El arte egipcio es mejor conocido

que el de otros pueblos de la

Antigüedad. Ello es debido
esencialmente a dos hechos: las
creencias religiosas de ultratumba
(se han conservado numerosos
enterramientos) y al empleo de
piedra como material en la
construcción de sus edificios religiosos
y funerarios (templos y tumbas), lo La pintura y la escultura en
que les ha conferido una gran relieve empleada en templos y
solidez y durabilidad. tumbas, unido al empleo de
El arte egipcio tiende al abundantes jeroglíficos ha permitido
gigantismo, es decir, muchos de sus conocer con gran detalle la historia
edificios y esculturas son de del Antiguo Egipto.
dimensiones colosales.
Paleta de Narmer, Museo Egipcio de El Cairo.
Las expresiones artísticas egipcias más antiguas se clasifican en las
siguientes etapas: Periodo Neolítico (5300-4000 a. C.), periodo
Badariense (4400-4000 a. C.), Nagada I - Amratiense (4000-
3500 a. C.), Nagada II - Gerzeense (3500-3200 a. C.) y
Nagada III (3200-3000 a. C.)
En estos periodos predomina la pintura decorativa (en cerámicas) o
simbólica (en tumbas) y pequeños objetos de carácter utilitario y mágico.
Destacan las vasijas de piedra, las "mazas" y "paletas" votivas, como la de
Narmer.

Se caracteriza principalmente por

presentar figuras junto a otras en
planos superpuestos. Las imágenes se
representan con criterio jerárquico, por
ejemplo: el faraón tiene un tamaño
más grande que los súbditos o los
enemigos que están a su lado.
Predominaba el canon de perfil que
consiste en representar la cabeza y las
extremidades de perfil pero los
hombros y los ojos de frente.
Desde las primeras dinastías se había
comenzado a representar a faraones y dioses.
Durante la cuarta dinastía la escultura
egipcia había alcanzado el dominio absoluto
de la técnica la cual se expresó en elegantes
representaciones de soberanos de porte
majestuoso con acabados pulidos en
materiales tan duros como el granito o la
diorita. En las estatuas predominó la "ley de
la frontalidad", que consistía en concebir las
figuras de reyes y dioses para ser vistas de
frente, idealizadas y con fuerte simetría.
La arquitectura religiosa egipcia se
caracteriza por su monumentalidad a
partir del Imperio Antiguo, con el empleo
de piedra, en grandes bloques, sistema
constructivo adintelado y sólidas columnas.
En la arquitectura civil se empleó
profusamente el adobe en viviendas,
palacios, fortalezas y murallas, perdurando
escasos restos. Las construcciones más
originales de la arquitectura egipcia
monumental son los "complejos de las
pirámides", los templos y las tumbas

•
Imperio Antiguo
(c. 2700-2200 a.
C.)

•
Imperio Medio .
(c. 2040-1795 a.
C.)

Imperio Nuevo
•
(c. 1570-1070 a.
C.)

Periodo Tardío
(c. 672-332 a. C.)
 El arte mesopotámico es una división cronológica y
geográfica de la historia del arte que trata de
Mesopotamia durante la edad Antigua. Hace
referencia a las expresiones artísticas de las culturas que
nacieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates.

Unas veces representa soberanos, otros dioses, otros

funcionarios, pero siempre personas individualizadas (a
veces con su nombre grabado). Busca sustituir a la persona
más que representarla. Cabeza y rostro desproporcionados
respecto al cuerpo por este motivo, desarrollaron el llamado
realismo conceptual: simplificaban y regularizaban las
formas naturales gracias a la ley de la frontalidad (parte
derecha e izquierda absolutamente simétricas) y al
geometrismo (figura dentro de un esquema geométrico que
solía ser el cilindro y el cono). Las representaciones
humanas se veían afectadas de una total indiferencia por la
realidad. Los animales presentaban un mayor realismo.
Algunos temas recurrentes de la escultura mesopotámica
son toros monumentales, muy estilizados y realistas (genios Estatua sedente del príncipe Gudea,
protectores, monstruosos y fantásticos como todo lo
sobrenatural en Mesopotamia).
escultura en diorita, 46 centímetros de
Sus técnicas principales fueron el relieve monumental, la
alto, excavado en Telloh (antigua
estela, el relieve parietal, el relieve de ladrillos esmaltados y Girsu), Irak, período neo-sumerio, año
el sello: otras formas de esculpir y desarrollar auténticos 2120 a. C., Museo del Louvre
cómics o narraciones en ellos.
Debido a las características del país, existen muy pocas
muestras, sin embargo, el arte es muy parecido al arte
del período magdaleniense de la prehistoria. La técnica
era la misma que en el relieve parietal, sin perspectiva.
Al igual que los mosaicos (más perdurables y
característicos) tenía un fin más decorativo que las otras
facetas del arte.
En la pintura y grabados, la jerarquía se mostraba de
acuerdo al tamaño de las personas representadas en la
obra: los de más alto rango se mostraban más grandes a
comparación con el resto.
La pintura fue estrictamente decorativa. Se utilizó para
embellecer la arquitectura. Carece de perspectiva, y es
cromáticamente pobre: solo prevalecen el blanco, el azul
y el rojo. Uso de la técnica del temple, que se puede
apreciar en mosaicos decorativos o azulejos. Los temas
eran escenas de guerras y de sacrificios rituales con
mucho realismo. Se representan figuras geométricas,
Los mesopotámicos tenían una arquitectura muy
personas, animales y monstruos. Se emplea en la
decoración doméstica. No se representaban las sombras.
particular debido a los recursos que tenían disponibles.
Hicieron uso de los dos sistemas constructivos básicos: el
abovedado y el adintelado.
Construyeron mosaicos pintados en colores vivos, como
negros verdes bicolores hechos por ellos mismos que eran
muy creativos a manera de murales. No había ventanas y
la luz se obtenía del techo. Se preocupaban de la vida
terrenal y no de la de los muertos, por tanto, las
edificaciones más representativas eran: el templo y el
palacio.
El templo era un centro religioso, económico y político.
Tenía tierras de cultivo y rebaños, almacenes (donde se
guardaban las cosechas) y talleres (donde se hacían
utensilios, estatuas de cobre y de cerámica). Los sacerdotes
organizaban el comercio y empleaban a campesinos,
pastores y artesanos, quienes recibían como pago parcelas
de tierra para cultivo decereales, dátiles o lana. Además,
los zigurats tenían un amplio patio con habitaciones para
alojar a las personas que habitaban en este pueblo.
 El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que
perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos
como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados
una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente.
Para hablar de la pintura griega es necesario hacer
referencia a la cerámica, ya que precisamente en la
decoración de ánforas, platos y vasijas, cuya
comercialización era un negocio muy productivo en la
antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.
Al comienzo los diseños eran elementales formas
geométricas -de ahí la denominación de geométrico que
recibe este primer período (siglos IX y VIII a. C.)-
que apenas se destacaban sobre la superficie
Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo
progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron,
entonces, los primeros dibujos de plantas y animales
enmarcados por guardas denominadas "meandros". En
un próximo paso, ya en el período arcaico (siglos VII
y VI a. C.), se incluyó la figura humana, de un
grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas
tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al
servicio de las representaciones mitológicas.
Las escenas se organizaron en franjas horizontales
paralelas que permitían su lectura girando la pieza de
cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los
trazados se volvieron más exactos y detallistas. Las
piezas de cerámica pintadas comienzan a experimentar
una notable decadencia durante el clasicismo (siglos
IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el período
helenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas de
color y ricamente decoradas.
Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas
figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales como la
arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico
(siglos VII y VI a. C.)que los griegos comenzaron a trabajar
la piedra. Los motivos más comunes de las primeras obras eran
sencillas estatuas de muchachos (kouros) y muchachas (korés). De
formas lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra
una belleza ideal.
Estas figuras guardaban una gran similitud con las esculturas
egipcias que habían servido de modelo. Con la llegada del
clasicismo (siglos V y IV a. C.), la estatuaria griega fue
tomando un carácter propio y abandonó definitivamente los
primitivos patrones orientales. Gracias al estudio de las
proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los
rostros ganaron definitivamente en expresividad y realismo.
Se introdujo el concepto de "contrapeste", posición por la cual la
escultura se apoyaba totalmente sobre una pierna, dejando la
otra libre, y el principio del dinamismo cobró forma en las
representaciones de atletas en plena acción. Algunos de los
grandes artistas del clasicismo fueron Policleto, Mirón, Praxíteles
y Fidias, aunque tampoco se puede dejar de mencionar a Lisipo,
que intentando plasmar las verdaderas facciones del rostro, logró
los primeros retratos.
Durante el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y
sofisticaron las formas heredadas del clasicismo. Así, producto de
esta recepción, surgieron obras de inigualable monumentalidad y
belleza, como "El coloso de Rodas", de treinta y dos metros de
altura. Cabe aclarar, que, tanto por su función religiosa como
decorativa, la escultura se hallaba estrechamente ligada a la
arquitectura. Así lo evidencian los trabajos estatuarios de las
fachadas, columnas e interior de los templos.
El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la arquitectura griega a occidente. Era de
una forma bastante simple: una sala rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico (pronaos) y
cuatro columnas que sostenían un techo bastante similar al actual tejado a dos aguas. En los comienzos éste fue el
esquema que marcó los cánones.
Del perfeccionamiento de esta forma básica se configuró el templo griego tal y como hoy lo conocemos. En sus
comienzos, los materiales utilizados eran el adobe para los muros y la madera para las columnas. Pero a partir del
siglo VII a.C. (período arcaico), éstos fueron reemplazados por la piedra, lo que permitió el agregado de una
nueva hilera de columnas en el exterior (peristilo), y con lo que la construcción ganó en monumentalidad.
Entonces surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el "dórico", al sur, en las costas del Peloponeso y el "jónico", al
este. Los templos dóricos eran más bien bajos y macizos. Las gruesas columnas carecían de base y el fuste era
acanalado. El capitel, muy simple, terminaba en una moldura llamada equino. Las columnas sostenían un
entablamiento (sistema de cornisas) compuesto por un arquitrabe (zona inferior) y un friso de tríglifos (decoración
acanalada) y metopas.
La construcción jónica, de mayores dimensiones, descansaba sobre una doble hilera de columnas, algo más estilizadas,
también de fuste acanalado y con un sólido basamento. El capitel culminaba en dos gráciles volutas y los frisos se
hallaban decorados con relieves. Más adelante, en el período clásico (siglos V y IV a. C.), la arquitectura griega
arribó a su máximo apogeo. A los dos órdenes ya conocidos se sumó el "corintio", con su típico capitel terminado en
hojas de acanto.
Las formas se estilizaron aún más y se agregó una tercera hilera de columnas. El Partenón de Atenas es la más
clara ilustración de este brillante período arquitectónico griego.
En tiempos de la dominación helénica (siglo III a. C.) la construcción, que conservó las formas básicas del clasicismo,
alcanzó el punto máximo de la fastuosidad. Columnas de capiteles ricamente ornados sostenían frisos trabajados en
relieve de una elegancia y factura insuperable.
 Con el concepto de arte romano se designa el conjunto de manifestaciones artísticas, especialmente la
arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas, características de la Antigua Roma, producidas entre
los siglos VI a. C. y IV d. C. aproximadamente.
A lo largo de aquel período, la ciudad de Roma se expandió primero por la península itálica y luego
por el resto del mundo Mediterráneo, hasta constituir una inmensa civilización conocida como Imperio
romano.
El arte y la cultura romanos recibieron la influencia de la civilización etrusca, durante los primeros siglos,
y de la griega a partir del siglo III a. C.
Desde el siglo I a. C. esas influencias, adaptadas al gusto y a las necesidades romanas, adquirieron un
carácter propio fácilmente reconocible.

• En general, fue utilitario. Tendía a expresar la idea

de Roma como centro del mundo y a exaltar el
poder del Estado romano.
• Su gran influencia griega, que se inició a partir del
contacto de Roma con las ciudades griegas
instaladas en el sur de Italia, se intensificó con la
conquista de los reinos macedonios.
• La mayoría de los artistas que trabajaban en Roma
eran griegos y los coleccionistas adquirían o hacían
copiar esculturas de ese origen.
• Alcanzó su máximo desarrollo a partir de la
constitución del Imperio, bajo el reinado de Augusto,
en el año 27 a. C. Entre las clases altas se desarrolló
un intenso consumo de obras que estimuló el comercio
artístico.
• Se destacaron de su arte la arquitectura y la
escultura. En ambas disciplinas los romanos
introdujeron nuevas tipologías y géneros.
• Simultáneamente al arte estatal y monumental, existió
un arte popular que se manifestó en los relieves de las
tumbas. Estos relieves muestran un gusto por la
representación minuciosa de situaciones de la vida
cotidiana.
La arquitectura romana es la
disciplina en la que mejor se manifestó
el poder del Estado, a través de la
construcción de grandes obras para
uso público. También es la que ha
quedado mejor documentada. No
solo perduraron numerosas
construcciones, sino que se conserva un
tratado teórico, De architectura,
escrito por Vitruvio en el siglo I a.
C.
La arquitectura romana se
caracteriza por:
El uso del arco de medio punto y,
como derivación, la bóveda de cañón
corrido y la cúpula.
El empleo de hormigón (también
llamado mortero) y el elaborado uso
de ladrillos de distintas formas.
La incorporación del diseño de
amplios espacios interiores.
La planificación del espacio urbano.
El desarrollo de nuevas tipologías
arquitectónicas.
La influencia griega en la
arquitectura se manifestó en el uso de
los órdenes de arquitectura griegos
(dórico, jónico y corintio) o sus
adaptaciones, pero con un fin
ornamental.
La mayor parte de la pintura que
sobrevivió de la antigua Roma es
mural y procede de la ciudad de
Pompeya. Estos frescos quedaron
preservados cuando la ciudad fue
sepultada por las cenizas de la
erupción del Vesubio, en el 79 d. C.
A partir de esos hallazgos, los
investigadores establecieron cuatro
estilos de pintura mural pompeyana:
Primer estilo: las paredes se
pintaban imitando placas de mármol
de colores.
Segundo estilo: se simulaba un
espacio exterior, como si la pared no
existiera. A veces también se incluían
personas o escenas.
Tercer estilo: las paredes se pintaban
de colores planos y se incluían
pequeños detalles.
Cuarto estilo: se buscaba una síntesis
entre el segundo y el tercero. Sobre
paredes de colores planos, se abrían
espacios con escenas naturalistas.
Otra manifestación pictórica
característica fueron las escenas con
mosaicos. En este caso, las imágenes se
construían con pequeñas piezas de
mármol de distintos colores.
La escultura romana, especialmente
a partir del Imperio, importó los
modelos griegos, pero los adaptó a su
propia concepción del mundo, más
concreta, realista y práctica.
Se caracterizó por la introducción
de dos géneros: el retrato y relieve
narrativo.
El retrato escultórico atravesó
diversas etapas estilísticas: en el
período republicano eran más
rígidos y austeros; luego, tendieron a
la idealización de los personajes en
los primeros años del imperio y hacia
el final adoptaron rasgos más
expresivos. A pesar de esas
diferencias, los retratos siempre
buscaron reproducir de manera
naturalista los personajes que
representaban.
Los relieves narrativos son
verdaderas descripciones históricas
realizadas sobre la piedra. En
general, representaban las glorias
militares de los emperadores y
generales y se desplegaban en altares,
arcos de triunfo, columnas
conmemorativas y tumbas.
 El arte renacentista fue un movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo XIV, durante la
transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y se destacó por su interés en el saber de la
razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia.

• Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción como ideal de
belleza, además de los temas mitológicos.
• Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en lugar de considerar a Dios como
centro del universo (si bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a
Dios).
• Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón como el centro de todo.
Predominaba la idea de razón por sobre la fe.
• Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia. Sostenía que el conocimiento conducía a
la felicidad del hombre.
• Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para
representar el cuerpo humano.
• Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de geometría, matemática, anatomía, botánica
y filosofía.
• Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la naturaleza.
• Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.
• Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.
• Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de la época (reyes, príncipes
y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia.
 El Quattrocento (siglo XV). En este período se investigó sobre las construcciones de monumentos romanos y griegos y se
introdujo la perspectiva y la pintura al óleo.
El Cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época renacentista. Surgieron los grandes artistas que marcaron,
tales como Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael, entre otros.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/arte-renacentista/#ixzz6f6wIPaSG
La pintura renacentista se caracterizó La escultura y la arquitectura renacentistas se inspiraron en las antiguas culturas
por la perfecta representación de los griega y romana, en especial, por el nivel de detalle y realismo. Buscaban romper
detalles, en cuanto al balance, la con el estilo gótico y se basaron en la perfección de las representaciones, a través
armonía y la perspectiva, en base a la de cálculos matemáticos y geométricos para obtener proporciones reales.
observación del artista. Surgió el
En la escultura se destacaron los detalles perfeccionistas y proporcionales del
concepto de perspectiva y punto de
cuerpo humano debido a que los artistas adquirían, cada vez más, conocimientos
fuga para la concepción de los
sobre anatomía, física y matemáticas, además de la observación. Las obras solían
espacios.
ser plasmadas en mármol y bronce. Los más reconocidos escultores y arquitectos,
La nueva técnica al óleo sobre el entre otras especialidades, fueron Miguel Ángel y Donatello
lienzo, que predominó sobre la clásica
pintura al temple o témpera de secado
rápido, permitió perfeccionar el efecto
de las luces y las sombras, permitiendo
alcanzar mayor realismo en los retratos
y cuerpos desnudos.
Se destacaron artistas como Masaccio,
Paolo Uccello, Fra Angélico, Piero
Della Francesca y Sandro Botticelli,
que emplearon diversas técnicas. A Andrea Palladio (1508 – 1580). Arquitecto del Teatro Olímpico en Vicenza.
partir del siglo XVI se destacaron
las obras de Leonardo Da Vinci, Dante Alighieri (1265 – 1321). Escritor de La divina comedia.
Rafael Sanzio y Miguel Ángel Donatello (1386 – 1466). Escultor del David de bronce.
Buonarroti.
Donato d’Angelo Bramante (1443 – 1514). Arquitecto de la basílica de San
Pedro.
Leonardo Da Vinci (1452 – 1519). Pintor de La Gioconda.
Lorenzo Ghiberti (1378 – 1455). Arquitecto de la Puerta del paraíso, en el
Baptisterio de Florencia.
Miguel Ángel (1475 – 1564). Pintor de la obra en la Capilla Sixtina.
Sandro Botticelli (1445 – 1510). Pintor de El nacimiento de Venus.
Fra Angélico (1395 – 1455). Pintor de la Coronación de la Virgen.
 El arte del siglo XX comienza a inicios de este período,
destacándose la vanguardia artística, que avanza hacia la
ciencia, la tecnología y otras ramas como la literatura.
Se ve fuertemente influenciado por la política y la sociedad
del momento. No escapa a la realidad sino que brota de
ella. Luego de la [ilustración], que había creado un
sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la
ciencia entraron en crisis. Las dos guerras mundiales
marcan un clima tenso e inestable. La crisis europea y la
crisis de la bolsa estadounidense en los años 1930 impactan
en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Es
una época de profundos y acelerados cambios, donde el
progreso científico y tecnológico deja avances impensados
como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del
hombre a la Luna, etc. Todo esto provoca un gran impacto
en la sociedad y surgen movimientos artísticos como el
futurismo. El crecimiento industrial y la vida en las
ciudades también dejaron su huella en el arte, por ejemplo
en el arte pop.Se pueden distinguir dos grandes movimientos
en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte
posmoderno.
La revolución industrial se convirtió en una gran influencia
en el arte. El caso más curioso de esta etapa es el
movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con
las demás vanguardias, de la que es considerada como la
inaugural..
En líneas generales se producen principalmente dos
tipos de ruptura:
Con la tonalidad y armonía occidentales:
Se abandona la tonalidad como estructura
organizativa del discurso, en búsqueda de libertad
absoluta para componer. Luego se buscan nuevas
formas de organizar el lenguaje musical (como el
dodecafonismo) porque esto había generado un caos.
Con el sonido tradicional:
En todo aspecto se buscan nuevos sonidos, desde la
experimentación y uso no convencional de los
instrumentos existentes, a la creación de nuevos
instrumentos acústicos y luego electroacústicos y
electrónicos, hasta llegar incluso a generar música
desde consolas y aparatos. El silencio pasa a ser
música. También se comenzó a hacer música con
objetos y otros elementos de la vida cotidiana, ruidos
de fábricas, autos, etc. (Futurismo).

Las principales innovaciones fueron:
Ruptura con la perspectiva en la pintura:
Se abandona esta práctica que reinaba desde el
Renacimiento, así como también la intención de
realismo.
La arquitectura moderna surge a partir de los
cambios sociales y culturales producidos por la
revolución industrial. Se comienzan a utilizar
nuevos materiales en las construcciones y edificios;
hierro, hormigón y acero. Empieza un proceso de
construcción en altura, desde los edificios
industriales hasta llegar a rascacielos. Otro aspecto
de la arquitectura en el siglo XX es el abandono
de ornamentos en pos de una arquitectura
funcional. Algunos de los arquitectos más conocidos
fueron Le Corbusier y Walter Gropius (director
de la Bauhaus)
La fotografía es el proceso de capturar imágenes
y almacenarlas en un material sensible a la luz.
Actualmente se utilizan cámaras digitales, por lo
que las imágenes son guardadas en la memoria de
la misma. Si bien la fotografía se inventó en el
siglo XIX, su auge fue en el siglo XX, ya que no
siempre fue considerada un arte. Lo que posibilitó
el debido reconocimiento de la fotografía fue el
gran interés por él [naturalismo], tendencia que
buscaba imitar la realidad con un alto grado de
perfección.
Diseño industrial
El diseño industrial (considerado como el
desarrollo de objetos funcionales para el uso
humano) existe desde que el hombre creó sus
primeros utensilios. Pero el verdadero avance en
este campo se dio con la Revolución industrial a
fines del siglo XIX que originó la producción en
serie.
Aunque no sea considerado un arte, con la
creación la primera escuela de diseño industrial en
1919, la Bauhaus, esta disciplina adquirió un
verdadero campo de conocimiento y grandes
capacidades expresivas y estéticas. Esta escuela tuvo
una función importantísima al incentivar la
interrelación de las artes, el diseño y la
arquitectura. El siglo XX aportó al diseño
industrial nuevos materiales, procesos, técnicas e
incluso fuentes de inspiración estéticas y
vanguardistas.
El cine es el arte del siglo XX por excelencia..
La creación de este nuevo arte fue una especie de
revolución social y creativa que posibilitó un
universo de ideas nuevas y a su vez la difusión
masiva de estas. Su éxito fue inmediato y poco a
poco se agregó sonido a las películas y luego color.
Las capacidades expresivas del séptimo arte
parecen ilimitadas, ya que es una fusión entre,
fotografía, escenografía, vestuario, música, actuación,
iluminación, literatura etcétera.