Lección 3

La Emigración hacia Chicago y New York

El Jazz de Chicago
Periodo: 1920-1930

Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) transformaron a la

humanidad, tanto en un aspecto tecnológico e industrial, como en las formas de percibir el
mundo.

En la nueva era moderna, el hombre aprendió a volar con la creación del primer
aeroplano (1903), a ver a través de la piel utilizando los rayos x (1895), Sigmund Freud
desarrolló nuevas teorías para entender mejor la mente del ser humano (1914), Albert
Einstein a través de su Teoría de la Relatividad eliminaría toda posibilidad de existencia de
un tiempo y de un espacio absoluto en el conjunto del universo (1905) y el jazz se convirtió
en el soundtrack de dicha era.

Al final de la Primera Guerra Mundial, el jazz tomó otro enfoque, particularmente

en dos ciudades cosmopolitas: Chicago, donde los artistas afroamericanos eran estrellas y
contaban con una audiencia diversa y Nueva York, donde radicaba una comunidad diversa
de músicos intentando encontrar su propio sonido dentro de esta música.

En términos de política también hubo cambios y modificaciones a la norma. La ley

conocida como Prohibition in the United States o “ley seca”, entendida como la prohibición
en la venta de bebidas alcohólicas, estuvo vigente en los Estados Unidos entre 1920 y 1933.
Durante ese periodo, el consumo de alcohol continuó y su venta se llevó a cabo de forma
clandestina bajo el control de poderosas mafias.

Todos los lugares en los que se vendían alcohol tenían orquestas de jazz que
interpretaban los éxitos más populares. Debido a esta asociación, el jazz comenzó obtener
una reputación negativa que lo catalogaba como inmoral por fomentar el libertinaje entre
los jóvenes.
 Mientras tanto, en la ciudad de Nueva Orleans ocurría algo distinto. Las autoridades
clausuraron la mayoría de los establecimientos en el barrio de Storyville, creando
desempleo entre los músicos locales y afectando enormemente la economía de la región.
A pesar de las circunstancias y entorno, en esa ciudad se forjaba un nuevo talento que en
poco tiempo modificaría la dirección del jazz en los Estados Unidos, convirtiéndolo en arte
y patrimonio nacional, Louis Armstrong (1901-1971).

Considerado por las masas como el padre del jazz, Louis “Stachmo" Armstrong es
una de las figuras más carismáticas e innovadoras de toda la historia. Nacido el 4 de agosto
de 1901 en uno de los barrios más violentos de New Orleans conocido como The Battle
Field (El Campo de Batalla), Louis Armstrong creció y se desenvolvió como músico en un
ambiente donde el crimen, pobreza, peleas callejeras y prostitución, ocurrían a plena luz
del día. A los once años de edad, Armstrong abandonó la escuela y formó un cuarteto vocal
que cantaban y bailaban en las calles de la ciudad, sumergiéndose en el jazz de la época,
principalmente ragtime y Dixieland.

Louis Armstrong.
 En su adolescencia trabajó como cornetista en distintas agrupaciones locales que
tocaban en desfiles, bailes populares, bares y cantinas, asombrando a todos con su sonido,
poder en el instrumento, estilo e ideas musicales. A muy corta edad, Louis Armstrong
contaba con la capacidad musical de poder tocar y acoplarse con todas las orquestas locales
y a su vez, participar como solista. Entre estas agrupaciones se encontraba la orquesta
de Joe “King” Oliver (1885-1938), quien fue uno de los compositores y cornetista más
importantes en New Orleans y personaje esencial en el lanzamiento de la carrera de
Armstrong.

El 12 de noviembre de 1917 Storyville dejó de existir, y precisamente en esta época,

se produce la gran emigración de músicos de jazz hacia Chicago y Nueva York, lo que
produjo cambios importantes en el desarrollo del jazz tradicional. En 1919, Oliver se muda
a la ciudad de Chicago para buscar nuevos horizontes, y tres años más tarde (1922), Louis
Armstrong también se unió al éxodo de músicos que se produjo hacia esa ciudad, al haber
sido invitado por Joe “King” Oliver para incorporarse nuevamente como segundo cornetista
a su agrupación llamada Creole Jazz Band, una de las más populares e influyente de Chicago.

Joe King Oliver

 En 1923, Armstrong realizó la primera grabación con la orquesta de Oliver para el
sello discográfico Oken Records y en un año, Armstrong se convirtió en el solista más
importante y creativo del grupo.

https://www.youtube.com/watch?v=UtIz_nSd48Y

En la grabación de Chimes Blues, Louis Armstrong interpreta un solo al final de la

pieza (minuto 1:53) que estableció los nuevos parámetros y elementos compositivos de una
improvisación en el jazz como:

• La personalidad de un sonido propio en el instrumento.

• El desarrollo de un motivo melódico dentro del “solo”.
• Un balance rítmico.
• El nivel de intensidad dependiendo el estilo de la composición.
• La conexión de ideas melódicas para obtener un solo coherente.

El estilo de Armstrong y Oliver llegó a ser tan sofisticado y de calidad, que inspiró a
todos los músicos de Chicago a buscar su propio sonido dentro del jazz. Tal fue el caso de
cinco jóvenes adolescentes blancos provenientes de la parte oeste de la ciudad que,
entusiasmados por la música de Oliver y Armstrong, decidieron crear su música original y
formar su propia agrupación musical.

Los miembros de la nueva agrupación fueron Jimmy McPartland (1907-1991) en la

corneta, Joe Sullivan (1906-1971) en el piano, Frank Teschemacher (1906-1932) en el
clarinete, Bud Freeman en el saxofón tenor (1906-1991) y Dave Tough (1907-1948) en la
batería; y la llamaron The Austin High Gang.

Esta agrupación usaba la música de Oliver como ejemplo para escribir sus nuevas
composiciones. Con el paso del tiempo, comenzaron a desarrollar su propio sonido y un
nuevo estilo, una mezcla de la música de New Orleans con una interpretación más agitada
típica de los músicos blancos del norte del país; a este nuevo estilo se le denominó
como Chicago Style (Estilo Chicago).
 Entre los músicos más reconocidos del Chicago Style se encuentran:

• Pee Wee Russell (1906-1969). Alexandra, Virginia.

• Bix Beiderbecke (1903-1931). New York, New York.
• Muggsy Spanier (1906-1967). Chicago, Illinois.

https://www.youtube.com/watch?v=0Ue9igC7flI

El Jazz De New York

Periodo: 1920-1930

La migración de ciudadanos afroamericanos del sur hacia otros lugares incrementó

a pasos agigantados y para 1920 la ciudad de New York se había convertido en la capital con
mayor población afroamericana en el norte del país.

La mayoría de estas familias inmigrantes se establecieron en el barrio conocido

como Harlem, donde se encontraban asociaciones importantes que promovían los
derechos de los ciudadanos afroamericanos como The National Association for the
Advancement of Color People (La Asociación Nacional por el Avance de la Gente de Color) y
la Marcus Garve Universal Negro Improvement Association (La Asociación Universal Marcus
Grave para la Mejora del Negro Afroamericano), todas buscando la respuesta a la pregunta
universal: ¿Qué significa ser negro en los Estados Unidos?

Los músicos de jazz también establecieron sus bases en Harlem ya que la ciudad de
Nueva York ofrecía una vida nocturna activa llena de clubes de jazz, teatros, salones y bares,
los cuales se convirtieron en puntos de encuentro donde los músicos locales podían
desarrollar nuevas ideas y experimentar con el lenguaje del jazz, que se convertía poco a
poco, como la nueva forma de expresión personal. Los héroes de Harlem eran
principalmente virtuosos pianistas que interpretaban un nuevo estilo conocido como stride
piano, que sucede al tocar la parte del bajo y acompañamiento armónico con la mano
izquierda usando un patrón rítmico parecido al de una marcha, mientras la mano derecha
improvisa melodías a velocidades rápidas.

Era un estilo pianístico muy orquestado, lleno de energía, usando acordes abiertos
y melodías derivadas de los blues y el jazz de la época. Entre los pianistas de stride
piano más reconocidos se encuentran:

• James P. Johnson (1894-1955). New Brunswick, New Jersey.

• Willie “The Lion” Smith (1893-1973). Goshen, New York.
• Thomas “Fats” Waller (1904-1943). New York, New York.
• Arthur “Art” Tatum (1909-1956). Toledo, Ohio.

https://www.youtube.com/watch?v=nSFGyipsNsg

Mientras tanto, en la ciudad de Washington D.C. se forjaba otro talento que sería
considerado por los críticos, como uno de los compositor más importantes y prolíficos de la
historia del jazz, Edward Kennedy “Duke” Ellington (1899-1974). Afirman las fuentes más
cercanas a él, que llegó a escribir más de 2,000 piezas musicales durante toda su vida y más
de 3,000 pequeños ensayos que pudieron haber sido ideas para otras composiciones.

“Duke” Ellington
 Nacido en una colonia afroamericana de clase media en la capital del país, Duke
Ellington recibió clases de piano a temprana edad y como adolescente, comenzó a escribir
sus primeras composiciones. Con el apoyo y aprobación de su familia, especialmente su
madre Daisy Kennedy Ellington, en 1917, Duke dejó los estudios para dedicarse por
completo a su carrera musical, formando su propia agrupación, The Duke’s Seranaders. Su
carisma, elegancia e intuición natural para los negocios, le dieron la oportunidad de
presentarse en los lugares más selectos y elegantes exclusivos de la alta sociedad en
Washington D.C.

A partir de 1919 comenzó a tocar con distintas orquestas locales obteniendo mucho
éxito y una estabilidad económica. En enero de 1923, Ellington escuchó por primera vez al
clarinetista Sidney Bechet en un teatro de la ciudad. Ese día, Ellington tuvo el primer
contacto directo con el sonido de Nueva Orleans; este concierto le cambió la vida por
completo, pues a partir de ello, decide mudarse a la ciudad de Nueva York para formar parte
de la escena musical de Harlem y probar su suerte en “La Gran Manzana”.

Su primer trabajo en Nueva York, fue acompañar al clarinetista afroamericano

de Dixieland Wilbur C. Sweatman (1882-1961), quien pedía a sus músicos utilizar talco en
la cara para lucir un color de piel claro durante sus presentaciones.

En el otoño de 1923, Duke Ellington, Sonny Greer (1895-1982) y Otto

Hardwick (1904-1970), se mudaron hacia el centro de la ciudad, muy cerca de Times
Square, para tocar en el club llamado Hollywood Inn y formar parte de un sexteto
llamado The Washingtonians, el cual se especializaba en tocar música de etiqueta. En esa
agrupación, por los próximos cuatro años, Ellington comenzó a experimentar con sus
arreglos y composiciones, dejándose influenciar por el ragtime, el stride piano, el sonido de
Nueva Orleans de Sidney Bechet y Louis Armstrong, la música de Broadway, la industria
cinematográfica y de todo el ambiente musical que sucedía en la ciudad de Nueva York.

Uno de sus mejores amigos, el compositor de Broadway y violinista Will Marion

Cook (1869-1944) le aconsejó a Ellington lo siguiente: “Primero encuentra la forma lógica
de escribir tu música, y cuando encuentres ese camino, no lo tomes. Deja que la voz de tu
interior salga y te guíe sobre el nuevo camino a tomar. No trates de ser como nadie más,
sino como tú mismo.”. Duke Ellington parece haber tomado este consejo al pie de la letra
por el resto de su vida.

https://www.youtube.com/watch?v=7DRlJWSFUAg

Duke Ellington alcanzó fama en Nueva York con sus sesiones realizadas en el Cotton
Club de Harlem, donde contribuyó a definir el sonido de las grandes orquestas de la
siguiente década.

En medio de todos los cambios y desarrollo del jazz en Nueva York, surgió una nueva
figura, un director de orquesta y violinista clásico proveniente de Colorado, llamado Paul
Whiteman (1980-1967). Whiteman estaba convencido en encontrar una forma de
orquestar el jazz, hacerlo más comercial y atractivo a las masas, sin perder su esencia rítmica
y armónica, pero totalmente predecible como es el caso de la música clásica. Whiteman fue
el primero en añadir una sección de cuerdas a las secciones de metales, trombones y
saxofones. La sección rítmica consistía de piano, batería, bajo, banjo, percusión y acordeón.

Si primer éxito discográfico sucedió en 1920 con el tema “Whispering”, interpretada

por su agrupación llamada Paul Whiteman & His Ambassador Orchestra, vendiendo más de
2.5 millones de copias en los Estados Unidos. En poco tiempo, la orquesta de Whiteman fue
una de las más imitadas y preferidas por el sector blanco de la población estadounidense,
comenzando una nueva tendencia en los bailes de sociedad.

El 12 de febrero de 1924, una gran multitud se reunió en el Aeolian Hall de Nueva

York para un concierto titulado “Un Experimento en Música Moderna”, dirigido por Paul
Whiteman y su orquesta. Esa noche sería el debut de la pieza “Rhapsody in Blue”,
compuesta por el compositor George Gershwin (1898-1937). El éxito del concierto fue
fulminante y pronto se interpretó en varias ciudades de los Estados Unidos y Europa.

https://www.youtube.com/watch?v=ynEOo28lsbc
 El mismo año que sucedió el concierto de “Rhapsody in Blue”, un joven pianista y
arreglista afroamericano, proveniente de Georgia, se presentaba en el Roseland Premier
Ballroom en Times Square localizado en el centro de Nueva York, su nombre: Fletcher
Henderson (1897-1952). En ese salón, Fletcher Henderson alcanzó gran popularidad entre
el público en general, y adquirió mucho respeto entre los músicos, por el alto nivel de
interpretación de sus composiciones y arreglos. En su orquesta tocaron las grandes figuras
del jazz de los años 20. Sería precisamente Henderson quien mejor representaría la nueva
forma de tocar un tipo de jazz estilizado y más universal. Estaba determinado en crear un
nuevo estilo al combinar la elegancia de sus arreglos con algo más emocionante y
espontáneo. Comenzó en ese momento a buscar un solista para su orquesta y decidió
invitar a Louis Armstrong quien radicaba en Chicago. Armstrong se cambió a la trompeta
para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó con ella el 24
de septiembre de 1924. A partir de ese momento, los solos de Louis Armstrong
transformaron el sonido de la orquesta y tuvo una influencia directa en todos los músicos
de la ciudad y sus alrededores.

Luis Armstrong parado al centro con Fletcher Henderson a la derecha en el piano

 Louis Armstrong inventó una nueva forma de interpretar el jazz, creó el concepto de
un solo coherente en ideas musicales, fusionó el sentimiento de los blues en la estructura
de una canción popular, extendió el rango melódico de la trompeta, creó el sentido rítmico
de las grandes orquestas que surgirían una década más adelante, creó melodías y sonidos
nunca antes escuchados en el instrumento, y lo más importante, introdujo la característica
rítmica y melódica que mejor define el jazz: El Swing.

https://www.youtube.com/watch?v=yfsmmk93H3I

Entre los músicos más reconocidos del estilo desarrollado en Nueva York se
encuentran:

• Red Nichols (1905-1965). Odgen, Utah.

• Chick Webb (1905-1939) Baltimore, Maryland.
• Don Redman (1900-1964). Piedmont, Virginia.
• Jimmie Lunceford (1902-1947). Seadide, Oregon.