Alberto Durero

 (en alemán Albrecht Dürer;1 Núremberg, 21 de mayo de 1471-Núremberg, 6 de

abril de 1528)2 es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en
todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte.

Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad a la que estuvo

íntimamente unido. Su padre era un orfebre húngaro que emigró a tierras
germanas y el primer maestro de su hijo. Alberto Durero el Viejo (1427-1502)
nació en el pueblo húngaro de Ajtós, ubicado junto a la ciudad de Gyula.
Originalmente llamado Albert Ajtósi, cuando llegó a Alemania tradujo su apellido a
«Türer» y luego a «Dürer» según el dialecto local. Este apellido significa
'fabricante de puertas', y de hecho Durero ostentaría como motivo de su blasón
una puerta.

De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del
[[siglo XV|SIGLO XV]], en el que estaba muy presente la
pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en
adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos, como Robert
Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden.

El concepto empírico del mundo de la gente del norte (fundamentado más en la

observación que en la teoría) era el nexo común. Durante el siglo XVI, el
fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas
de los humanistas italianos por el norte de Europa infundieron nuevas ideas
artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora.

Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval —

representada con ricas texturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle
— con el énfasis que los artistas italianos ponían en la Antigüedad clásica, los
temas mitológicos y las figuras idealizadas. La tarea que Durero se planteó fue la
de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el
interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte
italiano.
En su abundante correspondencia -especialmente en las cartas al
humanista Willibald Pirckheimer, amigo suyo toda la vida- y en diversas
publicaciones, Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la
clave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de él, del arte
clásico.

En la lista de amigos de Durero estaba el austriaco Johann Stabius, autor que le

proporcionó los conocimientos y detalles sobre la construcción de relojes solares.
Entre las notas que dejó en su diario, cabe mencionar una descripción de una
pesadilla que tuvo una noche de Pentecostés en 1525, donde veía caer trombas
de agua del cielo. Marguerite Yourcenar hizo un interesante análisis en su libro El
tiempo, gran escultor.

Desde aproximadamente 1507 hasta su muerte tomó notas y realizó dibujos para

su tratado más conocido, Vier Bücher von menschlicher Proportion (Cuatro libros
sobre las proporciones humanas, publicado póstumamente en 1528).

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973)

fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Es considerado desde la génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores

que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el
mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus
trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo.
Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros,
la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes
teatrales. También tiene una breve obra literaria.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la

Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo
Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios
Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de
bautismo),6a fue el primer hijo de José Ruiz y Blasco y María Picasso López. Nació
el 25 de octubre de 1881 en Málaga (España), en el seno de una familia burguesa.
Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). Su
bisabuelo materno, Tommaso Picasso (nacido en 1787), era originario de la
localidad de Sori en Génova, Italia, y se trasladó a España alrededor del 1807.7

De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en la Real
Academia de Bellas Artes de San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer
era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre
hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le
dibujó en 1923.8 Pablo empezó a pintar desde temprana edad; en 1889, a los ocho
años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador
amarillo,9 primera pintura al óleo1011 de la que siempre se negó a separarse.

Pablo Picasso y su hermana Lola en 1889.

En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca

estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a
pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —donde se había
creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes tras su cese como
conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888.12b El cambio no fue
para nada agradable para su familia, como queda plasmado en la expresión que
Picasso recordaba de su padre en esta etapa: «Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni
nada de nada».1314«Solamente para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.»15 En
Galicia, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus
dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi
feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.8 En La
Coruña hizo su primera exposición con trece años y publicó caricaturas y dibujos
en las revistas autoeditadas a mano "La Coruña", "Azul y Blanco" o "Torre de
Hércules".1615

El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su

hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela
de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y
cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer
a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del
estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La
Coruña.8

Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce

años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las
dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista,
su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus
primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no
volver a pintar en su vida.8

Edward Hopper (Nyack, 22 de julio de 1882 - Nueva York, 15 de mayo de 1967)1

fue un pintor estadounidense, célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en
la vida estadounidense contemporánea. Se le considera uno de los pintores de
la escuela Ashcan, que a través de Arshile Gorky llevó al expresionismo
abstracto posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Los inicios[editar]

Nacido en Nyack, una pequeña ciudad a orillas del río Hudson en una familia

burguesa, Hopper entró en 1900 en la New York School of Art. En ese instituto
coincidirá con otros futuros protagonistas del arte estadounidense de principios de
los años cincuenta: Guy Pène du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George
Bellows.

Sin embargo, los contactos que resultaron fundamentales para su formación y

para su desarrollo como pintor son tres de los profesores de la escuela: William
Merrit Chase, que lo animó a estudiar y a copiar lo que veía en los
museos; Kenneth H. Miller, que lo educó en el gusto por una pintura nítida y
limpia, organizada en una composición espacial ordenada y Robert Henri, que
contribuyó a liberar el arte de la época del peso de las normas académicas,
ofreciendo de ese modo un ejemplo activo al joven Hopper. Tras conseguir su
título, Hopper obtuvo su primer trabajo como ilustrador publicitario en la C. Phillips
& Company.

Los viajes al extranjero[editar]

En 1906, viajó a Europa por primera vez. En París, experimentó con un lenguaje

formal cercano al de los impresionistas. Después, en 1907, viajó
a Londres, Berlín y Bruselas. El estilo personal e inconfundible de Hopper,
formado por elecciones expresivas precisas, comenzó a forjarse en 1909, durante
una segunda estancia en París de seis meses, llegando también a pintar en Saint-
Germain y Fontainebleau.

Su pintura se caracteriza por un peculiar y rebuscado juego entre las luces y las
sombras, por la descripción de los interiores, que aprende en Degas y que
perfecciona en su tercer y último viaje al extranjero en 1910 a París y a España, y
por el tema central de la soledad. Mientras en Europa se consolidaban
el fauvismo, el cubismo y el arte abstracto, Hopper se siente más atraído
por Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec y por un
pintor español anterior a todos los mencionados: Goya.

El regreso a Estados Unidos[editar]

Regresó definitivamente a los Estados Unidos, donde se estableció y permaneció

hasta su muerte. En esos momentos Hopper abandona las nostalgias europeas
que le habían influido hasta entonces y empieza a elaborar temas en relación con
la vida cotidiana estadounidense, modelando y adaptando su estilo a la vida
cotidiana. Entre los temas que aborda, abundan sobre todo las representaciones
de imágenes urbanas de Nueva York y de los acantilados y playas de la
cercana Nueva Inglaterra.

En 1918 se convirtió en uno de los primeros integrantes del Whitney Studio Club,

el centro más dinámico para los artistas independientes de la época.
Entre 1915 y 1923 abandonó temporalmente la pintura, dedicándose a nuevas
formas expresivas como el grabado, usando la punta seca y el aguafuerte, con los
que obtuvo numerosos premios y reconocimientos, incluso alguno de la
prestigiosa National Academy.

El éxito[editar]

Nighthawks (Noctámbulos, en español), el cuadro más famoso de Edward Hopper.

El éxito conseguido con una exposición de acuarelas (1923) y otra de lienzos

(1924) hicieron de Hopper el autor de referencia de los realistas que
pintaban escenas estadounidenses. Como es por ejemplo Habitación en Nueva
York. Su evocadora vocación artística evolucionó hacia un fuerte realismo, que
resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que
Hopper percibe en sus objetos.

A través de imágenes urbanas o rurales, inmersas en el silencio, en un espacio

real y metafísico a la vez, Hopper consigue proyectar en el espectador un
sentimiento de alejamiento del tema y del ambiente en el que está fuertemente
inmerso, por medio de una esmerada composición geométrica del lienzo, por un
sofisticado juego de luces, frías, cortantes e intencionadamente «artificiales», y por
una extraordinaria síntesis de los detalles. La escena aparece casi siempre
desierta; en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana, y
cuando hay más de uno lo que destaca es la alienación de los temas y la
imposibilidad de comunicación resultante, que agudiza la soledad. Algunos
ejemplos de este tipo de obras son Nighthawks o Despacho en una ciudad
pequeña (1953).

En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera

retrospectiva, y el Whitney Museum la segunda, en 1950. Hopper falleció el 15 de
mayo de 1967 en su estudio neoyorquino, cerca de Washington Square.
Andrew Warhola (Pittsburgh; 6 de agosto de 1928 - Nueva York; 22 de
febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista
plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el
nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera
como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo
en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una
hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol
actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas,
homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y
pintorescos personajes urbanos.

Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la
pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El
Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una
amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de
Estados Unidos dedicado a un solo artista.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro
todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera
vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa
amarilla y de los reality shows.

Fue un personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus

obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es
objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales,
además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy
Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está
considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a sus
revolucionarias obras.

Muerte[editar]
Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987.
Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de una operación
de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una
repentina arritmia post-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de
líquidos por intoxicación de agua.22 Antes de su diagnóstico y la operación
consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos, debido sobre
todo a su pavor a los hospitales y los médicos.

Miguel Condé es un pintor, dibujante y grabador figurativo mexicano. Nació

en 1939 en Pittsburgh, Estados Unidos. Vive y trabaja
entre Madrid y Sitges, España.

Autodidacta a excepción de estudios de anatomía con Stephen Rogers

Peck en Nueva York y técnicas de grabado en el Atelier 17 de Stanley William
Hayter en París. Becario de la Fundación Guggenheim para América Latina y del
Gobierno Francés, Condé ha recibido varios premios internacionales y es miembro
titular de la Société des Peintres-Graveurs Français. Su obra está representada en
numerosos museos y colecciones (Museo de Arte Moderno de Nueva
York, Cleveland Museum of Art, Blanton Museum of Art en Austin, University of
Essex Collection of Latin American Art, Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía en Madrid, Albertina en Viena, Bibliothèque Nationale de France en París,
etc.).
Maurits Cornelis Escher ([ˈmʌurɪt͡s kɔrˈneːlɪs ˈɛʃər] Leeuwarden, 17 de
junio de 1898 - Hilversum, 27 de marzo de 1972) fue
un artista neerlandés conocido por sus grabados xilográficos, sus grabados al
mezzotinto y dibujos, que consisten en figuras imposibles, teselados y mundos
imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3

dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de
representación.

En 1919 y bajo presión paterna, empieza los estudios de arquitectura en la

Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó
poco después para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Samuel
Jessurun de Mesquita. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y
destacó sobremanera en la técnica del grabado en madera o xilografía, que llegó a
dominar con gran maestría.

Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados

principalmente de temas paisajistas. Abandona Italia debido al clima político de
aquellas fechas, trasladándose a Suiza, y pasó algunos años allí, cuyo clima le
resultó muy desagradable y poco inspirador. Añora el sur de Italia y lo frecuenta
repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos
veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos
motivos ornamentales. Lo que aprendió allí contemplando los intrincados detalles
decorativos fundados en repetidos patrones matemáticos por paredes y techos
tuvo una profunda influencia en la obra de Escher, especialmente en la
relacionada con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan
el horror vacui del espacio sin dejar ningún hueco.

En 1941 se muda a Baarn, Países Bajos, después de una estancia difícil

en Bélgica durante la Segunda Guerra Mundial. Parece que debido al habitual mal
tiempo de esa región, donde los días soleados se consideran una bendición, es
por lo que abandona los motivos paisajísticos como modelos y se centra más en
su propia mente, encontrando en ella una potentísima fuente de inspiración. Hasta
1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de
entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero
por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal
excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo.
También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas
esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil,
y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes»
reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras
anteriores en las nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo,
esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas
peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.
Quizás por ello en este período su producción sea tan fructífera y regular, y solo
se verá interrumpida por la operación que sufrió en 1962, consecuencia de su
debilitada salud. En 1969, con 71 años, realiza su grabado Serpientes donde
demuestra sus facultades a pesar de su avanzada edad.

En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de Laren, al norte de los Países Bajos,
donde los artistas podían tener estudio propio. Murió dos años más tarde,
en Hilversum, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 73 años, y fue enterrado en el
cementerio de Baarn.

Hunt Slonem (nacido Hunt Slonim, 18 de julio de 1951) es un pintor, escultor y

grabador estadounidense. Es mejor conocido por sus pinturas neoexpresionistas
de aves tropicales, a menudo basadas en un aviario personal en el que ha estado
guardando de 30 a más de 100 aves vivas de varias especies. Las obras de
Slonem están incluidas en muchas colecciones importantes de museos de todo el
mundo; él está exhibiendo regularmente en lugares públicos y privados, y ha
recibido numerosos honores y premios. [1]
Hunt Slonem nunca se ha casado y no tiene hijos. Hasta 2010, ocupó un estudio
de la Décima Calle en Manhattan que tenía 40,000 pies cuadrados, dividido en 89
habitaciones. [40] En 2010, Slonem se mudó a una antigua sede de la compañía
cinematográfica Moviola, en la calle 45 oeste. El espacio sirvió como su estudio de
pintura y se dividió en una serie de pequeñas habitaciones, todas ellas pintadas
por Slonem en los viejos colores de las plantaciones de Louisiana. [41] El estudio
albergaba sus extravagantes colecciones en constante expansión, desde sillas
neogóticas hasta sombreros de copa, bustos de mármol de María Antonieta, hasta
varios objetos de arte, extraídos de mercados de pulgas y ferias de antigüedades.
En una entrevista en el libro de Vincent Katz Pleasure Palaces: The Art & Homes
of Hunt Slonem, describe su técnica de recolección como "desorden". [42] Para él,
los objetos son "amigos"; cuanto más hay, más se inspira. "Tengo que tener una
cierta cantidad de cosas en su lugar antes de poder funcionar y pintar", dice. [18]
Aunque, Slonem todavía vive en el apartamento tipo loft al que se mudó en 1973,
según el Wall Street Journal, hace casi todo su entretenimiento en su nuevo
estudio West 34th Street de 25,000 pies cuadrados en el vecindario industrial
Hell's Kitchen de Manhattan donde se mudó. 2011. Él bautizó el espacio del loft
del tercer piso con una fiesta de cumpleaños a la que asistieron más de 200
personas.