Primera Instancia

I. ¿Cuáles cree usted que son los conceptos, técnicas y estrategias más relevantes
en la obra de Andy Warhol?
Los conceptos más relevantes en la obra de Andy Warhol son la anomia moderna, nihilismo,
materialismo, manipulación política, explotación económica, conspicuo consumo, culto a los
héroes de los medios y la creación de necesidades artificialmente inducidas. Warhol reflejó
directamente usos y abusos culturales, mientras se enfatiza hasta el punto del absurdo en el
completo desapego al compromiso emocional que veía en todas partes a su a alrededor.

Las técnicas usadas por Warhol denotaban el exceso visual que se encuentra a menudo en la
cultura de las masas, por medio de aislamiento de imágenes, su repetición, la similitud forzada con
imágenes impresas y el uso llamativo de color. Maximizó la repetición de las imágenes de manera
espacialmente extendida, dado que sus obras podrían llenar la galería y como cualquier exposición
crea un mundo propio y finito, sus piezas debieron haber proyectado la temible noción de que
todo el universo visible estaba lleno de esas representaciones, por ejemplo, de Sopa de Campbell.
El pintor desarrolló la idea de tomar una imagen familiar para millones y presentándola
frontalmente, sin cualidades pictóricas y con un marco plano (como si fuera una especie de icono
sagrado). Estas imágenes van en contra de las nociones tradicionales de “arte” y simultáneamente
reconoce que ningún objeto es inaccesible al tratamiento artístico simplemente porque son
familiares o banales.

Las estrategias que Warhol destinaba en sus imágenes se veían en dar la apariencia de ser
inicialmente simples. Sin embargo, debido a esa misma simplicidad tienen un alto grado de
inmediato impacto visual. Por ejemplo, la repetición visual que empleaba tenía la intención
asociativa de paralelar a la vasta repetición de imágenes que se emplea en una cultura de masas
para vender bienes y servicios, mientras incorpora en sus imágenes las mismas técnicas de
producción en masa que son fundamentales para una sociedad industrial moderna.

Así, utilizaba imágenes derivadas de la cultura popular para ofrecer una crítica de la sociedad
contemporánea, Warhol también llevó adelante asaltos al arte y valores burgueses que los
dadaístas habían promovido anteriormente. De modo que, manipulando imágenes y la
personalidad pública del artista, fue capaz de mostrar las contradicciones y superficialidades del
arte y cultura contemporáneos. Y en última instancia, es la mordacidad de su crítica cultural, así
como la vivacidad con la que la imbuyó, lo que seguramente ha prestado a sus obras su continua
relevancia.

II. ¿Cuáles cree usted que son los conceptos, técnicas y estrategias más relevantes
en la obra de Beatriz González?
Los conceptos más relevantes en la obra de Beatriz Gonzales son el duelo, la violencia, la tragedia,
y una sutil ironía en la imagen de lo absurdo. Beatriz, inmortaliza aquello que queda en el olvido y
hace parte de la incertidumbre que sufre el país. También se observa un concepto de frivolidad
hacia las clases políticas, así como uno de sátira hacia las clases sociales más altas. Simbólicamente
Colombia se esconde tras una cortina, una cortina que esconde toda la corrupción, la mafia, la
destrucción de las clases sociales más vulnerables y la cantidad de numerosas víctimas por la
violencia. De esta manera, Beatriz destaca con sus obras por una actitud transgresora.

La técnica de Beatriz se caracteriza por la vivacidad de los colores, estos suelen ser planos y van
acompañados de una buena composición armónica. Además de hacer reproducciones sobre lienzo
y a grandes escalas, donde toma de referentes a artistas de índole europea. La artista también
empezó a trabajar sobre superficies de diversos materiales y texturas, siendo estas superficies
poco convencionales. Trabaja con una gama muy variada de colores y destaca por una paleta
refinada.

La estrategia de Beatriz está en la reproducción de imágenes y la reiteración de un mismo tema.

Para Beatriz Gonzales la repetición es algo importante en su trabajo, ya que fue entendiendo que
el ser humano funciona con un mecanismo de repetición para que las imágenes queden
impregnadas como iconos en el cerebro. De ahí nació su interés por las imperfecciones en las
imágenes impresas, cansada de realizar variaciones sobre otros artistas, encontró en el periódico
la fotografía de los “Suicidas del Sisga”, a partir de ese momento Beatriz comenzó a interesarse
por las tragedias locales a través de los medios y por materiales diferentes a los instrumentos
clásicos de pintura. Aunque la crítica se refirió constantemente a Beatriz González como una
“artista pop”, ella siempre dejó claro que Warhol en esa época no le interesaba, prefería el
expresionismo abstracto. Desde entonces, su trabajo se alimenta de la reportería gráfica y la
prensa nacional de un país en guerra. “La prensa es temporal, de cierta manera la labor de la
artista es no permitir que se olviden la muerte y el dolor”. Ella dice pintar lo que la historia no ha
podido contar. Beatriz también ha usado imágenes de la alta sociedad en tono burlesco, para
reflexionar acerca de esa importancia absurda que se le atribuye a lo menos relevante.

III. Haga un cuadro comparativo entre los componentes conceptuales y formales de

la obra de Andy Warhol y Beatriz González.

Diferencias
 Mientras Warhol se aprovecha de la
sociedad de consumo y el nihilismo,
Beatriz trae a la memoria la tragedia
de un país en guerra.
 Warhol aislaba las imágenes del
cotidiano para dotarlas de un
significado de icono sagrado. Beatriz
se valía de la reporteria gráfica, de
modo que no se obviaran las
problemáticas del país.
 Warhol usa la imagen de los
personajes públicos para tener un
estatus comercial. Beatriz satiriza la
importancia que se le otorgaba a los
personajes públicos por medio de la
prensa.
• Beatriz trabaja sobre
materiales pocos convencionales,
mientras que Warhol no hace tan
perceptible el rompimiento con el uso
tradicional de los medios.
• Beatriz usa la repetición para
mostrar imágenes que se vuelven en
íconos, por otro lado, Warhol usa
imágenes que ya son íconos para
mostrar su relevancia dentro del
Similitudes
 Ambos artistas comparten una
perspectiva de lo absurdo entorno a su
contexto social.
 Hay una repetición de imágenes de
modo que se instale en la memoria.
 La vivacidad de la paleta y
predominancia en colores planos.
 Los dos artistas se valen de la alta
sociedad o burguesía de manera
satírica.
 Los dos artistas tratan la frivolidad y el
desapego emocional vistos en su
contexto social.
 Los dos artistas tienen su forma de
enfocarse en la manipulación política o
corrupción, en la explotación económica
o en la destrucción de las clases sociales
más vulnerables.
 imaginario colectivo.
• Beatriz destaca por una paleta
más refinada, los colores de la paleta
de Warhol son más saturados.
• La idea de lo “plano” se ve en
la obra Beatriz por la forma en que
aplica el color, pero en la obra de
Warhol se presenta en el marco plano
que rodea a las figuras que representa.

Segunda Instancia
Ensayo de Luis Camnitzer “Pop político”, dice “El arte pop tomó un carácter político en
América Latina.”
Philip Larrat, le pregunta al artista brasileiro Iran do Espiritu Santo, que qué opina de esa
aseveración.
o Contextualice la pregunta en Colombia:
¿El arte pop tomó un carácter político en Colombia?

Sí, en Colombia toma un carácter político, independientemente de la similitud en los

recursos técnicos y formales. Cabe destacar un componente cultural propio que alteraba
la finalidad última de la imagen pop. Colombia al no ser un país industrializado focalizaba
su esencia “pop” en diferentes escenarios, donde la masificación y el consumismo no
superaban los conflictos internos del país (un país que carga con el peso de gobiernos
represivos). De esta manera el arte pop en Colombia tiene intenciones; pero no se
impone; se define mientras se hace; es una experiencia, no una imagen. “El arte político es
jurídicamente incómodo, cívicamente incómodo, humanamente incómodo. Nos afecta. El
arte político es conocimiento incómodo.” 

Entre la década del 60 y 70 el país atravesó muchísimos cambios políticos y de los

escenarios institucionales. En la década del 70 se implementa la APP del Frente Nacional
(que era un pacto de alternancia política firmado entre liberales y conservadores), y toda
esa coyuntura que atravesaba el país transformó también mucho el paisaje de lo visual. En
lo que tiene que ver con las artes visuales generó nuevas dinámicas y hábitos de consumo,
así como estimuló el campo de la producción visual, apareciendo muchas manifestaciones
que tenían que ver con el collage, caricaturas, serigrafía, fotografía y montajes, con
denuncias frente a la coyuntura político-económica del momento por ejemplo denuncia y
evidencia una gran farsa en la coalición bipartidista, entre otras cosas...
Las políticas y acuerdos económicos que se daban en Colombia por aquellas décadas de
los años 60 y 70 incidían mucho en la renovación del paisaje del arte visual, apareciendo
una gran influencia del arte publicitario. Y era común encontrar entre sus discursos
denuncias y críticas en cómo la cultura de Estados Unidos impactaba nuestra identidad
territorial con tanto producto masivo y de consumo. Aparecieron por aquel entonces
obras como las de Antonio Caro que tienen mucho que ver con la influencia del pop art
que se había hecho tan popular en la década del 60 en Estados Unidos. A través de su
propuesta visual Caro ofrecía un mensaje concreto acerca de la falta de oportunidades de
empleo, que era flagelo económico para el pueblo colombiano, así como el cambio
sustancial que se estaba viviendo en los hábitos de consumo y la seducción que sufrían las
personas por productos y marcas extranjeras que se habían apoderado de los mercados
colombianos. Ello se sumaba a la problemática política del país, donde estaban naciendo
muchos movimientos políticos nuevos, a la vez que se gestaba una conscienta de revuelta
social; aumento de la violencia y la represión de estado, y el auge en aquella década de el
narcotráfico colombiano. Todas esas problemáticas que impactaron (e impactan aún) al
país aparecieron reflejadas en las obras de arte. Antonio Caro produjo en los 70s trabajos
muy al estilo POP con obras como Coca Cola (en ese momento era el producto que mejor
representaba la toma del imperialismo en el mercado), Caro quiso señalar la expansión de
la marca y cómo su publicidad frenaba la construcción de una verdadera identidad
nacional, dificultaba la posibilidad de materializar una nación libre de la influencia del
estado norteamericano. Esas obras (Colombia-Marlboro y Colombia-CocaCola) se
materializaron a través de expresiones artísticas que tenían que ver con el arte
publicitario. De hecho Luis camnitzer también en el 72 hace una obra que se llama "Botella
de Coca Cola llena de Botella de CocaCola" y en ella el uruguayo lo que pretende es
establecer una crítica donde cuestiona la forma en que Coca Cola y su publicidad
representan la americanización del mundo y la estandarización y pérdida de la
singularidad local de un pueblo y una cultura. En todas ellas se siente la influencia del Pop
Art, aunque con un discurso nacional y latinoamericano, en la expresión del contexto
colombiano y su idiosincrasia a través de los medios y tendencias de los nuevos
movimientos de arte comtemporaneo. Las realidades de orden político-social y en torno al
desarrollo nacional, diferían mucho de la cultura de Estados Unidos.

Pedrosa, prefería llamar a los artistas que practicaban la tendencia pop “técnicos de
producción de masas”, considerando que todos ellos se habían formado en el arte
comercial o el mundo publicitario. No obstante, en su momento el crítico brasileño
consideró la objetividad de la obra pop, su despersonalización, como una muestra del
nuevo rumbo que estaba tomando el arte contemporáneo, en el que se apreciaba un
distanciamiento de la expresividad focalizada exclusivamente en el subjetivismo
individual. Existen unas notorias diferencias entre los artistas metropolitanos y los
provincianos influidos por esta tendencia; y no debería cuestionarse las posibilidades del
arte pop como lenguaje artístico por razones de tipo político o social.

o Realice un cuadro comparativo entre el arte Pop de Occidente y el arte Pop

Latinoamericano.
 Arte pop de occidente Arte pop latinoamericano
Diferencias

 Su producción local estuvo determinada  En el caso de América Latina el discurso

por una realidad circundante distinta
dónde la utilización de instrumentos
pictóricos triviales procedentes del mundo
del consumo y los medios de
comunicación, resaltaban el Ícono del
consumismo estadounidense capitalista.
 El Pop en Estados Unidos captaba una
parte importante del ámbito urbano
consumista, producto de una sociedad en
expansión en pleno auge del Sueño
Americano, donde los medios de
comunicación tomaban cada vez más
relevancia; así mismo la reproducción y
difusión de imágenes publicitarias. Se
inspiró en los objetos de uso cotidianos
cargados de ironía, en un llamado de
atención sobre un discurso del arte que
estaba muriendo ya, porque lo que se
consideraba indigno de ser tenido en
cuenta por él, tomaba relevancia y valor,
de repente, derribando tabúes en torno a
lo artístico.
era determinado por un contexto socio-
histórico conflictivo, plagado de tensiones
políticas, que se agudizaban con las
transformaciones institucionales que
vivían casi todos los países suramericanos
de ese entonces.
 El trasfondo de sus imágenes carga un
mensaje contracultural y antiimperialista.
 El pop en América latina fue utilizado
como verbo y no como sustantivo a través
de secciones conjugadas en gerundio, que
recalcan su naturaleza dinámica:
Mediando a américa, modelando a
américa, encarando a américa,
consumiendo a américa y liberando a
américa.

Semejanzas

 Los elementos que se encuentran en ambos son el humor, los juegos, la neutralidad y
la exaltación de la pintura o el objeto.
 El nuevo lenguaje estético y visual, que acudía al recurso de la iconografía.
 Búsqueda y afirmación de una identidad, en medio del auge de la sociedad de masa.