Importancia del arte para el desarrollo humano

“Of Mans First Disobedience, and the Fruit Of that Forbidden Tree”1 Comienza así el
poema de Milton “Paraíso perdido”, donde se cuenta sobre la expulsión del cielo de los
ángeles caídos y cómo el demonio conjura su plan de venganza tentando al hombre para
que coma del fruto prohibido. 

El relato del Génesis da cuenta de una realidad que conocemos de sobra: la condición del
hombre, o para ser más precisos: la condición caída del hombre. Claro que a nuestros
tiempos lo que ha llegado es la versión humana caída, con sus innumerables errores y
atrocidades. Si mirásemos en derredor constataríamos con desagrado la premisa: el hombre
es un ser imperfecto. Y así como él es imperfecto, imperfectas son también sus
instituciones: las organizaciones y los estados, los gobiernos de los países. Por ello nos
resulta un poco ingenuo pensar que se puede construir un régimen utópico en este mundo.
Las utopías y los sueños de perfección parecerían, bajo tales circunstancias, no sólo
ingenuas sino también alejadas de la verdad. ¿Qué sentido tendría pensar en un hombre
perfecto e incorrupto si ello es imposible de lograr? Dejemos de lado su imperfección
moral, tampoco es posible la perfección física, nuestro carácter de seres temporales implica
que conforme pasan los años nuestros organismos se deterioran, surgen eventualmente las
enfermedades y los achaques propios de la vejez. El pobre humano parece no poder escapar
de la corrupción, ni de la moral ni de la corpórea. Pero el hecho de hablar de corrupción, es
decir de mal, implica que estamos estableciendo un contraste, es decir que para hablar de
mal necesitamos concebir una noción de bien, y no sólo bien dicho a la ligera sino de
bien en sentido absoluto. El paradigma de perfección no está ahí para ser alcanzado en
estricto sentido (al menos no en esta tierra), sino para poder hablar del mal y del bien.

Arte renacentista
Pensemos ahora en el arte renacentista, éste nos muestra una idea del hombre que nos
puede parecer lejana a la realidad. Se trata de un período donde los cánones artísticos
llevaron a los artistas a representar al hombre en un estado de perfección corpórea y,
en algunos casos, moral también. Ejemplo de esto es el Adán de Miguel Ángel en el techo
de la capilla sixtina en el cuadro de la creación, donde Dios le da el regalo de la vida. O el
David, también de Miguel Ángel, donde se retrata al hombre, parafraseando al filósofo
Roger Scruton, como una entidad real a la luz de lo ideal.

La agonía y el éxtasis
¿Qué hay de este arte? ¿Se trata de una mentira? Podemos objetar, como bien lo ilustra la
película “La agonía y el éxtasis” que la condición humana está muy lejos de ser tan perfecta
y armónica como la retrata Miguel Ángel en Adán. O podríamos optar por conceder que lo
que se retrata en ese arte es una idea del hombre que es aspiracional, pero no real; que es el
parámetro inalcanzable con el cual medimos nuestras acciones, y digo acciones porque
Adán no sólo retrata la belleza física sino también la espiritual: ante el regalo de la vida,
es decir ante la existencia, se siente agradecido y lo vemos en actitud relajada y de perfecta
armonía con Dios, es decir con ese Bien en sentido absoluto del cual hablábamos líneas
más arriba. Pero la idea del relato del Génesis, del fresco de la creación y del poema de
Milton es una muy distinta. ¿Es un ideal para alcanzar? Como con algunas cosas en la
filosofía podemos decir que sí y no sin que haya contradicción. Lo es por un lado porque en
el estado actual de las cosas sí tiene esa función. Pero no lo es, al mismo tiempo, porque
hablamos de un “estado actual de las cosas”. Lo que se representa es, más bien, lo que se
cree que es un estado originario, aquello que fue antes de lo que Milton llama la primera
desobediencia del hombre. En ese sentido estas obras artísticas y su representación de la
armonía no nos están hablando de una mentira, sino de una verdad, pero de una que se
perdió en un momento del tiempo. Aunque, ¿realmente se perdió? No por completo,
puesto que aún somos capaces de concebirla en esa noción de armonía del hombre con
el Bien absoluto. Además, concebirla de esta manera, como un estado originario, hace que
la armonía no sea una noción revolucionaria, no es un rompimiento radical con la realidad,
sino un volver a su estado primigenio. El sentido de estas obras es ilustrar un regreso, una
reconciliación con lo perdido. El modo en que el arte apuesta por ilustrar el camino de
esta reconciliación no es el del abandono de la materia, sino que apuesta por un camino que
parte de la realidad para poder redimirla. Tenemos entonces al arte como vehículo que
facilita la reconciliación a través de la belleza sensible; pero que a pesar de ser sensible
invoca, gracias a la influencia de la filosofía platónica, una realidad que sí es superior en el
sentido de que no está sujeta a las limitaciones de la corrupción.
1
De la primera desobediencia del hombre y el fruto de ese árbol prohibido. 

Escrito por Joaquín Cruz Lamas

https://www.carlosllanocatedra.org/academia/importancia-del-arte-para-el-desarrollo-humano

La Importancia del Arte en el Ser Humano

El arte es una de las expresiones más especiales del ser humano. Desde que los primeros
habitantes forjaron su forma de vida y exploraron nuevos territorios, hemos sido testigos de la
capacidad creadora y creativa del hombre. Diferentes muestras alrededor del mundo dan a
conocer que el hombre siempre desea comunicar algo, y para ello existen muchas formas de
hacerlo.

El arte implica la música, la danza, la pintura, escultura, etc. Todas aquellas expresiones que hacen
voltear nuestra mirada y darnos cuenta que esa no es una creación cualquiera. Sino que sólo
personas con un don especial realizaron eso, ya que no todos tenemos la habilidad de crear una
pintura que se muestra en todos los museos o demostrar nuestra habilidad para la danza en una
temporada de ballet clásico. Si bien es cierto que tenemos una noción de lo que significa el arte,
vale aclarar que los estudiantes también deben crecer teniendo conocimiento de todas las
expresiones que engloban a este término. Siempre se toma en cuenta a los cursos más
mencionados como la Lengua o Matemáticas, pero muy pocos toman en cuenta un curso que
permite formar la capacidad creativa de los niños.
No es posible enseñarte que seas un excelente pintor o el mejor músico de tu país, ya que en
principio, las personas nacen con determinadas habilidades y si esas se refuerzan y practican,
entonces, pueden mostrarlas a un cien por ciento. Lo que queremos es demostrar que con la
enseñanza de las diferentes expresiones del arte (enseñanza teórica), uno puede lograr generar
interés y curiosidad por la práctica.

Pero si a un niño ni siquiera le mencionan sobre estos temas, lógicamente no tendrá ni la más
mínima noción de estos. No sólo debemos preocuparnos por el desarrollo intelectual de los niños,
sino también por su desarrollo emocional y psicológico. Y en muchos casos, practicar alguna
expresión del arte, permite que el niño pueda desarrollar en gran manera sus habilidades creativas
y expresionistas.

Se ha demostrado científicamente que el estudio de las bellas artes, desde edad temprana, cultiva
en el ser humano una sensibilidad que lo lleva ha desarrollar una ética muy sólida en su vida
adulta.

No exagero cuando afirmo que si dentro de los planes de estudios, desde el preescolar hasta la
universidad, se incorporan materias relacionadas a las bellas artes, formaremos personas con una
sensibilidad que les permita elevar el espíritu, así como conocer su yo interno, fuera de dogmas y
con un amplio criterio.

No olvidemos que las artes están vinculadas íntimamente a los sentidos y que estos nos nutren
para una vida plena, es decir disfrutar de la existencia.

La música, por ejemplo, nos permite la concentración. A través de escuchar música nuestra mente
navega y logramos profundizar en nuestra interioridad, también despierta el sentido del oído y
esto nos hace más perceptivos; y cuando la escuchamos en forma melódica nuestro sentido del
ritmo se agudiza. Las canciones nos permiten expresar sentimientos de una manera dulce o dolida
pero rítmica y sensorial.

Daniel Barenboim, director de la Opera de Berlín y de la Orquesta Sinfónica de Chicago, de origen

judío, cree que la música “no soluciona conflictos”, pero sí puede contribuir a crear escenarios de
paz y convivencia entre pueblos que en teoría son enemigos y están enfrentados hace décadas.
Barenboim de 59 años y considerado uno de los músicos más talentosos del mundo, imparte
desde hace cuatro años un taller: el West Eastern Divan, cuyo leitmotiv es fomentar mediante la
música esta idea sencilla: “Los artistas y los músicos, no tenemos que esperar a que los políticos se
pongan de acuerdo sobre algo que queremos ejercer ahora mismo; la paz.

En el Teatro de la Maestranza de Sevilla al presentar el resultado del taller, comento: “El concierto
de hoy, es una gran ocasión para ejercer este derecho por muchas razones: hicimos un taller
intenso y extenso en Andalucía, región que para muchos de estos jóvenes es parte de su historia,
pues aquí han convivido durante siglos judíos, musulmanes y cristianos. El programa es un desafío
a toda la política en Medio Oriente, ya que el concierto para tres pianos de Mozart, lo
interpretaran, un israelí, un palestino y un sevillano de religión católica. Esto tiene un valor muy
importante más allá del simple amor a la música y la cultura, que es razón de enorme alegría. La
gente saldrá del teatro pensando dos cosas: queremos que haya paz, entendimiento y esto que
pasa de ser la continuación de nuestra historia común”

La literatura desarrolla nuestro pensamiento, el lenguaje se vuelve amplio y florido, logramos

transmitir nuestras ideas con suma claridad, ya que ha través de la lectura nuestro vocabulario se
hace más extenso; además de permitirnos vivir grandes aventuras, conocer la historia universal,
lograr parámetros con nuestra vida cotidiana mediante las moralejas que nos dejan las novelas de
la literatura clásica.

Hay que leer por placer, no sólo para estudiar o ganar una calificación; el día que eso se entienda
podremos ganar adeptos para hacer de ellos lectores de verdad, por gusto”.

El teatro y la danza hacen más ágil nuestro cuerpo, nos permiten la comprensión de los ritmos y
nos llevan a la tan necesaria catarsis cuando el cuerpo se suelta libremente. Estas asignaturas
están íntimamente ligadas al arte de la seducción así como a los ritos triviales, además nos
permite desarrollar el equilibrio; de hecho, el ser humano se puso en dos patas cuando comenzó a
bailar.

Las artes visuales y la arquitectura, nos refieren constantemente a nuestra historia. En términos
modernos tiene mucho que ver con nuestro disco duro, pues está comprobado que sin referentes
visuales perdemos la memoria; por ende, necesitamos contar nuestras experiencias en forma
visual. Para muestra ahí están las cuevas de Altamira que nos narran la vida cotidiana de nuestros
ancestros.

Una pintura, un edificio, un parque, una fotografía nos dan referencias de nuestro sentir y ser,
además nos llevan a comprender a nuestros antepasados, son fiel testimonio de nuestra historia,
sin la cual no nos podríamos reconocernos: quiénes somos y a dónde vamos. Sin las artes visuales
no tendríamos identidad, ni reconoceríamos el lugar donde nacimos sin el referente visual, ya sea
arquitectónico o plástico.

El arte es reflejo de emociones que rodean al genero humano, a través de la pintura, el ser
humano expresa sus emociones y su estado de ánimo, por ejemplo, "El grito" de Edward Munch,
refleja una niñez realmente atormentada por un padre tirano, se cuenta que Munch llegó a un
extremo tal de demencia, que fustigaba sus lienzos con un làtigo, tal y como lo hacia su padre con
él "para emparejarle el caracter". Franz Kafka en "La metamorfosis" reflejó tambièn un fuerte
temor de un padre también tirano. En el teatro, baste ver "Los monólogos de la Vagina" donde se
reflejan las situaciones diversas que la mujer ha padecido por siglos. Las artes son un reflejo de lo
que ocurre a nuestro alrededor,por ejemplo la pintura o murales de Siqueiros era netamente
política y luchaba por las clases sociales. Para que decir del gran Vincent Van Gogh, artista que en
muy pocos años logró esa extensa obra, con una expresión inigualable de su vida atormentada por
esa terrible esquizofrenia que padecía.
Los experimentos como el Big Brother que bien los describe George Orwel, en su novela 1984, y
que utilizaron los nazis en la Segunda Guerra Mundial, y los chilenos durante la dictadura militar,
por cierto con gran éxito, los cuales consistían en encerrar durante un período de tiempo a un
grupo de personas en cuartos blancos y cerrados, sabiendo que eran observados constantemente
a través de cámara. Con estas acciones lograban borrarles el disco duro; es decir, perdían la
memoria.

Con la pintura y la arquitectura se desarrolla el sentido de la vista, pero más que ver es observar.
No hay que olvidar que las artes al igual que la ciencia, se han desarrollado y están por así decirlo
al día; y no casualmente son las asignaturas que han alimentado a las mayores mentes rebeldes,
las que logran los cambios. Y cuando digo rebeldes, es con causa.
Para que el conocimiento de las bellas artes se imparta como una materia tan importante como
las matemáticas;
Son los pedagogos y los maestros, los que tienen que tomar nuevamente las riendas de los planes
de estudio, de la mano del sector más sensible de la sociedad que son los artistas e intelectuales,
para salvar a estas nuevas generaciones que están aprobando la guerra y la deshumanización que,
a su vez, dan paso a la corrupción, al individualismo extremo, al quítate tú pa ponerme yo.

Es importante aclarar que no pretendemos hacer artistas a todos los alumnos, unos serán
apreciadores y otros ejecutantes, es decir no todos los melógamos saben tocar un instrumento,
pero si aprecian la música, los coleccionistas de arte no saben pintar, pero conocen de pintura, no
es necesario escribir un libro para gozar del placer de la lectura.

Me pregunto sobre nuestros jóvenes: si conocen los numerosos museos, galerías y salas de arte de
nuestro país, en los que se exponen las diversas obras artísticas actuales y de todos los tiempos.
Así como cuestionarlos sobre cada cuándo asisten a un concierto, a un ballet o a una obra de
teatro y cuántos libros leen al año.

http://profesoramorales.blogspot.com/

¿Por qué el cerebro humano necesita el arte?

El arte en todas sus manifestaciones constituye una característica esencial que identifica al
ser humano, ha permitido transmitir la cultura en toda su extensión y  ha sido y es básico
para su supervivencia. Nuestro cerebro plástico necesita el arte. Ya en los primeros años y
de forma natural el niño juega, canta, baila, dibuja y todas estas actividades son
imprescindibles para su correcto desarrollo sensorial, motor, cognitivo, emocional y en
definitiva cerebral que le van a permitir aprender a aprender. Y realizando todas estas
actividades el niño se divierte, muestra orgulloso sus resultados a los demás, intenta
mejorar y ésta es una forma efectiva de entrenar una de las grandes virtudes del ser
humano: el autocontrol. La educación artística es una necesidad no porque nos haga más
inteligentes sino porque nos permite adquirir toda una serie de competencias y rutinas
mentales que están en plena consonancia con la naturaleza social del ser humano y que son
imprescindibles para el aprendizaje de cualquier contenido curricular. Y esto es útil para
todos los alumnos, por lo que se convierte en una forma estupenda de atender la diversidad
en el aula.

EL CEREBRO ARTÍSTICO

Las neuroimágenes cerebrales revelan algunos indicios de por qué las actividades artísticas
son tan importantes. Así, por ejemplo, se sabe que ciertas estructuras de la corteza auditiva
solo responden a tonos musicales, que una parte importante del cerebro y del cerebelo
interviene en la coordinación de todo tipo de movimientos, como en el baile, que en las
recreaciones teatrales regiones del cerebro especializadas en el lenguaje oral que están
conectadas con el sistema límbico nos proporcionan el componente emocional o, referido a
las artes visuales, que nuestro sistema de procesamiento visual genera imágenes reales o
ficticias con la misma facilidad (Sousa, 2011).

Como podemos ver en la figura 1, cada actividad artística activa diferentes regiones
cerebrales. La música se procesa en la corteza auditiva  que está en el lóbulo temporal, las
artes que conllevan movimiento como el baile o el teatro activan la corteza motora, las artes
visuales como la pintura se procesan principalmente en los lóbulos occipital y temporal,
mientras que la poesía o la prosa implican a las áreas  de Broca y Wernicke relacionadas
con el procesamiento lingüístico (Posner et al., 2008).

¿POR QUÉ ENSEÑAR LAS ARTES?

Los estudios que han analizado la implementación de la educación artística en el aula han
revelado que los efectos más potentes se encuentran en aquellos programas que se  integran
plenamente en las asignaturas del currículo y que cuando ocurre esto se obtienen múltiples
beneficios relacionados con el aprendizaje de los alumnos y su comportamiento. Rabkin y
Redmond (2004) han identificado los más significativos:
  Existe un mayor compromiso emocional de los alumnos en el aula.
 Los alumnos trabajan de forma más activa y aprenden unos de otros.
 Los grupos de aprendizaje cooperativo convierten las clases en comunidades de
aprendizaje.
 Se facilita el aprendizaje en todas las asignaturas a través de las artes.
 Los profesores colaboran más y tienen mayores expectativas sobre sus alumnos.
 El currículo se vuelve más real al basarse en un aprendizaje por proyectos.
 La evaluación es más reflexiva y variada.
 Las familias se involucran más.

Desde la perspectiva neuroeducativa, nos interesan especialmente tres factores

imprescindibles para el aprendizaje que las artes pueden mejorar:

La memoria

En un estudio con alumnos de quinto grado (10-11 años) se diseñaron unidades didácticas
relacionadas con materias científicas (astronomía y ecología) siguiendo dos procedimientos
distintos: en uno se utilizó el enfoque tradicional y en el otro se integraron las artes en la
unidad. Así, por ejemplo, en el segundo caso, los alumnos realizaban actividades con
objetivos didácticos definidos que incluían actuaciones teatrales, dibujos de posters,
recreación de movimientos o utilización de la música. El análisis de los resultados reveló
que los alumnos que participaron en la unidad didáctica en la que estaban integradas las
actividades artísticas mejoraron la llamada memoria a largo plazo, especialmente los
alumnos con dificultades lectoras (Hardiman et al., 2014).

Las emociones

En un estudio longitudinal que duró tres años se quiso analizar cómo afectaba la integración
de diferentes programas artísticos al desarrollo personal de alumnos con edades entre 9 y 15
años que pertenecían a entornos socioeconómicos desfavorecidos. En la primera parte del
programa se permitió elegir a los alumnos del grupo experimental entre diferentes formas
artísticas como la música, la pintura, la grabación de videos, la escritura de guiones o el
diseño de máscaras; en la segunda se profundizó más en los medios elegidos a través de un
trabajo cooperativo; y en la etapa final en la que intervenían todos los alumnos se
escenificó una obra de teatro y se grabó un video sobre la propia comunidad escolar. Los
tres años de aplicación del programa revelaron que los estudiantes mejoraron sus
habilidades artísticas y sociales, redujeron sus problemas emocionales y, en general,
desarrollaron más que el grupo de control toda una serie de competencias interpersonales
como la comunicación, la cooperación o la resolución de conflictos (Wright et al., 2006).

La creatividad

Las artes enseñan a los niños que  los problemas reales suelen tener más de una solución
posible, que es necesario analizar las tareas desde diferentes perspectivas, que la
imaginación es una  poderosa guía en los procesos de resolución o que no siempre existen
reglas definidas cuando tienen que tomar decisiones (Eisner, 2004).
Cuando se integran las disciplinas artísticas en las prácticas pedagógicas se promueve el
pensamiento creativo y divergente en los alumnos y no solo eso, sino que también
desarrollan un pensamiento más profundo. Un ejemplo sobre esto último lo podríamos
encontrar en el programa Artful Thinking  desarrollado por el  Proyecto Zero de Harvard
que utilizaba el poder de las imágenes visuales (ver figura 2), como las de las obras de arte,
para estimular en los alumnos procesos como la curiosidad, observación, comparación o
relación entre  ideas imprescindibles para el desarrollo del pensamiento creativo y del
aprendizaje (Hardiman, 2012).

Comentamos, a continuación,  aspectos relevantes sobre algunas de las disciplinas

artísticas:

MÚSICA

La música nos produce bienestar porque estimula nuestro sistema de recompensa cerebral
que libera dopamina y eso nos hace sentir bien. Es beneficioso desde la perspectiva
emocional escuchar música, pero desde la perspectiva cognitiva es mejor practicarla. Así,
por ejemplo, la activación simultánea de áreas sensoriales y motoras al tocar un instrumento
musical conlleva la mejora de capacidades generales como la memoria de trabajo o la
atención (Mora, 2013). No obstante, existen muchos malentendidos al respecto.

¿Nos hace la música más inteligentes?

Hay diversos estudios que sugieren que los niños que reciben educación musical obtienen
mejores resultados académicos. Sin embargo, la existencia de una correlación no significa
que haya una causalidad. El niño puede obtener estos mejores resultados debido a otros
factores relacionados, por ejemplo, con sus propias capacidades o con el entorno familiar
en el que se desarrollan.
Cuando se utilizan diseños experimentales rigurosos en los que existe un grupo de niños
asignados de forma aleatoria que recibe instrucción musical y otro grupo de control que no
la recibe, los resultados son diferentes. Y aunque pueda parecer sorprendente, ha habido
muy pocos experimentos de este tipo y con resultados poco esclarecedores sobre los
beneficios cognitivos que reporta la actividad musical.

El grupo de investigación de Elisabeth Spelke ha analizado estas cuestiones en una

investigación muy reciente (Mehr et al., 2013). En uno de los experimentos se asignaron de
forma aleatoria 29 niños de cuatro años de edad a clases de música o de artes visuales de 45
minutos durante seis semanas. Después de ese período de tiempo se realizaron una serie de
pruebas y no se encontraron diferencias en las que medían la competencia lingüística y
matemática de los niños de ambos grupos y una diferencia muy pequeña en las pruebas
espaciales. Como réplica al anterior experimento, los investigadores diseñaron otro similar
en el que ahora participaron 45 niños que fueron asignados al grupo experimental que
recibía las clases de música o a un grupo de control que no recibía ningún tipo de
instrucción. Y en este caso no hubo prácticamente diferencias entre los dos grupos (ver
figura 3):

¿Quiere decir esto que la instrucción musical no produce beneficios cognitivos?

Evidentemente no. Por una parte hacen falta más estudios que complementen esta
investigación y por otra este estudio no medía la inteligencia general de los niños como sí
hacían otros sino que iba más encaminado a analizar áreas específicas como la de
matemáticas. Lo cierto es que, como manifiesta la propia Elizabeth Spelke, el debate sobre
la importancia de la educación musical en particular, o la artística en general, no debería
centrarse en los beneficios externos (como puede ser la mejora matemática que se pone en
duda en el estudio comentado) sino en los beneficios inherentes al arte como son los
relacionados con cuestiones emocionales o sociales. Y esos no requieren ninguna
demostración empírica.
En 1993 apareció en la revista Nature un artículo en el que se informaba sobre una mejora
temporal en el razonamiento espacial en adultos al escuchar durante 10-15 minutos a
Mozart (Rauscher et al., 1993). Este hallazgo fue totalmente distorsionado por los medios
de comunicación  haciendo creer que la exposición temprana de los niños a la música
clásica mejoraría su cociente intelectual.  Lo cierto es que no se ha comprobado nunca esto
y el llamado “efecto Mozart” hay que considerarlo un neuromito más.

ARTES VISUALES

El cerebro humano ha desarrollado una extraordinaria capacidad para crear imágenes

mentales internas e incluso, se ha demostrado en estudios con neuroimágenes que se
activan las mismas regiones cerebrales al ver una escena real que al imaginarla (Thompson
et al., 2009). Esto es muy interesante, porque la visualización es una herramienta potente en
los procesos de memorización.

¿Qué puede aportar una clase de dibujo?

Si preguntáramos a los alumnos qué aprendieron en las clases de artes visuales seguramente
la mayoría respondería que aprendieron a dibujar, a pintar o a representar algún gráfico. Es
lógico que en las clases de arte se aprendan las técnicas artísticas correspondientes, sin
embargo, se pueden aprender muchas más cosas. Winner y sus colaboradores (2006) han
identificado ocho disposiciones (rutinas mentales) que los alumnos pueden desarrollar en
las clases de artes visuales y que pueden transferirse a otros dominios del aprendizaje:

 Utilización de herramientas y materiales: los alumnos aprenden las técnicas propias

de la disciplina utilizando, por ejemplo, pinceles y lápices o pintura y arcilla.
 Participación y perseverancia: los alumnos aprenden a comprometerse con la
materia a través de los proyectos realizados.
 Imaginación: los alumnos aprenden a visualizar e imaginar situaciones que se alejan
de la mera observación.
 Expresión: los alumnos aprenden a transmitir una visión personal en sus trabajos.
 Observación: los alumnos aprenden a utilizar una mirada propia y a percibir detalles
menos obvios.
 Reflexión: los alumnos aprenden a explicar, justificar y evaluar lo que realizan con
un espíritu crítico.
 Exploración: los alumnos aprenden a ir más allá de sus creaciones, a tomar nuevos
riesgos y a aprender de sus errores.
 Comprensión del mundo artístico: los alumnos aprenden a relacionarse con el arte y
a entender todo lo asociado a él como galerías, museos, etc.

Nadie puede dudar de la utilidad de todas estas disposiciones en cualquiera de las materias
curriculares (ver figura 4).
ARTES ESCÉNICAS

De forma paradójica, las actividades escolares que implican movimiento, sean artísticas
como cualquier estilo de baile o el teatro o deportivas como en el caso de la Educación
Física, están siendo reducidas. Sin embargo, las investigaciones en neurociencia están
demostrando su importancia a todos los niveles, incluido el cognitivo. Por ejemplo, la
danza es una estupenda forma de desarrollar tres aspectos del pensamiento creativo: la
fluidez, la originalidad y la capacidad de abstracción (Bradley, 2002). Por otra parte, hoy
sabemos que los mismos circuitos neurales que se activan al realizar una acción también lo
hacen al observar a otra persona haciéndola. Estas neuronas espejo posibilitan la imitación,
una poderosa forma de aprendizaje.

¿Vale la pena apuntar a mi hijo a teatro?

En una investigación en la que Catterall (2002) analizó los estudios realizados sobre los
efectos del teatro en entornos escolares identificó muchos beneficios, algunos de ellos
relacionados directamente con las materias curriculares y otros, que son los más
importantes,  con el desarrollo integral de la propia persona. Los más representativos son
los siguientes:

 Convierte los conceptos abstractos en conceptos concretos.

 Aborda los contenidos curriculares desde una perspectiva más atractiva.
 Mejora su vocabulario.
 Acerca el aprendizaje al mundo real.
 Permite reflexionar a los alumnos sobre lo que hacen y comparar sus opiniones con
las de los demás.
 Fomenta la tolerancia y el respeto por los demás.
 Mejora su autocontrol y su autoestima.
 Suministra un sentimiento de libertad acompañado de responsabilidad.
En mi caso particular, puedo asegurar que algunas  de las mayores satisfacciones en mi
experiencia docente provienen de haber comprobado como alumnos con dificultades para el
aprendizaje o para relacionarse con los compañeros adquirían toda una serie de
competencias interpersonales  a través del teatro que les hacían mejores alumnos y sobre
todo personas más felices.

EN LA PRÁCTICA

Ya hemos hablado de la relevancia de las artes como tales, pero lo más importante es
integrar las actividades artísticas en cada una de las diferentes materias curriculares
asumiendo una perspectiva transdisciplinaria. Será un acto creativo (no podemos pedir a
nuestros alumnos que sean creativos si nosotros no lo somos) que despertará la curiosidad
del alumno. Y como tantas veces hemos comentado, esta carga emocional facilitará la
atención y con ello el aprendizaje. Cuando estamos motivados, todo es más fácil.

Veamos algunos ejemplos concretos (más información en Sousa, 2011):

 Artes visuales. El profesor de Química pide a sus alumnos que dibujen un

organizador gráfico en el que se muestren las fases más importantes de un
experimento.
 Música. El profesor de Historia pide a sus alumnos que reflejen en la letra de una
melodía popular los hechos más significativos de la Revolución Francesa.
 Poesía. El profesor de Matemáticas pide a sus alumnos que escriban una estrofa de
un poema sobre los pasos que hay que seguir al resolver una ecuación matemática.
 Teatro. El profesor de Inglés pide a sus alumnos que escriban un final alternativo
de la obra Romeo y Julieta y que hagan una recreación teatral del mismo.

Y podemos seguir todo lo que nuestra imaginación nos permita. Podemos encontrar
ejemplos en cualquier asignatura y en cualquier etapa educativa.

Por otra parte, en el caso de currículos artísticos específicos, ya hemos comentado que el
aprendizaje basado en proyectos es una muy buen opción porque fomenta más el trabajo
cooperativo, la reflexión o la autoevaluación que los enfoques tradicionales, generando
además una mayor motivación intrínseca en el alumno.

CONCLUSIONES FINALES

No se puede negar que las actividades artísticas están arraigadas en el propio desarrollo del
ser humano desde su nacimiento y que constituyen una recompensa cerebral natural
necesaria para el aprendizaje. Porque la práctica de cualquiera de las manifestaciones
artísticas lleva asociada un componente emocional que nos motiva y que nos permite
contemplar el mundo que nos rodea desde una perspectiva diferente, más estética, más
profunda. La Educación Artística resulta imprescindible porque permite a los alumnos
adquirir toda una serie de competencias socioemocionales básicas para su desarrollo
personal y que, además,  les hacen más felices. Y ese es el verdadero aprendizaje, el que les
prepara para la vida. El cerebro humano, que es un órgano complejo en continua
reestructuración, agradece los retos y necesita el arte.

Jesús C. Guillén

Referencias bibliográficas:

1. Bradley K. (2002): “Informing and reforming dance education research”. En Deasy

R. (Ed.), Critical links: learning in the arts and student academic and social
development. Arts Education Partnership.
2. Catterall J. (2002): “Research on drama and theater in education”. En Deasy R.
(Ed.), Critical links: learning in the arts and student academic and social
development. Arts Education Partnership.
3. Eisner, Eliot W. (2004). El arte y la creación de la mente: El papel de las artes
visuales en la transformación de la conciencia. Paidós.
4. Hardiman, Mariale (2012). The brain-targeted teaching model for 21 st-century
schools. Corwin.
5. Hardiman M. et al. (2014): “The effects of arts integration on long-term retention of
academic content”. Mind, Brain and Education, 8(3), 144-148.
6. Mehr SA. Et al. (2013): “Two randomized trials provide no consistent evidence for
nonmusical cognitive benefits of brief preschool music enrichment”. PLoS ONE
8(12).
7. Mora, Francisco (2013). Neuroeducación: sólo se puede aprender aquello que se
ama. Alianza Editorial.
8. Posner, M. et al. (2008): “How arts training influences cognition”, en Learning, arts
and the brain: the Dana Consortium on arts and cognition, Danna Press.
9. Rabkin N. y Redmond R. (2004). Putting the arts in the picture: reforming
education in the 21st century. Columbia College.
10. Rauscher et al. (1993): “Music and spatial task performance”. Nature, Oct. 14.
11. Sousa, David A. (2011). How the brain learns. Corwin.
12. Thomson W. et al. (2009): “Two forms of spatial imagery: neuroimaging evidence”.
Psychological Science, 20.
13. Winner E. et al. (2006): “Studio thinking: how visual arts teaching can promote
disciplined habits of mind”. En Locher P. et al. (Eds), New directions in Aesthetics,
Creativity, and the Arts. Baywood.
14. Wright R. (2006): “Effect of a structured performing arts program on the
psychosocial functioning of low-income youth: findings from a Canadian
longitudinal study.”. Journal of Early Adolescence, 26.

https://escuelaconcerebro.wordpress.com/2015/01/31/por-que-el-cerebro-humano-necesita-el-
arte/
¿Cuál es la importancia del arte en la sociedad?
Posted June 2, 2018 Gaby Garcia Periche

Si, te lo has preguntando un montón de veces pero no logras llegar a una respuesta concreta
o a una conclusión sobre cuál es la importancia del arte en la sociedad. 

Sabes que el arte es fundamental para la cultura de una sociedad, y tal vez poder debatir
este tema con alguien, pero necesitas tener unos argumentos más precisos de los que tienes,
porque como artista las ideas que ves son más sensibles y sentimentales que precisas. 

A lo mejor eres un estudiante de este oficio y quieres saber cómo se puede vivir del arte
hoy en día, y como no conoces mucho acerca del arte como profesión, dudas si esta es la
carrera para ti. 

Pero ¿sabes una cosa?

Vivir del arte hoy en día es totalmente posible y factible, gracias a la globalización y
herramientas como Internet, la cual te ayuda promocionarte como artista y vender tu
arte online.

Por eso si quieres vivir del arte o generar ingresos del mismo, primero debes estar
consciente y seguro de su importancia en la sociedad.

El efecto del arte en las personas

Los humanos son por naturaleza artistas, por ende, el origen del arte comienza con el origen
de la humanidad. Desde la pintura rupestre hasta la última pieza contemporánea creada, el
arte ha servido como medio, forma y fuente de expresión. 
Está más que hablado y estudiado que los mensajes tienen un impacto, ya sea de forma
positiva o negativa. Lo que se expresa produce en el receptor un efecto, por lo que bajo ese
concepto, queda clara la importancia del arte por su cualidad de canal y de emisor.

Sin embargo, más allá de ser un transmisor de mensajes o canal de expresión, el arte,
como actividad creativa, tiene un efecto liberador, curativo, y de desarrollo personal.

Además, el arte sensibiliza, y los artistas, al ser seres sensibles, crean una mejor
sociedad.

¿Por qué debes estar consciente de la Importancia del

Arte en la Sociedad?
Hay dos razones principales por las que tienes que tener claro la importancia del arte si
quieres vivir de él.

En primer lugar, porque si no estás consciente de la importancia de tu arte, y lo útil que

este puede ser para la sociedad, nadie más lo hará.

Y, segundo, porque si no conoces lo que hace a tu arte relevante no podrás hacer que la
sociedad lo haga tampoco, y, al final del día, son los miembros de esta que van a generarte
ingresos a través de tus creaciones. ¿O no?

Tener claro el aporte y los beneficios que tu arte le proporciona a la sociedad te servirá
para vender y crear una marca que te diferencie del resto, y no solo eso, sino que también
ayudará de una forma u otra a mejorar la vida de las personas que se pongan en contacto
con tu obra.

Míralo de esta forma: vender tu arte es un negocio para el beneficio de los demás.

¿Cuál es la importancia del arte en la sociedad?

EL ARTE COMO TERAPIA

El arte es una forma de expresión, y como tal ejerce un efecto liberador y desestresante para
quien lo practica y/o lo disfruta.

Es por esto que se utiliza en la psicología desde hace años como terapia para mejorar,
sanar y dejar a un lado cualquier enfermedad mental o trastorno que una persona pueda
estar atravesando, con ayuda de elementos artísticos o formas de creación de arte.

La arteterapia es una herramienta curativa que se formalizó a partir de los 1920. En aquel
entonces, los profesionales de la salud mental comenzaron a notar que algunos de los
pacientes que sufrían trastornos mentales se expresaban por medio de la pintura u otras
formas artísticas.
Esto despertó el bombillo de los investigadores en el área y dieron con la estrategia del uso
del arte como forma de terapia cuando un método verbal no era eficiente.

El arte como terapia es una técnica de tres canales: el terapeuta, el cliente o paciente y el
arte. Sin embargo, no todo es tan absoluto, pues no es necesario pasar por la consulta de un
psicólogo o psiquiatra para obtener los resultados curativos del proceso creativo en el que
se manifiesta el arte.

Si nos enfocamos en la terapia como tal, esta puede tener lugar en diversos escenarios,
incluyendo consultas privadas, centros comunitarios, cárceles, escuelas y hospitales.

Se emplea usualmente con personas que padecen estrés postraumáticos, ya sea por abusos
sexuales, o alguna vivencia traumática, como incurrir en conflictos bélicos o ser víctimas
de accidentes a grandes escalas.

También se aplica con individuos que sufren enfermedades físicas como el cáncer,
SIDA, con personas diagnosticadas con autismo, demencia o alzheimer, depresión,
esquizofrenia u otros trastornos psicológicos, con niños con retraso escolar, problemas de
atención u otra serie de dificultades que muchos infantes presentan en la actualidad, entre
otros.

Gracias a que no se requiere una habilidad, o el manejo impecable de las técnicas del arte
que se desee practicar para expulsar las emociones, la arteterapia la puede utilizar toda
persona que así lo desee.

Con este método, los individuos logran vencer o resolver conflictos psicológicos, así
como mejorar habilidades sociales y comunicativas, pues el arte representa otro medio
de comunicación.

Todo esto debido a que quien lo practica lo hace en un ambiente agradable, poco invasivo,
libre y utiliza su mente de una forma que le permite estar enfocado en el momento
presente, dejando fluir sus pensamientos y su creatividad.

Arteterapia también es una herramienta empleada para el desarrollo personal, para aliviar
tensiones del día a día y para promover el autoconocimiento.

Por lo mismo, no es necesario padecer un trastorno psicológico o trauma para acudir a esta
técnica de expresión a través del arte.

Así como la terapia del arte no se emplea en una localización en específica, también se
formula por medio de distintas manifestaciones artísticas (teatro, danza, pintura, música,
escritura, collage, escultura).

Quien lo aplique cuenta con la libertad para expresar aquello que le angustia, le provoca
miedo, le aflige, o causa frustración, dejando salir con su creatividad esas emociones que
no sabía cómo manifestar de una forma convencional.  
El artista o paciente que utiliza el arte como terapia es el único que tiene la potestad de
darle significado a su obra.

Por eso, el terapeuta se limita a dar las instrucciones del ejercicio que crea conveniente y
provee el silencio y el espacio preciso para que la actividad creativa se realice sin
interrupciones externas que puedan causar distracciones y romper con el proceso de
internalización.

EL ARTE COMO MEDIO DE COMUNICACIÓN Y

CRÍTICA SOCIAL
ARTIVISMO

Quizás hayas escuchado esta palabra o visto este tipo de manifestaciones, pero no le habías
puesto un nombre.

Artivismo es la contracción de las palabras arte y activismo para denominar al grupo de

actividades artísticas que se desarrollan con el propósito de promover o impulsar un
cambio en la sociedad.

Estas actividades se basan en llevar la atención a un tema ignorado o “tabú”, realizar

reclamos para ocupar espacios públicos, o levantarse en contra de decisiones políticas que
afectan al colectivo de la humanidad de forma directa o indirecta.

Los artivistas no se limitan a realizar solamente arte callejero en todas sus vertientes, sino
que se ha producido a través del tiempo una nueva forma de comunicar un mensaje de una
manera no lineal, en donde el receptor tiene la oportunidad de participar, responder y
aportar al cambio social que el artista impulsa con su iniciativa.

Aunque su denominación sea relativamente nueva, el artivismo es una actividad que se

realiza desde hace tiempo, pues el arte, en infinitas ocasiones ha servido como plataforma
y herramienta de expresión para realizar cambios importantes en la sociedad.

En especial en tiempos donde la libertad se hallaba reprimida, como lo han sido las luchas
independentistas, la búsqueda incansable por la democracia, o la demanda por el respeto a
los derechos humanos.

La represión a la que el humano ha estado sujeto a lo largo de nuestra historia ha provocado

precisamente una necesidad de expresión, y el arte, aparte de buscar una estética o de
servir para el escape de la realidad en forma de entretenimiento, tiene como función
informar, educar, y a la vez, posee la habilidad de mover las masas y de impactar de manera
colectiva a la sociedad.

Todo esto con el fin de lograr un cambio favorable deseado, o llanamente, crear
conciencia sobre un tema que afecta a la humanidad.
En el artivismo se utiliza el arte para generar un cambio en la sociedad, pero sin limitarse a
la exposición misma de una obra, sino que busca la participación de un colectivo para que
esta cobre un sentido, o pueda llegar a su etapa culmine.

DISTINTAS FORMAS DE ARTIVISMO

INSTALACIONES ARTÍSTICAS

También, está el caso de los artivistas que realizan instalaciones ya sea en museos o en las
calles.

Las instalaciones artísticas surgen a mediados del siglo XX. Éstas nunca fallan cuando se
trata de acaparar la atención y/o sorprender al espectador, pues suelen ser piezas de gran
magnitud espacial, con temas conceptuales actuales o polémicos que se clasifican como
parte del movimiento artístico contemporáneo.

Más allá de la capacidad de acaparar la atención del público por su peculiaridad, las
instalaciones artísticas poseen una cualidad que le agregan un valor distintivo: su
capacidad de interacción.

En muchas ocasiones, el artista crea piezas que están logradas para que el espectador sea
parte de ellas y así cobren un total sentido. Esto hace que formen parte de éste nuevo
término: artivismo.

GRAFFITI

Otra forma de artivismo muy popular es el Graffiti, el cual se remonta a los años 60 en la
ciudad de Nueva York, inspirado por la cultura del Hip Hop, y por la necesidad de expresar
frases libremente en las calles de la ciudad.

Hoy en día obras como las del grafitero británico Bansky o las del estadounidense John
Fekner buscan con su arte transmitir ideales y mensajes de concienciación social y política.

Sus obras han generado admiración y críticas, y con ellas, una gran popularidad que les ha
permitido catapultarse como los grandes de su área, y desarrollar una estrategia con su
marca personal.

En ocasiones estos artistas, para poder expresar su idea o manifestar su mensaje, se ven en
la necesidad de violar la ley. No han sido pocas las historias de artivistas que han tenido
problemas con el sistema judicial por querer realizar conciencia o un cambio social.

ARTIVISMO E INTERNET

En la última década se ha visto el fenómeno de actividades artísticas de forma colectiva o

en red, impulsadas, promovidas y alcanzadas gracias a la plataforma de Internet.
Tal es el caso de Irational.org y Critial-art.net ambas agencias colectivas que promueven el
arte con mensajes de crítica social, llamados de justicia y que buscan hacer reflexionar a los
que tengan un encuentro con él.

Luego de familiarizarnos con el término artivismo y entender cómo sirve como canal para
transmitir mensajes que buscan o promueven un cambio en la sociedad de forma colectiva,
podemos enlazarlo con la era digital y cómo Internet es un medio más que utiliza el arte
para enviar mensajes activistas.

Internet es una herramienta que unifica al mundo. Rompe con límites temporales,
territoriales, y hasta lingüísticos. Es por esto que al momento de realizar actividades que
movilicen a la sociedad y creen conciencia, no hay mejor plataforma para hacerlo que en la
Red.

Mira las Redes Sociales (RRSS), por ejemplo, por ellas se canalizan mensajes y se conectan
personas de todo el mundo con un solo clic.

Seguro estás familiarizado con algunos movimientos activistas que se difundieron por
Twitter o Facebook, y cómo resultaron de gran impacto positivo en la sociedad, ya sea a
nivel ambiental, político o simplemente por su iniciativa de crear concienciación y alerta
sobre un tema que esté o no en la palestra pública.

Tú, como artista, si tienes el propósito de influir de manera consciente o subconsciente en

la mente colectiva de la sociedad con el objetivo de mejorar el mundo, cuentas con la
herramienta más poderosa que nos ha proporcionado esta era digital para compartir tu arte y
realizar una obra por el bien común que llegue más allá de los transeúntes: Internet.

El artivismo se caracteriza por la colectividad. La obra, que es el mensaje, no sirve de

mucho sin la participación de las personas.

Internet permite precisamente esto, que el número de participante sea ilimitado. Llegando a
rincones del mundo que si no fuera por la Red no pudieras alcanzar, debido a que no todos
tenemos la oportunidad de estar o presenciar de forma física las instalaciones, murales u
obras.

Sin embargo, hoy en día podemos apreciar todos estos trabajos gracias a personas que se
dedican a compartirlos por Internet, sin importar la hora o el lugar en que se realice el
activismo artístico.

Y he ahí una de las grandes ventajas del arte en la sociedad.

Mientras más individuos lo vean y entiendan el mensaje que este arte en particular quiere
transmitir, más oportunidades habrá de influir y generar un cambio o un impacto en la
sociedad.
 LA GESTIÓN CULTURAL

Otra manera de promover el arte y que se aprecie su importancia en la sociedad es a través

de la gestión cultural.

Un gestor cultural es la persona que se encarga de administrar los recursos de una

organización o entidad cultural, velando que los servicios y productos que ofrecen alcance
al mayor número de personas posible de forma satisfactoria.

Existen distintos tipos de organizaciones culturales:

 Productoras culturales: Asignan recursos para la producción de eventos culturales

 Empresas distribuidoras: Distribuyen bienes o servicios culturales.
 Entidades de representación (Managers): Administran y promueven la carrera artística de
un creador.

Un producto cultural es cualquier actividad cultural, ya sea un bien o un servicio. Podemos

diferenciar varias clasificaciones de productos culturales:

 Bien cultural: Es una actividad artística creada por una identidad para el disfrute y
beneficio de una masa, la cual busca generalmente lucrarse de ella. Entre estas creaciones
se encuentran los libros, los videos, las pinturas, las esculturas, los CD’s, etc.
 Servicio cultural: Es una actividad artística creada para que se consuma en el momento de
su ejecución o exhibición. Estas actividades tienen una fecha de caducidad, y no pueden
ser reproducidas tantas veces como una canción o un libro, por ejemplo. Debido a esto, se
les consideran únicas y/o exclusivas, y se realizan, generalmente, con una finalidad no
lucrativa. Algunos ejemplos son exposiciones, festivales culturales, obras de teatro, etc.

¿Por qué es importante la Gestión Cultural?

Los esfuerzos que se realizan en la gestión cultural son fundamentales para el desarrollo y
el impulso de la cultura y del arte de una nación. Si no se trabaja para explotar estas
actividades se dejaría morir lo que le da color y riqueza a un país.

Conociendo cuál la importancia del arte, y de cómo éste impacta positivamente la vida de
quien lo realiza y de quien lo recibe, podemos identificar realmente dónde radica la
importancia de esta actividad.

En ocasiones, las entidades públicas dejan el sector cultural a un lado, aislado de los
recursos del estado, o recibiendo una mínima atención.

Todo esto sin entender que si no se promueve la cultura y el arte, se deja perder la esencia
y las costumbres de una localidad, y no solo eso, sino que se priva a la sociedad del
derecho de disfrutar de todos los beneficios que tiene el desarrollo artístico.
Se necesitan personas que entiendan cuál es la importancia del arte en la sociedad, y de
cómo este es parte intrínseca de la cultura, para que este sector no viva siempre en una
especie de peligro de extinción, batallando constantemente para poder subsistir.

Por eso y más debería de interesarte a ti como artista ser también un gestor cultural.

Esta profesión no debería ser ejercida por una minoría notoria, sino lo opuesto, cada
ciudadano del mundo, está llamado a participar y a promover la cultura y el arte, porque
es parte inherente del ser humano.

Siempre hay formas de emprender proyectos, de unirse a ideas creativas que busquen un
bien social, de crear actividades para promover el arte. Solo es cuestión de dejar los miedos
y de utilizar herramientas poderosas como Internet para hacerlo.

Evidentemente, una de las funciones que debes desarrollar si te interesa ser un gestor
cultural, y quizás la que ocasiona más obstáculos, es la de buscar y administrar recursos,
tanto humanos como económicos, y es normal que los recursos los busques a través de
entidades gubernamentales o privadas.

Sin embargo, lo interesante de vivir en la era digital es que gracias a Internet no es

necesaria u obligatoria la participación de estas organizaciones, o de los medios de
comunicación tradicionales para poder realizar e impulsar una actividad de gestión
cultural de forma independiente.

Existen distintos sitios que te permitirán recaudar fondos de una forma libre, como
Indiegogo, Rockethub, FundAnything y Pozible.

Estas plataformas permiten crear campañas con una meta de donaciones establecidas en
un plazo de tiempo determinado. Es importante que tengas en cuenta que de todo el ingreso
que obtengas, la interfaz se cobra un porcentaje por gestión y comisión, que ronda entre el
3% a 10% de las ganancias.

Allí, personas de todo el mundo, no solo emprendedores o participantes recurrentes en estas

plataformas tienen la oportunidad de donar, sino que, gracias a las redes sociales, puedes
compartir y difundir tu campaña con personas alrededor del mundo, lograr que se sientan
identificadas y motivadas por tu causa, y así realicen sus donaciones.

Conociendo esto, solo tienes que decidirte, e investigar sobre las distintas tácticas y
estrategias que puedes emplear por medio de Internet para impulsar tu campaña y poder
realizar la actividad artística que te interese para promover tu cultura. 

LA IMPORTANCIA DE APRECIAR ARTE

La apreciación del arte es una manera alternativa y hermosa de entender la vida, a nosotros
mismos y a nuestro entorno.
Cuando vemos una película, presenciamos una obra de teatro o una pieza de danza, cuando
leemos literatura, cuando escuchamos música u observamos una pintura, por lo general
tratamos de buscar el significado detrás de la historia que el artista quiere transmitir y lo
interpretamos en función de lo que sabemos de la vida.

El lenguaje del arte, expresado a través de sonidos, colores, formas, líneas, e imágenes, a
veces dice más que las mismas palabras. El arte alcanza nuestras almas, conectando lo que
hay dentro de nosotros con las realidades externas.

Cuando estamos constantemente expuestos a expresiones artísticas, tendemos a desarrollar

nuestra preferencia estética, y al cultivar nuestra estética personal (con respecto al arte), nos
motivamos a crecer y a aprender más. Empezamos a conocer nuestro concepto de “belleza”
y aprendemos qué colores, formas, imágenes, sonidos, nos dan placer.

Nos conocemos a nosotros mismos a través del arte, ya que nuestra percepción de éste es
lo que nosotros somos.

Cuando apreciamos arte, nos podríamos identificar con el artista o con los personajes que
estos crean, y reflexionar sobre nuestros propios deseos y sentimientos, y también
podríamos sentir emociones y deseos que no acostumbramos a sentir.

Aprendemos sobre el pasado, el presente y el futuro, cuando apreciamos arte. 

Las artes nos enseñan las diferentes realidades culturales a través de generaciones, y

mientras las apreciamos, somos capaces de combinar nuestra comprensión del mundo
con nuestras emociones en el momento.

La apreciación del arte nos da la oportunidad de ampliar nuestro conocimiento y de pensar

creativamente. Al prescenciar arte, nos adentramos a la realidad que el artista ha creado
o creamos nuestras propias realidades.

Según el profesor Semir Zeki, neurobiólogo de una universidad en Londres, cuando

apreciamos fijamente grandes obras de arte, la parte del cerebro que se estimula es la
misma que cuando nos enamoramos.

El sentimiento del deseo y el afecto que tenemos cuando sentimos amor por alguien, es el
resultado de nuestro cerebro dejando salir dopamina, la sustancia química que nos hace
sentir bien.

Experimentar o apreciar arte es calmante. Los individuos que se encuentran en un estado de

depresión incluso pueden utlilizar la apreciación de obras de arte para encontrar alivio
de estrés y tensión.

Y por último pero no menos importante, mientras los miembros de una sociedad estén más
en contacto e inmersos en el arte y la cultura, hay menos probabilidad de que éstos se
inclinen por la delincuencia y/o a la vagancia, pues el arte sensibiliza e inspira a las
personas a ser mejor.

Es por esto que es fundamental el fomento de las artes y de la cultura en una sociedad.

CONCLUSON
Conocer cómo puede influir el arte de forma positiva en la vida de las personas y la
sociedad es una gran ventaja y sirve de motivación y estrategia para vender tu art dejar
atrás tu posible miedo de vender tu arte y vivir de él.

Hoy en día no solo tienes la oportunidad de darte a conocer y vender tu arte en Internet,
sino también de influir de manera positiva y generar un cambio en la sociedad con tan solo
compartir una pieza tuya en la Red.

No es un secreto para los amantes del arte saber que, ya sea creando o admirando una obra,
podemos recargar nuestra vida de energía positiva y de expulsar lo negativo. El arte tiene
efecto curativo, y esto es una ventaja más para promover lo que haces como artista.

Tal vez no te interese más que crear lo que te nace, expresar lo que  tu cuerpo necesita
expresar. Pero tú, como ser creativo, entenderás mejor que nadie los beneficios de
incorporar el arte en nuestras vidas y promoverlo como una herramienta fundamental para
cambiar el mundo.

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amantes del arte.

Y para ti, ¿Cuál es la importancia del arte?

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