Manual para Creativos-Directores

Como enfrentarse a la tarea de dirigir un comercial

Introducción

En la historia de la publicidad hay numerosos casos de creativos que han

pasado a la dirección con gran éxito.
Pero, además de eso, en los últimos años, se ha venido dando con mayor
frecuencia el caso de creativos que, sin dejar de serlo, han dirigido algún
comercial cuando consideraban que ellos mismos eran la mejor opción para el
proyecto. A menudo el creativo conoce tan a fondo el proyecto que tiene mas
posibilidades de abordar exitosamente la dirección del comercial que
entregándole la tarea a otro director. En Argentina, por ejemplo, algunos de
los comerciales mas premiados, has sido dirigidos por los creativos que han
generado la idea (a veces incluso por la dupla conjuntamente).
Pensamos que esta es una tendencia en alza que se irá extendiendo cada vez
mas. Las ventajas superan en muchos casos las desventajas y los riesgos se
pueden eliminar por completo por medio de una buena estrategia de
producción.
Se trata lógicamente de buscar la oportunidad apropiada. En nuestra
experiencia esta se ofrece en casos como:

1. Hay tres comerciales para hacer. Para dos de ellos ha sido fácil encontrar el
director apropiado pero para el tercero no hay una opción que parezca encajar.
Además resulta ese que es precisamente el board más creativo de los tres!
2. Después de las conference calls con 3 o 4 directores, el creativo se da
cuenta de que ninguno de ellos esta aportando nada relevante al proyecto. El
propio creativo es sin duda la mejor opción.
3. Hay muy poco tiempo a disposición. No se puede perder el tiempo en seguir
el protocolo habitual de revisar reels, tener conference calls con tres
directores, etc.
4. El proyecto es muy especial e implica un profundo conocimiento del
cliente, la marca o el producto. Solo el creativo tiene tal conocimiento: lleva
meses involucrado en el desarrollo de la idea.

Hay tres cosas a tener en cuenta:

1. Convencer al cliente de que el creativo es la mejor opción para dirigir el

comercial puede que no sea tarea fácil.
2. Dirigir un comercial implica manejar recursos técnicos y grandes crews por
lo que hay que controlar una cierta mecánica.
3. El cerebro no es una pantalla de televisión. Trasladar a la pantalla lo que
tienes en tu cabeza requiere un elaborado proceso de preparación.

Para enfrentarse a estas realidades, la productora va a ser tu aliada y cómplice.

Te va a ayudar a hacer una presentación imbatible que le quite todas las dudas
al cliente, te va a apoyar en cada paso del proyecto, te va a garantizar el
resultado. Si tu tienes las ideas claras y la productora tiene los contactos, la
visión y los recursos apropiados, no hay duda, el proyecto será un éxito.El
Comienzo

Ya tuviste la idea. El cliente la ha aprobado. Ahora se trata de llevarla a la

pantalla.
Tienes el concepto muy claro, sabes lo que quieres, conoces cada aspecto del
proyecto y tu mismo vas a dirigir el comercial.

Este documento pretende ofrecerte una pequeña guía de cómo proceder para
que la producción sea un éxito y para que todo salga como esta en tu cabeza,
como la estás visualizando.
Cuando un director (y en este caso tú lo eres) visualiza un proyecto, tiende a
hacerlo imaginándose cada plano, cada expresión de los actores, el tipo de luz,
los movimientos de cámara. Pero hay un problema en este proceso: la mente
no es una pantalla y la percepción de tenerlo todo claro es extremadamente
peligrosa. Puedes pensar que todo esta bajo control y sin embargo no estarlo.
El proceso mental de visualizar es engañoso e impreciso.

Por esta razón el proceso de preparación es el desarrollo de esta visualización

mental, su evolución hacia una visualización practica y realista. Es un proceso
creativo a la vez que técnico, racional y emocional, basado en la intuición y la
experiencia.

Nuestro primer consejo es que "hagas equipo" con el productor ejecutivo de la

casa productora. Él, igual que tu, quiere hacer un gran comercial y, si es
realmente bueno, sabrá ayudarte, apoyarte y guiarte por los caminos tortuosos
de la producción. Su función principal será la de administrar la información y
suministrártela según la necesites.
Un productor con experiencia dedica mucho tiempo en mantenerse informado
sobre:

1. Los mejores técnicos y artistas disponibles en cualquier parte del mundo:

DP, Art Directors, etc.
2. Nuevos equipos y tecnologías
3. Las condiciones de trabajo, los costos, los recursos de diferentes lugares o
países donde poder llevar a cabo los proyectos de la mejor manera posible.
Este tipo de informaciones te será enormemente útil para tomar las decisiones
apropiadas.

Primera Visualización

El primer paso es transmitir al productor ejecutivo la primera y básica

visualización del proyecto. Este proceso le permitirá preparar y ofrecerte una
lista de posibles alternativas en diferente áreas de la producción. Le permitirá
plantear alternativas de locacion, ayudarte a formar tu "team creativo", a
definir los recursos técnicos necesarios, a darle forma al proyecto. Esta fase es
muy importante porque es la base de toda la estructura.
Un buen productor será capaz de darte un gran espectro de opciones para que
tu puedas elegir y empezar a navegar de forma segura.

Pero para que ese proceso sea eficaz y apasionante, es imprescindible que tu
logres comunicar a tu productor lo que estás buscando. A veces no es fácil
porque esta definición debe ser todo lo amplia que sea posible y cubrir todas
las áreas del proyecto: estilo, fotografía, luz, dirección de arte, etc. Algunas de
estas áreas son relativamente fáciles de definir mediante el uso de referencias,
otras, en cambio, son más impalpables y escurridizas. El uso exclusivo de
referencias publicitarias (el reel del Fiap, Shots, etc.) puede ser parcialmente
útil pero tiene la tendencia a encasillarte en lo que han hecho todos los demás.
Por el contrario se trata de ir un poco mas allá y explorar territorios nuevos.
Después de todo no querrás que tu comercial sea idéntico al de otro cinco o
seis directores (aunque sean buenos).

Team Creativo

Esta es quizás la tarea más importante de la fase de preparación: seleccionar al

team que te va a ayudar a realizar el proyecto. Pero no es una labor fácil: muy
a menudo se tiene la tendencia a utilizar este o aquel técnico que ha hecho un
buen trabajo en otro proyecto pero este no es el camino apropiado. El
productor será el responsable de ofrecerte alternativas que te permitan, desde
el comienzo, apuntar mas arriba y orientar el proyecto hacia la innovación, la
ruptura, la creatividad.

La selección del team deberá basarse sobre diferentes elementos: en primer

lugar, lógicamente el reel, pero también será importante tener en cuenta
experiencias y talentos específicos.

El D.P.
Los directores de fotografía son artistas visuales que sin embargo deben
manejar complicados y sofisticados recursos técnicos. Como todos los artistas,
tienen una personalidad, unos gustos y una actitud particulares. El productor te
ayudará en la selección ofreciéndote alternativas y guiándote en los aspectos
técnicos de la elección. Habrá que ver reels pero, a la vez, tener en cuenta
otros aspectos.

Algunos DP son apropiados para manejar e iluminar espacios pequeños en los

que el detalle es de definitiva importancia. Otros, en cambio, están mas
acostumbrados a manejar grandes cantidades de materiales y crews
gigantescos. Algunos son magos de la luz natural, otros controlan las fuentes
de luz artificial de manera fantástica. Algunos necesitan un proceso de
investigación en cada plano (lo que es muy apropiado en algunos casos), otros,
en cambio, logran plantear la fotografía y la iluminación de manera intuitiva y
muy rápidamente. Cada proyecto tendrá su DP apropiado y será importante
encontrarlo.

El Assistant Director
El first assistant será el que te ayude a llevar adelante el proyecto desde el
punto de vista logístico y técnico. Intégrale a tu equipo lo antes posible y hazle
participe de tu visión. Él será capaz de organizar la filmación para que tu
cumplas tus objetivos ayudándote a mantener tu concentración y tu atención
focalizada. No subestimes su función.
Es importante seleccionar el AD apropiado para el proyecto. Por un lado el
AD será tu sombra durante todo el proceso, por lo que es importante que se
establezca un buen flujo de comunicación. Pero, por el otro lado, el AD deberá
gestionar el plan de trabajo, liderar el crew, mantener la disciplina de técnicos
y actores, empujarte a ti. Hay AD expertos en manejar grandes cantidades de
personas (cientos de extras, grandes crews) en condiciones difíciles (por la
noche, en locaciones poco confortables), otros, en cambio, son mas orientados
al pequeño detalle, al proyecto de gran precisión.

El Art Director (Production Designer)

El Art Director va a ser un aliado de gran importancia para que puedas
conseguir el look que quieres. Debe ser un artista capaz de aportar ideas
creativas y a la vez soluciones técnicas. Debe trabajar en sincronía contigo y
con el DP para tomar las decisiones apropiadas: Set o locacion? Colores y
texturas? Dimensiones? A veces las decisiones al respecto implican un
profundo análisis de la situación, un estudio de los ángulos y los lentes que se
quieran usar, del tipo de iluminación requerido, de la acción a realizar, etc.
El productor te ofrecerá alternativas teniendo en cuanta el tipo de comercial en
el que estas trabajando.

Para cada proyecto se podrán necesitar técnicos o artistas adicionales:

directores de casting, efectos especiales, table top, food stylist, diseñador de
vestuario, corógrafo, sport coach, etc.

Las Tecnologías y los Recursos

El productor una vez mas será el que te guíe por las aguas tormentosas de la
selección de los recursos técnicos y las tecnologías. No cometas el error de
pensar que el talento puede sustituir a la técnica. Esta ultima debe estar sin
embargo al servicio del primero.
Piensa que la mayoría de los directores (incluso los más "famosos") no
conocen todas las tecnologías o los recursos técnicos disponibles y que deben
realizar un proceso de investigación en cada caso.
El productor, por otro lado, tiende a ir recopilando continuamente información
y a mantener una red de contactos con técnicos, compañías y especialistas en
diferentes países del mundo.

Con el desarrollo tecnológico que se ha producido en los últimos años no solo

en el campo digital (de post-producción) sino también en el campo de los
recursos de filmación (cámaras, luces, grúas de control remoto, motion
control, etc) hay a menudo diferentes maneras de conseguir un objetivo.
Aunque a primera vista las diferentes alternativas puedan parecer similares o
incluso iguales, puede que no lo sean.
Si el productor ha realmente entendido tu visión, te ayudará a determinar el
camino a seguir. El método consiste en realizar meetings o conference calls
con diferentes técnicos, especialistas y artistas para explorar todas las
diferentes alternativas. El algunos de estos meetings/conferences, tendrá que
estar el DP o el Art Director pero siempre tendrán que estar el productor y el
AD.

Tecnologías
En muchos casos se podrán conseguir resultados similares utilizando tecnicas
de filmación o de post-producción (solas o combinadas en diferentes grados).
Recomendamos estudiar todas las alternativas asegurándose de que la
información es procesada apropiadamente. Cada persona con la que hables te
dará su recomendación que, por lo general, coincidirá con su especialización
(los estudios de post-producción recomendarán composición digital, las
compañías de efectos especiales propondrán efectos físicos, los animadores de
CGI asegurarán que la mejor solución es hacer 3d, etc). Lo importante aquí es
entender las alternativas, compararlas y ponderar las ventajas creativas de
unas y de otras. El productor, si tiene una buena lista de contactos y una
extensa experiencia, será capaz de ponerte al habla con las personas
apropiadas y de darte la información, los ejemplos y las referencias que
necesites para tomar una decisión. También estará en condición, gracias a su
reputación en el sector, de exigir a los interlocutores la máxima precisión y
claridad en sus recomendaciones.
Los Recursos Técnicos
Una Arri III o una 435? Un motion control o una grua? Una steadycam o una
hand held camara? Una Wescam o una Tyler? Que lentes? Que negativo? Que
tipo de luz?

Para responder a estas preguntas deberás hablar con el DP y el Director de

Arte (con ambos ya que el tamaño del set, por ejemplo, será determinante para
establecer que lente o que grúa utilizar) pero necesitarás hacerlo de forma que
tu sigas manteniendo el control creativo del proyecto. El DP no será el que
dirija el comercial. El director eres tu! No hay nada más frustrante que llegar a
la filmación y no poder hacer lo que quieres por falta de un lente o un equipo
de grip. El DP no puede ayudarte al 100% porque no esta dentro de tu cerebro.

Donde Filmar

Cada vez con mas frecuencia la decisión de donde filmar tiene repercusiones
creativas importantes. Quizás producir el comercial en otro país pueda darte la
oportunidad de tener un día mas de filmación con el mismo budget o
posiblemente en un lugar determinado puedas tener acceso a un mejor talento,
a unas locaciones mas espectaculares, a un clima más favorable, a una
dirección de arte mas moderna.
Un productor con experiencia internacional conoce perfectamente los recursos
de diferentes países y te ayudará a decidir donde filmar.

El Shooting Board

El shooting board es un instrumento útil para poder comunicar tu visión al

resto de tu Team Creativo y, naturalmente, al cliente.
Es importante sin embargo que el shooting board te permita volar alto y no te
limite.
Si sabes dibujar hazlo tu mismo, si no, pídele al productor un dibujante pero,
en cualquier caso prepárate unos bocetos que, por malos que sean, te
permitirán darle al artista el feeling de lo que quieres.

Recomiendo que no dibujes (o hagas dibujar) el shooting board en unas hojas

que lleven pre-impreso el frame de televisión. Hazlo en hojas grandes y
blancas. Dale a cada viñeta el tamaño que necesite e incluso la forma
apropiada. Las tomas en las que pienses hacer un movimiento de dolly quizás
se deban dibujar en un frame horizontal y alargando. Las tomas que se deban
filmar con grúa quizás requieran alguna forma más "orgánica" y menos
"cuadrada".
Trabaja el shooting board para elaborar el framing, los ángulos, los
movimientos y la narración. Luego revísalo y analiza si la historia esta bien
contada o si necesitas algún plano adicional.

La Actuación

Muchos actores dicen que los directores no saben lo que quieren o que, por lo
menos, no saben pedirlo.
El problema, en realidad, es que la mayoría de los directores no hacen su
homework y no se preparan para la filmación. Tienen una visión global del
proyecto pero no tienen definida con precisión la actuación que desean
conseguir en cada toma.
Los directores cometen en general el error de ser demasiado genéricos o de
dar indicaciones utilizando la técnica llamada "result direction", enfocada mas
a describir al actor el resultado de la actuación que a crear un proceso.
Antes de llegar a la filmación deberás en cambio preparar cada secuencia para
estar en condición, cuando llegue el momento, de dirigir el actor dándole las
indicaciones que el o ella pueda transformar en actuación.

Deberás crear para cada secuencia unos charts en los que puedas anotar
objetivos de los personajes, intenciones, significados y además otros datos que
puedan determinar la actuación tales como "lo que paso antes de esta
secuencia" y "lo que va a pasar después".
Es importante que trates de evitar los errores más comunes cometidos por los
directores de publicidad. Los principales errores son:

1. Describir al actor el mood de la secuencia: "esta es una secuencia cómica!"

Es una afirmación genérica que no marca ninguna dirección.
2. Dar al actor indicaciones cuantitativas: "mas energía!" o "baja el tono".
Solo conseguirás que el actor de mas énfasis a la frase o la diga de una forma
más plana
3. Dar al actor como indicación un feeling o una actitud: "estas enamorado de
ella" o "tu personaje es agresivo". Estas indicaciones solo provocan que el
personaje se esfuerce por sentir un feeling que le es extraño o asuma una
actitud que no entiende. En muchos casos los actores recurrirán a unos trucos
de interpretación que han aprendido en el pasado y que, en cualquier caso,
serán representaciones estereotipadas de un sentimiento o un comportamiento
4. Describir al actor el carácter del personaje o juzgar el mismo personaje: "es
un buen padre" o "es el tonto del grupo". En este caso, una vez mas, el actor
tenderá a caracterizar el personaje de una manera caricaturesca.
5. Dar indicaciones contradictorias: "es bueno pero agresivo". El actor no te
entenderá.
6. Dar indicaciones demasiado genéricas: " Debes parecer más simpático!".
No significa nada para un actor.

Por el contrario deberás prepararte para dar a los actores indicaciones que se
transformen fácilmente en actuación. Es importante que cada dirección que le
des al actor sea dinámica y no estática, que genere comportamiento, que sea
más sensorial que intelectual.
Por ejemplo:

1. Dale al actor un objetivo para su acción: "tu quieres que ella te bese!"
2. Usa siempre verbos para describir una acción y no adjetivos o adverbios.
Nunca digas a una actriz "sé sensual!". Dile en cambio "flirtea, conquístale!"
3. Dale al actor un hecho en lugar de una explicación. En lugar de decirle a un
actor "eres un buen padre" dile "has adoptado 2 niños huérfanos y les has dado
un hogar". Inventar pequeñas historias relacionadas con los personajes aunque
no se reflejen en el comercial es una buena manera de dar al actor un input
sobre el carácter.
4. Dale al actor algo para visualizar: una imagen, un olor, un sabor, un sonido.
Evocar ciertas imágenes ayuda a generar emociones. Pensar en la cara de un
hijo genera ternura, pensar en Peter Sellers interpretando la Pantera Rosa
genera risa...
5. Dale al actor alguna referencia no directamente relacionada con la actuación
que tiene que realizar pero que le sirva como analogía. Por ejemplo: "esta
secuencia de amor es como una pelea en el ring" o "es como un baile
clásico"....
6. Dale al actor alguna tarea física para hacer mientras actúa. Por ejemplo, si
la secuencia se desarrolla en un restaurante, dale al actor la acción de cortar
una steak mientras hable. Le ayudara a parecer más natural.

No siempre es necesario realizar ensayo antes de la filmación. Solo es

recomendable cuando necesitas investigar los personajes con los actores. No
tomes los ensayos como si fueran la filmación ni pretendas que en esta fase el
actor haga exactamente el acting que quieres conseguir en la filmación. Si lo
intentas el actor se mecanizará y, cuando filmes, habrá perdido la frescura y la
naturalidad. Usa en cambio los ensayos para:

1. Crear conexión entre el actor y la escena

2. Explorar rasgos del carácter
3. Solventar los problemas inherentes a la escena (la mecánica, las posiciones
de los actores, etc)
4. Desarrollar tu relación con el actor o los actores.

El Scouting

Hacer bien el scouting es de gran importancia. Deberás hacerlo cuando ya

tengas claro como piensas filmar, que planos necesitas, que movimientos de
cámaras vas a requerir. Sin embargo el scouting puede sugerirte cambios o
alternativas que mejoren tu planteamiento. A veces la locacion te va a
condicionar de forma negativa (y entonces, si puedes, descártala) pero en
cambio, en otros casos, puede influenciarte positivamente indicándote
caminos que, en el papel, no habías visto.
Un buen productor te ayudara a tomar en cuenta las exigencias de la
producción tales como accesibilidad, permisos, etc. También realizará las
investigaciones necesarias para evitar sorpresas el día de la filmación.

El Plan de Trabajo o de Filmación

El AD preparará junto con el Productor un plan de filmación así como las call
sheets y las ordenes de trabajo. Este trabajo consistirá en:

1. Establecer la orden de filmación de las tomas

2. Convocar a técnicos, actores y recursos acorde a este plan
3. Revisar la lista de necesidades y equipos para asegurar que no falte nada.
4. Prever posibles contingencias.
El AD y el Productor necesitarán consultarte el plan de trabajo para asegurarse
de que cumple con tus necesidades. Sin embargo déjate asesorar por ellos.
Sabrán si tienen que consultar al DP o a algún otro responsable de
departamento algún detalle técnico. Ellos te organizaran la filmación para
darte el mayor tiempo posible para filmar sin desperdiciar ni un minuto. En
cada caso el AD determinará la conveniencia de empezar por un plano o por
otro (Empezaremos por los planos generales o los cortos? Con los de grúa o
los fijos?) Y te hará una propuesta al respecto.

El Día Anterior a la Filmación

Cuando falten pocas horas para filmar deberás:

1. ir a ver una vez más la locacion o el set ya terminado y familiarizarte con él.
Los espacios, los ángulos, las dimensiones. Esta visita (el tech scout) deberás
hacerla con el AD, el DP, el Art Director y el Productor. Dedica tiempo a
revisar cada plano que pienses hacer y a discutir con tu Team Creativo tu
visión. El día siguiente será todo más rápido, todo el mundo sabrá lo que hay
que hacer y se mantendrá una concentración mucho mayor.
2. pedir un ensayo de efectos especiales (si los hay) y de todo lo que implique
posibilidad de fallo. El día de filmación es para filmar no para improvisar,
ensayar o esperar.
3. revisar el plan de trabajo con el AD. Tendrás que hacerlo después del tech
scout y de los ensayos. Quizás te hayas dado cuenta de que necesitas mas
tiempo de lo previsto para una toma o de que necesitas cambiar el orden de
filmación. Este será el momento para pedir algún material técnico extra o para
cambiar algún requerimiento.
4. releer todas tus notas y hacer los últimos ajustes. Dedica un rato a estar solo
y a pensar en la filmación. Prepárate bien.
5. ir a dormir pronto. Mañana va a ser un día muy duro.

La Filmación

Ha llegado el día de la filmación. Has llegado al estudio o a la locación. Todo

el mundo te esta esperando: eres el director y todos quieren hacerte preguntas
sobre lo que quieras hacer.

Nada mas llegar, agarra un café y date una vuelta por el lugar acompañado por
el AD y saluda a todo tu crew. Ellos van a trabajar contigo muchas horas y
van a hacer posible cada toma que filmes. Establece desde el primer momento
una actitud de equipo con ellos, un espíritu de solidaridad y cooperación.
Procura conocer los nombres de las personas y cual es su función. Ya conoces
a los jefes de departamento pero quizás nunca hayas hablado con los
electricistas o los grips o los carpinteros.
Coordina con el Productor y el AD donde quieres tener tu monitor y los de la
agencia y el cliente. Organízate tu espacio para pensar y trabajar con tu team
creativo.

Deja que el AD ponga en marcha la filmación y concéntrate en ella. Plano tras

plano avanza según tu visión del proyecto. Algunos consejos:

1. Si hay algún problema (uno de los actores se ha despertado con la cara llena
de manchas y parece que, con 35 anos, tiene varicela; el producto no ha
llegado de la fabrica; parece que va a haber una par de horas de mal tiempo),
deja que el productor lo resuelva y te proponga, de acuerdo con el AD, alguna
solución. No pretendas resolver tú los problemas de producción. El productor,
si es competente, sabrá plantearte las mejores alternativas.
2. Ensaya primero los aspectos mecánicos del plano (movimientos de cámara,
coreografías de movimientos, etc). Deja en acting para el final, cuando ya
estés listo para filmar. Si ensayas demasiado pronto con los actores y luego los
haces esperar 30 minutos mientras pones a punto el movimiento de la grúa,
ellos perderán su concentración.
3. Ten paciencia con los planos. A veces un plano tarda en funcionar (el
movimiento de la grúa no logra ser fluido, la coreografía de los movimientos
parece muy torpe, etc.). No trates de cambiar el planteamiento si después de 6
o 7 ensayo no consigues lo que quieres. Deja en cambio que los técnicos se
sincronicen y que se organicen. Será el DP o el AD quien te avise si hay algún
problema real.
4. No te preocupes por el plan de trabajo, el horario, etc. Deja que sea el AD
quien te informe sobre el desarrollo de la filmación y te comunique eventuales
problemas de schedule (el horario de los "niños", la disponibilidad de la
locacion, las horas que faltan hasta el atardecer).
5. Si necesitas unos segundos para pensar, tómatelos. Pero no des ordenes
contradictorias. Es legitimo cambiar de opinión mientras creas un plano pero
no debes transmitir al crew la sensación de que no sabes adonde vas.
6. Filma algunas tomas antes de revisar el video assist. A no ser que necesites
chequear algo especifico, revisa sets de 5 o 10 tomas. Romper el ritmo de la
filmación le hace perder la sincronización a los técnicos (los operadores de la
grúa, el cameraman, etc) y la concentración a los actores.
7. Escucha los consejos de tu team creativo pero acepta solo los que te gustan.
8. Si lo que quieres hacer es imposible y las posibilidades que te propone tu
team creativo no te convencen, busca alternativas pero nunca hagas algo que
no te gusta.
9. Aprovecha el corte para la comida para revisar con el AD lo que ya has
filmado y para reorganizar el plan de trabajo en caso de que sea necesario.
10. Cuando estés contento con una toma, pasa a la siguiente. No gastes tiempo
repitiendo algo que ya ha salido como quieres. El tiempo en el cine es un bien
limitado y gastarlo en una toma que no lo necesita puede significar no tenerlo
para tomas que lo requerirían.
11. Procura no perder el tiempo en detalles que luego no se verán en la
pantalla. Concéntrate en lo realmente relevante.
Dirigir los Actores

Ya ha llegado el momento de poner en practica lo que has preparado en los

días anteriores a la filmación. El productor deberá tener organizada la
filmación para que tu puedas conseguir de los actores el mejor resultado. El
plan de trabajo que el AD ha desarrollado contigo tiene en cuenta los horarios
de convocatoria de los actores para que puedan estar listos cuando los
necesites sin que tengan que esperar cansándose inútilmente.

Pero a la hora de filmar hay que tener en cuenta algunos detalles adicionales:

1. Solo una persona debe hablar con los actores principales: tu. No delegues
esta tarea en el AD: déjale a él solo los extras (especialmente si son muchos).
2. Al final de cada toma dile algo al actor. Si hay que repetir la toma por
cualquier razón técnica, dile claramente que no es por su "culpa".
3. Dirige desde la cámara, no desde el monitor. Establece conexión con el
actor.
4. Dale al actor solo indicaciones en positivo.
5. Cuando hables con los actores usa en lo posible los argumentos y las
indicaciones que has preparado.
6. Procura que el actor confié en ti. Que te entienda y te respete. Déjale saber
claramente que no estas allí para juzgarle sino para ayudarle.
7. Emplea siempre verbos, imágenes, hechos, nunca adjetivos, explicaciones,
feelings.
8. Has preguntas al actor que le estimulen "no te da ganas de besarla?" Ayuda
el actor a encontrar el personaje.
9. Ayuda los actores a mantener la concentración. No los distraigas, mantén el
ritmo de la filmación. Pide al AD que mantenga silencio en el estudio o la
locación
10. Procura que los actores escuchen la actuación de los demás actores con los
que trabajan. Evita el efecto "ahora me toca hablar a mí y luego te toca a ti".
11. Nunca repitas mucho una toma. Cuando notes que el actor se mecaniza (y
tarde o temprano lo hará) cambia, aunque sea un poco, el planteamiento de la
toma, la acción, el movimiento, las posiciones.
12. Nunca pidas otra toma igual a la anterior sin decir por que la quieres y sin
aclarar que esperas que el actor haga.
13. No trates de hacer tu el papel para enseñar al actor lo que quieres. Si eres
Paul Newman le condicionarás y le harás perder su frescura. Si en cambio la
actuación no es lo tuyo, simplemente le confundirás.
Al Terminar

Cuando termines de filmar y el AD haya anunciado "this is a wrap!" tómate

unos minutos para dar las gracias por su colaboración a TODOS a los
miembros de tu equipo. No solo el DP, el AD y los actores sino también los
extras, electricistas, grips, maquilladores, pintores, carpinteros asistentes de
cámara, etc. Se lo merecen: sin ellos no habrías podido hacer lo que hiciste.
Además, probablemente, volverás a filmar pronto con ellos.

Vete ya a tomar una copa!