto al método ya que los críticos valoran la obra mientras que los
historiadores del arte evitan valorar las obras ya que entienden que el juicio de valor implica
subjetividad. Los historiadores evitan la subjetividad porque defienden que la Historia del Arte
tiene un carácter científico y la subjetividad acaba con este. Recurren al sistema de las
ciencias naturales, fechando la obra, asignan el autor y estilo,... es decir, la organizan sin
hacer un juicio de valor.
Benedetto Croce (Historia del Arte) y Lionello Venturi (Crítica del Arte) avanzan hacia
una historia crítica del arte.

Disciplina Estética (no examen)

Se trata de una rama de la filosofía que estudia la belleza, el arte y la dimensión sensible de
la realidad. La palabra estética deriva del griego “aisthetike” que alude al mundo de las

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sensaciones, de la imaginación y de la sensibilidad. Aparece en el S.XVIII y es una forma de

conocimiento de las cosas y consiste en la capacidad del gusto, es decir, para percibir la
belleza, para aproximarnos a la realidad y darnos un placer sensorial e intelectual. La estética
es el sentimiento de placer ante la belleza. Encontramos dos corrientes; la estética kantiana
y la estética empirista.
El padre de la estética es Alexander G. Baumgarten pues incluso le da nombre a la
propia disciplina con su obra Estética.

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