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Su obra

Leonardo da Vinci
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El arte renacentista tuvo su culminación en la obra de tres grandes maestros: Leonardo da

Vinci,  Miguel Ángel  y  Rafael. Aunque pertenece cronológicamente al siglo XV (en 1500 ya
había realizado la mayor parte de su obra, síntesis y superación de todos los hallazgos del
siglo anterior), el espíritu de Leonardo da Vinci se proyecta sobre el siglo siguiente, hasta el
punto de que puede ser considerado el primer gran pintor del Cinquecento y el formulador
de los principios del Renacimiento clásico.

Supuesto autorretrato de Leonardo

La personalidad polifacética de Leonardo es encarnación ejemplar y suprema de la

universalidad del genio, capaz de dominar todas las ciencias y de abarcar todos los
conocimientos. Su talento fue tan absoluto y ambicioso como disperso y mudable: dejó sin
concluir gran parte de sus proyectos y su producción fue escasa. Aunque se ocupó
ampliamente de la arquitectura, no construyó ningún edificio; tampoco quedan muestras de
su escultura, y disponemos de poco más de una docena de sus pinturas, varias de ellas
inacabadas. Pero la significación de Leonardo da Vinci en el mundo de las artes trasciende
los aspectos cuantitativos y se explica tanto por la alta calidad de sus realizaciones como
por la abundancia y riqueza de sus ideas.

En pintura, Leonardo mejoró notablemente la representación y la sugestión de profundidad

por medio del  sfumato, degradación de valores que modela suavemente las formas y
traduce al plano bidimensional los volúmenes situados en el espacio. Muy alejado, por otra
parte, del deseo de lograr efectos ilusionistas, el arte de Leonardo, intelectual y tierno, es
un compendio y al mismo tiempo una obertura.

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El esfuerzo de Giotto por escapar al espacio cerrado del arte medieval, los fundamentos de
la perspectiva renacentista, la ciencia de la forma y la transcripción revolucionaria del
espacio en los primeros renacentistas florentinos, la singularidad misma de Fra Angélico, la
pureza del trazo de Pisanello y, en fin, la representación de la individualidad en un retratista
como  Antonello da Messina, todos estos hallazgos parecen haber sido asimilados,
redefinidos y superados por Leonardo de Vinci, en una obra planteada a partir del análisis
científico y puesta bajo el signo del número, de la solidez escultórica y de la estructura
densa, pero llena también de una poesía secreta y de un simbolismo psicológico turbador.

Formación

A los diecisiete años ingresó en el taller de Andrea del Verrocchio, junto al que permaneció
hasta 1476, aun cuando ya en 1470 figuraba inscrito en el registro de los pintores
florentinos. Según una tradición que se remonta a los primeros años del siglo XV, el joven
artista colaboró con el maestro en la tabla del  Bautismo de Cristo  (Galería de los Uffizi,
Florencia), incluyendo los dos ángeles de la izquierda, que se inspiran en la gracia sensitiva
de un Lippi o un Botticelli, y parte del paisaje nebuloso y mórbido del fondo.

Los primeros trabajos de Leonardo manifiestan un formalismo impecable. En el taller de

Verrocchio pintó hacia 1475 la Anunciación (Galería de los Uffizi, Florencia) para el convento
de San Bartolomeo di Monteoliveto, cerca de Florencia. La principesca Virgen, el prado lleno
de flores, los árboles netamente recortados contra el cielo luminoso, la perspectiva lineal del
edificio, la minuciosidad de los detalles y la sencilla composición demuestran que el autor ha
asimilado a la perfección la estética florentina del momento. Una lección similar se
desprende del retrato de Ginevra Benci (National Gallery of Art, Washington), pintado hacia
1478.

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Anunciación (c. 1475)

En las dos obras siguientes, ambas inacabadas, comienzan a despuntar nuevos datos.
Leonardo era un maestro independiente y había alcanzado cierta fama cuando le fue
encomendada en 1481 una gran tabla con la Adoración de los Magos (Galería de los Uffizi,
Florencia) para el convento de San Donato en Scopeto, cerca de Florencia. Nunca fue
terminada, pero en los numerosos bocetos preparatorios que han llegado hasta nosotros
aparece, por primera vez, un tipo de composición compleja, abundante en detalles y, sin
embargo, clarificada a partir de un módulo geométrico formado por la convergencia de las
principales figuras hacia la Virgen, cuya cabeza constituye el vértice de una pirámide ideal.

Esta tendencia a unificar y enlazar los más variados elementos de la composición,

característica en Leonardo, alcanzará gran fortuna en el siglo siguiente, a partir de Rafael.
También en el dramático San Jerónimo (hacia 1481, Museos Vaticanos, Roma), abandonado
cuando el artista partió para Milán, es notable la calidad expresiva de la fisonomía, e incluso
tratándose de un boceto se aprecia una nueva elaboración de los matices del claroscuro,
origen del célebre sfumato leonardesco.

Primera estancia en Milán (1482-1499)

En 1482 Leonardo dirigía una carta al duque de Milán, Ludovico Sforza, para ofrecerle sus
servicios como ingeniero militar y civil, arquitecto y experto en hidráulica, y sólo en segundo
término como pintor y escultor, proclamando de tal modo la universalidad del propio genio.
De hecho, esta primera etapa milanesa manifiesta su apertura al mundo y a la ciencia en
todas sus facetas. Se sumerge en el entorno cortesano de Ludovico y su amante Cecilia
Gallerani, participa activamente en sus fiestas, compone jeroglíficos galantes y dialoga con
poetas y músicos. Sus debates con Donato Bramante, con el matemático Luca Pacioli y con
los ingenieros y técnicos lombardos le permiten desarrollar y afianzar los conocimientos
adquiridos en Florencia.

Las cuestiones de arquitectura van a ocuparle intensamente a partir de ese momento. Si

bien no realizó ningún edificio en concreto, recogió exhaustivamente los grandes temas
constructivos de su tiempo en numerosos estudios, cuadernos y hojas sueltas, abarcando
por medio de precisos dibujos y bocetos aspectos de urbanismo, fortificaciones, arquitectura
religiosa y civil y teoría de las formas y las estructuras. Los llamados manuscritos A y B
(Biblioteca Nacional, París) y los códices  Atlanticus  (Pinacoteca Ambrosiana, Milán)

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y Arundel (British Library, Londres), entre otros, son trabajos preliminares para un tratado
sistemático de arquitectura que nunca concluyó.

El resultado fue un catálogo de composiciones que incluye desde los sencillos edificios del
primer Renacimiento hasta las complejas formas del Renacimiento pleno, salpicado de
variaciones personales, audaces y brillantes en las que Leonardo se revela precursor del
Cinquecento. Los diecisiete años que permaneció en Milán en estrecho contacto con
Bramante fueron decisivos para ambos y, en parte, explican los profundos cambios que
experimenta el estilo de Bramante entre su etapa milanesa y (después de 1500) sus
trabajos en Roma.

Tampoco el mundo de la escultura le fue ajeno. En su juventud había modelado en el taller

de Verrocchio cabezas de mujeres y niños con delicados rizos y expresión risueña, en la
orientación de  Desiderio da Settignano. Ahora le va a ocupar un tema que ya aparecía al
fondo de la inacabada  Adoración de los Magos: el de los caballos en actividad. Ludovico
Sforza le pasó el encargo de hacer la estatua ecuestre de Francesco Sforza, su padre,
inicialmente encomendado a Antonio Pollaiuolo. En 1489 Leonardo había comenzado los
dibujos preparatorios de un caballo colosal de bronce que debía medir casi siete metros, y
en 1493 había terminado un modelo en barro de la montura sin jinete, que no llegó a
fundirse debido a la caída de Ludovico Sforza en 1499. Las tropas francesas de Luis XII
decidieron emplear aquel enorme bulto como blanco y lo destruyeron por completo. Cuando,
más adelante, Leonardo tenga la posibilidad de reiniciar un monumento semejante, las
circunstancias políticas volverán a truncar su ambicioso proyecto.

Respecto a la pintura, la primera obra realizada por el artista tras establecerse en Milán
es La Virgen de las Rocas (Museo del Louvre, París), comenzada en 1483 para la iglesia de
San Francesco Grande. De este cuadro haría una réplica hacia 1507 que hoy se encuentra
en la National Gallery de Londres, realizada en parte por Ambrogio de Predis bajo su
dirección.  La Virgen de las Rocas  recupera del  San Jerónimo  de los Museos Vaticanos el
escenario de peñascos, pero fantásticamente ampliado y enriquecido con precisos estudios
geológicos y botánicos, al tiempo que desarrolla una sabia gradación luminosa y una
compleja estructura espacial.

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La Última Cena (1498)

Entre 1495 y 1498 pintó sobre una pared del refectorio de Santa Maria delle Grazie  La
Última Cena, su más vasta empresa pictórica y una de las más célebres obras de toda la
historia del arte. A fin de trabajar con mayor comodidad escogió, en lugar de la tradicional
técnica del fresco (que obliga a pintar con rapidez sobre el enlucido aún húmedo y no
consiente arrepentimientos), la del temple con una preparación en dos capas, pero el
experimento no tuvo éxito y la superficie pictórica sufrió un gravísimo deterioro que ninguna
restauración posterior ha logrado enmendar.

El tema de la composición es el momento en que  Jesucristo  anuncia que uno de los

apóstoles lo ha traicionado, lo cual provoca en cada uno de ellos sentimientos de ansia,
rabia o consternación; se introduce así una fuerte carga emotiva en un espacio
perfectamente ordenado y simétrico en el que la figura de Cristo, único personaje sereno,
ocupa el punto de fuga. Además de estas dos grandes obras cabe mencionar los retratos La
dama del armiño  (Museo Czartoryski, Cracovia), que representa a Cecilia Gallerani, y el
apócrifo  La belle ferronnière  (Museo del Louvre, París), pintura de taller que ha sido
atribuida a su discípulo Boltraffio.

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