Unidad 1.

Inicios de la sociología
del arte.
1. Conceptualizaciones de arte,
sociología y sociología del arte.
2. Antecedentes de la sociología
del arte.
3. Objetivos y problemas de la
sociología frente al objeto
artístico.
4. Arte y sociedad, arte en la
sociedad y arte como sociedad.
Conceptualizaciones de
arte, sociología y
sociología del arte
https://es.scribd.com/document/396946451/Altamirano-
Carlos-Terminos-Criticos-de-Sociologia-de-La-Cultura
La extrañeza epistemológica de la obra de arte
Por: Sergio Rojas
¿Qué clase de disciplina es la sociología del arte?¿Es el arte un dominio para la
sociología, esto es, un territorio de la cultura cuyos fenómenos se encuentran en
algún grado internamente regulados por leyes o principios con respecto a los cuales
existe acuerdo entre los sociólogos o, por el contrario, más bien se trata de un campo
de investigación en donde la propia disciplina está siendo constantemente
reflexionada paralelamente con su objeto de estudio? En principio podría decirse que
la obra de arte se va constituyendo en un objeto posible para la sociología en la
medida en que deja de ser un objeto privilegiado y exclusivo de la “filosofía del
espíritu (cuestión que ocurre sobre todo recién en el transcurso de la segunda mitad
del siglo veinte) y emergen como posibles de ser considerados con cierta autonomía
aspectos inherentes a la existencia social del arte aspectos tales como las
condiciones sociales de producción y recepción del arte. De hecho, es precisamente
la crisis de la sociedad tradicional por el desarrollo de las nuevas fuerzas y
estructuras productivas y, en consecuencia, el surgimiento de la ciudad moderna, la
que opera como contexto y urgencia de la sociología. La sociedad surge como objeto
de una ciencia especial precisamente en el momento de su desintegración. Algo
análogo acontece en los dominios de la estética. Wilhelm Dilthey lo corroboraba en
la obra que escribió acerca de los materiales para una nueva poética (Poética, 1887):
ha caducado el código de la belleza ideal para las artes plásticas afirma Dilthey, y
ahora desde todas las épocas y desde todos los pueblos nos invade una tal diversidad
de formas que tanto las diferencias entre los géneros poéticos como las mismas
reglas parecen borrarse. Es la epopeya de la vida moderna que acontece en las
ciudades, sujetas al cambio y a la velocidad permanentes. Por lo tanto, más allá de
los beneficios que pudiera deparar para la teoría del ate en general, una sociología es
algo que surge como exigencia desde la propia sociología, en cuanto que puede
esperar encontrar en el devenir histórico de la obra de arte elementos que permitan
entender las transformaciones que afectan a la sociedad moderna en su conjunto.
En este sentido puede decirse también que la sociología del arte, en su trabajo teórico y
metodológico de objetivación del arte, tiende a diferenciarse de la teoría del arte propiamente tal en
el hecho de que en general no consideraría, como esencial en su análisis disciplinario el “contenido
racional” de la obra. Sin embargo esto no significa que el horizonte de significabilidad de la obra de
arte se exteriorice y se disuelva en su dimensión meramente empírica. Por el contrario, precisamente
porque la dimensión del sentido sigue siendo relevante en cualquier tipo de análisis de la obra de
arte, el propósito de toda ciencia (esto es, el de enunciar leyes verificables que hagan posible prever
acontecimientos el interior de un dominio determinado) se torna extremadamente complejo en el
caso de la sociología del arte. Esta dificultad es algo que aquí nos interesa especialmente en la
medida de que ha sido asumida internamente por los autores, por lo que en modo alguno la
sociología del arte puede ser tenida como siendo simplemente sociología”aplicada” al fenómeno
artístico. Al abordar uno de los problemas que es recurrente en el desarrollo de esa disciplina como
es el de la constitución de la autonomía del campo artístico, se ha hecho siempre necesario
considerar lo que habría de irreductible en el arte . Esto conduce al análisis sociológico hacia un
problema que tiene evidentemente dimensiones filosóficas, se trata del carácter duradero que
caracteriza a la existencia de la obra de arte, duración que necesariamente se relaciona con el sentido
de trascendencia que se les reconoce a las obras de arte, especialmente a las que constituyen el
cuerpo central de aquello que todavía se nombra como “la historia universal” del arte.

En cierto sentido, y considerando lo recién señalado, podría decirse que el problema general, al cual
tanto explícita como implícitamente se ha abocado la sociología del arte es precisamente aquel que
Marx enunció, a propósito del arte griego, en la Introducción general a la crítica de la economía
política (1858): “¿que es lo que hace del arte un valor eterno a pesar de su historicidad?”. En
efecto,esta cuestión sintetiza el hecho de que el arte no es sólo un objeto cultural, por lo demás de
una consideración insoslayable para cualquier disciplina que tenga a lo humano como asunto, sino
que se trata de un objeto que resulta muy extraño desde un punto de vista epistemológico, un objeto
que exhibe una especie de doble dimensión: Inteligible y sensible a la vez, ideológica y material,
subjetiva y técnica: Esto es lo que hace de la obra de arte, en una perspectiva humanista, un objeto
privilegiado con respecto a la pregunta por lo humano en general por cuanto hablamos de una
criatura que exhibe una condición histórica y trascendente a la vez. De aquí que las teorías
sociológicas de la obra de arte no puedan considerarse sólo en una suerte de aplicación metodológica
de conceptos ganados previamente sino que sus resultados se proponen muchas veces como una
“teoría del arte” sin más(aún cuando en varias ocasiones los sociólogos declaran no confundirse con
ese tipo de discurso) en la medida en que intentan penetrar en la naturaleza misma del objeto
artístico.

http://sociologiadelarte.blogspot.c
om/
Antecedentes de la
sociología del arte
https://es.scribd.com/document/440525102/Marisol-
Facuse-y-Pablo-Vanegas-coords-Sociologi-a-del-arte-
perspectivas-contempora-neas
https://es.scribd.com/doc/27
0234519/Bastide-Artey-
Sociedad
redivep.com/sitio/wp-content/uploads/2018/03/La-
sociología-del-arte-se-redefine.pdf
Objetivos y problemas de
la sociología frente al
objeto artístico
https://es.scribd.com/document/188163468/2-Zolberg-2002-
Que-Es-La-Sociologia-Del-Arte
https://es.scribd.com/document/376456397/Furio-Cap-1-Completo
Arte y sociedad, arte en
la sociedad y arte como
sociedad
https://es.scribd.com/document/332289667/Heinich-Nathalie-
Sociologia-Del-Arte
Unidad 2. Perspectivas sociológicas
frente al arte.
1. Inicios en el marxismo: arte y
sociedad
2. La construcción del campo artístico
3. Procesos artísticos entre el
conocimiento sociológico.
4. La Interrelación de la historia del
arte, sociología y estética.
Inicios en el marxismo:
arte y sociedad
https://es.scribd.com/doc/270234519/Bastide-
Artey-Sociedad
https://xoandelugo.org/la-
escuela-de-frankfurt-el-marxismo-
cultural-y-lo-politicamente-
correcto-como-herramienta-de-
control-claudio-grass/
http://www.institutozurbaran.com/asignaturas/wp-content/uploads/2009/11/Anexo-III-
La-Teor%C3%ADa-cr%C3%ADtica-de-la-E.-de-F.-tema.pdf
https://old.laizquierdasocialista.or
g/node/3339
La construcción del
campo artístico
Isfd128-
bue.infd.edu.ar/sitio/upload/Pierre_Bourdieu_elcapitalcultural_y_lareprod
uccionsocial_MartaInnocenti.pdf
https://proyectoidis.org/pierre-bourdieu/
es.scribd.com/document/376626127/Pierre-Bourdieu
Procesos artísticos entre
el conocimiento
sociológico.
http://www.perio.unlp.edu.ar/revistadejuventud/?q=node/63
La Interrelación de la
historia del arte,
sociología y estética.
https://redivep.com/sitio/wp-content/uploads/2018/03/La-
sociolog%C3%ADa-del-arte-se-redefine.pdf
https://es.scribd.com/document/332289667/Heinich-
Nathalie-Sociologia-Del-Arte
Unidad 3. El valor de lo social y
la comunidad en el arte
1. Lo social en el arte: actores,
instituciones y objetos
2. La comunidad en el arte: el
arte contemporáneo y los
procesos sociales
3. La construcción del valor
artístico
4. Construcción de una
sociología del arte desde
Latinoamérica.
 Lo social en el arte:
actores, instituciones y
objetos
https://es.scribd.com/document/188163468/2-Zolberg-2002-
Que-Es-La-Sociologia-Del-Arte
https://es.scribd.com/document/312926027/Bourriaud-
Nicolas-Postproduccion-2001
El lugar del
público
La comunidad en el arte:
el arte contemporáneo y
los procesos sociales
¿Qué es el arte contemporáneo?
Contenido [Ocultar]
•1 ¿Qué es el arte contemporáneo?
•2 Criterios para determinar cuando es arte contemporáneo
•2.1 El Arte Contemporáneo: Un antes y un después
•2.2 El arte contemporáneo del Siglo XX
•2.3 Vanguardias históricas del arte contemporaneo
•2.4 Etapas del arte contemporáneo
El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un concepto que se utiliza para denominar de manera
general a las expresiones artísticas originadas durante el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial
podríamos decir que el arte contemporáneo es el que está realizado en nuestra época, pero esto es
dependiendo de la persona que hable de él ya que hay varias formas de entender este concepto. Para
algunas personas este concepto surgió en las última década, para otros este concepto se creó en la Segunda
Guerra Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto se desarrolló en la Edad
Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo depende de quién utilice este concepto ya que
mucha diversidad de opiniones en el origen de este concepto. Aunque definición más general de este
concepto es que nació en el último siglo.

Criterios para determinar cuando es arte contemporáneo

Uno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la eclosión vanguardista de
los inicios del siglo XX. Estas propuestas artísticas, se distinguieron por presentar una serie de ideas que
revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su carácter crítico y
experimental, tenemos de ejemplo los movimientos artísticos contemporáneos como el fovismo, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo.
Otro criterio utilizado para las manifestaciones contemporáneas es aquel que toma como punto de partida
el inicio de la Postmodernidad, que va de finales de la década del 60 e inicios de los años 70, o el fin de
la segunda guerra mundial, en 1945. Este arte contemporáneo está formado por movimientos como el arte
pop, el nuevo realismo francés, el arte povera, el arte conceptual, el minimalismo y el expresionismo
abstracto, así como con el hiperrealismo, la neofiguración, las instalaciones o la deconstrucción.

Y por último criterio tenemos el que vincula el inicio del arte contemporáneo con el principio de
la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la revolución francesa.
El Arte Contemporáneo: Un antes y un después
El arte contemporáneo viene de finales del S. XIX, este concepto creado en el siglo XX fue el
resultado de arrastrar varias técnicas del siglo XIX, es más se considera que el principal punto de
partida de este nuevo concepto fue del Impresionismo y el Postimpresionismo. Se dice esto
porque de esos movimientos artísticos se desarrolló las vanguardias más famosa y conocida del
Siglo XX. Entre esas vanguardias podemos encontrar: el fauvismo, el constructivismo, el
neoplasticismo, el cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el futurismo y el
dadaísmo. Todas estas corrientes tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero
no en lo estilístico, tienen un punto en común y es la pasión de innovar y conceder al arte un
espacio muy distinto al que poseía antes.
Por ello podemos decir que, el arte contemporáneo se caracteriza por tener una conciencia de
grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el
pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a
la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las
formas y la composición, es querer encontrar una nueva manera de expresión que no encaje con
todo lo que se había hecho hasta ese momento. Así pues comenzó a desarrollar un sinfín de
formas nuevas y a comenzar desde un espacio nuevo donde la forma y el color adquirieron
propiedades fuertes.
El arte contemporáneo del Siglo XX
En el Siglo XX el arte rompe con todos los conceptos tradicionales y crea unas características nuevas y
en definitiva esenciales. En cualquier obra contemporánea podremos observar que la personalidad del
hombre es un objeto de disputa ya que el artista puede disfrutar de una libertad completa, en la
libertad completa también tenemos que meter a los poetas y pensadores que tendrán que interpretar
la realidad y enseñar el camino al futuro. Las técnicas usadas en el arte contemporáneo pone al artista
en una postura de ser capaz de interpretar todo, pero el arte se expresará mediante la irracionalidad
producida por la insatisfacción y la intranquilidad.
Es evidente que la libertad de crear e proyectar cualquier posibilita al artista cualquier tipo de exceso.
Estos excesos van desde los creativos, dentro de este grupo podemos encontrar a las vanguardias
denominadas como arte degenerado, hasta los productos artísticos del consumo colectivo que por otro
lado varios expertos del arte lo califican como de “muy mal gusto”

Vanguardias históricas del arte contemporaneo

El fauvismo: se identifica por la sustitución de la paleta de tonos naturalistas empleada por
los impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un
mayor énfasis expresivo.
El impresionismo: se valora los contenidos y las actitudes emocionales, es una expresión
del propio yo, con una composición desgarrada y un color más violento y contenidos
simbólicos.
El cubismo: se destaca por la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone
una forma de perspectiva que se basa en la multiplicidad de los puntos de vista. Tiene una
primera etapa llamada cubismo analítico, donde los artistas buscaban la descomposición de
las formas tridimensionales en elementos geométricos y una segunda etapa llamada cubismo
sintético que se desarrollan experiencias con el collage.
El futurismo: es un estilo llamado cubismo dinámico porque los artistas se interesaban por
la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e
imágenes.
El neoplasticismo: tiene un método que parte de la utilización de líneas rectas que
delimitan rectángulos de colores primarios, los artistas quieren destacar la bidimensionalidad
de la superficie para expresar su ideal basado en la pureza del arte.
El dadaismo: representa la antítesis del racionalismo y de la abstracción, que surgió
durante la Primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos
dominantes, querían representar la libertad absoluta, lo inmediato, la contradicción y la
espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de la lógica un pensamiento inmóvil,
los conceptos abstractos, lo universal y la eternidad de los principios, el caos sobre el orden
y romper las fronteras entre el arte y la vida.
El surrealismo: se trataba de ir más allá de la realidad visible asegurando la superioridad
del subconsciente y daban importancia a los sueños en la creación artística.
El constructivismo: se origina en Rusia, desde donde empieza a involucrarse a otros lugares
de Europa, hasta llegar algunos años después a Latinoamérica, de donde nos vemos muy
influenciados. Este movimiento se caracteriza por ser muy abstracto, por lo que se recurre
generalmente a figuras geométricas y muy bien definidas.
Etapas del arte contemporáneo en el S.XX
Etapas del arte contemporáneo
Podemos observar estas etapas a través de los años entre las que están:
El informalismo: en paralelo eón el expresionismo abstracto de Estados Unidos y abarca
todas las tendencias abstractas y gestuales desarrolladas en francia y en el resto de Europa
después de la Segunda Guerra Mundial. Se distinguen varias corrientes diferentes como la
abstracción lírica, la pintura matérica , la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo
o el art brut.
El Pop: fue un movimiento artístico del S.XX su característica más importante es el empleo de imágenes de
la cultura popular, como los anuncios publicitarios, cómic books, el mundo del cine, entre otros. El arte
pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura de bellas artes, resaltando lo banal
a través del uso de la ironía.
Desconstrucción y Postmodernidad: se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto
como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera rechazando el principio
programático del arte de vanguardia, asumiendo el fracaso de los movimientos de vanguardia, siendo un
arte autorreferencial, el arte habla del arte, sin pretender hacer una labor social
La construcción del valor
artístico
https://es.scribd.com/document/4
8280797/LAS-REGLAS-DEL-ARTE
 Construcción de una
sociología del arte desde
Latinoamérica.
MILLCAYAC - Revista Digital de Ciencias Sociales / Vol. I / N° 1 / 2014.
ISSN: 2362-616x. (11-29 pp.) Centro de Publicaciones. FCPyS. UNCuyo.
Mendoza