Naïmi Clémence,

Intercambio con la Universidad de Caen

Noviembre 2010

Revolución Mexicana:

Tema del trabajo final: Diego Rivera y Frida Kahlo, la pareja emblemática del arte mexicano.
Introducción:
Fue una de las parejas famosas más tormentosas y atractivas. Amor y odio se conjugaban en un romance
que tuvo varias idas y vuelta, para siempre volver a estar juntos. Él era veintidos años mayor que ella,
pero no fue un impedimento para quedar flechada apenas lo vio por primera vez en 1928 en un aula de la
Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México (en la cual ella estudiaba) mientras que éste estaba
haciendo un mural.

Se casaron poco tiempo después aunque la madre de la esposa siempre se opuso a ese matrimonio ya que
Diego Rivera era comunista y ateo, y encima mujeriego. La relación entre ambos fue problemática y llena
de pasión marcada por la infidelidad y algunas tragedias (Frida hizo dos abortos naturales) pero también
por convicciones políticas comunes que les reunían.

Bibliografía:

 Diego Rivera: arte y revolución,

Consejo nacional para la Cultura y las
Artes (2000).

 El muralismo de la revolución
mexicana, José Clemente (1960).

 Frida Kahlo, coordinación

editorial, Luis-Martín Lozano
(2007).
Primera parte: el muralismo de Diego Rivera
1) El muralismo:

El Muralismo es un movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana
de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de
caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales. Propone la producción de
obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros
aspectos de su historia.

El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación Pública
de México quien, tras la Revolución, pidió a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios que plasmaran
en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen de la voluntad
nacional. Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las
ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. Influidos por el rico pasado
precolombino y colonial, los muralistas desarrollaron un arte monumental y público, de inspiración
tradicional y popular, que ponía fin al academicismo reinante, exaltando su cultura y origen precortesiano.

El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea
iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David
Alfaro Siqueiros. Desde 1922 hasta nuestros días no se han dejado de hacer murales en México, lo que
prueba el éxito y la fuerza del movimiento. En la década de 1930, la internacionalización del muralismo
se extendió a Argentina, Perú y Brasil, y fue adoptado incluso por Estados Unidos en algunos de sus
edificios públicos.

El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la arquitectura

virreinal. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento
nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el color se convierten en
los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica, redescubrieron el empleo del fresco y
de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que aseguraban larga vida a las obras
realizadas en el exterior.

2) Diego Rivera:

José Diego Rivera Barrientos nace con su hermano gemelo en diciembre de 1886 en Guanajuato. Su
hermano, José Carlos María fallece al año y medio en 1888. Su padre le obliga a entrar en un colegio
militar. A partir de 1896 comienza a tomar clases nocturnas en la Academia de San Carlos de la capital
mexicana, donde conoce al célebre paisajista José María Velasco.

En 1906, expone sus primeras obras en la exposición de pintura de arte moderna dirigida por la revista
cultural Savia Moderna. A partir de ese momento, Diego emprende su carrera que lo llevará, a lo largo de
la primera mitad del siglo XX, a una fama internacional no sólo por su política, sino también por ser uno
de los mejores pintores en la historia mundial del arte, por ser innovador y original.

En 1905 recibe una pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra y en 1907 recibe otra del entonces
gobernador de Veracruz, Teodoro A. Dehesa Méndez, que le permite viajar a España a hacer estudios de
obras como las de Goya, El Greco y Brueghel; e ingresar al taller de Eduardo Chicharro en Madrid.

En 1907 se va a Europa, primero a Barcelona, luego a París para vivir y trabajar con los artistas de
Montparnasse. Empieza una relación de amistad entre Modigliani y él. En 1914, Rivera, viviendo en Paris
y amigo de Pablo Picasso, expone sus cuadros cubistas en la Societé des Artistes Independants. En 1916,
expone sus cuadros en la Modern Gallery de Nueva York.
Rivera en 1917, desilusionado con el movimiento cubista, rompe sus lazos al cubismo y regresa
estilísticamente a un modo tradicional. Influenciado por las pinturas de Paul Cézanne, se introduce en el
postimpresionismo, logrando captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros
muralistas mexicanos.

Retrato de Diego Rivera pintado por Modigliani en 1914.

Durante su vida un poco agitada, tiene una relación durante seis años con la pintora Marie Vorobieff
(Marevna), pero se casa con Angelina Beloff, con quien tiene un hijo que murió poco después de su
nacimiento. Tiene también varios otros hijos con sus amantes con las cuales tenía breves relaciones. Sin
embargo, nunca jamás asumió su paternidad.

Después de unos años en Europa, Rivera regresa a Veracruz donde conoce a José Vasconcelos. Durante
un viaje con Vasconcelos a la provincia del Yucatán, Rivera absorbe mucha cultura indígena que le
servirá como temas de composición para sus murales.

Hacia el año de 1920 emprende un viaje a Italia, donde comienza el estudio del arte renacentista. Cuando
Álvaro Obregón designa a José Vasconcelos como secretario de educación, Diego Rivera regresa a
México para participar en las campañas emprendidas por Vasconcelos y en las cuales participa también
con los muralistas mexicanos José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, así como
con el artista francés Jean Charlot.

Retrato de Diego Rivera en el mural público en el Polyforum Cultural Siqueiros de Ciudad de México.

En 1922, Diego Rivera pinta su primer mural en el Anfiteatro Bolívar, Escuela Nacional Preparatoria,
Ciudad de México.
 La creación es un mural de 100 metros cuadrados
que es una alegoría de la creación. El mural está
inspirado en varias religiones y alusiones a temas
sobre la formación de la raza mexicana. La figura
central es el hombre que surge del árbol de la
vida. La obra está diseñada alrededor de un
símbolo de pura energía en el cual descienden tres
rayos. Cada rayo termina en una mano, y cada
mano está doblada con el dedo índice significando
padre y madre. Dentro del semicírculo, hay un
hexagrama compuesta de estrellas a la derecha
que representa los ideales femeninos. Al lado
derecho hay un pentagrama de estrellas que
significan los ideales masculinos.
La creación, (1922)

Hacia la izquierda y la derecha hay dieciocho figuras humanas, pero siete figuras angélicas tienen halos
pintados en la tradición del pintor italiano Giotto. El hombre desnudo sentado a la derecha esta hablando
con dos mujeres. La mujer a la izquierda es La Sabiduría/El Conocimiento, la mujer a la derecha
representa La Fábula. Los ángeles representan: Prudencia, Justicia, Fuerza o Poder, y finalmente Virtud.
La mujer sentada a la izquierda está rodeada de figuras que representan las artes: la música, el baile, el
canto, y la comedia. Los ángeles en sí, representan, caridad, esperanza y fe.

La pintura de Rivera comienza a convertirse en un factor considerable y de influencia para el Movimiento

Muralista Mexicano y Latinoamericano. En diciembre de 1922 se casa con Guadalupe Marín, también
conocida como la "Gata Marín", quien le fue presentada por Julio Torri mientras hacía el mural del
Anfiteatro Bolívar en la Universidad Nacional. Era una indígena mexicana de piel morena, larga cabellera
negra y ojos verdes. Con ella tiene dos hijas: Lupe, nacida en 1925 y Ruth, nacida en 1926.

En septiembre de 1922 inicia el fresco en la Secretaría de Educación Pública. Se convierte también en el

co-fundador de la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios. También se le
otorgan los permisos necesarios para comenzar con las pinturas y murales del Palacio de Cortés en
Cuernavaca y en la Escuela Nacional de Agricultura, en Chapingo, así como en el Palacio Nacional de la
Ciudad de México, donde de 1929 a 1935 crea un ciclo narrativo sobre la historia del país desde los
tiempos de los aztecas hasta el siglo XX.

Es durante esta época que Rivera ingresa en el Partido Comunista Mexicano, un partido político que tiene
como miembro también a David Alfaro Siqueiros. Pero para Rivera su contacto con el partido comunista
es tempestuoso debido a su odio al líder de la Unión Soviética, Lenin. En menos de cinco años, Rivera es
expulsado del partido comunista mexicano.

A mediados de 1924, el mundo artístico y la prensa mundial bautizan a Diego Rivera como el pintor que
encabeza el movimiento muralista.

Hacia 1927, Rivera es invitado a los festejos de los primeros diez años de las Revolución de Octubre en la
Unión Soviética, por lo que parte hacia la Ciudad Rusa de Moscú. Tras su divorcio con Guadalupe Marín
en 1928, contrajo terceras nupcias con la pintora Frida Kahlo en el año de 1929, la única mujer que será
una constante en su vida. Igualmente, este mismo año, fue expulsado del Partido Comunista Mexicano.
Hacia 1930, es invitado a los Estados Unidos para la realización de diversas obras, donde su temática
comunista desatará importantes contradicciones, críticas y fricciones con los propietarios, el gobierno y la
prensa estadounidense. Las más destacadas pinturas de Rivera en aquel país se encuentran en el San
Francisco Art Institute -Escuela de Arte de San Francisco- así como en el Instituto de Artes de Detroit.

La época más controversial en la carrera de Diego Rivera ocurre entre 1932 y 1934, cuando el industrial
John D. Rockefeller Jr. lo contrata para pintar un mural en el vestíbulo de entrada o "lobby" del edificio
RCA en la ciudad de Nueva York. El edificio, no sólo era uno de los más famosos edificios del mundo,
sino también era el edificio principal de un conjunto de edificios que componían lo que se llama
"Rockefeller Center." El Centro Rockefeller, fue construido con el dinero que la familia Rockefeller había
adquirido en el mercado mundial capitalista. El edificio en sí, estaba situado en "Fifth Avenue," una de
las avenidas más famosas del mundo por ser un lugar donde el mercado libre existía en su más pura
forma. Por consiguiente, el Centro Rockefeller se había convertido en un símbolo del mercado capitalista.

Diego Rivera, diseña un mural titulado, El hombre en una encrucijada. El mural, mientras Rivera lo
pinta, es elogiado por los críticos del arte como una obra maestra. Pero, hacia el final, cuando Rivera está
cerca de completarlo, incluyo un retrato de Lenin. La reacción de la prensa y la controversia que suscita el
retrato es inmediata y vocifera. Rockefeller ve el retrato como insulto personal y manda cubrir el mural y
más tarde ordena que sea destruido.

Rivera poco después regresa a México donde pintó el mismo mural "el hombre en una encrucijada" en el
tercer piso del Palacio de Bellas Artes de México. El mural, excepto por unos detalles era el mismo que
hubiera pintado en el Centro Rockefeller en Nueva York. Una notable diferencia en el mural era la
adición de Rockefeller al lado de las enfermedades sexuales.

El hombre en el cruce de caminos, 1934

Rivera ha pintado al hombre en el centro mirando hacia un futuro con esperanza y firmeza. El hombre
pintado sobre el mundo vegetal, muestra que el hombre ha domesticado al mundo vegetal. A la
izquierda del hombre en el centro, está el retrato de Lenín. Él está pintado como una figura que une a las
masas pobres del mundo. Rivera está convirtiendo el mural en una llamada marxista al problema de la
lucha entre las clases de la oligarquía y las masas pobres.
A la derecha, John D. Rockefeller, está retratado en un "speakeasy", un bar clandestino porque el
consumo de alcohol en los Estados Unidos está prohibido durante la época. Más aún, Rockefeller
sostiene la mano de una mujer. El conjunto, especialmente porque se ubica al lado del rayo que contiene
las enfermedades sexuales.
El tema del mural es la imagen de un microscopio y telescopio que une una visión y un entendimiento
del hombre. El microscopio le ayuda al hombre ver los organismos más minúsculos del universo,
Enmientras
1936 solicita al presidente
el telescopio Lázaro
le permite Cárdenas
al hombre los del Río, más
objetos el asilo político
lejanos de León Trotsky en México que
del universo
se concreta el año siguiente, recibiéndolo en la Casa Azul de Frida Kahlo. Para 1940 ya se ha distanciado
del célebre disidente ruso y se ha divorciado de Frida Kahlo, volviéndose a casar con ella a finales de ese
año.

Hacia 1946, pinta una de sus obras más importantes, Sueño de una tarde dominical en la Alameda
Central en el entonces recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México. También integra junto
con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional
de Bellas Artes.

Para descubrir casi a 150 personajes de

este mural, de 15 metros de largo por 4,80
de alto, hay que recorrerlo literalmente a
pie. Es una obra monumental que se había
propuesto el pintor realizar: quería llevar a
cabo un panorama de la historia de su país
reuniendo en la Alameda Central a
personajes procedentes de 400 años.

Sueño de una tarde dominical en le Alameda Central

El pintor ha mezclado personajes conocidos de la historia mexicana con otros muchos anónimos,
añadiendo además figuras mitológicas como el ángel y la muerte, así como miembros de su familia. No
se trata de un cuadro de historia oficial, sino un collage, una imagen como las que pueden inspirar los
sueños.

Con todo, los personajes se han dispuesto casi cronológicamente de izquierda a derecha. En el vértice de
tres pequeñas pirámides humanas aparecen tres presidentes: Benito Juárez que lleva en la mano la
constitución; en el centro se ve dormido a Porfirio Díaz en uniforme; en la parte derecha vemos a
Francisco Madero saludando mientras agita el sombrero.

En el centro del mural se ha retratado el artista con el aspecto que debía tener a principios de siglo: con
pantalón corto y sombrero de paja, en los bolsillos una rana y una culebra, juguetes vivientes. Detrás de
él está su esposa, la pintora Frida Kahlo, que en actitud protectora, pone una mano sobre el hombro del
muchacho.

En 1952 realiza el mural denominado La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud

deportista del Estadio Olímpico Universitario (UNAM), en la ciudad de México y en 1955 ante la muerte
de Frida Kahlo en junio del año anterior, se casó con Emma Hurtado y viaja a la Unión Soviética para ser
intervenido quirúrgicamente. Fallece el 24 de noviembre de 1957 en Coyoacán, Ciudad de México de un
cáncer raro.

Rivera crea mucho y a menudo para atacar a la Iglesia. Su pintura profundamente indígena describe una
minuciosamente una idílica ida cotidiana antes de la llegada de los españoles. Tiene un estilo simplificado
y emplea colores vivos. Sus obras más emblemáticas se hallan en el Palacio Nacional en la ciudad de
México.
Segunda Parte: Frida Kahlo, una persona y una pintura única

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nace el 6 de julio de1907 en Coyoacán de una madre pintora
surrealista de profesión, Matilde Calderón y González, y de un padre alemán que llega en 1891 a México
y que cambia su nombre para llamarse Guillermo Kahlo.

Frida, en 1936, pinta esa

obra en la cual narra la
historia de sus orígenes a la
manera de un árbol
genealógico. Simbolizó a
sus abuelos maternales
mexicanos por la tierra y a
los paternales alemanes por
el océano.

Sus padres tienen la pausa

de la foto de boda y ella
aparece dos veces: primero
como feto y luego como
niña en el jardín de la Casa
Azul donde nació y murió.

Mis abuelos, mis padre y yo, 1936.

Cuando tiene diez años, Frida padece de la poliomielitis, su principal síntoma es que su pierna derecha se
atrofia y su pié no crece más. Nunca tendrá un tamaño normal. Sin embargo, a pesar de su enfermedad, a
los dieciséis años, Frida entra en la Escuela Nacional Preparatoria, considerado como el mejor instituto
escolar de México. Quiere convertirse en un médico. Aunque se interesa mucho a las bellas-artes, no
piensa en dedicarse a una carrera artística. A lo largo de sus años de estudios se interesa naturalmente a la
política y busca, como sus contemporáneos, como definir un alma mexicana en ese país recién
independiente. En esta escuela, Frida se unió a un grupo llamado Los Cachuchas, mote debido a las
gorras que llevaban. Este grupo compartía las ideas socialistas-nacionalistas de José Vasconcelos,
Ministro de Educación Pública. Su novio por entonces, Alejandro Gómez Arias, un estudiante de derecho
y periodista era sin discusión el líder del grupo.

En 1925, Frida sufre de un accidente de autobús que mata a varias personas. Ella sale con importantes
heridas: su abdomen se encuentra traspasado por una barra de metal que hiere también a su vagina y le
impide entonces dar la luz, su pierna izquierda sufre numerosas fracturas, su pié izquierdo está roto como
la mayoría de los huesos de su cuerpo. Se queda en la cama por tres meses y tiene que llevar corsetes de
escayola durante nueve meses. Es durante sus meses de convalecencia cuando Frida empieza a considerar
la pintura seriamente…"para combatir el aburrimiento y el dolor" dice. "Sentí que todavía tenía
suficiente energía para hacer algo diferente de estudiar para convertirme en un médico. Sin prestarle
ninguna atención especial, empecé a pintar". Es el principio de una carrera que durará toda su vida.

Para ayudarla, sus parientes instalan un baldaquino encima de su cama con un espejo, así que puede
utilizar su reflejo como modelo, lo que podemos suponer es lo que inicia esa larga serie de autoretratos.

Este es el primer autorretrato de Frida. Lo pintó como

regalo para su compañero de estudios y novio, Alejandro
Gómez Arias, quien había roto la relación. Se lo dio
como prueba de amor con la cual esperaba el recuperar
su afecto y que la tuviera en sus pensamientos. Su ruego
de amor funcionó y poco tiempo después de que
Alejandro recibiera el retrato, se reconciliaron.

La pose aristocrática refleja el interés de Frida en las

pinturas del periodo Renacentista italiano. Este
autorretrato es la interpretación de Frida de la "Venus" de
Boticelli, obra admirada por Alejandro.

Este auto-retrato fue una de las cuatro pinturas que Frida

llevó para enseñar a Diego y pedir su opinión del trabajo.
Después de ver las pinturas, Rivera dijo que estaba muy
interesado en este autorretrato "...porque es el más
original", dijo.

Autorretrato con traje de teciopelo (1926)

En 1928, Frida se inscribe al Partido comunista mexicano, el PCM. Se interesa sobre todo a la
emancipación femenina en la sociedad mexicana todavía muy machista. Decide que no quiere seguir el
mismo camino que la mayoría de las otras mujeres mexicanas. Tiene ganas el deseo de viajar, estudiar,
quiere la libertada y el placer.
Este mismo año encuentra a Diego Rivera en su escuela, un artista que admiraba mucho. Le pidió su
opinión con respecto a sus cuadros para saber lo que pensaba de ella, estaba dotada o no. El muralista fue
impresionado por la pintura de la jovencita mexicana. Se casan el 21 de agosto de 1929 y se instalan
juntos en México.

En noviembre de 1930, se mudan a San Francisco porque Diego había sido encargado de realizar murales
para la San Francisco Stock Exchange y para la California School of Fine Art, el actual San Francisco Art
Institute.

Este doble retrato en estilo folklórico podría estar basado en

la fotografía de boda de Diego y Frida. Fue completado unos
dos años después del matrimonio, mientras Frida y Diego
estaban en San Francisco. La visible diferencia de altura
entre la pareja no es exagerada. Los delicados pies de Frida
apenas tocan el suelo y parece que esté flotando al lado de
su enorme marido. Con su paleta y pinceles en la mano,
Rivera es representado como un artista mientras ella, vestida
en tradicional garbo mexicano se pintó a si misma sólo
como la esposa que adora al marido.

Frida regaló esta pintura al coleccionista de arte Albert

Bender, como prueba de gratitud por la ayuda prestada en
conseguir la visa de Diego para entrar en los Estados
Unidos; a Diego se le había negado previamente la entrada a
los Estados Unidos debido a su afiliación al Partido
Comunista. En el titulo del cuadro, Frida deletrea su
nombre en versión alemana "Frieda".

Frieda y Diego Rivera (1931) Cuando la pintura fue finalizada en 1931, un periódico de
San Francisco describió el trabado diciendo que si tenia
algún valor: "...era sólo porque había sido pintado por la
esposa de Diego Rivera".

En 1930, sufre su primero aborto natural, fue algo un poco previsto ya que se le había dicho, después de
su accidente de 1925, que nunca podría tener hijos a causa de su pelvis, triplemente fracturado, impediría
una posición normal del bebé y un parto sin problemas.

Sin embargo, durante su estancia en Detroit, está embarazada una vez más. Sabiendo que Diego no quería
hijos y que había ciertos riesgos con el embarazo, Frida decidió abortar el embarazo tal y como había
hecho con el anterior. Un doctor local de Detroit le dio medicamentos y aceite de ricino para provocar el
aborto. No obstante, todos los intentos fallaron y en este punto, Frida decidió llevar a termino el
embarazo. Los doctores le dijeron que podría llevar a término el embarazo y dar a luz mediante una
cesárea.
 La pintura inacabada describiendo la cesárea fue
empezada antes del aborto, y es una expresión
tanto de esperanza como de miedo. En la pintura,
ella muestra al bebé nacido a su lado. Con las
esperanzas destrozadas por el embarazo, dejó la
pintura inacabada.

Frida y la operación cesárea (1932)

Empero, a pesar de las previsiones del médico, Frida sufre un segundo aborto el 4 de julio de 1932, en el
Hospital Henry Ford, que amenazó su vida.

En este turbador trabajo, Kahlo se pinta a si

misma acostada en una cama de hospital
después del aborto. La figura en el retrato está
desnuda, las sábanas que se ven detrás de ella
están ensangrentadas y una gran lágrima cae de
su ojo izquierdo. La cama y su triste habitante
flotan en un espacio abstracto, rodeado por seis
imágenes en círculo relacionadas con el aborto.
Todas las imágenes están ligadas a filamentos
de color rojo-sangre que ella aguanta contra su
estómago, como si fueran cordones umbilicales.
La imagen principal es un feto masculino
perfectamente formado, el pequeño "Dieguito"
que ella deseaba tanto tener.
Henry Ford Hospital o La cama volando (1932)

La orquídea fue un regalo de Diego. "Cuando yo lo pinté, tenia la idea de una cosa sexual mezclada con lo
sentimental". El caracol, explicó, alude al lento aborto. El torso femenino de yeso color salmón, Frida
explicó que era su "idea de cómo explicar el interior de una mujer". La máquina de aspecto cruel que ella
inventó "para explicar la parte mecánica de todo el asunto". Finalmente, en la esquina inferior derecha está
su pelvis.

El único elemento que no es tan obvio es el "Santo" o "Salvador". En este caso, es el hospital Henry Ford el
cual salvó su vida.
Después de ese episodio penoso, Frida pinta cuadros que traducen su lasitud y su asco de los EEUU y de
los americanos mientras que su marido, él, se queda fascinado por este país y no quiere irse de allá.

Después de permanecer en los Estados Unidos casi

Autorretrato en la frontera entre México y los
Estados-Unidos (1932)
tres años, Frida cada vez añoraba más México. En
este cuadro, Frida muestra claramente sus
ambivalentes sentimientos hacia "Gringolandia"
(los Estados Unidos). Vestida con un delicado
vestido rosa y guantes blancos que se apartan
mucho de su regular vestuario, Frida está de pie
como una estatua en un pedestal entre los dos
mundos diferentes. En su mano sujeta una bandera
mexicana lo que quizás indica donde radica su
lealtad. En el otro lado, el antiguo paisaje
mexicano, con sus ricos y calidos colores naturales,
plantas exóticas y piezas de esculturas azteca. Las
fuerzas de la naturaleza y el ciclo de vida natural
gobiernan el lado mexicano. En el otro lado, el
muerto paisaje dominado por la tecnología de los
Estados Unidos se muestra en pálidos colores
grises y azules. Hay sólo un nexo de unión entre
los dos mundos: un generador eléctrico que está en
el lado norteamericano toma su poder de las raíces
de una planta en el lado Mexicano, y suministra
electricidad a un enchufe en el pedestal donde está
Frida.

En diciembre de 1933, Diego Rivera acepta regresar a México. Se instalan en una casa a San Angel,
construida por un amigo arquitecto y pintor, Juan O'Gorman. Problemas de salud obligan a Frida regresar
al hospital. En 1935 Frida descubre que su marido tiene una relación con su hermana, Cristina. Casi
aniquilada deja el hogar por un departamento en el centro de México DF. Durante ese periodo tiene varias
relaciones extra conyugales, incluso con otras mujeres.

Con el corazón roto por la aventura de su

esposo con su hermana menor, Cristina, Frida
reflejó su dolor e ira en esta pintura. Su propio
dolor era tan profundo que incapaz de pintarlo
en primera persona, lo proyectó en la
desgracias de otra mujer. Un periódico publico
una noticia acerca de una mujer asesinada por
celos, y esto dio a la artista el sujeto ideal para
su trabajo. El asesino se defendió delante del
juez diciendo: “ Pero solo fueron unos cuantos
piquetitos!”. Este hecho violento es una
referencia simbólica al propio estado mental
de Frida y sus propias heridas emocionales.

Unos cuantos piquetitos, (1935)

Cuando el cuadro estaba acabado, Kahlo le dio un toque final para proyectar más a fondo sus emociones
en su trabajo. En un ataque de ira, agarró un cuchillo y apuñaló el marco varias veces.

En 1936, Trotsky estaba profundamente comprometido con las ideas marxistas, como un pensador,
escritor, organizador y estratega militar. En 1936, Stalin finalmente envió a su rival Trotsky al exilio.
Incapaz de encontrar asilo en otros países, el marido de Frida, Diego Rivera, convenció al presidente
mexicano, Lázaro Cárdenas para garantizar asilo a Trotsky en México. En enero de 1937, León Trotsky y
su esposa, Natalia Sedova, llegaron a México y fueron recibidos por Kahlo. Frida les dejó usar la Casa
Azul en Coyoacán, donde vivieron en los siguientes dos años. Durante ese tiempo, los Rivera y los
Trotsky pasaron un montón de tiempo juntos y a principios del verano de 1937, Frida y León empezaron
un asunto amoroso en secreto. Trotsky se veía atraído por mujeres hermosas y Kahlo encontró su posición
en la escena mundial y la visión que Diego tenia de él, atractiva. No obstante, al poco tiempo, Kahlo se
cansó de Trotsky, a quien llamaba "el viejo" y el asunto acabó. Cuando su relación acabó en Julio, Frida
pintó su autorretrato y se lo dio a Trotsky, quien lo colgó en la pared de su estudio. En abril de 1939, los
Trotsky dejaron la Casa Azul…León dejo atrás el cuadro.

Este retrato a veces es llamado "Entre las

cortinas". Es un autorretrato que Frida pintó como
regalo para León Trotsky para su cumpleaños. El
papel que tiene en la mano tiene la dedicatoria
para León: "Para León Trotsky, con todo mi
amor, le dedico este cuadro el 7 de noviembre de
1937. Frida Kahlo en San Ángel, México". El
retrato está pintado con cálidos y suaves colores y
Frida aparece bella, seductora y llena de
confianza.

Autorretrato dedicado a León Trotsky, (1937)

En 1938, Frida y Diego divorcian. Siente muchos dolores en la columna vertebral y contrae una micosis
aguda en la mano derecha. En 1940, se va a San Francisco para que el doctor Eloesser la cure. Es una
persona que estima mucho. Diego Rivera se encuentra al mismo tiempo en esta ciudad y le propone
casarse de nuevo. Ella acepta y la segunda boda tiene lugar en San Francisco el mismo año, el día del
cumpleaños de Diego. Se instalan en la Casa Azul, después de la muerte del Padre de Frida.

En 1942, la eligieron miembro del Seminario de Cultura Mexicana, una organización creada por el
ministro de los asuntos culturales y compuesta de veinticinco artistas e intelectuales. Tiene como objetivo
de animar la difusión de la cultura mexicana organizando exposiciones, conferencias etc.

En 1943, dirige una clase de pintura en la Academia de las Bellas-Artes, pero su mala salud la obliga
enseñar en casa. Sus dolores permanentes en el pié y la espalda la impiden caminar normalmente. Al fin
de los años 1940, el estado de salud de Frida empeora y en 1950 tiene que regresar al hospital.
 Este autorretrato es un gran contraste con otros
autorretratos de Frida ya que ella se pintó sola… no monos,
no gatos, no pericos y no fondo de hojas protectoras y
plantas En lugar de eso, Frida está sola, llorando en una
vasta llanura bajo un cielo tormentoso. Quizás es su manera
de decir que tiene que manejar su dolor físico y emocional
por si misma.

En 1944, cuando Frida pintó este autorretrato, su salud se

había deteriorado hasta el punto de tener que llevar un
corsé de acero para sujetar su columna vertebral durante
cinco meses. Lo describió como un "castigo". Las correas
del corsé parecen ser lo único que aguanta el cuerpo roto de
la artista en una pieza y erecto. Una columna jónica, rota en
varias partes, representa su columna dañada. La dramática
abertura en su cuerpo y las fisuras del seco paisaje se
convierten en símbolos del dolor y la soledad de la artista.
Este sentimiento se ve acentuado por el poderoso símbolo
Columna rota (1944) de los clavos atravesando su cara y cuerpo. El clavo más
largo agujereando su corazón indica la fuente del dolor
emocional causado por Diego.

En la primavera del año 1953, el fotógrafo Lola Álvarez Bravo organiza la primera exposición
monográfica de Frida en México. Su médico la prohíbe levantarse, así que es en su cama de hospital que
llega a la galería para participar a la exposición.

En agosto del mismo año se le corta la pierna derecha hasta la rodilla. Esta operación calma sus
sufrimientos pero la hunde en una profunda depresión. Sin embargo, a causa de una neumonía muere el
13 de julio de 1954, siete días después de su cuarenta y siete cumpleaños. Como lo quería, la incineraron
el 14 de julio y sus cenizas se encuentran sobre su cama de la Casa Azul.