ITSC

INSTITUTO TÉCNICO SUPERIOR COMUNITARIO

Materia:
Fotografía Básica
Facilitador:
Briade Pared
Sustentante:
Osmaly Lorenzo Vargas
Matricula:
 FOTOGRAFIA.

-Quién inventó la fotografía?

El primer procedimiento fotográfico o

heliográfico fue inventado por Niépce hacia
1824. Las imágenes eran obtenidas con betún
de Judea, extendido sobre una placa de plata,
luego de un tiempo de exposición de varios
días. En 1829, Niépce asocia a Louis Jacques
Mandé Daguerre en sus investigaciones. En 1832, ponen a punto, a partir del residuo de la
destilación de la esencia de lavanda, un segundo procedimiento que produce imágenes con un
tiempo de exposición de un día entero.

Niépce muere en 1833. Daguerre continúa trabajando solo e inventa, en 1838, el daguerrotipo,
primer procedimiento que comprende una etapa de revelado. Una placa de plata recubierta de una
fina capa de ioduro de plata era expuesta en la cámara oscura y luego sometida a la acción de
vapores de mercurio que provocaban la aparición de la imagen latente invisible, formada en el curso
de la exposición a la luz. Este revelado consistía en una gran amplificación del efecto de la luz, con
lo cual el tiempo de exposición no pasaba de los 30 minutos. El fijado era obtenido por inmersión
en agua, saturada de sales marinas.

-Quién es el nombrado padre de la fotografía moderna?

George Eastman fue el fundador de la Eastman Kodak Company e inventor

del rollo de película, que sustituyó a la placa de cristal, con lo cual consiguió
poner la fotografía a disposición de las masas. El rollo de película es también un
elemento fundamental para el desarrollo del cine.

El 4 de septiembre de 1888 Eastman registró la marca Kodak y recibió una

patente para su cámara que usaba el rollo de película.
Quién inventó el calotipo?

El calotipo (del griego “kalos”, bello) considerado como el predecesor de la fotografía moderna, es
un método fotográfico creado por el científico inglés William Fox Talbot y basado en un papel
sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico que, tras ser expuesto a la luz, era posteriormente
revelado con ambas sustancias químicas y fijado con hiposulfito sódico.

Quién inventó la fotografía a color?

James Clerk Maxwell en un experimento que buscaba
demostrar la manera en que los humanos perciben el
color realizó la primera fotografía de este tipo, en
1861. Imagen que se conoce como 'Tartan Ribbon'
(cinta de tela escocesa) y está considerada como la
primera fotografía de color permanente

LOS FOTOGRAFOS FAMOSOS

Henri Cartier-Bresson

El fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson fue uno de los

pioneros del fotoperiodismo y uno de los artistas más
influyentes del siglo XX. Las fotografías de los viajes que
emprendió por todo Asia y Europa lo posicionaron como
un fotógrafo muy humano, ya que centró sus proyectos en
momentos cotidianos resaltando a la gente en sus estados
más comunes. La documentación que hizo a partir de eventos que marcaron la historia como la
Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial y el impacto que tuvo el asesinato de Mahatma
Gandhi en India, lo llevaron a ganar un papel muy importante como periodista a nivel mundial.
Cartier-Bresson se distinguió por ser un fotógrafo “natural” ya que usó en casi todas sus
impresiones, tomas capturadas por su Leica de 35 mm, rechazando la tendencia a las luces
artificiales y la edición de imágenes en cuartos oscuros
Robert Capa

De origen húngaro, Capa fue un fotógrafo que centró su trabajo en

periodismo de guerra. Logró cubrir muchos de los conflictos que
ocurrieron en Europa y Asia en el Siglo XX como la Segunda Guerra
Mundial y la Guerra Civil Española. Se ganó el título de “Mejor fotógrafo
de guerra del mundo” gracias a la publicación de fotoperiodismo inglés:
PicturePost. Capa fue famoso por el impacto que crearon sus fotografías
de personas, hacía las tomas con un lente de tan sólo 35 mm lo que le
permitió llevar su cámara a todos lados y tomar fotografías en cada momento. Colaborócon una
gran variedad de revistas y publicaciones como LIFE y Time haciendo de sus fotos íconos a nivel
mundial.

Helmut Newton

Este fotógrafo alemán alcanzó la fama gracias a sus shootings de moda. La

estética que adoptó lo estableció como uno de los fotógrafos más atrevidos y
controversiales. Las imágenes que publicó en un sin fin de ediciones de
revistas de moda como Harper’s Bazaar, Vogue, Marie Claire, entre muchas
otras, impactaron al mundo debido al espíritu sexual que imprimía en cada
una de ellas. Aunque el enfoque de Newton fue principalmente moda, su
portafolio logró expandirse a lo largo de los años mostrando algunas de las
fotos más icónicas de figuras importantes en el mundo del cine, la política y el
espectáculo alrededor del mundo.

Ansel Adams

Ansel Adams fue un fotógrafo americano que se caracterizó por sus

imágenes de la naturaleza y el medio ambiente. Sus impresiones las
más famosas se encuentran en el parque nacional Yosemite-
sirvieron de apoyo para la conservación de reservas naturales en
Estados Unidos, e incluso fue de los pioneros en posicionar la
fotografía dentro de la categoría de las bellas artes. Adams se
distinguió por usar cámaras de formato grandes, lo que le permitió
reproducir imágenes que aportaron una alta resolución y nitidez en
su ejecución. Habiendo dominado el tiempo de exposición óptimo
para dar la claridad perfecta a sus fotografías de la naturaleza,
Adams fue uno de los fundadores del Grupo f/64 que se
distinguieron por tomar un estilo en el cual las fotografías
resultaban con un fondo muy agudo; esta técnica influyó a muchos fotógrafos posteriores a él.
Man Ray

Man Ray fue un artista americano que figuró dentro de la

corriente surrealista del siglo XX. Aunque el fotógrafo era de
origen americano, pasó la mayor parte de su vida en Paris
formando parte del grupo Dada de Paris, donde creó
experimentos fotográfico en los cuales buscaba hacer fotos
“camara-less”. A estas fotografías experimentales se les
conocían como “Rayographs”, buscaban manipular la
imagen obtenida con objetos que la distorsionaban sobre el
papel fotosensible donde las imprimía. Su trabajo se centró principalmente en retratos, pero logró
ganarse un lugar dentro del mundo de la moda, fotografiando editoriales para publicaciones como
Vogue.

Que es el ISO?
El ISO controla la cantidad de luz que deja entrar la cámara y tiene un gran impacto en la oscuridad
o la luz de las fotos, algo que puedes ajustar por razones técnicas o artísticas.

Inicialmente, los números ISO fueron establecidos por la

International Organization for Standardization u Organización
Internacional de Normalización (de ahí su nombre) para referirse
a la sensibilidad de la película en una cámara a la luz. Los
estándares ISO en fotografía digital todavía tienen el mismo
sistema de numeración para indicar la sensibilidad de un sensor
de cámara digital a la luz.

El número ISO perfecto facilita que tu cámara alcance una buena

calidad de imagen, porque permite que la cantidad correcta de
luz llegue al sensor de imagen. Con una iluminación más brillante, un ISO más bajo es mejor: los
valores ISO bajos son mejores en escenarios bien iluminados. Por el contrario, cuando hay menos
luz disponible, necesitas un ISO más alto para compensar. Un ISO alto aumenta la sensibilidad a la
luz de la cámara, lo cual es ideal para situaciones de poca luz.

Selecciona el ISO correcto.

Aquí tienes unas reglas generales para encontrar el nivel de sensibilidad adecuado para el sensor
digital de tu DSLR o cámara réflex. ISO 100: esta es la mejor opción para fotografiar al aire libre en
días soleados, la situación más luminosa en la que probablemente hagas fotos

ISO 400: cuando la iluminación sigue siendo buena, pero menos intensa, como en el interior junto a
una ventana o en el exterior un día nublado, es ideal un ISO ligeramente más alto.
I 800: si haces fotos en interiores sin una fuente de luz adicional como un flash, trabajarás en este
rango. ISO 1600 o superior: cuando está oscuro en el exterior, o si estás fotografiando en interiores
con poca luz, necesitarás un ISO alto. Si también hay movimiento, querrás combinar ese ISO alto con
una velocidad de obturación rápida.

Que es el diafragma?

es una parte que se encuentra dentro del objetivo (hablando de

cámaras con objetivos intercambiables) y tiene la función de
abrirse más o menos, permitiendo que pase un flujo de luz
concreto a través de la lente hasta el interior de la cámara.

Está formado por diferentes palas y se mide mediante el

número F (lo verás así en el menú de tu cámara). Cuanto más
abierto está el diafragma, el número F disminuye (factor que
puede liarte si estás empezando, pero ya te irás acostumbrando), y viceversa. Es decir, un diafragma
1,8f está más abierto que un diafragma 8f.

Saber cómo se usa el diafragma (o apertura de diafragma) es imprescindible para conseguir fotos
espectaculares.

¿Para qué sirve el diafragma en fotografía?

El diafragma sirve para 2 cosas principalmente: para conseguir que entre más luz dentro de la
cámara y para conseguir que haya mas o menos desenfoque en la fotografía.

Cuando queremos que haya menos luz en una fotografía, podemos cerrar el diafragma (número f
alto) y cerrar el hueco por el que pasa la luz, o podemos abrirlo si necesitamos más luz (número f
bajo).

Es extremadamente importante saber usar el diafragma junto al concepto de la velocidad de

obturación e ISO (que veremos en el siguiente artículo).

Que es el obturador?

El obturador es tan importante porque se encarga de medir en segundos

la luz que dejamos pasar. Este tiempo se suele medir en fracciones, por
lo que un número más alto en la fracción (1/4000, por ejemplo) hace un
disparo más rápido y congela el movimiento -ideal para fotos de objetos
en movimiento, como en los deportes-, mientras que un número más
bajo en la fracción (1/2) hace un disparo más lento, captando más luz,
pero necesita un objeto estático para no sacarlo movido.
También podemos “congelar” el movimiento o “dejarlo fluir” con el objetivo de ser creativos;
podemos capturar una corriente de agua con una fracción más baja para conseguir un efecto seda,
por ejemplo. En resumen, el obturador da mucho juego en las fotografías

En otras palabras, la velocidad de obturación «lenta» hace que los elementos tengan fluidez en la
fotografía, mientras que una velocidad de obturación «rápida» congela el movimiento en nuestra
foto. Pasándolo a un ejemplo práctico, para sacar una foto de tu retoño jugando necesitarás una
velocidad alta que capture el movimiento, mientras que una fotografía de un río puede quedar
mucho mejor con ese efecto seda que consigue una velocidad baja.

TIPOS DE LENTES

Nombra tres tipos de objetivos?

Existen tres tipos de objetivos de longitud focal variable: Los objetivos los multifocales, los
parfocales (verdaderos zum) y los objetivos varifocales.

-Para que se usa el ojo de pez?

Como lo mencionamos con anterioridad, este objetivo tiene la particularidad de distorsionar los
elementos. Esto se debe a que la óptica es muy angular, al punto de tener un ángulo de visión de
180 grados, y a que la distancia focal es mínima, estando entre 8 y 16 mm. Es decir que casi nada se
te va a escapar de tu campo de visión.
-¿En qué puedo usar el ojo de pez?

Una de los usos más comunes del ojo de pez son las fotografías arquitectónicas y de paisajes. Al
contar con un ángulo de visión tan amplio, estos permiten apreciar plenamente los espacios. En el
caso de las fotografías arquitectónicas, estas espectacularizan la obra arquitectónica, sin embargo
no son ideales para fotografías arquitectónicamente más técnicas, es decir, aquellas que se usan de
referente de estudio para los arquitectos.

En la fotografía de paisaje, es recomendable jugar con los elementos compositivamente. Siempre

ten presente la línea del horizonte, trata de componerla de tal modo que la distorsión de la misma,
a medida que se aleje del centro, lo haga de una forma amigable con el ojo.

Otro uso que puede darse es en retratos. Eso sí, ya depende de cuál sea el objetivo del mismo. En
este caso, ten presente siempre qué quieres destacar en la fotografía, ubícala en el centro, y deja
que las otras partes del cuerpo se deformen. El truco está en el encuadre que uses, así que explora
cuáles te convienen.

Para que se usa el 18-55?

. Realmente creo que cuando uno empieza no nota los beneficios que tiene este objetivo. Conforme
pasa el tiempo, notas que puedes sacarle provecho en situaciones, sobretodo en fotografía de
paisaje y en eventos.

Es un objetivo ligero por su construcción.

Es un lente versátil ya que abarca desde una longitud focal angular hasta un medio telefoto.

Puedes utilizarlo para hacer fotografías en donde busques obtener grandes escenas, como los
paisajes.

Es muy versátil para hacer diferentes escenas en street photography.

En la distancia focal de 55mm puedes hacer retratos en primer plano (aunque el desenfoque de
fondo no es muy bueno).
LOS TIPOS DE ENFOQUE

los tipos de enfoques nos ayudan a nosotros a que

definamos el espectro que queremos destacar en la
fotografía, este nos brinda diferentes tipos ya sea muy
cerrado, semi cerrado o gran profundidad de campo.

esto se puede efectuar de muchas maneras con la

cámara, puede ser desde un centimetro, metro o
kilometros de distancia. cuanto mas elevado este la ¨F¨
mas profundidad de compo tendre y mientras mas bajo
este la ¨F¨ menor profundidad de campo se obtiene,
esto definira como saldra la fotografia pero tenemos que tener en cuenta la cantidad de luz ya que
esto puede afectar a la fotografia por lo cual debemos de buscar funtes alternas de luz para que se
pueda lograr una imagen nitida y cumpliendo su objectivo.

desde fotos a niños hasta fotografias artistiscas en la naturaleza se pueden efectuar con este
metodo y por lo cual es bueno saber identificar cuando si y cuando no usarlo y como utilizarlo
correctamente en la fotofrafia

-Cuales son los ángulos fotográficos y su significado fotográficos?

Ángulo Normal en fotografía : El lente se coloca al mismo nivel del

sujeto a fotografiar

Esta es quizás la manera más habitual de tomar fotos. En el ángulo

normal en fotografía, el lente se coloca a la altura de los ojos o en
el mismo nivel del sujeto que se va a fotografiar. Es decir que la
línea entre el lente y el sujeto es paralela al suelo; por ejemplo,
cuando se fotografía a un niño y tienes que ponerte a su nivel, estás
haciendo una toma con un ángulo normal.

Esta forma sirve para mostrar algo de manera natural y objetiva, ya que es la manera natural en la
que los humanos vemos al mundo.

Ángulo picado en fotografía: Cuando la cámara fotográfica está ligeramente orientada al suelo

El ángulo picado en fotografía trata de poner la cámara por encima del objeto y orientada
ligeramente hacia el suelo. Esta posición ocasiona que el sujeto se vea más pequeño; es por ello que
es una técnica muy utilizada para restar importancia o transmitir debilidad.

Pero también es muy concurrente ver tomas en picado en fotos de niños y en los paisajes para
incrementar la profundidad.
Ángulo Contrapicado en fotografía: La máquina de fotos se sitúa por debajo del sujeto

El ángulo contrapicado en fotografía es opuesto al anterior, ya que en este caso la máquina

fotográfica se posiciona en un lugar por debajo del objeto a capturar. Así, este tipo de toma
transmite una sensación de superioridad, grandiosidad y de mayor importancia; es por ello que se
utiliza en la fotografía arquitectónica para mostrar la grandeza de los edificios y monumentos.

Una toma en contrapicado también se emplea en deportes extremos y para hacer fotos creativas.

Ángulo cenital en fotografía: La cámara se coloca en un ángulo perpendicular al suelo

Un ángulo cenital en fotografía se da cuando la cámara se coloca en un ángulo perpendicular al suelo

por encima del sujeto; es decir, de arriba hacia abajo.

Esto produce una imagen plana, sin perspectiva y se utiliza para fotografiar objetos pequeños y
espacios.

Es una forma muy creativa de hacer tomas ya que no es muy habitual y es una forma diferente de

mostrar las cosas.

Ángulo Nadir en fotografía: Es un contrapicado llevado al extremo

El ángulo nadir en fotografía, es un contrapicado llevado al extremo; o sea que la máquina de fotos
se posiciona de abajo hacia arriba de manera que queda perpendicular al cielo. Su uso puede causar
una sensación abrumadora de grandeza a quien mira la foto, por eso es muy utilizado para realizar
capturas de edificios que a su vez aportan una profundidad, logrando una imagen con perspectiva.

La iluminación en la fotografía

Una fuente luminosa es un objeto que emite luz visible. Las fuentes de luz pueden ser
primarias o secundarias.

Fuentes de luz primarias: son las que producen la luz que emiten y pueden ser naturales
como el Sol o artificiales como una lámpara.

Fuentes de luz secundarias: son las que reflejan la luz de otra fuente. Por ejemplo, la luna no
produce luz, sino refleja la luz producida por el sol.

Un fuente de luz puede ser difusa o puntual.

Difusa, es cuando incide sobre los objetos desde múltiples direcciones, proporcionando
sombras menos nítidas cuanto más lejos esté un objeto de la superficie que oscurece.

Puntual, es la se origina en un punto más o menos reducido respecto al objeto que ilumina,
pudiéndose hablar de una direccionalidad más o menos similar entre los rayos que emite
haciendo las sombras que un objeto proyecta mucho más nítidas o recortadas y que se
hagan más grandes cuanto más cerca se sitúe el objeto de la fuente de luz y más lejos de la
pantalla que recibe la sombra.

Tipos de luz
* Luz natural: Proviene del sol.
* Luz artificial: Proviene de lámparas, rebotadores, flashes, etc.

Pero eso no es todo, más allá de la procedencia de la iluminación, también podemos

identificar el tipo de difusión, tales como:

* Luz dura: Este tipo de iluminación proyecta una sombra con bordes muy definidos. Por
ejemplo las fotografías de Luz natural que son tomadas con un sol muy potente.

* Luz suave: Esta iluminación no proyecta sombras tan nítidas, al contrario, apenas tiene
sombra muy difusa y proviene de una fuente de luz con poca intensidad.
* Luz semidifusa: Este tipo de iluminación permite destacar el volumen y detalles del objeto,
se logra con fuentes de Luz grandes como flashes y lámparas muy cercanas al objeto
fotografiado.

Además de la procedencia de la iluminación, la luz se puede clasificar según la dirección en

la que se encuentra.
* Luz frontal: Tiene la propiedad de aplanar el objeto, proyectar sombras definidas y quitar
todo volumen al objeto fotografiado.

* Luz lateral: Este tipo de iluminación permite crear muchas sombras en la mitad del objeto,
mientras que la otra mitad queda muy iluminado.
* Luz semilateral: Luz colocada a 45º, es ideal para destacar la profundidad del objeto.

* Luz de relleno:Funciona como complemento para iluminar las zonas de poca intensidad
proyectadas por la luz principal .

* Luz de fondo o de ambiente: Esta luz rodea al objeto y el fondo del objeto fotografiado.
* Contraluz: Ideal para fotografiar la silueta, marcar el contraste y lograr un estilo artístico.
La técnica se basa en colocar la luz detrás del objeto fotografiado.
* Luz de contorno o semi contraluz: Similar al contraluz, la iluminación se coloca detrás del
objeto en un ángulo de 135 grados. Se utiliza para distinguir el objeto del fondo.

* Luz cenital: En este caso la luz se coloca justo sobre el objeto mirando hacia él con mucha
intensidad. Sirva para productos con sombras muy nítidas y verticales.

* Luz de contrapicado: Opuesta a la luz mencionada anteriormente, la luz proviene desde

abajo del objeto y producto de esta iluminación se pueden apreciar sombras anti naturales
y profundas que van desde abajo a arriba.

fin