Universidad CNCI de Mexico, s.c.

Plantel CARDENAS

“INVESTIGACION CULTURAL”
HISTORIA DEL ARTE
Cristina Hernández lázaro
Modulo 3

Maestro: LIC.MARIA GUADALUPE MENDEZ

MENDEZ

Cardenas tabasco 25 de mayo del 2019

Introducción
 LA FUNCION SOCIAL DEL ARTE
Puede que sea el arte la más inútil manifestación de las expresiones humanas’ pero completando
la frase: inútil mirado desde un punto de vista económico. El arte no es un trabajo aunque cueste
mucho trabajo el arte no produce nada aunque sea la más elevada forma de producción el arte
no es progreso ni produce revoluciones aunque nada revoluciona más que el mero contacto con
una obra de arte.
el arte, pensando en la enorme trascendencia que llegará a tener algún día, aún se encuentra «en
pañales». Su gran rol en la vida de la masa humana, todavía está por practicarse. Desde el punto
de vista de las necesidades sociales, tanto de hoy como del futuro, incuestionablemente, el arte
es el llamado a perfilar y definir un estado de verdadero bienestar colectivo".
Lo anterior fue escrito hace tiempo. Su autor es Eduardo Abela (Cuba,

1899-. 
Abela fue trabajador de la industria del tabaco cuando joven; luego estudió en la Academia San
Alejandro de Bellas Artes, de donde egresó en 1921. Luego, como muchos artistas (poetas,
pintores, músicos, en fin), viajó a Europa: España y Francia. Allí un escritor, Alejo Carpentier,
lo estimuló a pintar temas patrios. No quedó allí, los asuntos que le interesaron lo hicieron, con
los años, derivar hasta el surrealismo. Antes, en 1929, expuso sus trabajos en la Galería Zak.
En 1930, en Cuba, ejerció como caricaturista en el Diario de La Marina, hasta 1934. Como
contribución a la lucha contra la dictadura de Machado creo un personaje, el Bobo.  Reicén en la
segunda mitad de la década volvió a la pintura.
Eran días difíciles, pintar no constituía entonces todavía el leit motiv de sus días –eso llegaría
con la segunda mitad del siglo XX. ¿Qué es el arte? bien puede haber sido la pregunta cotidiana
mientras sirvió  su país en desempeños diplomáticos en México y Guatemala. Por esos años
derivó –como muchos escritores cubanos y latinoamericanos– hacia el realismo mágico. Hoy
buena parte de su trabajo está en el Museo Nacional de La habana –y en colecciones privadas en
Europa, Estados Unidos y nuestro continente.
Todo artista trata, reflexionando y en el ejercico de lo suyo de responder esa pregunta: qué es,
para qué sirve que función social, si alguna, cumple su oficio, y siempre lo asalta el temor de
que no la cumpla.
"Con esto no quiero decir que yo estime que en el presente sea subestimada su
importancia escribe Es que él,  el arte, hasta el momento, ha constituido tan sólo una
satisfacción de las élites intelectuales y, en particular, de los que lo han cultivado. El disfrute de
ese deleite del espíritu debe ser tan universal y común a todo hombre como el derecho al pan".

LOS METALES EN EL ARTE.

Es sabido que cuando se quiere elogiar a un escritor se le llama "orfebre de la palabra", apodo

que mereció el gran Maupassant. Y no es casualidad, pues el orfebre es un artista que
transforma el más bello metal en la más delicada joya. La palabra francesa que nombra esta
profesión, orfèvre, deriva del latín auri faber, o sea, fabricante en oro.
Este oficio, tan antiguo como la ambición de obtener el metal a cualquier precio, consiste en dar
valor artístico a los metales llamados preciosos. El oro y la plata, principalmente. 
Pues se encuentran huellas de esta actividad en todo el orbe y en diversas épocas. La
civilización egipcia da fiel testimonio de esta pasión, por ejemplo. Sus artistas poseían una
técnica casi perfecta: sabían fundir, cincelar y repujar el metal e incrustar pequeñas láminas de
cristal y piedras. De hecho en el tesoro de Ramsés II había tazas en plata y joyas decoradas con
imágenes de animales repujados en oro y retocados con cincel.
Por su parte, las tumbas griegas descubiertas bajo el Ágora contenían cuerpos enteramente
revestidos en planchas de oro y plata. Sobre los rostros, máscaras repujadas que conservaban los
rasgos del difunto.
Por alguna razón, se adjudica a los franceses cierta paternidad en el oficio, algo
de eurocentrismo, sin duda. Pero, posiblemente, esté emparentado con que uno de sus santos
más populares, San Eloy, era un maestro orfebre. Se dice que, en una oportunidad, le dieron oro
como para hacer un trono, y el diestro Eloy realizó dos. No era mago, simplemente había
descubierto el arte de alear metales, lo que permitió aumentar la cantidad de piezas y mejorar la
resistencia del oro.
Algunas cuestiones aleatorias llevaron con los siglos a desarrollar una técnica
llamada "damasquinado". Se trata de un trabajo de artesanía que consiste en la realización de
figuras y dibujos mediante la introducción de finos hilos de oro y plata en acero o
hierro, normalmente, pavonado. Se supone que nació hacia el año 900 por el Turquestán, remota
región entre el mar Caspio y el desierto de Gobi, aunque debe su nombre a Damasco, la ciudad
continuamente habitada más antigua del mundo y milenaria capital de Siria.
Quien reconoce la historia, valora sus preciosos testimonios, por eso disfruta cuando está frente
a los mil motivos que lucen los cientos de objetos expuestos en el Museo de Oro de Bogotá.
Entre numerosas delicias, se detiene en una pieza emblemática: una balsa en miniatura de la
cultura muisca que encierra gran parte de la cosmogonía indígena de la región. En el centro de
la sala de las ofrendas, aparece un gran hoyo iluminado con un juego de espejos que simboliza
la laguna de El Dorado. En el fondo, se ven piezas de oro puro dispuestas en forma circular que
se reproducen hasta el infinito.

LOS TEXTILES

Artes textiles son los procesos de artesanía o manufactura en los que se utilizan fibras de origen

vegetal, animal o sintético para construir objetos utilitarios o decorativos.
Los tejidos han sido una parte fundamental de la vida humana desde el comienzo de
la civilización,12 y los métodos y materiales utilizados en su fabricación han experimentado un
gran desarrollo, manteniendo sus funciones primordiales. La historia de las artes textiles va de
la mano de la historia del comercio internacional: la púrpura de Tiro fue un producto clave del
comercio en el Mediterráneo; la ruta de la seda se estableció para traer de China seda
para India, Africa, y Europa.
La revolución industrial también supuso una revolución de la tecnología textil, con la aparición
de los telares industriales, que mecanizaron los procesos de producción. Los artes textiles tienen
una variación de colores, texturas y formas.Se pueden utilizar muchos materiales de diferentes
formas. La palabra 'textil' proviene del latín texere que significa 'tejer', 'trenzar' o 'construir'.1 El
tejido más simple es el fieltro, compuesto de un conglomerado de fibras confeccionado
mediante un tratamiento por vapor de agua y presión. La mayoría de los textiles se fabrican a
partir de hilos o cuerdas, dependiendo de su grosor, confeccionados por torsión o trenzado de
las fibras. Los hilos se tejen, tricotan o enlazan para formar una tela o paño que puede utilizarse
para hacer ropa y otros objetos.3
Las artes textiles también incluyen las técnicas utilizadas para su decoración; estos pueden
teñirse e imprimirse para añadir colores y dibujos; o decorarse mediante el bordado y otros tipos
de costura y encajes. Los métodos de costura, así como las herramientas, las técnicas empleadas
y los objetos confeccionados entran en la categoría de las artes textiles.

CARACTERISTICAS DE LAS MANIFESTACIONES

ARTISTICAS DE LS CULYURAS
MESOAMERICANAS
 Un artista es aquel que puede interpretar el conocimiento y transformarlo en materia. Conoce la
materia a través de la información por lo que es un científico y también crea un programa para
diseñar esta información en algo concreto entonces es un técnico; por lo que el artista vuelve
esto la materia del arte.

El arte mesoamericano crea valores plásticos, podemos observar el gusto, la personalidad, el

sentido de interpretación   de cada artista.

Casi todo es sagrado y dedicado al culto de los dioses. Los simbolismos venían del mito y
remitían al mito. Hay vinculación entre las deidades y las esculturas creadas; gracias al cosmos,
el ser humano puede estar en contacto con un entorno cósmico que lo rodea. El científico
prehispánico da las bases para el estudio de sus símbolos, hay valores que son permanentes, así
como hay algunos diferentes en cuanto de la regionalización y periodización del tiempo.

Cada parte de las esculturas que se han encontrado tienen un simbolismo específico, por
ejemplo la sangre, la muerte, lo femenino, o tiene que ver con algún relato (algo que pasó). Hay
un detrás de cada cosa. No todas las manifestaciones Mesoamericanos tienen simbolismos
fáciles de descifrar, como en los códices y estelas.
El arte va cambiando en Mesoamérica el cambio depende de las distintas regiones, aunque en
general hay un intento de materializar un mundo preminente. El arte tiende el puente entre el
tiempo histórico y el tiempo mítico. Quien entra a ese mundo preminente se convierte en un ser
distinto, podríamos imaginar que los cuerpos, el rostro cambia. El artista es el que debe de
expresar eso que no existe, pero en su mente existía; logra traer un mundo que está más allá de
lo concreto y se materializa con la expresión estética.

Tiempo de mito, tiempo del artista, tiempo del espectador. Nos permite conocer una realidad y
un tiempo diferentes.

En el maravilloso arte mesoamericano se integran diversas expresiones artísticas en un solo

lugar, arquitectura, escultura, pintura, etc., como es el caso del templo de Quetzalcóatl. Se
trataba de crear un espacio simbólico, con una gran escenografía (el lugar sagrado) que permitía
traer fuerzas sobrenaturales. Todo se intentaba juntar para crear un espacio propicio para el rito.
Tenemos una integración a una escenografía sin que podamos formar parte completa de ella, ya
que no nos encontramos como tal en el momento de su creación o de su uso, pero se intenta
recrear una escena.

Al analizar las obras de arte prehispánicas puedes ser parte de la pintura, transportarte a eses
tiempo, a ese momento. El espacio arquitectónico se transforma. NO solo hay que imaginarnos
el conjunto de las artes, sino todas las características que conformaban estas, los ritos, la música,
el canto, el baile, las personas, los olores, etc. Es una integración plena, dentro de un mundo de
dualidades.

Todas las obras de arte creadas dejan señales de su individualidad, pero a la vez, podemos
observar el entorno del que estaban rodeados, las personas que se encontraban con los artistas,
su manera de pensar y de ver el mundo, sus creencias religiosas.

En la actualidad se ha intentado interpretar todo lo que las culturas mesoamericanas nos han
dejado. Por ejemplo, la Dra. Diana Magaloni, se ha dedicado a estudiar en parte los
componentes del pigmento que se utilizaba para las pinturas. Día con día se aumenta el interés
por descubrir más, ella investigó como se hicieron las pinturas en el templo rojo de Cacaxtla. La
mayoría está hecha con pigmentos naturales, en este caso trabajaron la cal formando una pasta
untuosa. Los Mesoamericanos encontraron química alcalina con gomas vegetales, esto forma
nanocristales realmente resistentes; también se utilizaba la baba del nopal, mezclada con cal,
formando una resina de protección.

En cambio en el área maya hay muchos árboles, las corteza de los árboles en agua y mezclada
con cal viva, daban lugar a un plástico que se hincha, dando lugar a los maravillosos relieves
mayas.
EL investigador actual, han abierto nuevos parámetros. La Dra. Teresa Uriarte ha realizado un
proyecto para terminar el Seminario de la Pintura Mural Prehispánica en México, como fruto el
Museo de la pintura mural teotihuacana. En Cacaxtla, se harán nuevas recreaciones en 3D,
también en la huasteca se va a trabajar en la reconstrucción de murales.

Esto demuestra que nuestros antepasados eran realmente inteligentes, unos observadores
(científicos) excelentes, utilizando la química para las expresiones artísticas.

Un momento importante en la historia de México fue la llegada de los españoles, los códices
habían sido utilizados desde mucho tiempo antes y estos nos ayudan a entender mejor este
encuentro de dos mundos.

Es difícil aislar prehispánico y de la época colonial. Los códices se han hecho en Mesoamérica
desde el principio de las civilizaciones, los códices más antiguos, son aproximadamente del
Clásico, año 300.

Durante el siglo XVl cuando es la conquista, no hubo una erradicación total de artesanías
indígenas, más bien llegaban grabados europeos que fueron base de inspiración para los nuevos
códices, ya que los españoles estaban preocupados por las proporciones de la cultura humana.

Se incluyó la tradición propia dentro de la europea. Los indígenas tenían una “nueva cultura”,
distintas tradiciones. Se pensó en como juntar ambas culturas, por ejemplo como representar el
sacrificio de Cristo con símbolos indígenas, para asociar y buscar compatibilidades.

Gracias a los nuevos descubrimientos se ha podido entender mejor nuestro pasado, pero también
un gran avance se a dado al utilizar la tecnología aplicada a la investigación.

Se espera que gracias a estos descubrimientos las artes prehispánicas puedan preservar un
patrimonio, no solo observando las artesanías tal cual, si no analizando lo que el artista nos
quiso decir, intentando entrar en ese mundo del cual no formamos parte, pero gracias a este
legado lo podemos conocer.
 CONCLUCION
Hoy en día en muchas ocasiones se ha podido introducir la moda, los videojuegos, la televisión
y la publicidad como disciplinas artísticas. Sin duda alguna, el arte es denominado como algo
que tiene un valor y una belleza incomparable. Por otra parte, además de esa manera de
distinguir las disciplinas también podemos distinguirlas entre: Artes visuales (Arquitectura, Arte
corporal, Arte digital, Arte efímero, Artes aplicadas, Artes gráficas, Artes industriales,
Cinematografía, Dibujo, Diseño, Escultura, Fotografía, Grabado, Historieta y Pintura), Artes
escénicas (la danza y el teatro), Artes musicales (Canto coral, ópera y música sinfónica) y artes
literarias (Narrativa, Poesía y Drama).
En conclusión el arte y la belleza han ido cambiando a veces para bien y otras las hemos
convertido en mal. Lo que podemos hacer es no volvernos aburridos ni copistas.
El pensamiento vano de obviar la belleza como una búsqueda sin sentido del hombre ante la
dificultad de pensar en ella es estancarse. La salida está en redescubrir la perfección de nuestro
hacer en la naturaleza y, si es posible, superarla.
 BIOGRAFIA
 escrito en 1965, L. Ronald Hubbard afirmó: “Durante quince años, entre otras ramas de la
filosofía, he estudiado el tema del ARTE”. Sus razones para ello eran dos. La primera y más
importante, como él mismo expuso es que: “El arte es el campo menos codificado de los
empeños humanos y el que más a menudo se mal entiende”. Observó que incluso su misma
definición era todavía tema de intenso debate. De este modo, desde un punto de vista
meramente académico, quiso examinar el tema de la manera más amplia y fundamental, y así
resolver las preguntas que filósofos y críticos se han hecho durante años, incluyendo la pregunta
más fundamental de todas: “¿Qué es el arte?”.

Sin embargo, su interés por este tema se debía también a otra razón: el arte era algo que él
consideraba muy importante. Unos treinta años antes había escrito: “Capturar mis propios
sueños en palabras, pintura o música, y luego ver cómo cobran vida, es la clase de emoción más
elevada que existe”. Al referirse a los artistas en conjunto, afirmó que sólo ellos son capaces de
plantear nuestro futuro. Es obvio, entonces, que “este campo bastante amplio que es el ARTE”,
como él lo describió, no era uno que él tomara a la ligera; y, de hecho, tal vez sea imposible
considerar la vida de L. Ronald Hubbard sin tomar en consideración sus logros artísticos.