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MUTATÁ-ANTIOQUIA-COLOMBIA
NIT. 900.144.490-9 DANE:205480000341
Creada mediante Ordenanza Departamental No. 33 de 1968 y aprobada mediante las Resoluciones
Departamentales No. 0508 del 23 de enero de 2003, No. 0966 del 9 de julio de 2004, No. 11342 del
23 de diciembre de 2004, No. 7251 del 28 de junio de 2005, No. 26954 del 18 de diciembre de
2007, No. 08104 del 02 de mayo de 2008, No. 050906 del 23 de mayo de 2013, No. 037080 del 7 de
mayo de 2014, No. 131113 del 05 de noviembre de 2014 y No. 132339 del 13 de noviembre de 2014
I. DATOS GENERALES
2. PRESENTACIÓN DE LA GUÍA
Estimados padres de familia y educandos del grado, SEXTO esta guía taller, sobre artes consta de dos partes una de
lectura de conocimiento general y la otra práctica, en tu cuaderno.
2.1. INTRODUCCIÓN
INFORMACIÓN GENERAL
Dentro de la historia del arte existen diversos y variados estilos de arte. Estos tipos de arte, en su conjunto, son lo que
hoy en día da respuesta a la pregunta de ¿Qué es el arte? Actualmente la gran mayoría de las personas conocen varias
clases de arte o han oído hablar de ellas e incluso han visitado obras de arte de un determinado estilo y es que en la
actualidad hay miles de ciudades que tienen diferentes obras de distintos tipos de arte y es algo muy hermoso de
contemplar.
Los tipos de arte en la historia, como hemos dicho anteriormente, han sido muy variados. Muchos de ellos han sido una
evolución de otro estilo de arte más antiguo, otros han sido un estilo de arte totalmente innovador, otros han sido estilos
de arte similares, evidentemente al haber tantos tipos de arte en la historia muchos de ellos han sido confundidos con
otros. Aunque la gran mayoría de los estilos de arte han sido muy destacados en su periodo y han creado obras
magníficas que hoy en día podemos contemplar, además de que gracias a estas clases de arte hoy por hoy tenemos
miles de artistas famosos como por ejemplo Leonardo Da Vinci o Vincent Van Gogh.
Arte abstracto
El arte abstracto se origina en 1910 y se desarrolla como el arte contrario al arte figurativo que existía entonces, por
esta razón ambos estilos de arte coexisten en el mismo periodo. Este estilo de arte suele hallarse en la gran mayoría de
las disciplinas del arte tradicional tanto en las disciplinas comunes como en la música, la literatura o la danza.
Para entender que es el arte abstracto primero hay que saber que es abstracto. La abstracción es el acto y el resultado
de abstraer, lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se
aleja del aspecto exterior de una realidad. Cuando la palabra se aplica al ámbito artístico o a un artista, describe a la
intención de no representar seres u objetos concretos, contemplando solo elementos de forma, color, estructura o
proporción.
Desde el Renacimiento en adelante la preocupación por recrear la ilusión de la realidad domina las artes visuales como
la pintura o la escultura y hasta la llegada del Impresionismo los pintores invirtieron las prioridades en la representación
y dieron una mayor importancia al procedimiento pictórico alejándolos de las apariencias externas de la realidad.
A medida que el arte figurativo entra en crisis, el arte abstracto se va abriendo el camino con un nuevo concepto para
captar la realidad y con ayuda del expresionismo o el cubismo, que reaccionan contra el realismo explorando distintas
maneras independientemente de la realidad.
El arte abstracto surge en el año 1910 en Munich, de la mano del artista ruso Wasily Kandinsky, exponiendo las primeras
ideas sobre el arte abstracto, cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas de
siglo XX, siendo una idea contraria al pensamiento del arte figurativo.
arte abstracto El arte abstracto no representa figuras, objetos o personas, sino que utiliza un lenguaje visual propio con
unos significados variados, realizando formas abstractas, sin imitar o representar fielmente de lo natural. Es un estilo
que hace foco en los detalles formales, estructurales y cromáticos y los profundiza a través de la acentuación de su
valor y su poder expresivo.
Cuando se inició el arte abstracto hubo grandes polémicas y discrepancias, se decía que no era en sí arte, en tiempos
de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo, pero según pasa el tiempo se ha convertido en una fuente
inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo siendo ahora cuando nadie se atreve a poner en duda su existencia
e identidad como un arte propio.
La definición de este concepto incluye a muchas artes visuales como pueden ser la pintura, escultura o las artes gráficas,
aunque también se puede ver este arte en algunas artes plásticas un ejemplo de esto puede ser la arquitectura. En
resumen, el arte abstracto se puede encontrar en cualquier categoría de arte tradicional incluso en la música, la danza
o la literatura. Aunque sea un arte abstracto menos conocido hay pruebas de que existen tales expresiones.
Una obra abstracta no puede hacer alusión a algo exterior a la obra, es decir, esta obra da a ver una nueva realidad muy
distinta a la que vemos. Por ello, el arte abstracto es el que remplaza toda clase de figuración (Paisajes, figuras, objetos,
formas geométricas, etc.). Por lo tanto, el arte abstracto no considera la necesidad de hacer una representación
figurativa por lo que suele cambiarla por un lenguaje visual que tiene propio significado. Para entender un poco más
sobre el lenguaje del este concepto de arte tendremos que visualizar la forma, la línea de representar una estructura
la cual puede ser diferente a la visión que tenemos en la realidad y por último tendremos que saber el significado del
color.
Al terminar la Segunda Guerra Mundial surgió el movimiento artístico expresionismo abstracto. Sus bases se
encontraban en el surrealismo, combinando diferentes técnicas en una misma obra. Un importante estilo que se vuelve
muy popular en este movimiento es el collage, que utiliza mezclas de diferentes materiales o elementos.
3. PRESENTACIÓN TEMÁTICA
Características del arte abstracto
Se aleja de la mímesis de la apariencia externa, la obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad.
El grado de abstracción puede ser parcial, conservando partes del natural y modificando otras, o absoluto, donde no
existen rastros reconocibles figurativos.
Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.
Los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.
El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.
En resumen, el arte abstracto no es más que una manera de enseñarle al mundo que no solo se puede mostrar
sentimientos con figuras o con la visión de nuestra realidad, hay veces en las que debemos mirar más allá de nuestra
realidad para encontrar lo que es el verdadero arte.
Piet Mondrian: nació en Nueva York en el 1872. Aspiraba a una pintura no sentimental, no subjetiva, independiente
de cualquier carga histórica, cultural o geográfica, con línea recta y el ángulo recto, es decir, a la horizontal y al
vertical y a los tres colores primarios, junto con el blanco, el gris y el negro, y no los que resultan de sus
combinaciones. A este nuevo lenguaje artístico lo llamó Neoplasticismo.
Wassily Kandinsky: nació en Moscú en el 1866. Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está
destinada a despertar la emoción en el espectador, expresa el espíritu, la realidad interior, los estados de ánimo, los
sentimientos. En 1910 ejecutó la primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta. Sobre un
espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias
miméticas. La fluidez de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran
dinamismo, empezando a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas, alejándose del
natural. Su tendencia hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que él mismo denominó Impresiones,
Improvisaciones y Composiciones.
Arte contemporáneo
El arte contemporáneo es un término que se usa para clasificar de forma general a las obras de arte creadas en el
siglo XX, dicho de otra manera, este estilo de arte es el que se está creando y evolucionando hoy en día. Sin
embargo, existen diversas maneras de hablar o entender este concepto ya que probablemente este estilo de arte
sea uno de los más dificultosos de colocar cronológicamente por las diversas opiniones que existen.
Otro criterio utilizado para las manifestaciones contemporáneas es aquel que toma como punto de partida el inicio
de la Postmodernidad, que va de finales de la década del 60 e inicios de los años 70, o el fin de la segunda guerra
mundial, en 1945. Este arte contemporáneo está formado por movimientos como el arte pop, el nuevo realismo
francés, el arte pavera, el arte conceptual, el minimalismo y el expresionismo abstracto, así como con el
hiperrealismo, la desfiguración, las instalaciones o la deconstrucción.
Y por último criterio tenemos el que vincula el inicio del arte contemporáneo con el principio de la Edad
Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la revolución francesa.
Por ello podemos decir que, el arte contemporáneo se caracteriza por tener una conciencia de grupo dentro de cada
uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje
expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los
lleva a experimentar con el color, las formas y la composición, es querer encontrar una nueva manera de expresión
que no encaje con todo lo que se había hecho hasta ese momento. Así pues comenzó a desarrollar un sinfín de
formas nuevas y a comenzar desde un espacio nuevo donde la forma y el color adquirieron propiedades fuertes.
Es evidente que la libertad de crear e proyectar cualquier posibilita al artista cualquier tipo de exceso. Estos excesos
van desde los creativos, dentro de este grupo podemos encontrar a las vanguardias denominadas como arte
degenerado, hasta los productos artísticos del consumo colectivo que por otro lado varios expertos del arte lo
califican como de “muy mal gusto”
Vanguardias históricas del arte contemporáneo
El fauvismo: se identifica por la sustitución de la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas por un
fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo.
El futurismo: es un estilo llamado cubismo dinámico porque los artistas se interesaban por la representación del
movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.
El neoplasticismo: tiene un método que parte de la utilización de líneas rectas que delimitan rectángulos de colores
primarios, los artistas quieren destacar la bidimensionalidad de la superficie para expresar su ideal basado en la
pureza del arte.
El dadaísmo: representa la antítesis del racionalismo y de la abstracción, que surgió durante la Primera Guerra
Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes, querían representar la libertad absoluta,
lo inmediato, la contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de la lógica un
pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y la eternidad de los principios, el caos sobre el orden y
romper las fronteras entre el arte y la vida.
El informalismo: en paralelo eón el expresionismo abstracto de Estados Unidos y abarca todas las tendencias
abstractas y gestuales desarrolladas en Francia y en el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se
distinguen varias corrientes diferentes como la abstracción lírica, la pintura matérica , la Nueva escuela de París, el
tachismo, el espacialismo o el art brut.
El Pop: fue un movimiento artístico del S.XX su característica más importante es el
empleo de imágenes de la cultura popular, como los anuncios publicitarios, cómic
books, el mundo del cine, entre otros. El arte pop, buscaba utilizar imágenes
populares en oposición a la elitista cultura de bellas artes, resaltando lo banal a
través del uso de la ironía.
Arte rupestre
El arte rupestre es un estilo de arte que realizaban los seres humanos en la edad prehistórica. Dicho tipo de arte se
realizaba en las paredes de las cuevas y solían ser dibujos que representaban animales, armas o seres humanos.
El arte rupestre es todo aquel dibujo prehistórico que se halle en rocas y cavernas, es la primera manifestación que
en la era Prehistórica hizo el hombre a través de pinturas, antes que comenzase la escritura. Siendo esta
manifestación artística considerada como una de las más antiguas de las que se tiene constancia, ya que existen
testimonios que se remontan a 40 mil años, o sea, tras la última glaciación.
Por ello el arte rupestre, nos da a entender que el ser humano, desde la prehistoria hasta la actualidad, organizaba
una manera de representar artísticamente todo lo que estaba en relación con el ideal religioso-mágico que tenían.
No había un determinado sitio para realizar estas pinturas y es por eso por lo que ha sido de gran dificultad encontrar
alguna de ellas ya que muchas se encontraban lejos de donde ellos habitaban en ese momento.
Arte Levantino: datado entre 6.000 y 4.000 a.c., este estilo se da en abrigos o covachos de escasa profundidad
donde la luz solar penetraba sin dificultad. Se representaban animales como los cérvidos, caprinos y bóvidos, en
manadas o en solitario. Son representaciones de perfil con los cuernos y pezuñas de frente, llamada esta técnica
perspectiva torcida. La representación de la figura humana adquiere protagonismo llegando a ser el tema principal,
aparecen escenas de caza, danzas, luchas, de trabajo agrícola, recolección de miel, la domesticación de animales,
entre otras, resaltando el movimiento. Se encontraron pinturas de Arte Levantino en Huesca, Lérida, en el sur de
Tarragona, Teruel, este de Cuenca, Valencia, entre otras ciudades.
Arte esquemático: datado entre 4.000 y 1.000 a.c. Según en las zonas donde se ha encontrado las manifestaciones,
parece de origen propio o de una evolución del arte Levantino. Las figura empiezan a ser muy sintéticas, incluso
algunas inidentificables, con una simplificación y esquematismo que lo podemos entender como un paso a la
abstracción. Aparecen figuras humanas y de animales muy simplificadas, con composiciones escénicas, signos
abstractos desconocidos en el arte Levantino. Resalta la esencia y el dinamismo.
Realmente no tenían una técnica muy elaborada ya que untaban los dedos con los colores y pintaban sobre una
superficial, aunque también tallaban la dibujo en la roca, incluso había algunos que cogían una caña y trazaban
líneas con los colores. Los lápices eran bolas ramas que quemaban o bolas de colorante mineral mezcladas con
resina. En muchas ocasiones la pintura rupestre nos ha rebelado que los primitivos utilizaban las hendiduras de la
pared y sus desniveles para que se tuviera la impresión de realismo y volumen.
Entre las más antiguas se cuenta las pinturas de la Cueva de Altamira, en Santallina del Mar, Cantabria, España
Respecto de la magnífica conservación que presentan muchas de estas piezas artísticas, aún a pesar de la erosión,
se debe mencionar que es justamente por el soporte en el cual han sido pintadas el motivo de esa perduración a
través del tiempo.
En tanto, la existencia de estas fabulosas creaciones demuestra a las claras que desde tiempos inmemoriales el ser
humano estuvo involucrado y comprometido con el arte.
Ahora bien, en lo que respecta a la motivación nos encontramos con que en algunos casos las pinturas rupestres
tienen una fuerte carga mágico-religiosa, utilizándoselas con la única razón de ser la antesala de una caza exitosa.
Cuando se trata de este tipo de situación, es común que las mismas se hallen en aquellas zonas más recónditas y
escondidas de la caverna o cueva, en cambio, cuando las manifestaciones artísticas se disponen a la vista de todos
se cree que es la consecuencia de la simple adopción del arte como una actividad más dentro de la vida cotidiana
de aquellos tiempos.
Cueva de Altamira: en España, fue el primer lugar donde se encontró arte rupestre en el Paleolítico Superior. Se
conservan muy bien las pinturas encontradas, con una longitud de unos 270 metros dentro de la cueva, siendo lo
más destacado sus pinturas policromas.
Refugios rupestres de Bhimbetka: en la India, al pie de los montes Vindhyan, se encontró estas manifestaciones
de arte rupestre siendo declarado Patrimonio de la Humanidad, siendo pinturas del periodo Mesolítico llegando a
épocas recientes.
Cueva de Magura: en Bulgaria, sus pinturas están decoradas con guano de murciélago y representan distintas
escenas de personas cazando y bailando, animales y plantas, teniendo la cueva una longitud de unos a 2.500
metros.
Cueva de las manos: en Argentina, es la expresión artística más antigua conocida de los pueblos indígenas hace
12.000 años. En sus paredes se encuentran impresas las 729 manos que dan nombre a la cueva, así como
guanacos, figuras geométricas y escenas de la vida cotidiana, siendo también Patrimonio de la Humanidad.
Pinturas rupestres de Kakadu: en Australia, se encuentra el Parque Nacional de Kakadu, con más de 5.000
yacimientos y diferentes emplazamientos rupestres que contienen vestigios del arte de los aborígenes australianos
que habitaron el lugar hace 20.000 años.
Pinturas de Ukhahlamba-Drakensberg: en Sudáfrica, sus tribus dejaron en sus pinturas las huellas de sus
costumbres y de sus tradiciones religiosas, hace unos 8.000 años.
Cueva de Lascaux: en Francia, sus pinturas datan de entre los 13.000 y los 25.000 años a. d. C. Fue descubierta
por casualidad en el año 1940, con el fin de preservar las pinturas la cueva fue cerrada al público y se ha habilitado
una réplica de los emplazamientos más característicos del sitio
Pinturas de Twyfelfontein: en Namibia, donde se encuentra la mayor concentración de arte rupestre de África,
también declarado como Patrimonio de la Humanidad en el año 2007.
Cueva Chauvet: en Francia, siendo las representaciones de mamuts, rinocerontes, leones y osos los más
importantes, descubierta en el año 1994.
Líneas de Nazca: en Perú, siendo lo geoglifos los más
famosos del mundo, trazando líneas, que forman trazados
geométricos perfectos y representan animales, plantas,
siluetas humanas y laberintos, llegan a medir 275 metros
de largo.
5. PRÁCTICA
De acuerdo a lo estudiado en la lectura, debes presentar cinco tipos de dibujos diferentes, teniendo en cuenta alguno
de los momentos de la historia del arte, en la cartulina de 1/8 de manera física o virtual debidamente marcado con tu
nombre, fecha y grado respectivo.
6. RECURSOS
Materiales utilizados, páginas web, libros… https://www.pinturayartistas.com
https://tiposdearte.com Sobre Historia del artes