CRÉDITOS:

Zine es un proyecto editorial ideado e impulsado por la Asociación Cultural y Universitaria

OnGoing en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada.

Edita:
Facultad de Bellas Artes
Universidad de Granada

Diseño de proyecto y dirección editorial

Eduardo Rodríguez Barranco
José Manuel Ruíz Bermúdez
Jara Doncel Malia

Dirección de contenidos
Regina Pérez Castillo

Asesoramiento diseño y maquetación

Joan Sanz

Fotografías
Jara Doncel Malia (Grado en Bellas Artes)
Los artistas

Diseño y maquetación
Eduardo Rodríguez Barranco (Grado en Bellas Artes)
José Manuel Ruiz Bermúdez (Grado en Bellas Artes)

Equipo redacción
Manuel José López Gutiérrez (Historia del Arte)
Carlos Javier González Calero (Historia del Arte)
María Teresa Ponce Santiago (Historia del Arte)
Sarahy Guerrero Terrón (Historia del Arte)

Con la participación especial de:

Laura Árbol
María Dávila
Fernando G. Méndez
Pablo Ruiz
Antonio Collados
Marisa Mancilla
Sofía de Juan

Para la realización de este proyecto editorial se llevaron a cabo los talleres Publicaciones
Electrónicas y Revistas Digitales (febrero 2017) impartido por David Moreno Juste y Diseño y Edición de
Revistas de Arte (marzo-junio 2017) impartido por Regina Pérez Castillo y Joan Sanz. Ambos talleres
han sido financiados por el Vicerrectorado de Estudiantes y Empleabilidad de la Universidad de Granada.
PRESENTACIÓN ZINE Nº1
06
por Regina Pérez Castillo

ESCAPARATE_
08
Adrián Robaina

CIRCUITOS_
20
por Manuel José López

Circuitos 2017

32
por Laura Árbol
FACBA_

38
por Mª Teresa Ponce
CONVERSACIONES EN_ y Sarahy Guerrero
Condes de Gabia

SALA DE REFERENTES_
46
por Mª Teresa Ponce

Bigote Sucio
48 54 60 66 72 78

Alicja Panasiewicz

Cráneo Prisma

Ana Rekalde

Fabio Ramírez

Tomás Justicia
 A LA CALLE 2017_
84
por Carlos Javier González

88 90 92
Ana isabel Sevillano

Melania Constantino

Sergio García

A VS. B_
94
CAMPAMENTOS_BBAA
106
por Sofía de Juan

Y CÓMO PARTICIPAR 114

AGRADECIMIENTOS
6

ZINE
Nº01
Aproximadamente 4 kilómetros distancian
la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de
la Facultad de Filosofía y Letras, aunque yo
diría que, tristemente, la distancia psicológica
siempre ha sido mayor. A pesar de ser las
dos grandes instituciones universitarias públi-
cas dedicadas al estudio del arte en la ciudad
de Granada, la relación entre los alumnos de
una y otra orilla ha sido siempre irregular y es-
casa. Los barqueros, es decir, quienes traba-
jamos a medio camino entre un lugar y otro,
percibimos las riquezas, deficiencias y poten-
cialidades de cada ámbito. Cuando pienso
en la primera, en la Facultad de Bellas Artes,
vienen a mi mente palabras como “contem-
poraneidad”, “creatividad”, “proceso”, “taller”,
“materiales”...; cuando pienso en la segunda,
el grado de Historia del Arte, me asaltan
otras como “teoría”, “pasado”, “análisis” o
“crítica”. Como podemos observar, aunque
hablamos del mismo ecosistema, la idiosin-
crasia de cada ambiente es diferente, aunque
también complementaria.

La pregunta “¿Por qué los de Bellas Artes y

los de Historia del Arte no estudiamos en el
mismo lugar?” es constante. Cada vez que
mis alumnos formulan esta cuestión en voz
alta me doy cuenta de que ellos también
intuyen que formarse en el mismo lugar que
sus compañeros enriquecería su experiencia
universitaria y les ayudaría a entender mejor
el mundo que les apasiona, al que quieren
dedicar su vida: EL ARTE. Quizá el nº 1 de la
revista ZINE sea uno de los primeros pasos
que se den en este sentido.

ZINE es una revista que nace de la iniciativa

de unos cuantos alumnos de Bellas Artes,
quienes a finales del año 2016 se ponen en

contacto con el Vicedecanato de Extensión
Cultural y Transferencia de la Facultad de
Bellas Artes y con el Vicedecanato de Estu-
diantes, Redes y Comunicación para recibir
asesoramiento sobre el tema y a través de
este organismo, encontrar a los profesionales
adecuados que pudieran ayudarlos a llevar a
cabo dicha publicación. Es entonces cuando
ZINE llega a mí y me honra otorgándome un
lugar privilegiado, la dirección de contenidos
de la revista, brindándome también la oportu-
nidad de trabajar con fantásticos compañeros
como Joan Sánz. Aunque ésta fuera a hablar
de los múltiples proyectos que se cocían en
la Facultad de Bellas Artes, la oportunidad de
integrar a los futuros historiadores del arte, a
algunos de mis alumnos, era irrepetible. Ellos
debían meter sus narices en el asunto de la
mejor forma posible, aportando lo único que
hasta ahora podían aportar: su formación
como historiadores, sus conocimientos teóri-
cos, su ilusión y sus ganas. Todo cuadraba: los
chicos y chicas de Bellas Artes se encargarían
de la parte visual del proyecto, el montaje y la
maquetación de la revista, mientras que los
estudiantes de Historia del Arte generarían los
contenidos escritos de la misma, haciendo un
importante esfuerzo por sumergirse en un ám-
bito que les era tremendamente desconocido:
el de la creación contemporánea. Siempre re-
cordaré las palabras que en una de las reunio-
nes de trabajo pronunció Maite Ponce, antigua
alumna y colaboradora de este número: “Es
emocionante porque está pasando ahora. Hay
arte que se está haciendo ya, en este mismo
momento”.
ZINE quiere ser algo más que una revista que
resuma las actividades que se han llevado a
cabo a lo largo del año lectivo en la Facultad
de Bellas Artes Alonso Cano, en este caso el
2016/2017
curso 2016/2017. Pretende convertirse en un
proyecto interdisciplinar de colaboración en el
que participen alumnos, docentes y otros pro-
fesionales del mundo del arte, intentado gene-
rar músculo artístico en nuestra universidad, y
por qué no, en nuestra ciudad.
Desde la dirección de contenidos he podido
hacer un seguimiento del trabajo en equipo
que han llevado a cabo los alumnos de ambos
grados, su implicación e interés. Realmente se
ha generado una atmósfera de comunicación
y aprendizaje en el que todos los colabora-
dores han valorado y elogiado activamente
el trabajo de sus compañeros, y esto, desde
mi punto de vista, supera todas las expecta-
tivas, objetivos o metas que pudiera tener la
revista, porque la convierten en un proyecto
con fundamentos humanos. Además, cabría
destacar que el trabajo se ha llevado a cabo
con el mayor rigor, profesionalidad, humildad
e ilusión posibles. Sin duda, ésta es una buena
simiente que debemos cuidar para que florez-
ca con salud en los años venideros. LARGA
VIDA A ZINE.
Regina Pérez Castillo.
Directora de contenidos de la revista ZINE.
Profesora FPU del grado de Historia del Arte. Ugr.
8

ESCAPARATE_
Fotografías: Adrián Robaina
Textos: Adrián Robaina
ADRIÁ
ROBAINA
Empecé hace algunos años a darme
cuenta de que era posible crear “graffiti”
sin que hubiera un muro, un spray, una
boquilla; pero sí era totalmente necesa-
rio que los conceptos, vivencias y esté-
ticas del graffiti fueran representados de
la manera más fidedigna posible.

@adrianrobainaa
ÁN
20

11

12
x
14

9
8
16

CIRCUITOS_
 3
5
1

10

16

Fotografías: Los autores

Textos: Los autores
Textos: Manuel José López
CIRCUITOS
2016
“Cambalache está contenido por la idea de
que el lenguaje y los valores como el estilo de

ALDANA BUSCEMI
vida en la sociedad occidental nos incapacita
para ser nosotros, amar y conocer.
Entendiéndose en la práctica y en la teoría
como un intento de arrojar luz sobre algunos
conceptos enmarañados a través del tanteo y
la suposición”.
TANTEO
Tantear es adivinar a ciegas, conociendo solo
algunos detalles circundantes, y a veces, ni
siquiera eso.

“La infancia es un patio blanco donde el niño

juega y se pregunta sobre lo que le rodea, sin
necesitar una respuesta lógica ni concreta”.
PREGUNTA
En la infancia la pregunta es una constante
ante lo novedoso y cambiante, una
ALICIA RAYA

percepción del mundo que con el paso del

tiempo se va desvaneciendo, pues aumentan
nuestras certezas. Es entonces cuando per-
demos la capacidad de ver con una mirada
nueva lo que acontece a nuestro alrededor.

“Huyendo de la mentira de la vida cotidiana,

busco la verdad en la calma y la belleza de
las cosas sencillas a través de la naturaleza”.
ALICIA DONAIRE

NATURALEZA
Tal vez nuestra vida moderna y occidentaliza-
da nos ha hecho olvidar que formamos parte
de la naturaleza, ser consciente de esa rup-
tura es el primer paso hacia una vida menos
desnaturalizada.
 “Mi obra se caracteriza por un lenguaje
heredero del código póvera; emplea
materiales orgánicos para reflexionar sobre
la energía de lo transformable y crear un
discurso entre diversos materiales naturales

ANA AGUILAR
y artificiales”.
PÓVERA
El arte povera es un movimiento artístico
surgido en Italia en torno a 1960. Fue llamado
así por Germano Celant, debido a que se
utilizaban para su creación materiales humil-
des y pobres, generalmente no industriales.

“Expresa la salida de la monotonía y el

escape de un mundo gris donde están atra-
padas las personas con la aparición de for-
mas de colores”.
MONOTONÍA
La tremenda uniformidad que conduce al es-
tupor, el aletargamiento, el adormecimiento,
el aburrimiento, el cansancio... Monotonía es, ANA LÓPEZ
efectivamente, el gris que nos apaga.

“Esta instalación reflexiona acerca de

aquellos aspectos etnográficos que tienen
que ver con la tradición y que trazan la carto-
grafía cultural de un determinado territorio.
ETNOGRÁFICO
En el arte, la etnografía siempre ha sido una
ANA VAREA

fuente inagotable de inspiración. Mirar al otro

y enfrentarlo a nuestras maneras, a nuestra
historia y costumbres. Compendiar dos mun-
dos (el de allí y el de aquí).

“Una invitación a adoptar una postura

ANDREAS GANSOSO

desinteresada y contemplativa en nuestra

relación con el entorno y dotar de valor a con-
ceptos como el azar, la intuición y la futilidad”.
AZAR
Caminamos cargados de prejuicios e ideas
preconcebidas, evitamos la improvisación en
nuestras vidas para tener una falsa sensación
de control, pero desde antes de nacer todo
era ya azar.
 “Tres conceptos fundamentales para el de-
sarrollo de la obra. En primer lugar la memo-
ria, ya que son los recuerdos que en ella se
encuentran el hilo conductor del trabajo.
La interacción y la participación como ruptura
de una frontera que separa a la mayoría de la
población del arte contemporáneo”.

BEA SORO
INTERACCIÓN
Interactuar es conocer. Una acción que se
ejerce recíprocamente entre dos o más obje-
tos, personas o agentes y por lo tanto no es
posible interactuar sin un segundo que inter-
venga.
“Parto de la experiencia para recrear
un mundo lleno de simbolismo que se
conecta con la mitología. Creo un len-

CARMEN OLIVER
guaje onírico y siniestro, ayudándome
de máscaras o escenarios para ello. Me
interesa, sobre todo, lo artificial y grotes-
co, jugar con el cuerpo y la identidad”.
SIMBOLISMO
Multitud de significados permanecen es-
condidos tras símbolos e iconos, descu-
brirlos despierta en nuestra conciencia
conexiones que estaban ahí pero que no
sabíamos que existían.
“Materia natural pretende evidenciar la co-
rrespondencia entre el organismo humano
CARMEN PERABÁ

y el vegetal, usando el cuerpo y la materia

prima como materia de esta vinculación”.
ORGANISMO
Andamos sumamente preocupados por
nuestra individualidad... aquello que nos hace
únicos. Olvidamos que somos organismos,
que actuamos en función de los demás, que
nos necesitamos unos a otros y comparti-
mos más de lo que creemos.

“La inquietud por la formación de la

ZAHARA MEDINILLA

propia identidad a través del tiempo y

la necesidad de confirmarnos frente a
nuestro reflejo que a veces va acompa-
ñado de la perdida de conciencia de uno
mismo frente a la imagen especular”.
REFLEJO
Ver mas allá de los reflejos, mas allá de
las huellas, profundizar hasta el interior
para tratar de hallar la verdad oculta.
 “Cómo habitamos nuestro espacio vital
de acuerdo con todas las dialécticas de la
vida, cómo nos enraizamos, de día en día, en

CRISTINA SOLER
un <<rincón del mundo>>”.
ESPACIO
El espacio que hemos habitado nos ha ido
configurando, podemos tratar de olvidar o
recordar las experiencia asociadas a él, pero
lo queramos o no, ese espacio nos ha “edifi-
cado” como personas.

“Llegar a lo profundo de la memoria

EDUARDO RODRÍGUEZ
personal y establecer el grado de recuer-
do de los momentos”.
RECUERDO
Los recuerdos nos construyen, nos dan
forma, a veces tratamos de olvidarlos y
nos persiguen, otras tratamos de con-
servarlos. De nada sirve retenerlos ya
que siempre acaban diluyéndose.

“Straigh from streets”

REAL MOVES PROJECT

STREET
El street art o arte urbano nace en la
calle. Es una de las manifestaciones
artísticas en la que podemos encontrar
mayor diversidad de estilos y búsquedas
estéticas por parte de sus artistas.

“Uso lo absurdo y lo sagrado, en el senti-

do del respeto, dignidad y ocultación.
Entrelazo sus conexiones para
econtrar la raíz o el motivo de nuestras
acciones mundanas, malignas”.
ELENA MARÍN

SAGRADO
Lo sagrado. Esa gran autoridad espiri-
tual que procede de una creencia he-
redada, quizá sin sentido, pero que no
pierde su carácter ancestral.
 “Retratos femeninos de la actualidad, de
una generación en la que se ha converti-
do en fundamental la imagen personal”.
IMAGEN
Vivimos inmersos en la cultura de la

EVA HERRERO
imagen. Consumimos cientos de imá-
genes al día, las fagocitamos con vora-
cidad, sin entenderlas, sin querer enten-
derlas. ¿Qué valor real tienen? ¿Cuánto
pesan en nuestra vida?

“Trato de que mis obras actúen a modo

FERNANDO CALDERÓN
de disparadores; que estimulen el pen-
samiento crítico del portador/espec-
tador; que éstos se vuelvan agentes
activos, al sentirse implicados con cada
una de las piezas”.
DISPARADOR
El disparador es una pieza que se
encuentra tanto en las cámaras de fotos
como en las armas. En ambos casos
esta pieza activa algo, pone a funcionar
un complejo mecanismo. Conseguirá
estimular nuestro mecanismo interno.
“Las piezas que realicé en Greatest Hits
FERNANDO G. MÉNDEZ

son aquellas que por algún motivo han

formado parte de mi decisión de ser ar-
tista. Greatest Hits es un ritual de paso
entre la vida como universitario y la vida
sin serlo”.
RITUAL
El ritual prepara nuestro corazón. Nos
introduce en una nueva etapa, un nuevo
camino.

“El tiempo es el factor más influyente

en mi obra. Centro mi atención en su
proceso transfigurador de los valores
GERMÁN ZAYAS

materiales”.
TIEMPO
La vejez se convierte en una virtud
porque siempre está cargada de sabidu-
ría y experiencia. Es la manera en la que
el tiempo nos enseña.
 “Ser reflejo de todo lo que nos rodea, y

GUILLERMO FERÁNDEZ
que por su naturaleza desagradable no
consideramos como parte de nuestro
entorno. A pesar de nuestra convivencia
diaria con ellos, y de que las personas
son fundamentales, seguimos percibién-
dolos como seres inertes sin ser cons-
cientes de todo aquello que los hace
únicos.”
CONSCIENTES
Ser consciente no significa estar al tanto
de algo, significa interiorizar una realidad, y
tener el poder de cambiarla.
“Mi pieza buscaba reivindicar el creci-

ILUMINADA GONZÁLEZ
miento, las fracturas, y la experiencia
de los huesos del ser humano, ya que
gracias a esa experiencia de ayer, hoy
estamos aquí.”
EXPERIENCIA
Según Hegel todos llevamos en nues-
tros hombros la historia de la humani-
dad, y cada uno con nuestra experiencia
damos forma a esa historia.

“Aunando la pintura, la ilustración y la

animación, animo a buscar un criterio
propio fuera de manipulaciones y con-
ISABEL GONZÁLEZ

vencionalismos sociales.”
CONVENCIONALISMOS
Encontrar una forma de expresión
propia o única, alejada de convenciona-
lismos es una tarea ardua y extenuante,
sin embargo, nos otorgará la conciencia
de identidad individual frente al enjam-
bre, el grupo.

“Autoconstruir, rememorar y fortalecer la

unión entre identidad y paisaje”.
AUTOCONSTRUIR
Construimos con retazos de experien-
IVÁN JIMÉNEZ

cias, de conversaciones, de lecturas, de

visiones... para acabar por autoconstruir
nuestra identidad, a nosotros mismos.
 “Descontextualizando espacios y estruc-
turas, reúno una serie fotográfica donde
resaltan las líneas, rectas, planos y cur-
vas, buscando el detalle de lo geométrico”
GEOMÉTRICO

JARA DONCEL
Observar no es mirar, observar es se-
leccionar con la mirada, seleccionar por
ejemplo, los componentes geométricos
del mundo que nos rodea, para descubrir
que el universo tiene múltiples facetas.

“Algunas personas no saben reconocer

los limites que nos rodean y muchas
veces tienen que traspasarlos para co-
nocer su existencia”.
TRASPASARLOS
Para ser nosotros mismos, más libres
e inteligentes, debemos traspasar las
fronteras que nos mantienen atados a J.M ANEAS
nuestras convicciones y dogmas.

“La casa como símbolo de todo lo ina-

movible y lo perdurable, pero también la
casa como reflejo de todo un proceso
de cambio.”
CASA
LAURA ÁRBOL

Espacio compartido o espacio de aisla-

miento, espacio seguro o inseguro. La
casa es un espacio en el que se conden-
san nuestras sensaciones vitales.

“Patrimonio de la inhumanidad pretende

dar voz a aquellos que quedan desaper-
cibidos, sin recursos”.
INHUMANIDAD
Nos hacemos llamar seres humanos,
MARÍA PÉREZ

pero obviamos el dolor de los que sufren

y viven a nuestro lado. He aquí nuestra
inhumanidad.
 “Ocultar la esencia del individuo a través

Mª CARMEN NEGRILLO
de la máscara dejando al descubierto,
los sentimientos más íntimos”.
MÁSCARA
La máscara puede ocultar y definir a
la vez. Oculta porque esconde nuestro
rostro, define porque siempre es un
elemento simbólico de lo que somos,
un eco de nuestro interior.

“Una muestra íntima y emocional que

pretende hacer visible lo invisible a tra-
vés de intervenciones en fotografías
de moda”.

MARTA TORRES
INVISIBLE
El mundo bien podría ser un escenario,
y nuestro diario existir una representa-
ción teatral en la que obligadamente nos
hacemos visibles ante un público, pero
la verdad se encuentra detrás de las
bambalinas, en el lado que no se ve, la
parte invisible.

“Juega con Mels (las piezas escultóri-

cas) mezclando lo salvaje de la natu-
MELISA CAMPUZANO

raleza con lo artesanal. De esta forma

podrás sumergirte en un mundo en el
que tus sentidos te dominan, sacando el
niño/a que llevas dentro”.
JUEGA
Conocer la realidad a través del juego,
de la manipulación, dejando que los
sentidos se embriaguen del espíritu
lúdico. Nunca olvidamos lo que apren-
demos jugando.

“La técnica usada en este proyecto pic-

NOELIA RODRÍGUEZ

tórico es la de pinturas al agua, a través

de la estampación. Cada serie está for-
mada, dependiendo de su gama cromá-
tica, donde cada pintura está realiza en
un soporte diferente”.
ESTAMPACIÓN
El arte de imprimir estampas ya se
llevaba a cabo en el siglo XV. El libro
más antiguo en el que las estampas se
entremezclan con el texto es el tratado
de medicina de Pedro Albano (1472).
 “Me interesa el proceso, la materia, que
el espectador perciba y conserve en sus
retinas el camino que he recorrido hasta
llegar a la obra final”.
CAMINO
La obra puede ocultar o mostrar el proce-
so creativo. En este caso el camino, las

SYLVEIRA
huellas, son visibles, son el resultado y
desvelan el esfuerzo del creador.

“La idea surgió tras la lectura del ensayo

SANDRA CARMONA
de Tanazaki, el elogio de la sombra donde
los japoneses encuentran la belleza en las
sombras. Toda la colección se inspira en la
arquitectura, el negro y el minimalismo”.
SOMBRAS
Las sombras en occidente están siempre
vinculadas a lo oculto, lo que nos produce
temor, mientras las sombras orientales
representan la vida, a veces proyectan si-
luetas de la naturaleza, otras veces, símbo-
los atávicos.

“El hombre y la mujer se han sentado a

entenderse, la luz y la sombra se funden en
una substancia llamada luz-y-sombra”.
TOMÁS AGUILAR

LUZ Y SOMBRA
La luz nos descubre a los demás, los desvela
físicamente, y de un modo simbólico elimina
las sombras de las relaciones humanas, nos
invita a conocernos.
32

FACBA_
FAC-
BA
2017
por:

http://facba.info/ @lauraarbol_ Clickea sobre el icono y descarga el

póster de Laura Árbol
38

CONVERSACIONES_E
EN:
Fotografía: Jara Doncel
Redacción y entrevista:
Mª Teresa Ponce y
Sarahy Guerrero
 CONDES_
DE
GABIA P M

Marisa Mancilla (Vicedecana de extensión cultural y

transferencia), Antonio Collados (Vicedecano de estu-
diantes, redes y comunicación) y Pablo Ruíz (Difusión y
coordinador de exposiciones del Palacio de los Condes
de Gabia) dialogan sobre el papel que ha desempeña-
do y desempeña este espacio expositivo en el ámbito
cultural granadino.

http://www.dipgra.es/contenidos/palacio-condes-gabia/
M
A

ANTONIO COLLADOS
MARISA MANCILLA
PABLO RUIZ
1. Desde su punto de vista ¿qué papel desem-
peña la plataforma de Condes de Gabia dentro
del panorama artístico granadino?

A
Un papel fundamental por historia y por pre-
sencia en la cuidad. El área de cultura de la
Diputación de Granada y el Palacio de los
parte por primera vez. Condes de Gabia suma
o forma parte de ese entorno en el que los
artistas pueden empezar. También hay que
Condes de Gabia ha sido una sala histórica entender que son los alumnos que salen de
para el arte contemporáneo en la ciudad y en la última promoción de la facultad que puede
la provincia. Ha jugado un papel muy impor- que cuajen como artistas o puede que no... en
tante en la promoción de los jóvenes artistas. cualquier caso Condes de Gabia estuvo ahí
En un momento como los años 80, donde se en sus orígenes abriendo camino y seguirá
estaban construyendo todas las redes de apo- estando, esperemos que por mucho tiempo,
yo cultural a las artes contemporáneas, jugó formando parte de esa red.
un papel fundamental. Esta sala ha albergado
a las nuevas promociones de artistas que van
saliendo de la Facultad de Bellas Artes y no
sólo eso... ha tenido un papel de altavoz de lo
que se iba haciendo en la facultad... ¿no? En
este sentido, ha ayudado a muchos estudian-
tes y a la propia facultad a salir de la burbuja
académica. La plataforma de los Condes de
Gabia ha sido siempre una referencia, el lugar
donde se quería llegar, no sólo por la expo-
sición de la promoción, sino también por los
proyectos de la sala antes Baja (ahora Ático),
o las becas Manuel Rivera que también eran
muy importantes.

M
Además, es una sala que siempre ha gozado
de mucho prestigio en el tejido cultural de la
ciudad, sobre todo en el artístico. Es decir, por
aquí han pasado artistas que ahora ya están
situados y son relevantes. Siempre ha sido una
buena plataforma, un trampolín para ayudar,
en un entorno muy complicado, porque Grana-
da siempre ha tenido una importante cantera
de artistas pero realmente muy pocos cauces
para apoyar las trayectorias de esos artistas.
Por eso pienso que es una institución absolu-
tamente necesaria en este paronama.

A
Antonio Collados: ¿Cómo lo ves tú, Pablo?

P
Sí, es cierto. Además, era un momento en el
que había pocos espacios... . Ahora, gracias a
vosotros (se refiere al vicedecanato de cultu-
ra), se empieza a tener nuevas salas, donde
alumnos y nuevos artistas pueden encontrar el
lugar donde mostrar su trabajo, en su mayor
2. Desde su óptica y teniendo en cuenta las
obras expuestas ¿hacia dónde cree que están
evolucionando las propuestas de los jóvenes
artistas granadinos? ¿Cree necesaria la
incorporación a esta exposición de más obras
pictóricas, escultóricas... o mayor presencia de
los nuevos sistemas de representación artísti-
ca como el video arte, por ejemplo?

M
Bueno, realmente si hay algo característico de
la producción que se da en nuestra facultad es
que realmente no responde a un único len-
guaje o sigue una única tendencia. Hay gente,
en esta exposición hay buenos ejemplos, que
esta centrada en las artes plásticas, pero lue-
go hay otros discursos muy distintos cercanos
a ámbitos como la literatura, la música... va a
depender un poco del tipo de proyecto que se
presenta. No hay una única lectura en cada
una de las obras. Pienso
que la exposición representa “este momento”,
como también describe las circunstancias o
las pretensiones de estos artistas o sus in-
quietudes. Es como una especie de foto difusa
todavía. Pero no, no creo que haya que puntua-
lizar tanto añadiendo o quitando pintura
o performance.
una abundancia de pintura y eso se ve en la
sala, otras como este caso en el que hay más
presencia de instalaciones o escultura. Pero,
en cualquier caso, es algo coyuntural. Los
alumnos que han presentado a esta edición
sus proyectos, se movían más en este for-
mato. Eso lo sabéis mejor vosotros, Marisa y
Antonio, porque lo vivís día a dia. Nosotros no.
Nosotros recibimos sus propuestas. Se po-
dría entender que es lo representativo de esa
promoción, aunque tampoco necesariamente,
podría ser solo el resultado de los alumnos
interesados en mostrar su obra, en estar dis-
puesto a venir aquí y dar un paso adelante.
A
Sí, en ese sentido esta exposición puede servir
de mapa que cartografía lo que sucede en la
facultad, pero cualquier mapa es incompleto...
¿no? Entonces, supongo que esta exposición

A
Antonio Collados: ¿Vosotros cómo lo veis en
comparación con la exposición de otros años?
podría cambiar o podría ser múltiple en fun-
ción de los intereses de la gente que se pre-
senta, como decía Pablo.

P
Bueno, es cierto que también vosotros desde
la facultad conocéis las líneas de trabajo de
cada momento. Desde nuestra perspectiva
es distinto, nosotros estamos condicionados
por la propuestas que se presentan. Por otro
lado se ha cambiado el formato de selección
de alumnos . Hemos empezado a plantear una
nueva fórmula, es el primer año y estamos en
rodaje, a ver cómo lo vamos puliendo. Pero
es cierto que hay que tener en cuenta que hay
alumnos que tienen interés
en presentarse, y hay alumnos que pueden
que sean extraordinarios como estudiantes y
creadores pero por desidia, desconocimiento o
cualquier otra circunstancia, no se presentan.
Nosotros no podemos, en este caso, ir detrás
de ellos diciéndoles “¡oye preséntate!”, todo
forma parte del mundo al que van a pertene-
cer. Revisando el histórico de las ediciones
realizadas, hay promociones en las que existe
3. ¿Piensa que los proyectos artísticos que in-
tegran la presente exposición tienen la capaci-
dad o potencialidad de atraer al público gra-
nadino? ¿Desde Condes de Gabia o desde la
propia facultad se podría hacer algo más para
motivar al público a visitar dicha exposición?

P
Lo de atraer al publico es complicado. ¿Nos
tenemos que mover en función de lo que sabe-
mos que va a atraer al público? No sé...a mi se
a los niños/as a lo artístico, los esfuerzos no
serán eficaces. Yo estoyde acuerdo con lo que
acaba de decir Antonio, no se trata de atraer al
me plantean muchas cuestiones al respecto. público masivamente, se trata de “conectarlo”,
de que esto sea una experiencia profunda

A
Bueno, yo creo que, por supuesto, hay que
hacer un esfuerzo de difusión o de mediación,
yauténtica.

pensando también que las salas de exposicio-
nes no son, desafortunada o afortunadamen-
te, como una biblioteca o un estadio de fútbol.
Es decir, que nuestra liga no es el Real Madrid
o el Granada, o un concierto de Lady GaGa o
¡yo que sé!... un concierto de Lori Meyers. Es
decir, estamos jugando en otras coordenadas.
Eso, obviamente, no quita que desde luego
esto sea una experiencia de comunicación
y que interese conectar con más gente. Ob-
viamente hay que hacer ese esfuerzo. Pero
vamos a pensar también que es arte contem-
poráneo, esto no es una cuestión de masas ya
que es un ejercicio complejo y que requiere de
un esfuerzo.
A
Que sea una experiencia significativa. Seguro
que Pablo con el tema de las visitas ve pasar
a mucho público “cautivo”, gente que estaba
allí porque alguien lo llevó de la mano y dijo
“¡¡tú tienes que estar aquí durante dos horas!!”
Entonces creo que, trabajamos con eso pero
no es el objetivo... si de ahí rescatas a alguien
pues bien.
P
Claro, claro, esa es la experiencia, que haya
gente que se sorprenda, para bien o para mal y
en cualquier caso, es lo que se mueve en la
facultad. Por otro lado están los paracaidis-
tas… “pasaba por aquí y me he colado por-
que era gratis”. Pero bueno... así también se
conquista público y despiertan intereses . De

P
Claro, efectivamente. repente puede ser el inicio de una relación que
quizá termine bien.

M
Por nuestra parte, en la facultad la convocato-
ria se divulga, se apoya, estamos implicados
con el tema y contribuimos a su la difusión
con todos los medios y herramientas que tene-
mos a nuestro alcance. Eso está claro y desde
Condes de Gabia me consta que también.
Quizá el esfuerzo deba hacerse también desde
otros sitios, no se trata tanto de que los Con-
des o la facultad muevan al público, sino de
que también se tengan mecanismos dentro de
esta ciudad como para que esos públicos, de
repente, demanden esta información, tengan
interés o por lo menos curiosidad. Es decir...

A
Escuelas, colegios...

M
Sí desde pequeños no empezamos a familiari-
zar o incentivar, de alguna manera… a acercar
4. ¿Cómo afronta la elección de las obras que
integrarán la exposición anual de estudiantes
de Bellas Artes en el palacio de los Condes de
Gabia?

M
Como es una convocatoria pública, en las
bases aparece todo detallado. Hay un equipo
de trabajo que va a visionar todos esos do-
programadores, historiadores...
se produzcan lo más tempranamente posible.

sieres que presenta la gente y en función de

ciertos parámetros que están definidos en
las bases se van eligiendo, es decir, no es una
elección simple de tú si y tú no, es algo absolu-
tamente consensuado desde un equipo
de trabajo.
A
Yo creo que también la voluntad del proceso
de selección es dar cabida al mayor número
de personas. Todos debemos entender (la
gente de Condes de Gabia, los representantes
de la facultad y los compañeros de Historia
del arte que se incorporaban a hacer la prác-
tica comisarial) que Condes de Gabia es un

P
Y bueno, en este caso tampoco se tienen que
elegir un número determinado de artistas. Nos
regimos, de alguna manera, por las líneas de
trabajo que se presentan. Queremos darles
más espacio, trabajar también con las ideas
que puedan plantear su obra o proyecto expo-
sitivo pensando en la sala.
espacio que reúne unos criterios de calidad,
que existen unos mínimos para presentarse en
esta sala y que también se intenta organizar
un posible discurso que ya se va hilando o tra-
zando desde el conocimiento de esos prime-
ros dossiers. Es verdad que no es definitivo,
pero en este cambio en la convocatoria que
se ha hecho a través de dossiers de proyectos

M
Pero ahora hay un cambio en la convocatoria... resulta fundamental entender no solamente
que hay una calidad en los trabajos de quienes
se presentan, sino que también hay un buen

P
Sí. Antes, se hacía una convocatoria, los alum-
nos presentaban sus piezas en la sala de
exposición de la Facultad de Bellas Artes y un
día determinado se desplazaba el equipo de
Artes Plásticas de Diputación para hacer la
selección. Entonces, vimos más interesante
cambiar el formato y hacer un proyecto donde
viéramos un poco más el trabajo de los artis-
tas y a su vez poder decicarle más espacio a
cada uno.
espacio para el aprendizaje, es decir, que los
dossiers también enseñan mucho de la capa-
cidad que puede tener un artista de desarrollar
y desenvolverse en una sala ¿no? Creo que es
como un espacio editorial. También una sala
de exposiciones puede ser un espacio edito-
rial. Creo que un dossier también demuestra
mucho la capacidad que tiene un artista de
vincular su trabajo, de mostrarlo al otro.
Evidentemente lo fundamental es centrarse
en conocer la obra y valorarla, pero a mi me

M
Un poco más la trayectoria de los artistas. Se
selecciona un proyecto (puede que la obra no
esté totalmente terminada) sino que se selec-
parece que también debemos tener en cuen-
ta otros criterios que te hablan de la manera
de hacer de un artista, de la capacidad que
ciona un proyecto con posibilidades que luego puede tener luego de ejecutar el trabajo.... son
tendrá una adaptación para el espacio de los elementos que hoy día también tienen interés
Condes de Gabia. Lo interesante de esta nueva para observar esa progresión.
convocatoria es que participan también los
estudiantes de Historia del Arte. Ahora conta-
mos con un espacio de trabajo relativo a la his-
toria, al comisariado... Pensamos que es muy
interesante que las generaciones vayan de la
mano, no descuidarlas; para que las relaciones
entre los futuros artistas y futuros comisarios,
galeristas,
46

SALA DE REFERENT
TES_
Fotografías: Jara Doncel / (*)
Textos: Mª Teresa Ponce
Lugar: Sala de Exposiciones
Facultad BBAA
48
SinTítulo.jpg
Del 5-28 octubre de 2016
Desde su juventud, Bigote Sucio se ha
sentido atraído por el mundo del arte, siendo
el graffiti el que despertó su interés hacia la
expresión artística a la temprana edad de
los 12 años. A partir de aquí, comienza su
formación como artista multidisciplinar es-
pecialmente interesado en diseño gráfico, lo
audiovisual, el dibujo, el grabado e incluso la
artesanía cerámica.
En 2010 comienza una nueva etapa en la que
amplía las distintas vertientes de su produc-
ción, trabajando con nuevos soportes y ma-
teriales: moda, diseño, publicidad, serigrafía y
hasta música son estos nuevos campos a los
que infiere una estética muy llamativa, espon-
tánea, ligera, de ejecución simplificada y con
http://bigotesucio.com/ @bigotesucio
BIGOTE
_SUCIO
cierto aire minimalista, en el que las formas
se rinden a su faceta más geométrica. Una
expresión desenfadada que utiliza un len-
guaje naif. La forma deja de ser importante,
Bigote Sucio las lleva a su mínima expresión
pero sin abandonar su significado. Estas son
las pautas de lo que sería un minimalismo
propio, un estilo reinventado que no acaba de
desvincularse de las pautas establecidas por
este movimiento. En su exposición “ Sin “títu-
lo”-jpg” ” apenas podemos apreciar esa nor-
mativa propia de las obras de Carl André, por
ejemplo, tampoco hemos visto obras en las
que prime el ángulo recto, las composiciones
modulares, las formas geométricas simétri-
cas, o el uso de un sólo color o material.
E Una muestra de elementos reducidos a su
mínima expresión es su obra “NATURALEZA_
MUERTA_01.jpg”, pintura en la que aprecia-

O
mos la abstracción absoluta de lo que sería
un bodegón.

De esta pieza cabría destacar que en la

misma exposición se encuentra materializa-
da la imagen, es decir, el artista se inspira en
su propia obra para hacer las dos versiones,
la bidimensional y la tridimensional.

*Fotografías: Bigote Sucio*

En esta exposición sí vamos a percibir for-
mas que se repiten pero sin responder a
ningún orden, aquí el azar parece ser quien
determina la disposición de los elementos.
La curva será un elemento primordial que se
irá repitiendo en todos los diseños de manera
constante, dando como resultado unas obras
vibrantes, llenas de movimiento, color, dina-
mismo y ritmo.
La colección está formada por 60 piezas
inéditas, todas ellas siguen una misma línea
estética, el artista bebe de tendencias
actuales como son el diseño industrial, el
“animal print”, el punk o el graffiti, todo ello
elaborado en diferentes técnicas: la pintura
acrílica, el spray, la tinta o las cerámicas, a las
cuales el artista imprime ese aire “ochentero”
predominante.

Qué duda cabe, que existe en la obra de Bi-

gote cierta influencia del artista Ángel Mateo
Charris. Hablamos de corrientes actuales,
y es que toda la colección están vínculada
al mundo digital, al Net.Art, el arte de la red.
Con estas influencias, Bigote Sucio pretente
construir un mensaje irónico sobre la cultura
digital en la que vivimos inmersos, sobre la
cantidad de imágenes que fagocitamos dia-
riamente y las diferentes reacciones que este
fenómeno provoca en nosotros, algo a lo que
el artista llama “Estímulos 2.0”. Para aludir a
esta tendencia, el artista usa recursos como
rótulos que se asemejan a las ventanas o
“interfaces” de los sistemas informáticos.
54
ALICJA
_PANASIEWICZ
Skiagraphia
Del 7-14 de Noviembre de 2016
*Una actividad vinculada al programa Academy Gallery Interchange
Geometría, luces y sombas son los tres
pilares fundamentales con los que la artistas
polaca, Alicja Panasiewicz, juega y expe-
rimenta en su exposicón “SKIAGRAPHIA”.
La artista explora el mundo de las formas
y analiza cómo la luz incide sobre éstas y
proyectan sombras, las cuales tienen mucha
importancia a la hora de reflexionar sobre el
mensaje de la exposición.
La sombra cobra real importancia, la sombra
es esa forma difusa que sólo se hace visible
cuando el nivel de oscuridad y luz están
equilibrados, esa forma que no es más que
una mera apariencia, una imitación de la
realidad, y por lo tanto, es una realidad frag-
mentada. La luz también es crucial para esta
exposición, ya que sin luz no existe la som-
bra. La artista sostiene que en nuestra socie-
dad existe una conexión muy fuerte entre lo
negativo y la materia oscura, una relación que
es fundamentalmente peyorativa. Uno de los
objetivos de Alicja es redefinir esta idea tan
asumida. Encontramos cierta reflexión entre
ese ying-yang entre la luz y la oscuridad.
Alicja Panasiewicz tiene muy claras sus
fuentes de inspiración, la artista nos habla
de un único referente que procede del mun-
do filosófico. Alicja hace referencia a Platón,
filósofo griego del 427-347 a.C. La artista se
centra de manera muy concreta en el libro VII
de la República, especialmente en el famo-
so “Mito de la caverna”. De este fragmento
va a rescatar la idea de incomprensión ante
la sombra captada por los sentidos, posi-
blemente engañosa, no real, la percepción
desordenada de la vida...el mundo sensible.
Siendo el objeto lo real, la idea. Mediante una
serie de formas geométricas, los llamados
“sólidos platónicos” el tetraedro, el cubo,
el octaedro, dodecaedro y el icosaedro, la
artista pretende reflejar el mundo haciendo
referencia a los “elementos de la naturaleza”,
tierra, agua, fuego, viento y éter.

“El arte puede ser la herramienta para apren-

der sobre el mundo”

Con las formas geométricas que dominan la

exposición, Alicja Panasiewicz lo que pre-
tende representar es el orden del mundo, así
como las apariencias de éstas, las sombas
son lo que nosotros obtenemos de ellas,
nuestra percepción incierta de la vida, como
aquel hombre de la caverna de Platón.
La idea de Alicja es solidificar esa sombra,
para que así logre una semi-existencia, con-
vertir de repente la sombra en algo tangible,
que a su vez arroja otra sombra, y ésta otra.
60
Arte hoy, miseria mañana
Del 17 de noviembre al 12 de enero de 2017
Mente inquieta, relación obsesiva, inspiración
fuera y dentro del arte, inmediatez, “brains-
torming”... Estas son algunas de las palabras
con las que Cráneo Prisma se define.
“Siento que la inspiración es como un
autobús de línea, nunca para de hacer
su recorrido”.
Craneo Prisma habla de una producción
constante que da lugar a una ejecución artís-
tica muy rápida. Una gran cantidad de ideas
vienen a su cabeza: ideas de dibujo, la músi-
ca, la escultura, la pintura, el dibujo digital e
incluso el vídeo. Aunque aclara que dentro de
sus intereses se encuentran la ilustración y,
en especial, el Fanzine. De la mezcla y con-
densación de estas tendencias nace “Arte
hoy, miseria mañana”, una exposición multi-
disciplinar que no deja indiferente a nadie.
Como ya he indicado anteriormente, la prin-
cipal fuente de inspiración de Cráneo Prisma
se ecuentra en la vida, en la cotidianidad, pero
también nos habla de influencias dentro del
mundo artístico: la ilustración, el dibujo digital
y el Fanzine, y apunta el artista ciertos
@craneoprisma
CRÁNEO
_PRISMA
nombres como los de Alexis Beauclair,
Conxita Herrero o David Shrigley. De este últi-
mo, podemos apreciar una enorme influencia
estética a la que sumamos ese componente
humorístico e irónico que ambos artistas
demuestran.
Señala el minimalismo y la abstracción como
una carácteristica bastante repetida en su
producción artistica. Cráneo Prisma hace
una obra simple y rápida, no le interesa la
perfección en los acabados, de hecho está
influenciado por el mundo del garabatismo o
el cómic “Underground” americano.
Eclecticismo es otra de las cualidades que
podemos encontrar en esta exposición, no
se decanta por ningún estilo concreto, no se
relaciona directamente con una sóla corrien-
te. Cráneo Prisma se define a sí mismo como
un “artista mutante”, que va cambiando su
manera de producir según los intereses que
vaya teniendo. En este sentido habla de la
influencia recibida de Gary Panter, dibujante
totalmente ecléctico y perfecto ejemplo de
“dibujante mutante”.
O
A
En “Arte hoy, miseria mañana” Cráneo Prisma
juega con la ironía, el pesimismo y el humor.
Trata el fracaso con un ingenio de tintes oscu-
ros, lanzando al viento una pregunta:
¿Y ahora, qué? Esta es la incertidumbre del
mañana. Su línea más irónica está influencia-
da por Miguel Noguera y Berto Romero. La ex-
posición versa sobre la inmediatez, la rápidez
de nuestro mundo. Inmediatez en la ejecución,
la vemos reflejada en prácticamente toda su
producción, destacando la sección de “Obje-
tos con ojos”, en la que Cráneo Prisma critica
abiertamente los lentos o eternos procesos de
producción de obra en los talleres.
En esta exposición la rápidez tiene una doble
lectura, no sólo está relacionada con el tiempo
de elaboración artística, va más allá y hace
referencia al hecho de consumir rápidamen-
te nuestras ideas, utilizarlas un día y al día
siguiente no tener nada nuevo que decir, sin
importar ésto último. Esto se traduce en el
sección de “Bocetos de esculturas horripilan-
tes”, esquemas visuales de estética fea y naif,
muy simples y minimalistas.
“De esta serie resaltaría la representación física
de algunos de esos bocetos de escultura, que
al fin y al cabo los hice con el propósito de que
alguien los pudiera realizar, pero como nadie
los hace, finalmente los hice yo”.
Una de la secciones que sin duda llama más
nuestra atención es “Grabadora que habla”, en
la que el artista deja clara su intención: quiere
que el espectador entre en la obra, pueda
formar parte de ella, estableciendo una cone-
xión, y dejando finalmente la conclusión de la
pieza en las manos del espectador. El públi-
co debe seguir unas instrucciones sencillas,
graba lo que quiere en la grabadora aportando
algo suyo, ya sea fruto de la experiencia artísti-
ca o no.
“No me gusta el formalismo del arte.
A veces pienso que para sentir el arte hay que
tocarlo”.
Por último hacer mención a otra de las sec-
ciones de esta exposición, “Domingo todos
los días”, una instalación que es una alegoría
de esos domingos de depresión y resaca
resumidos en un sofá y un ordenador, desde
donde podemos visualizar un capítulo de los
Simpsons al revés. Esta instalación me con-
duce a otro posible referente: la obra
“My bed” de Tracey Emin.
66
Layout
Del 2-17 de febrero de 2017
“Layout” es el anglicismo que da nombre a la
exposición de la artista Ana Rekalde. “Layout”
significa diseño, plan, disposición o bien
croquis, boceto, instrucciones o esquema.
Palabras que definen a la perfección y nos
permiten comprender la exposición de
la artista.
Partiendo del concepto y el procedimiento,
Ana Rekalde da importancia al proceso, la
antesala de la obra final. Tan importantes son
las pautas seguidas como el fin, la obra en sí.
Podemos decir que la exposición es el cami-
no que la artista recorre para llegar al destino
artístico deseado, las instrucciones en las
que se hace latente el proceso experimental,
los fallos, errores...todo lo acontecido en ese
proceso introduciendo cierta connotación
humorística sobre ello.
@ana.rekalde
ANA
_REKALDE
En la serie 5, la cual recibe el nombre “Roces”
vemos esas marcas de dedos, improntas di-
gitales de grafito, posibles fallos, huellas que
son fruto del proceso de ejecución.
Debemos destacar algunas de las figuras
influyentes para la artista como son John Pe-
ter Berger, crítico y pintor británico, así como
Richard Sennett, sociólogo estadounidense.
Berger sostiene que existe un momento a la
hora de la producción artística en el que el
creador abandona su estrategia primera o
idea originaria, cambiando por completo el
rumbo de lo preconcebido, dejándose llevar
por las exigencias y las nuevas necesidades
del dibujo. Ese momento J. Berger lo llama
“Momento Crítico”. Esto lo podemos relacio-
nar con las obras de las series de Rekalde en
las que usando el grafito logra unas formas
A
E
fluidas, totalmente abstractas abriendo el ca-
mino a la duda y a la suposición sobre qué es
lo que la artista quiere representar ahí y qué
acabará representando.
“Para el artista dibujar es descubrir...”
J. Berger.
“El Tiempo del artesano”, es el título de un
libro de Richard Sennett, el cual tiene algunas
premisas que la artista destaca y que hace
letentes en su exposición.
“La gente puede aprender de sí misma a tra-
vés de las cosas que produce...” R. Sennet.
Sennet sitúa la perfección contra la practici-
dad. Habla de experimentación, de la práctica
repetitiva para lograr los mejores acabados,
y sostiene que la larga experiencia sobre
algo puede acabar dando resultados contra-
rios. También habla de que la mejor manera
para lograr un buen trabajo es la existecia
de libertad entre los medios y los fines, así el
artista o el artesano logra una mejor expre-
sión material de la idea. Aunque esta idea sea
totalmente libre y por ende mutable en cual-
quier momento.
Ante estas dos figuras y sus teorías sacamos
algo en común con respecto a la obra de Ana
Rekalde, y es que en ella existe cierta inspira-
ción o tendencia hacia el Pragmatismo, cele-
bérrima corriente filosófica estadounidense
de finales del Siglo XIX. El pragmatismo sos-
tiene que sólo es cierto aquello que funciona,
por ello se centra en el mundo real y objetivo.
Rechaza toda verdad absoluta, ya que las
ideas son provisionales y como tal sujetas al
cambio provocado por investigaciones futu- La artista lleva a cabo un proceso de creación
ras. Esta teoría la podemos ver representada simplificado, lento, el cual gana en refina-
en la serie 6 de la exposición, “Ikea lo hizo mal miento. Un proceso constituido por niveles y
II”. En ésta vemos cierta burla o humor sobre subniveles que a medida que abandonan el
lo que serían las instrucciones de la gran mul- sentido práctico se van haciendo cada vez
tinacional Ikea, esto es, la idea pragmática de más ricos, por ello la artista desvela incluso
ir contra la pauta. los errores.
72
Figura decorativa sobre
fondo ornamental
Del 21 de abril al 12 de mayo del 2017
Objetos encontrados que configuran obras
creadas casi sin pretensión artística, que no
enmascaran lo que en realidad son, no bus-
can falsear su apariencia real, pero que en la
exposición de Fabio Ramírez abandonan lo
común para convertirse en algo más. Eviden-
temente, estos objetos están dispuestos de
manera intencionada, una voluntad que recae
de manera absoluta en el artista. Esto último
quizá nos recuerde a la filosofía que Marcel
Duchamp plasmó en sus “Ready made”.
Fabio Ramírez genera sus obras a partir de
materiales ordinarios (plástico, maderas…)
@fabioramirezenrique
FABIO
_RAMÍREZ
que todos tenemos por casa, elementos de
deshecho en gran medida. Qué duda cabe
que este aspecto conecta directamente su
creación con el “Arte Povera”, término italiano
creado por el historiador del arte, crítico y co-
misario Germano Celant en 1967, con el cual
definía al arte que nacía del montaje o que
estaba realizado con materiales pobres, en
este caso encontrados, materiales que incluso
debido a su naturaleza podían ir degradándo-
se y por ende cambiando y evolucionando el
aspecto de la obra de arte.
O
Z
Para la ejecución de las obras, el artista opta
por la técnica del ensamblaje, la cual popu- esto es, la combinación de distintas técnicas
larizó Picasso a principios del siglo XX, y que para lograr una estética decorativa, tendencia
se basa en ir colocando distintos objetos muy que está muy ligada al trabajo manual.
próximos unos a otros y así lograr un efecto
óptico tridimensional o distintos planos de El artista en la exposición mezcla el ensambla-
visión. Fabio utiliza la técnica del ensamblaje je con recursos propios de la pintura, jugando
dentro del ámbito del “mix-media”, así con la textura y el color.
78
Animalarium
Del 15-31 de mayo de 2017
Más de una veintena de obras sustentadas
en cuatro pilares fundamentales: Historia,
Ciencia, Diseño y la propia visión del autor
dan forma a un proyecto iniciado en 2008 que
aún continúa su evolución.
“La idea surgió de mi pasión por el mundo
animal desde niño....”.
Con esta frase Tomás Justicia reconoce
que desde niño siente cierta pasión por el
mundo animal y que de ahí nace su idea, una
idea que va tomando forma y desarrollo de
manera multidisplinar, adoptando diferen-
tes técnicas y estéticas. La exposición está
compuesta por una gran variedad de objetos
que siguen líneas muy dispares, como el arte
chino, el grabado renacentista, la fotografía,
la pinura, el dibujo o el cine. Aunque si algo
tienen en común es que nunca abandonan su
relación con el mundo animal.
Para llevar a cabo esta diversidad de ejecu-
ciones, Tomás Justicia nos habla de diferen-
tes influencias para su producción. El artista
evoca una serie de dibujos de Leonardo Da
Vinci o los grabados de Alberto Durero, am-
bos maestros del Renacimiento Italiano.
Al mencionar a estas dos grandes figuras,
inevitablemente pensamos en el carácter in-
vestigador y la intención científica de la obra
@tomasjusticia
TOMÁS
_JUSTICIA
de Tomás Justicia. De manera muy clara po-
demos apreciar la influencia de los grabados
de Alberto Durero o de los dibujos de Walton
Ford, quien también toma como referencia al
maestro Italiano en algunos de sus dibujos.
Rinoceronte de Alberto Durero. 1515. Graba-
do Xilográfico. Museo Británico de Londres.
En un primer momento la idea original parte
de la pasión por el mundo animal que desa-
rrolla el artista en su infancia, evolucionando
hacia nuevas formas, el híbrido entre máqui-
na y animal. He aquí la crítica social contra el
maltrato animal, dando lugar el artista a ese
animal que se trasforma en un ser mecánico
capaz de defenderse ante el ataque del hom-
bre. Aquí podemos ver incluso cierta tenden-
cia futurista, algo muy evidente en “El poder
de lo racional”. Las obras están vinculadas
al género científico tanto que acaban siendo
radiografías que muestran el interior, aquello
que la historia no puede demostrar. El artista
también nos habla de la tendencia fotográfi-
ca en su obra, inspirándose en figuras como
Joan Fontcuberta, quién también se decanta
por temas relativos a la fauna y la flora en su
producción artística.
S
A
Más tarde la idea va tomando otros caminos.
Tomás Justicia nos habla del contacto que
mantiene con el mundo del diseño y la publi-
cidad, y por ello, aparece en su cabeza la idea
de mezclar este mundo zoológico con
elementos de consumo, deshechos, basura
con la que el ser humano contamina y destru-
ye el hábitat natural. De nuevo tenemos
aquí una crítica ecologista en apoyo al mun-
do animal.
El animal ahora adopta nuevas actitudes que
provienen de un estado de confusión,
se asimila como deshecho y se hibrida con
él, adaptando sus funciones. En esta parte de
la exposición predomina la escultura tratada
de manera muy expresiva y sugerente, usan-
do el reciclaje para dar cuerpo y forma a
estos animales. En la evolución de las piezas Le interesa y trabaja la transparencia de los
de Tomás Justicia observamos una clara cuerpos a través del método de dibujo de la
predilección por el dibujo y la pintura. Trabaja escuela de Basilea. Con toda esta amalga-
diferentes líneas estéticas y tiene distintas ma de influencias logra una estética nueva y
influencias como pueden ser el arte chino del actual donde mediante el color, la rápidez de
anime de Katsuhiro Otomo, el cine de Peter las líneas o la monumentalidad de las figuras
Greenway o el dibujo de Katsushika Hokusai, intenta expresar sentimientos como compa-
pasando por el grabado de los grandes sión, melancolía y agresividad, dando sentido
maestros renacentistas. y sustentando la carga crítica.
84

84
A LA CALLE_
Fotografías: Los autores
Textos: Carlos Javier Gonzalez
A LA CALLE 2017
“A la calle” ha sido una propuesta artística
que ha conectado las creaciones escultóri-
cas de los alumnos de la Facultad de Bellas
Artes de Granada con la ciudad en el mes de
enero de 2017. El Auditorio Manuel de Falla,
el Espacio Puerta Real, el Cuarto Real de
Santo Domingo, el Ayuntamiento, la Casa de
San Matías, la Casa de las Chirimías, la Casa
de Ágreda, la Casa de Zafra y en el Centro
Federico García Lorca han sido los espacios
elegidos para llevar a cabo las distintas exhi-
biciones, y las personas que han puesto en
marcha esta interesante propuesta han sido
Antonio Martínez Villa, Elisaberta López Pérez
y Aixa Portero, profesores de escultura de la
Facultad, quienes han permitido al público
granadino conocer las obras y experiencias
escultóricas de los alumnos y artistas emer-
gentes del grado de Bellas Artes.
Hace ya algún tiempo, los profesores de la
Facultad de Bellas Artes Alonso Cano han ido
rescatando e incidiendo en la importancia
que tiene el proceso en toda creación artísti-
ca, cuestión poco baladí, ya que a través de
éste uno puede aproximarse a los aspectos,
maneras y formas del trabajo del arte, y por
lo tanto, entender mejor el mismo. Aunque
el proceso ha estado siempre presente en la
creación artística, estuvo oculto hasta aproxi-
madamente 1960, momento en el que apare-
ce una tendencia dedicada al proceso creati-
vo de la obra, al “quehacer” del objeto. Con el
nacimiento del Arte Procesual, indica Giulio
Carlo Argan “El arte se convierte en el lugar
en que el artista (a través de su quehacer)
obtiene un conocimiento del mundo gracias a
una identidad entre pensamiento y acción” .
El arte y los movimientos que surgen en torno
a esta tendencia giran su mirada hacia el
hombre y sus circunstancias, su entorno, su
modo de producción, evidenciando la unión
entre el arte y la vida. A través del proceso, el
autor usa su pensamiento, plantea reflexio-
nes, expone sentimientos, conocimientos y
los elementos culturales que ha adquirido a
lo largo de su vida para generar una obra. Su
punto de vista personal, en ocasiones incons-
ciente, permite reflejar en su producción per-
cepciones, experiencias, vivencias, recuerdos,
conflictos emocionales, deseos insatisfe-
chos, fobias, tabúes, preferencias, complejos
y tendencias ideológicas. Esta carga emocio-
nal acabará volcándose en el hecho artístico,
generando obras que seguirán una tradición,
o bien, posturas radicales o de ruptura con
la sociedad y los paradigmas del arte , gene-
rando de este modo, nuevos horizontes. En
todos ellos, el proceso seguirá siendo una
parte fundamental, pues sin él la obra de arte
no sería más que un mero trámite, cuando
lo que verdaderamente esconde es la esen-
cia de la creación, el vasto haz de realidades
que confluyen en el artista y a través del cual
podemos conocer mejor la realidad que nos
circunda.
Aunque los artistas que observaremos a
continuación no son específicamente proce-
suales, resulta muy interesante y revelador
observar el proceso creativo de tres de los
proyectos que formaron parte de A la Calle
2017.
ARGÁN, Giulio Carlo., El arte moderno, Akal. Madrid
1992. Pp 77 – 80
SANTISO, Gonzalo., El proceso artístico; en Experimen-
tación, Innovación, Creación. Aportes en la enseñanza
del Diseño y la Comunicación, XIV Jornadas de Re-
flexión Académica en Diseño y Comunicación, Buenos
Aires 2006
EL PROCESO
EN LA
REALIDAD
ARTÍSTICA_
88
ANA ISABEL SEVILLANO
La obra artística de Ana Isabel Sevillano Zulu
Uzima, refleja perfectamente la importancia
del proceso artístico. Explica la artista: “atien-
de a una necesidad intrínseca de mi propio
ser de responder a preguntas referentes a
quién soy y cómo me configuro en relación
con el medio de la naturaleza”.
El contenido simbólico de su obra forma
parte del proceso que sigue Ana Isabel para
concretar su obra, afirmando lo siguiente:
“La vida y la muerte pertenecen a un ciclo
interminable, a este bucle continuo que hasta
ahora nunca termina. ¿Pero dentro de la vida
encontramos muerte? ¿o solo se encuentra
en el fin? Yo planteo la naturaleza como el ser
más puro, el comienzo de todo; y mi cuerpo
como algo lleno de impurezas, donde encon-
tramos partes muertas que deben ser limpia-
das.
Desde los inicios de la historia, los seres
humanos han utilizado diferentes tipos de
rituales ya sea para la fertilidad o para otras
necesidades, teniendo en común todos ellos
un fin concreto. Este tipo de creencias nos
han acompañado a lo largo de los tiempos
hasta llegar a mí, llenándome de dudas y
necesidades.
Mi vida ha transcurrido por un camino em-
pedrado donde era inevitable tropezar, estos
son los motivos que me llevan a la llamada
“necesidad”. Necesitaba empezar, volver a na-
cer dentro de una misma vida, quitando todo
aquello que me obstaculiza, que me paraliza.
La unificación del cuerpo y la naturaleza son
el punto de partida para el proyecto denomi-
nado “Zulu Uzima”. Mi cuerpo es lo insano
que a través de la naturaleza (la tierra), que es
pura, se regenera. Mi renacer comienza con
un ritual de purificación, donde al enterrar mi
cuerpo siento que vuelvo a los principios de
todo. En el hueco que deja mi silueta desnuda
queda arraigada toda mi impureza, naciendo
un nuevo yo. Pero entonces, ¿queda conta-
minada esa tierra? Si esto es así, llegaría un
momento en que esta naturaleza quedaría
impura y no podría seguir con mi ciclo. Es por
esto que ese hueco que queda lo relleno de
escayola y lo extraigo, quedando todo lo insa-
no consolidado en una sola pieza y arrastran-
do el rastro de tierra contaminada.
ZULU
UZIMA_ Las piezas obtenidas con este ritual son
variables según la decisión de la propia na-
turaleza, encontraremos zonas que calcan a
la perfección el recorrido de mi cuerpo, pero
otras, sin embargo, serán desprendidas. Po-
dríamos ver estas últimas partes como zonas
salvadas, momentos de mi vida que sí están
sanos y puros.

El resultado artístico que proporciona todo

este proceso lo revierto hacia otro extremo
con otro método de trabajo, y es a partir de la
proyección, en una tela, de mi cuerpo cubier-
to de la tierra resultante de realizar el anterior
proceso. Finalmente, guiada por una reflexión
personal y una meditación intrínseca a mi
propio ser, he cosido esta tela dotándola de
este modo de un motivo.

Para mí solo existe un final, siendo éste cuan-

do el cuerpo no puede volver a ser
purificado. Sé que en algún momento llegará,
pero hasta entonces seguiré renaciendo día
tras día”.
90
MELANIA CONSTANTINO
El proceso en la obra de Melania Costantino
es complejo. Para generar su pieza primero
realizó una investigación científico-anatómica
del corazón, órgano que refleja en su obra.
Tras esto, indagó sobre la poética y mitología
del corazón, encontrando referencias en “El
Secreto de la Flor de Oro”, una obra anónima
taoísta del siglo VII, y del mitólogo norteame-
ricano Joseph Campbell. También consultó
referencias hinduistas y grecolatinas a través
de la figura de Eros o Cupido, e historiográfi-
cas. De esta manera, quiso reflejar el corazón
como centro de energía, como “el saltador,
emocionador”, el corazón abarcador, la dure-
za del corazón, la espiritualidad del corazón,
el amor del corazón. Todas estas simbologías
pretenden reflejarse en su pieza.
El núcleo de la obra es el corazón, suspendi-
do en un bastidor de hilos que representan
las venas. En la parte superior hay un sopor-
te auxiliar donde empieza el entramado de
hilos que crean una red, que poco a poco se
va estrechando para abrirse de nuevo en el
suelo, creando una forma que parece un reloj
de arena. “He pensado esta forma porque
el corazón es el reloj biológico que marca el
tiempo de nuestra vida, así mismo el pálpito
del corazón recuerda al tic-tac de un reloj”.
Cuando los hilos tocan el suelo se crean dibu-
EL CAMINO
DE LOS
SENTIMIENTOS_
jos y desde allí empieza una sombra que se
extiende por toda la pared, siendo también la
sombra un elemento compositivo de la obra,
que representaría el miedo y los sentimientos
de la gente.

La idea original de Melania fue cambiando

como parte del proceso creativo. En una
primera propuesta el elemento central se-
guía siendo el corazón, que se extendía por
la pared a través de hilos rojos de diversos
tamaños, grosores y tonalidades, sujetados
con clavos, que representaban las venas,
de manera que la obra nos recordaba a una
telaraña. La obra fue pensada para un pasillo
subterráneo de la Facultad de Bellas Artes
“Alonso Cano”, llamado por muchos alumnos
el “pasillo oscuro”, un lugar con poca luz, don-
de hay muchas tuberías que están siempre
en funcionamiento y que producen un sinfín
de ruidos diferentes:“Cuando caminaba por
este pasillo sentía con el corazón y con los
oídos todo lo que acontecía en ese espacio”.

Como referencias artísticas en la obra de

Melania, encontramos a artistas que tam-
bién emplean el hilo como material para sus
producciones como, por ejemplo Armelle
Blary, Chiaru Shiota, Janet Echelman o Er-
nesto Neto. Pero Melania también se siente
identificada con Aude-Marie Franjou y Louise
Bourgeois.
92

SERGIO GARCÍA

El proceso artístico que sigue Sergio García

es de suma importancia porque estudia muy
bien el material que va a emplear antes de
empezar a crear la pieza. Para él, el material
le ayuda a “contar su historia”. Recordemos
que los artistas por medio del material que
manejan, plasmarán sus vivencias y experien-
cias a través de una relación con la realidad
más cercana. El interés de Sergio por el mate-
rial proviene de su admiración por la obra de
Zoe Paul, de la que comenta “la importancia
del material en una obra es inmensa, pero no
por la nobleza o coste de este, sino por lo que
el propio material nos cuenta”.

El proceso de la obra:
Sergio quiso trabajar su obra, “La ola”, como
un elemento destacado del mar, pretendiendo
exponer una nostalgia personal.
Para representar la ola, quiso reflejar también
otro elemento que forma parte del choque de
la ola con el propio agua de mar: la espuma.
Para lograr esto, pensó en un material dis-
tinto al agua, y optó por emplear la espuma
de poliuretano. El tamaño y la estaticidad del
material no reflejaban la esencia de la ola.

El artista continuó experimentando, incluso le

dio color a la espuma, pero seguía sin con-
seguir el efecto que quería, por ello pensó en
unir la espuma con un alambre, consiguiendo
aumentar el tamaño de la pieza, originando
“un lugar por el que pasar, o mejor, en el que
poder refugiarse, como si estuvieses dentro
del tubo de una ola; la idea de poder repre-
sentar esa mágica sensación me fascinaba,
y así empecé a trabajar en mi pequeño tubo
artificial”. La unión del alambre de hierro con
la espuma dio como resultado una forma
parecida a una ola, pero Sergio notaba que
faltaba algo más, por ello optó por reducir
el tamaño de la pieza para generar sobre
THE IRREAL
WAVE_

el espectador una sensación de abrazo, de

contacto íntimo. Para ello decidió emplear un
trozo de polietileno de alta densidad, que en-
volviese el alambre, generando de esta forma
una ola rompiente. Con ello consiguió que la
pieza ofreciese “una transparencia sublime,
daba la sensación de estar en un mundo en el
que nada puede molestarte, esa sensación de
paz y sosiego, y a la vez de emoción, como si
estuviese dentro de la propia ola”.

Tras incorporar el plástico a la pieza compro-

bó que el hierro y la espuma funcionaban, sin
embargo el plástico con el hierro no funcio-
naban bien porque el movimiento del plástico
por el viento era impedido por el agarre del
hierro. Tras esto, Sergio decidió incorporar un
gran trozo de polietileno de alta densidad de
4x5 metros a dos árboles, uniéndolos, para
de esta forma, conseguir el movimiento de la
ola. El problema era que ahora no podía tras-
ladar este material como pieza museística,
así que finalmente se quedó únicamente con
un pequeño trozo de plástico sustentado por
dos puntillas que también lograba el efecto
deseado de ola cuando el espectador se acer-
caba a la pieza.

La investigación que desembocó en su obra

final refleja la importancia del proceso en
cualquier creación artística. En este caso, la
simplificación de su idea original generó una
pieza envolvente que no deja indiferente al
espectador.
94
@OnGoing_Zine

A vs. B_
 95

A:

B:

Redacción: Los artistas

Entrevista:
Jara Doncel
Regina Pérez
 @OnGoing_Zine

OnGoing_Zine

Bienvenidos, usuarios A y B.
A lo largo de la entrevista podéis desvelar aspectos de vuestra biografía,
pero nunca vuestro nombre, ¿de acuerdo?

Usuario A
A
buenos dias cuenta B, encantado de hacer la entrevista

A Usuario B le gusta esto

OnGoing_Zine

Queridos A y B, habladnos sobre vuestros mentores/as artísticos, espiri-

tuales, grandes maestros que os han influido en vuestra carrera...

Usuario A
A
Lo que me llevó a hacer Bellas Artes fue el Graffiti, forma de expre-
sión reivindicativa, ilegal y libre en la que estaba totalmente dentro
en aquel entonces. Una vez en la carrera, mis compañeros tuvie-
ron gran importancia en mi desarrollo como son Pedro Caballero
y Murdo Ortiz entre otros y tuve la suerte de tener en los primeros
años de carrera a mi compañero de piso Pablo que me abrió las
puertas de lo que pasaba más allá del “Graffiti real”. Hasta 2011
no encontré la necesidad de mirar hacia dentro y buscar pregun-
tas y respuestas así una detrás de otra. Los profesores que han
influido en mi trabajo han sido Antonio Collados, Jose Luis Vicario,
Victor Borrego y Miroslav Balka. A todos ellos les doy las gracias
por estar cerca y poder beber de lo que son.
Por otro lado he tenido la mente abierta para leer todo tipo de lec-
tura y cine mucho cine mucho cisnefino.

Usuario B
B
En la actualidad, ¿en qué campo desarrollas tu trabajo
artístico? ¿sigues en el mundo del Graffiti, o en su expan-
sión?

Usuario A
A
ahora mismo estoy pintando una discoteca en
mi pueblo. Con lo que me quedo del graffiti son con las
intenciones y las vias de pensar que proporciona para
llevarlo a otro tipo de practica artistica hasta llegar a la
escultura.

Usuario B
B
Lo genial del graffiti es que, según la intención y la consi-
deración, se trata de arte público, y por tanto de una vía
privilegiada para llegar a la gente, para cuestionar a la so-
ciedad desde un ámbito donde predomina la publicidad y
su mensaje consumista.

A Usuario A le gusta esto

 @OnGoing_Zine

Usuario A
A
Por mi parte, en mi breve trayectoria, es indudable la influencia de
ciertos profesores que han marcado una tendencia en mi forma
de pensar y entender la creación. Después o simultáneamente,
la lectura de ciertos libros y películas que han sido tanto o más
relevantes que el descubrimiento de artistas de mi propio medio:
la pintura. Por citar algunos títulos: “Filosofía y poesía”, de María
Zambrano, “Lo posible”, de Luis Puelles, “El ojo y el espíritu” de
Merleau-Ponty o “La razón estética” de Chantal Maillard. Dentro
del cine, todas aquellas obras y autores que me han hecho pensar
visualmente de otra forma: Godard, Chris Marker y nuevo(s) ci-
ne(s) que sigo descubriendo, a nivel formal, o Bergman, Kieslows-
ki, o Malick, más recientemente, en un sentido más simbólico. Las
fotografías de Paul Nougé, la pintura de Léon Spilliaert, de Hopper,
de Manet o Degas, pero también la de Rothko y sin duda Gerhard
Richter son algunas de mis referencias pictóricas esenciales. En
el contexto contemporáneo, me ha influido indudablemente parte
del trabajo de Chema Cobo, Luc Tuymans o el perturbador extra-
ñamiento de Michaël Borremans, si bien esta corriente belga es en
gran medida deudora del simbolismo y surrealismo anteriores.

Usuario A
A
me gusta el cine que te gusta.
creo que te conozco.
por lo que veo pintas no??

Usuario B
B
Sí, mi campo de trabajo es la pintura pero mis referen-
cias son más filosóficas y cinematográficas que pic-
tóricas. En cierto sentido considero que hago cine con
pintura, que es mi medio “natural”, que llevo incorporado
desde siempre.
 Usuario A
A
hola Maria Davila

OnGoing_Zine

En tu carrera artística, ¿cuál ha sido el logro más importante?

Usuario B
B
Depende de qué se entienda por “logro”. En la sociedad del mérito
en que nos encontramos, basada en la competitividad y la visibili-
zación, los logros se miden normalmente según el éxito dentro del
sistema. Por mi parte el mayor logro es poder pintar, dedicando
mi tiempo a la exploración artística y personal, y poder exponer,
pudiendo compartir y hacer llegar esos “logros” personales a otras
personas, y enriqueciéndome de los intercambios que esa oportu-
nidad me permite.

Usuario A
A
JAJAJAJ, a lo que yo llamo logro es cuando la magia funciona
cuando estas en algo y la vida te lleva a sitios que no has podido
definir con anterioridad, al final los logros se consiguen cuando
uno conecta con personas que están por algo mas que esos lo-
gros “Meritocraticos como dice B” Aunque si que para mi es un lo-
gro haber cantado en polaco y haberme sacado este año el carnet
del coche
 @OnGoing_Zine

OnGoing_Zine

Ambos habéis pasado por las aulas de la Facultad de Bellas Artes Alonso
Cano. ¿Cuál es el papel de esta facultad respecto al arte emergente?

Usuario B
B
Personalmente, creo que en la Facultad de Bellas Artes de Grana-
da hay una mirada incuestionable hacia al arte contemporáneo en
general y un impulso admirable del emergente -si entendemos esto
como el apoyo a los artistas egresados y jóvenes de la ciudad-,
si bien a lo largo del plan de estudios se dan conjuntamente todo
tipo de enfoques y perspectivas: unas más tradicionales, o más
técnicas, otras más políticas o filosóficas. Cabe destacar el papel
desarrollado en el apoyo a los artistas emergentes más allá de las
aulas, con los proyectos para la producción e investigación en cola-
boración con salas de toda la ciudad. Por otro lado, creo que según
el profesorado, la asignatura y el propio alumno, la perspectiva del
arte en la actualidad cobrará mayor o menor peso. Un peso quizá
más afianzado en los estudios de posgrado.

Usuario A
A
Considero que va en aumento el soporte y la visibilidad que propor-
ciona la facultad de lo que sucede dentro de ella y los artistas que
allí se forman. Facba, Circuitos, La madraza , proporcionan visi-
bilidad y puesta en valor de los artistas granadinos. Por otro lado
veo que se necesita más espacios de autonomia y autogestion por
parte del alumnado y o artistas donde se produzca espacios de
reflexion, espacios de visivilizacion de encuentro de compartir de
vida.
 Usuario B
B
Sucede también que las posibilidades y circunstancias de
la ciudad de Granada son limitadas en cuanto a sistema y
mercado del arte... por lo que la acción de la Facultad es
indudablemente de cierto alcance, y pese a ello gran parte
de la presencia de arte contemporáneo en la ciudad ac-
tualmente se debe a ella. Sin embargo esto favorece, des-
de mi punto de vista, que lo que se produce se haga desde
una voluntad investigadora y creadora más que desde una
perspectiva de éxito (o) de venta.

A Usuario A le gusta esto

Usuario A
A
Usuario B totalmente de acuerdo, aquí se hace arte desde
una necesidad vital, los efectos y tendencias se repro-
ducen y son faciles de hacer pero para que repercuta en
cada uno de nosotros de los artistas a los espectadores,
es necesario algo más que el hacer y creo que esa chispa
está en la mayoria de los creadores granadinos

A Usuario B le gusta esto

 @OnGoing_Zine

OnGoing_Zine

¿Qué está pasando en Granada? ¿Creéis que se ha producido un cambio

en la escena artística de la ciudad?

Usuario B
B
Como he comentado en respuesta al compañero en la pregunta
anterior, creo que la escena artística de la ciudad está cambiando
considerablemente y gracias en gran parte a las propuestas de la
facultad -de la mano de Antonio, Marisa y Belén-, si bien este cam-
bio tiene una limitación dada por un contexto aún incapaz de asi-
milar lo que se está produciendo: por parte del público, y por parte
sobre todo de la falta de un sistema contundente que lo respalde.

A Usuario A le gusta esto

Usuario A
A
Veo que hay muchos artistas que estan haciendo cosas importan-
tes y desarrollando un trabajo de interes internacional fuera de la
ciudad, si, tienen el sello granada en esencia pero para ello tienen
que estar fuera de la ciudad, granada al fin y al cabo es una ciudad
lanzadera donde da lugar con capacidades increibles y luego les
echa por las pocas posibilidades economicas que proporciona

A Usuario A le gusta esto

Usuario B
B
Sí, exactamente, pero más que ciudad lanzadera diría
que es un centro o núcleo de creación, un espacio casi
privilegiado para profundizar e intercambiar con otros
 artistas y personas de inquietudes extraordinarias, aunque antes o
después haya que irse o expandirse desde aquí a otros territorios
más fértiles en sentido económico. También dependerá de las as-
piraciones de cada uno, de si el arte va acompañado de otra fuente
de ingresos paralela o no, etc. Como motor de creación creo que es
un espacio de gran potencialidad.

A Usuario A le gusta esto

OnGoing_Zine

¿Qué le falta al escenario artístico de nuestra ciudad?

A Usuario A le encanta esto

Usuario A
A
Parte de esta pregunta la he contestado antes, espacios autóno-
mos y libres donde poder tener talleres, ensayar, hacer programa-
ción sin necesidad de la rigidez de las instituciones aunque si cola-
borando con ellas. Siempre desde una honestidad y una coherencia
con la ciudad (periferica y pequeña y andaluza). Y sobre todo una
apuesta por un espacio internacional, como una residencia para
artistas donde podamos estar en contacto con lo que sucede aqui.
todo el mundo estaría encantado de ver la alhambra, si le damos la
oportunidad encima de poder estar un mes o dos de investigacion
y creacion, seria la caña

A Usuario B le gusta esto

Usuario B
B
Lo cierto es que es asombrosa la presencia cultural en Granada:
cine, música, danza, exposiciones que llenan la calle y las salas
casi toda la temporada... sin embargo, muchas de las iniciativas
son poco visibles, y quedan relegadas a un contexto
 @OnGoing_Zine

siempre pequeño, o son gratuitas, lo que supone mayor alcance pero me-
nor beneficio para los artistas, que sólo pueden trabajar gracias al apoyo
institucional. La cuestión del mercado del arte es otro tema... problemático
y paradójico, por lo que prefiero pensar que lo que falta, si falta algo, es ac-
titud y motivación por parte de más instituciones o artistas que, de manera
independiente, sigan desarrollando iniciativas que favorezcan, en esencia,
el intercambio y la reflexión crítica desde el arte.

OnGoing_Zine

Querida María Dávila, querido Fernando G. Méndez, muchas gracias por

vuestra intervención. Podéis seguir conversando en esta plataforma si lo
deseáis... Gracias, nuevamente.

Usuario A
A
Muchas gracias, OnGoing_Zine. Ha sido un placer poder hablar
con Maria. Besos y abrazo

A Usuario B le gusta esto

Usuario B
B
Lo mismo digo, Fernando, yo no te descubrí... pero ha sido igual-
mente un placer. Un abrazo a los dos, y gracias por
contar conmigo.

A Usuario A le gusta esto

 A: María Dávila

http://www.mariadavilaguerra.com/

B: Fernando G. Méndez

https://gmendezfernando.wordpress.com/
106

CAMPAMENTOS_BB
BAA Redacción: Sofía de Juan
Fotografías: Sofía de Juan
 LABORATORIOS_
DE ARTEDUCACIÓN
+ CAMPAMENTOS
La experiencia de Campamentos BBAA, como
compendio de múltiples acciones desarrolla-
das a lo largo del curso escolar 2016-2017 en
la Facultad de Bellas Artes de la Universidad
de Granada, con la colaboración de Plataforma
Indómita, la Asociación Ongoing y del Vice-
decanato de Estudiantes Redes y Comunica-
ción de la Facultad de Bellas Artes, ha sido un
formato pionero de acercamiento al mundo de
la creación-educación; Por un lado, la propues-
ta ha creado un espacio de exploración hori-
zontal y promoción de la apertura del proceso
creativo de un grupo de jóvenes artistas y
estudiantes de la Facultad a la participación, la
educación y la co-creación con otros, median-
te una serie de laboratorios formativos que
han facilitado las herramientas educativas y
metodológicas para el desarrollo de
sus propuestas.
Por otro, ha permitido a 36 niños y niñas de la
ciudad y a sus familias vivenciar de primera
mano los procesos creativos del arte contem-
poráneo de la mano de estos artistas jóvenes,
mediante una experiencia en formato de
Campamento urbano que les invitó a ejercitar
una nueva mirada crítica y artística como crea-
dores reales de cultura y parte activa de esta
institución cultural y educativa.
Durante los meses de marzo a julio de 2017,
los participantes han recibido la formación
y el asesoramiento de Plataforma Indómita
para diseñar y gestionar todo un programa
educativo íntimamente vinculado a su propio
proceso creativo, mediante un proceso de  in-
vestigación colaborativa basado en la práctica
y la acción, en el que activamos herramientas
y estrategias experimentales convirtiéndonos
en comunidades artísticas de aprendizaje que
se abren a la comunidad.
Estos laboratorios se completaron con el
desarrollo real de las propuestas de los jóve-
nes artistas con niños y niñas interesados, en
la propia facultad, durante las dos primeras
semanas de vacaciones escolares.
La institución se reafirma así como un espacio
activo de aprendizaje no sólo para sus estu-
diantes, sino también para otros públicos dife-
rentes a los habituales, ampliando su vocación
de laboratorio de experimentación creativa a la
participación infantil y el proceso creativo de
los estudiantes de la facultad al ámbito partici-
pativo, educativo y social.

Ante la tarea titánica de resumir lo vivido en

estos meses, convertimos este espacio en un
caleidoscopio que refleja las voces de todos
los implicados en el proceso, con la esperanza
de que el lector pueda encontrar, entre todas
ellas la suya propia.
Sofía de Juan. Directora de Plataforma Indómita.
Formación, mentorización y Coordinación
María Matas. Participante. Master en Arte y Educación.
Arteducadora.
Pilar Aumesquet. Participante. Master en Arte y Educa-
ción. Arteducadora
María Jesús Romano. Participante. Master en Arte y
Educación. Arteducadora
Catalina Medarde. Participante. Estudiante de Grado
BBAA. Arteducadora
EMOCIONARIO
“Sorpresa. Durante los campamentos no han
parado de sorprenderme, las soluciones y reac-
ciones (tanto por parte de los niños como por
nuestra parte) a los retos que se planteaban”.
“Inspiración y reconocimiento. (Encontrarme a
mi misma en los otros)”.
“Conforme se ha ido consolidando el grupo de
“Me he sentido un poco madre por un lado y trabajo me he ido sintiendo más valorada,
niña por otro”. también gracias a nuestra tutora que nos ha
sabido comprender y acompañar durante todo
“Me he sentido ¡creadora!, tanto en el proceso el proceso”.
de preparación como durante los campamen-
tos. Con muchas ideas en ebullición, dándoles “Complicidad en las miradas con las compañe-
forma y adaptándolas poco a poco, así como ras y, a final de la semana, con los peques”. 
en conjunto con todo el equipo de arteducado-
ras, formando un proyecto común”. “He sentido de todo. Cada día, no, ¡cada
minuto eran situaciones nuevas!
“Agradecida por el gran equipo de arteducado- Aprendimos mucho de esa experiencia y me
ras que hemos formado, a la inestimable ayuda quedo con un buen sabor de boca, Ha sido muy
y guía de Sofía, y a los niños”. reconfortante”.
TERRITORIO CONQUISTADO
“Se ha conseguido generar un lugar de creación
y cooperación muy interesante”.
“Creo que hemos logrado acercar un poco la
facultad de Bellas artes a los niños e introducir
una alternativa a la educación que se encuen-
tra en los colegios. También nos ha permitido
trabajar con niños reales y pasar de todas esas
ideas que en un principio surgieron en el papel
a un plano físico con todos los inconvenientes y
ventajas que eso suponía”.
 “El mundo del arte en las escuelas no se precia
mucho, con iniciativas como estas comenza-
mos a valorar y a cuestionarnos ciertas prác-
ticas. Tanto los niños como sus familias se
han dado cuenta de que lo que hacemos dista
mucho de lo que conocen en
sus escuelas”.  vencida de mi papel como educadora artística
“Es muy emocionante el ver cómo los niños
responden a las propuestas y participan activa-
mente de ellas”.
“Conseguir despertar el interés de un grupo
de artistas jóvenes de acercarse al abismo de
ese extraño trabajo que es la arteducación, a
esta tierra incógnita del trabajo artístico com-
partido con otros, y ver como, poco a poco tras-
cienden su propia práctica artística para hacer
realidad el deseo común que todos albergamos
de convivir en una sociedad más sensible, más
justa, más auténtica, con la reflexión crítica y la
creatividad como única luz guía, es un regalo”.
“Que niños con intereses y personalidades tan
diversas se hayan interesado y emocionado
con nuestras ideas, e incluso aportaran ideas
nuevas”.
“Gracias a esta experiencia me siento más con-
pues he podido llevar a cabo un proyecto que
planteaba preguntas complejas a niños de 7 a
10 años proponiendo prácticas artísticas como
medio para investigar y desarrollar sus ideas”.
JE ME SOUVIENS
“Fue muy especial el momento del final de la
semana en la que todos los niños recopilaron
juntos sus creaciones, significados y aprendi-
zajes montando entre todos una exposición.
Estaban muy contentos, orgullosos y emo-
cionados de poder contar y compartir lo que
habían creado y aprendido”.
“Recuerdo especialmente la última asamblea
en la segunda semana, fue donde verdadera-
mente tuvimos tiempo de compartir opiniones
con los niños y que ellos expresaran su punto
de vista respecto a lo que habían vivido en esas
dos semanas”.
“Recuerdo una asamblea que hicimos uno de
los días en el recreo, en un momento de des-
madre. Allí todos hablamos sobre cosas que no
estábamos haciendo bien y cosas que sí. Entre
todos decidimos cómo podíamos actuar para
mejorar las cosas que no estábamos haciendo
correctamente”.
“Uno de los momentos más significativos
durante toda la experiencia fue, en el período
de formación, cuando mi compañera y yo nos
decidimos en la definición de la idea de nuestro
proyecto y nos dimos cuenta de que coincidía-
mos en la forma de entender la educación artís-
tica y que se nos estaba dando la oportunidad
de ponerlo en práctica. Me sentí más segura de
mis ideas y vi posible la iniciativa de los Cam-
pamentos de Bellas Artes”.
“Me quedo con el recuerdo de todos los niños y
niñas que participaron. Cada uno nos sorpren-
día y cada día era una nueva aventura”.
“Me quedo con una nena a la que comenzó a
sangrarle la nariz de repente. Al principio me
alarmé un poco, pero viendo la actitud y tem-
planza con la que la cría se lo tomó me tranqui-
lizó. Tuvo mucha valentía aquella personita, y
fue un ejemplo para todos sus compañeros”.
 CUESTIONAMIENTOS
“¿Más allá de la idea lúdica de campamentos…
Podría funcionar este tipo de propuesta como
un proyecto más que aborde un área de conoci-
miento en las propias escuelas?“.

“Me pregunto qué aporta la introducción de

otros públicos / tipos de estudiantes a la
institución. Más que cómo transformó esta
experiencia en la Facultad a los niños me
pregunto…¿Cómo transforman los niños a la
Facultad?”.

“¿Más allá de la idea lúdica de campamentos…

Podría funcionar este tipo de propuesta como
un proyecto más que aborde un área de conoci-
miento en las propias escuelas?“.

“Me cuestiono si, hablando de arteducar con

niños, no deberíamos intentar transportar
esta herramienta a todos los campos posibles
en los que los niños aprenden. Supondría un
aprendizaje muy activo, participativo y sobreto-
do grupal y de cooperación y crecimiento”.

EXPERIENCIAS DE APRENDIZAJE
“Me ha sorprendido el poder de la Arteduca-
ción. Proporciona ilimitadas herramientas con
las que manejar las situaciones de incerti-
dumbre que conlleva, ya que al crear con otros
siempre será una incógnita cómo se desarrolla-
rán las actividades”.

“A nivel personal me ha ayudado a ver la en-

señanza desde otro punto de vista y no sólo
como información unidireccional”.

“He aprendido acerca de la importancia del

orden y de la coherencia de cualquier actividad
que se proponga”.

“A improvisar y estar abierta a que el trascur-

so de las actividades y sus conclusiones me
sorprendan. A adaptar las actividades a lo que
fuera pasando y a aquello que les interesaba
al grupo que teníamos. Trabajar con la artedu-
cación en este sentido es maravilloso, permite
llegar a los objetivos a través de muchos cami-
nos”.
114

AGRADECIMIENTOS:

La Asoc. OnGoing quiere dar las gracias al equipo decanal

de la Facultad de Bellas Artes de Granada por su apoyo en
este y otros proyectos que impulsamos.
Un agradecimiento especial a Regina Pérez Castillo y Joan
Sanz por aportar su experiencia y asesoramiento en la
puesta en marcha de este proyecto. Y a todos los com-
pañeros/as que han participado en este número sin cuya
desinteresada colaboración hubiera sido imposible.
¿QUIERES PARTICIPAR ESCRIBIENDO O DISEÑANDO LA
REVISTA ZINE Nº2?

Solo tienes que mandarnos a la dirección de correo:

ongoingugr@gmail.com, una pequeña carta de
motivación en la que expliques cuál sería tu aportación
a la revista y cómo puedes mejorarla.

Si lo que te apetece es participar como redactor de

ZINE debes enviarnos un pequeño texto crítico-reflexivo
sobre alguna de las obras o exposiciones que formarán
parte de FACBA 2018.
El equipo de ZINE se pondrá en contacto contigo en
seguida si tu perfil encaja en la revista.