Escuela de Música Juan Manuel Olivares

Cátedra Historia de la Música

Segundo Año
Arnaldo Rodríguez
C.I: 27.713.230

George Friderich Haendel

Georg Frideric Handel nació el 23 de febrero de 1685, hijo de Georg y
Dorothea Handel de Halle, Sajonia, Alemania. Desde temprana edad, Handel
ansiaba estudiar música, pero su padre se opuso, dudando de que la música
fuera una fuente realista de ingresos. De hecho, su padre ni siquiera le
permitió poseer un instrumento musical. Sin embargo, su madre lo apoyó y
ella lo alentó a desarrollar su talento musical. Con su cooperación, Handel
comenzó a practicar con disimulo.
Cuando Handel todavía era un niño, tuvo la oportunidad de tocar el órgano para
la corte del duque en Weissenfels. Fue allí donde Handel conoció al compositor
y organista Frideric Wilhelm Zachow. Zachow quedó impresionado con el
potencial de Handel e invitó a Handel a convertirse en su alumno. Bajo la tutela
de Zachow, Handel dominaba la composición del órgano, el oboe y el violín
por igual cuando tenía 10 años. Desde los 11 años hasta los 16 o 17 años, Handel
compuso cantatas de iglesia y música de cámara que, al estar escritas para un
público reducido, no lograron atraer mucha atención y desde entonces se han
perdido en el tiempo.
A pesar de su dedicación a su música, ante la insistencia de su padre, Handel
inicialmente aceptó estudiar derecho en la Universidad de Halle. No es
sorprendente que no permaneciera inscrito por mucho tiempo. Su pasión por la
música no sería reprimida.
En 1703, cuando Handel tenía 18 años, decidió comprometerse completamente
con la música, aceptando el puesto de violinista en el Teatro Goose Market de
la Ópera de Hamburgo. Durante este tiempo, complementó sus ingresos
enseñando lecciones privadas de música en su tiempo libre, transmitiendo lo
que había aprendido de Zachow
Excepto por algunas visitas al continente europeo, Handel pasó el resto de su
vida en Inglaterra. En febrero de 1727 se convirtió en un sujeto británico, lo que
le permitió ser nombrado compositor de la Capilla Real. En esta capacidad,
escribió mucha música, incluidos los Himnos de coronación para George II en
1727 y el Himno fúnebre para la reina Caroline 10 años después.
Desde 1720 hasta 1728, las óperas del King’s Theatre de Londres fueron
representadas por la Real Academia de Música, y Handel compuso la música
para la mayoría de ellas. Entre los de la década de 1720 estaban Floridante
(1721), Ottone (1723), Giulio Cesare (1724), Rodelinda (1725) y Scipione
(1726). A partir de 1728, después de la sensación causada por la Ópera del
mendigo de John Gay (que satirizó la ópera seria), el futuro de la ópera al estilo
italiano se volvió cada vez más incierto en Inglaterra. Cayó en declive por una
variedad de razones, una de ellas fue la impaciencia de los ingleses con una
forma de entretenimiento en un idioma ininteligible que cantaban los artistas
cuya moral desaprobaban. Pero a pesar de los caprichos del gusto del público,
Handel continuó componiendo óperas hasta 1741, cuando ya había escrito más
de 40 de esas obras.
A medida que la popularidad de la ópera disminuyó en Inglaterra, el oratorio se
hizo cada vez más popular. Los renacimientos en 1732 de las máscaras de
Handel, Acis y Galatea y Haman y Mordecai (rebautizada como Esther)
condujeron al establecimiento del oratorio inglés, una gran composición
musical para voces solistas, coros y orquesta, sin actuación ni escenario, y
generalmente dramatizando una historia. de la Biblia en letras en inglés. Handel
primero capitalizó este género en 1733 con Deborah y Athalia.
Handel también continuó dirigiendo una compañía de ópera italiana en
Londres a pesar de las muchas dificultades. A lo largo de su carrera en
Londres, había sufrido competencia no solo de compositores rivales, sino
también de teatros de ópera rivales en un Londres que apenas podía soportar
una sola ópera italiana además de sus teatros ingleses. Finalmente, en 1737, su
compañía quebró y él mismo sufrió lo que parece haber sido un derrame
cerebral leve. Después de un curso de tratamiento en Aachen (Alemania),
recuperó la salud y compuso el himno fúnebre para la reina Caroline (1737) y
dos de sus oratorios más célebres, Saul e Israel en Egipto, ambos realizados en
1739. También escribió los Doce Grandes Conciertos, op. 6, y ayudó a
establecer el Fondo para el apoyo de los músicos decaídos (ahora la Royal
Society of Musicians).
Para entonces, Handel estaba en el apogeo de sus poderes, y el año 1741 vio la
composición de su mayor oratorio, el Mesías, y su sucesor inspirado, Sansón.
Messiah tuvo su primera presentacion en Dublín el 13 de abril de 1742, y creó
una profunda impresión.
Las obras de Handel de los siguientes tres años incluyeron los oratorios
Joseph y His Brethren (primero realizado en 1744) y Belsasar (1745), los
oratorios seculares Semele (1744) y Hércules (1745), y el Dettingen Te Deum
(1743), celebrando el inglés victoria sobre los franceses en la batalla de
Dettingen. Para entonces, Handel había convertido el oratorio y las obras
corales a gran escala en las formas musicales más populares de Inglaterra. Se
había creado para sí mismo un nuevo público entre las clases medias en
ascenso, que se habrían alejado con indignación moral de la ópera italiana,
pero que estaban listos para ser edificados por un cuento moral de la Biblia,
configurado para ser dignamente adecuado y, por ahora , música bastante
anticuada. Incluso durante su vida, la música de Handel fue reconocida como
un reflejo del carácter nacional inglés, y su capacidad para darse cuenta del
estado de ánimo común no se mostró mejor que en Music for the Royal
Fireworks (1749), con la que celebró la paz del Tratado. de Aix-la-Chapelle.
Handel ahora comenzó a experimentar problemas con su vista. Logró con gran
dificultad terminar el último de sus oratorios, Jephtha, que se realizó en el
Covent Garden Theatre, Londres, en 1752. Mantuvo vivo su interés en las
actividades musicales hasta el final. Después de su muerte el 14 de abril de
1759, fue enterrado en Poets 'Corner en la Abadía de Westminste
La primera base del estilo de Handel fue la música del norte de Alemania de
su infancia, pero pronto se superpuso por completo al estilo italiano que
adquirió a principios de la edad adulta durante sus viajes a Italia. Las
influencias de Arcangelo Corelli y Alessandro Scarlatti se pueden detectar en
su trabajo hasta el final de su larga vida, y el estilo francés de Jean-Baptiste
Lully y, más tarde, el del compositor inglés Henry Purcell también son
evidentes.
 Hay una robustez en la música posterior de Handel que le da una
calidad muy inglesa. Sobre todo, su música es eminentemente vocal. La
franqueza de Handel lo convierte en uno de los grandes maestros de la
música coral.
 Sus coros tienen un poder y una efectividad que nunca han sido
superados, y su escritura para ellos es notable por la manera en que
entrelaza pasajes armónicos masivos pero simples con secciones
contrapuntales de gran ingenio, el conjunto ilustra más eficazmente el
texto.
 Su escritura para la voz solista es sobresaliente en su idoneidad para el
medio y su línea melódica infalible. Handel tenía una sorprendente
habilidad para representar el carácter humano musicalmente en una sola
escena o aria, un regalo usado con gran poder dramático en sus óperas y
oratorios.
Aunque la mayor parte de su música era vocal, Handel fue, sin embargo, uno
de los grandes compositores instrumentales de la última época barroca. Su
larga serie de oberturas (principalmente en el estilo francés), sus conciertos
orquestales (Op. 3 y Op. 6), su música de concierto a gran escala para cuerdas
y vientos (como la Música del agua y la Música de fuegos artificiales), y la los
conciertos dobles y masivos de órgano muestran que fue un completo maestro
de los medios orquestales a sus órdenes.
Handel tenía un apego de por vida al teatro, incluso sus oratorios
generalmente se realizaban en el escenario en lugar de en la iglesia. Hasta
casi el final de su vida, amaba la ópera italiana, y solo después de que lo
involucró en pérdidas financieras cada vez mayores la abandonó para el
oratorio inglés. Al igual que otros compositores de su tiempo, aceptó las
convenciones de la ópera italiana, con su empleo de sopranos y contraltos
masculinos y las secuencias formalizadas de recitativas y arias estilizadas
sobre las que se construyó la ópera seria.
Usando estas convenciones, produjo muchas obras maestras. Entre las óperas
italianas, obras como Giulio Cesare (1724), Sosarme (1732) y Alcina (1735)
todavía hacen impresionantes espectáculos escénicos, con algunas escenas de
gran poder dramático que estallan a través de la grandeza formal barroca.
Muchas de sus óperas italianas fueron revividas en el siglo XX.
Pero los oratorios de Handel ahora parecen aún más dramáticos que sus óperas,
y generalmente se pueden realizar en el escenario con una alteración
notablemente pequeña. La mayoría de ellos, desde intentos tempranos como
Esther hasta obras posteriores tan elaboradamente elaboradas como Saúl,
Sansón, Belsasar y Jefté, tratan un tema dramático particular tomado del
Antiguo Testamento que ilustra el heroísmo y el sufrimiento de un individuo en
particular. La línea de la historia está ilustrada por recitativos solistas y
arias y subrayada por el coro.
Con Israel en Egipto y el Mesías, sin embargo, el énfasis es bastante diferente,
Israel debido a su cadena ininterrumpida de coros masivos, que no se prestan a
la presentación en el escenario, y el Mesías porque es una meditación sobre la
vida de Cristo Salvador en lugar de Una narración dramática de su pasión.
Handel también utilizó el género del oratorio dramático para una serie de
obras seculares, entre las cuales se encuentran Semele y Hércules, ambas
basadas en historias de la mitología griega. Pero la mejor de sus obras corales
seculares es Acis y Galatea, que tiene una magia juvenil que nunca recuperó en
piezas posteriores de este tipo.
La contribución más notable de Handel a la música de la iglesia es su serie de
himnos a gran escala, los más importantes son los 11 Himnos Chandos;
aunque escritos para un pequeño grupo de cantantes e instrumentistas, están
concebidos a gran escala. Siguiendo de cerca estos trabajos están los cuatro
himnos de coronación para George II; El más famoso de ellos, Zadok el
Sacerdote, es un ejemplo sorprendente de lo que Ludwig van Beethoven llamó
la capacidad de Handel para lograr "grandes efectos con medios
simples".
La mayor parte de la música orquestal que Handel escribió consiste en
oberturas, a menudo al estilo de Lully, y suman un total de 80. Handel era
igualmente experto en la forma del concierto, especialmente el concierto
grosso, en el que generalmente empleaba cuatro o más movimientos. Sus
obras más importantes de este tipo son los Six Concerti Grossi (conocidos
como The Oboe Concertos), op. 3, y los Doce Grandes Conciertos, que
representan el pico del concierto barroco grosso para instrumentos de cuerda.
Las suites Música Acúatica y Música para los Fuegos Artificiales Reales,
para la orquesta de viento y cuerda, participes en una clase aparte en la
historia de la música barroca tardía en virtud de su combinación de grandeza y
bravura melódica. Todavía se encuentran entre las más populares de sus obras.
Handel también publicó música de clavecín, de las cuales dos conjuntos de
suites, las Suites de pièces pour le clavecin de 1720 y las Suites de pièces de
1733, que contienen 17 conjuntos en total, son su mejor contribución al
repertorio de ese instrumento. Las siempre populares variaciones de
Harmonious Blacksmith se encuentran en el número 5 de las Suites de pièces
de 1720. La mejor música de cámara de Handel consiste en sonatas trío, en
particular las publicadas como Six Sonatas para dos violines, oboes o flautas
alemanas y Continuo, op. 2 (1733). También escribió varias sonatas para uno
o más instrumentos solistas con acompañamiento bajo continuo para clavecín.
Además, fue un organista notable y compuso más de 20 conciertos de órgano,
la mayoría de los cuales Handel utilizó como funciones intermedias durante
las presentaciones de sus oratorios.

Legado e Influencia
Handel era conocido por ser un hombre generoso, incluso en la muerte. Como
nunca se casó ni tuvo hijos, su testamento dividió sus bienes entre sus
sirvientes y varias organizaciones benéficas, incluido el Hospital Foundling.
Incluso donó el dinero para pagar su propio funeral para que ninguno de sus
seres queridos soportara la carga financiera. Handel fue enterrado en la Abadía
de Westminster una semana después de su muerte. Después de su muerte, los
documentos biográficos comenzaron a circular, y George Handel pronto
asumió el estatus legendario a título póstumo.
Durante su vida, Handel compuso cerca de 30 oratorios y cerca de 50 óperas.
Al menos 30 de esas óperas fueron escritas para la Royal Academy of Music,
la primera compañía de ópera italiana de Londres. También fue un prolífico
escritor de piezas orquestales y concerti grossi. Se dice que hizo
contribuciones significativas a todos los géneros musicales de su generación.
Su obra más famosa es el oratorio Mesías, escrito en 1741 y presentado por
primera vez en Dublín en 1742.
En Inglaterra, a Handel se le otorgó el estatus de compositor clásico incluso en
su propia vida, y quizás sea único entre los músicos por no haber sufrido
ninguna disminución de su reputación allí desde entonces. Cuando era joven
en el continente europeo, había suplido hasta cierto punto las demandas del
mecenazgo aristocrático, pero en Inglaterra se adaptó a un clima diferente de
opinión y gusto y vino a servir y expresar las necesidades de un público más
amplio. Más que nadie, democratizó la música, y en este sentido sus populares
oratorios, sus canciones y sus obras instrumentales más queridas tienen un
significado social que complementa su importancia puramente musical. La
música de Handel se convirtió en una parte indispensable de la cultura
nacional de Inglaterra. Mientras tanto, en Alemania, el interés por su música
creció a fines del siglo XVIII y lo restableció como un compositor alemán de
primer rango.
Johann Sebastian Bach
Nacido en Eisenach, Turingia, Alemania, el 31 de marzo de 1685 (N.S.) / 21
de marzo de 1685 (O.S.), Johann Sebastian Bach provenía de una familia de
músicos, que se remontaba a varias generaciones. Su padre, Johann
Ambrosius, trabajó como músico de la ciudad en Eisenach, y se cree que
enseñó al joven Johann a tocar el violín.
A la edad de siete años, Bach fue a la escuela donde recibió instrucción
religiosa y estudió latín y otras materias. Su fe luterana influiría en sus obras
musicales posteriores. Cuando cumplió 10 años, Bach se encontró huérfano
después de la muerte de sus dos padres. Su hermano mayor, Johann Christoph,
un organista de la iglesia en Ohrdruf, lo acogió. Johann Christoph proporcionó
algunas instrucciones musicales adicionales para su hermano menor y lo
matriculó en una escuela local. Bach se quedó con la familia de su hermano
hasta que tenía 15 años.
Bach tenía una hermosa voz de soprano, que lo ayudó a conseguir un lugar en
una escuela en Lüneburg. Algún tiempo después de su llegada, su voz cambió
y Bach cambió a tocar el violín y el clavicordio. Bach fue muy influenciado
por un organista local llamado George Böhm. En 1703, consiguió su primer
trabajo como músico en la corte del duque Johann Ernst en Weimar. Allí él
era un maestro de todos los oficios, sirviendo como violinista y, a veces,
reemplazando al organista oficial.
Bach tenía una reputación cada vez mayor como un gran intérprete, y fue su
gran habilidad técnica lo que le valió el puesto de organista en la Iglesia
Nueva en Arnstadt. Fue responsable de proporcionar música para servicios
religiosos y eventos especiales, así como de dar instrucciones de música. Un
joven independiente y a veces arrogante, Bach no se llevaba bien con sus
estudiantes y fue reprendido por los funcionarios de la iglesia por no
ensayarlos con la frecuencia suficiente.
Bach no ayudó a su situación cuando desapareció durante varios meses en
1705. Si bien solo recibió oficialmente unas pocas semanas de permiso de la
iglesia, viajó a Lübeck para escuchar al famoso organista Dietrich Buxtehude
y extendió su estadía sin informar a nadie en Arnstadt.
Período en Arnstad
En Arnstadt, en el extremo norte del bosque de Turingia, donde permaneció
hasta 1707, Bach se dedicó a la música de teclado, el órgano en particular.
Mientras estuvo en Lüneburg, aparentemente no tuvo la oportunidad de
conocer directamente la espectacular y extravagante interpretación y
composición de Dietrich Buxtehude, el exponente más significativo de la
escuela de música de órgano del norte de Alemania. En octubre de 1705
reparó esta brecha en su conocimiento obteniendo un mes de permiso y
caminando a Lübeck (más de 200 millas [300 km]). Su visita debe haber sido
rentable, ya que no regresó hasta mediados de enero de 1706. En febrero, sus
empleadores se quejaron de su ausencia y también de otras cosas: había
armonizado las melodías del himno tan libremente que la congregación no
podía cantar. su acompañamiento y, sobre todo, no había producido cantatas.
Quizás las verdaderas razones de su negligencia fueron que estaba
temporalmente obsesionado con el órgano y estaba en malos términos con los
cantantes e instrumentistas locales, que no estaban bajo su control y no
cumplían con sus estándares. En el verano de 1705 había hecho un comentario
ofensivo sobre un jugador de fagot, lo que provocó una pelea indecorosa en la
calle. Sus respuestas a estas quejas no fueron satisfactorias ni incluso
complacientes; y el hecho de que no fue despedido de su mano sugiere que sus
empleadores eran tan conscientes de su habilidad excepcional como él mismo
y eran reacios a perderlo.

Durante estos primeros años, Bach heredó la cultura musical del área de
Turingia, una profunda familiaridad con las formas tradicionales y los himnos
(corales) del servicio luterano ortodoxo, y, en la música de teclado, tal vez (a
través de su hermano, Johann Christoph) un sesgo hacia los estilos formalistas
del sur. Pero también aprendió con entusiasmo de los rapsodistas del norte,
Buxtehude sobre todo. Para 1708 probablemente había aprendido todo lo que
sus predecesores alemanes podían enseñarle y llegó a una primera síntesis de
los estilos alemanes del norte y del sur. También había estudiado, solo y
durante sus presuntas excursiones a Celle, algo de órgano francés y música
instrumental.
Entre las pocas obras que se pueden atribuir a estos primeros años se
encuentran:
- Capriccio sopra la lontananza del suo fratello dilettissimo (1704; Capriccio
sobre la partida de su amado hermano, BWV 992)
- Preludio del coral sobre Wie schön leuchtet (c. 1705; How Brightly Shines,
BWV 739),
- Preludio y Fuga en Sol menor (antes de 1707, BWV 535a). (Los números
"BWV" proporcionados son los números de catálogo estándar de las obras de
Bach establecidos en Bach-Werke-Verzeichnis, preparados por el musicólogo
alemán Wolfgang Schmieder).

Período en Mühlhausen
En junio de 1707 Bach obtuvo un puesto en la Blasiuskirche en Mühlhausen
en Turingia. Se mudó allí poco después y se casó con su prima María Bárbara
Bach en Dornheim el 17 de octubre.
En Mühlhausen las cosas parecen, por un tiempo, haber ido mejor. Produjo
varias cantatas de la iglesia en este momento; Todas estas obras están
moldeadas en un molde conservador, basado en textos bíblicos y corales y sin
ninguna influencia de las formas operísticas italianas "modernas" que
aparecerían en las cantatas posteriores de Bach.
La Tocata y Fuga en Re Menor para Organo (BWV 565), escrita en el
estilo rapsódico del norte, y el preludio y fuga en re mayor (BWV 532)
también pueden haber sido compuestos durante el período de Mühlhausen, así
La Pascagglia para Órgano en Do Menor (BWV 582), un ejemplo temprano
del instinto de Bach para la organización a gran escala. Cantata No. 71, Gott
ist mein König (God Is My King), del 4 de febrero de 1708, se imprimió a
expensas del ayuntamiento y fue la primera de las composiciones de Bach en
ser publicada.
Mientras estaba en Mühlhausen, Bach copió música para ampliar la biblioteca
del coro, trató de alentar la música en las aldeas circundantes y estuvo a favor
de poder interesar a sus empleadores en un plan para reconstruir el órgano
(febrero de 1708). Se desconoce su verdadera razón para renunciar el 25 de
junio de 1708.
Él mismo dijo que sus planes para una "música eclesiástica bien regulada"
habían sido obstaculizados por las condiciones en Mühlhausen y que su
salario era inadecuado. En general, se supone que se había involucrado en una
controversia teológica entre su propio pastor Frohne y el archidiácono Eilmar
de la Marienkirche. Sin embargo, continuó manteniéndose en buenos términos
con las personalidades de Mühlhausen, ya que supervisó la reconstrucción del
órgano, se supone que lo inauguró el 31 de octubre de 1709 y compuso una
cantata para el 4 de febrero de 1709, que se imprimió pero desapareció.

Período en Weimar
Bach fue, desde el principio, organista de la corte en Weimar y miembro de la
orquesta. Animado por Wilhelm Ernst, se concentró en el órgano durante los
primeros años de su mandato. Desde Weimar, Bach ocasionalmente visitaba
Weissenfels; en febrero de 1713 participó en una celebración judicial que
incluyó una actuación de su primera cantata secular, Was mir behagt, también
llamada Hunt Cantata (BWV 208).
A fines de 1713, Bach tuvo la oportunidad de suceder a Friedrich Wilhelm
Zachow en Liebfrauenkirche, Halle; pero el duque aumentó su salario y se
quedó en Weimar. El 2 de marzo de 1714, se convirtió en maestro de
conciertos, con el deber de componer una cantata todos los meses.
Desafortunadamente, el desarrollo de Bach no se puede rastrear en detalle
durante los años vitales 1708–14, cuando su estilo experimentó un cambio
profundo. Hay muy pocos trabajos datables. Sin embargo, de la serie de
cantatas escritas en 1714–1716, es obvio que había sido influenciado
decisivamente por los nuevos estilos y formas de la ópera italiana
contemporánea y por las innovaciones de compositores de conciertos italianos
como Antonio Vivaldi. Los resultados de este encuentro se pueden ver en
cantatas como No. 182, 199 y 61 en 1714, 31 y 161 en 1715, y 70 y 147 en
1716. Sus formas favoritas de los italianos fueron las basadas en el estribillo
(ritornello ) o esquemas de da capo en los que la repetición total (literal o con
modificaciones) de secciones enteras de una pieza le permitió crear formas
musicales coherentes con dimensiones mucho más grandes de lo que hasta
ahora había sido posible. Estas técnicas recién adquiridas en adelante
gobernaron una serie de movimientos de arias y conciertos de Bach, así como
muchas de sus fugas más grandes (especialmente las maduras para órgano), y
afectaron profundamente su tratamiento de los corales.
Entre otras obras compuestas casi con certeza en Weimar se encuentran la
mayoría de los Orgelbüchlein (Little Organ Book), todos menos el último de
los llamados 18 preludios de corales "Grandes", los primeros tríos de órganos
y la mayoría de los preludios y fugas de órganos. El "Gran" Preludio y Fuga
en Sol mayor para órgano (BWV 541) finalmente se revisó alrededor de 1715,
y la Toccata y la Fuga en Fa mayor (BWV 540) pueden haberse jugado en
Weissenfels.
El 1 de diciembre de 1716, Johann Samuel Drese, director musical de
Weimar, murió. Luego fue sucedido por su hijo, que era más bien
desconocedor.
Presumiblemente, Bach resentía que se le pasara por alto y, a su debido
tiempo, aceptó un nombramiento como director musical para el Príncipe
Leopoldo de Köthen, que se confirmó en agosto de 1717. Sin embargo, el
duque Wilhelm se negó a aceptar su renuncia, en parte, tal vez, debido a Bach
amistad con los sobrinos del duque, con quienes el duque estaba en los peores
términos. Alrededor de septiembre se organizó un concurso entre Bach y el
famoso organista francés Louis Marchand en Dresde. Se desconocen las
circunstancias exactas, pero Marchand evitó la competencia dejando Dresden
unas horas antes de que hubiera tenido lugar. Por implicación, Bach ganó.
Quizás esto lo animó a renovar su solicitud de permiso para abandonar
Weimar; En todo caso, lo hizo, pero en términos tales que el duque lo
encarceló durante un mes (6 de noviembre al 2 de diciembre).
Pocos días después de su liberación, Bach se mudó a Köthen, a unas 30 millas
al norte de Halle.

Período en Kothen
Allí, como director musical, se ocupaba principalmente de la música de
cámara y orquestal. Aunque algunas de las obras pueden haber sido
compuestas antes y revisadas más tarde, fue en Köthen donde las sonatas para
violín y clavier y para viola da gamba y clavier y las obras para violín y
violonchelo no acompañados se pusieron en algo así como su forma actual.
Los conciertos de Brandenburgo se terminaron el 24 de marzo de 1721; En el
sexto concierto, como se ha sugerido, Bach tuvo en cuenta las limitaciones
técnicas del príncipe, que tocaba la gamba. Bach tocó la viola por elección; le
gustaba estar "en medio de la armonía".
También escribió algunas cantatas para el cumpleaños del príncipe y otras
ocasiones similares; la mayoría de estos parecen haber sobrevivido solo en
versiones posteriores, adaptadas a palabras más generalmente útiles. Y
encontró tiempo para compilar obras de teclado:
-El Clavierbüchlein para W.F. Bach (comenzó el 22 de enero de 1720),
algunas de las suites francesas, las invenciones (1720) y el primer libro (1722)
de Das Wohltemperierte Klavier (De clave bien temperado, que finalmente
consta de dos libros, cada uno de 24 preludios y fugas en todas las claves y
conocido como "los cuarenta y ocho").
Esta notable colección explora sistemáticamente tanto el potencial de un
procedimiento de afinación recién establecido, que, por primera vez en la
historia de la música de teclado, hizo que todas las teclas fueran igualmente
utilizables, como las posibilidades de organización musical que ofrece el
sistema de "tonalidad funcional". "Una especie de sintaxis musical
consolidada en la música de los compositores de conciertos italianos de la
generación anterior y un sistema que iba a prevalecer durante los próximos
200 años.
Al mismo tiempo, The Well-Tempered Clavier es un compendio de las
formas y estilos más populares de la época: tipos de baile, arias, motetes,
conciertos, etc., presentados dentro del aspecto unificado de una sola técnica
de composición: la rigurosamente lógica y venerable fuga.
Maria Barbara Bach murió inesperadamente y fue enterrada el 7 de julio de
1720. Alrededor de noviembre, Bach visitó Hamburgo; La muerte de su
esposa puede haberlo inquietado y haberlo llevado a preguntar por un puesto
vacante en el Jacobikirche. Nada salió de esto, pero jugó en el Katharinenkirke
en presencia de Reinken. Después de escuchar a Bach improvisar variaciones
en una melodía coral, el anciano dijo: “Pensé que este arte estaba muerto; pero
veo que aún vive en ti ".
El 3 de diciembre de 1721, Bach se casó con Anna Magdalena Wilcken, hija
de un trompetista en Weissenfels. Además de la muerte de su primera esposa,
estos primeros cuatro años en Köthen fueron probablemente los más felices de
la vida de Bach.
Estaba en los mejores términos con el príncipe, que era genuinamente
musical; y en 1730 Bach dijo que esperaba terminar sus días allí. Pero el
príncipe se casó el 11 de diciembre de 1721 y las condiciones se deterioraron.
Bach aplicó en diciembre, pero el puesto, ya rechazada por el amigo de Bach,
Georg Philipp Telemann, se ofreció a otro destacado compositor de la época,
Christoph Graupner, el director musical de Darmstadt.
Como este último no estaba seguro de poder aceptar, Bach realizó una
actuación de prueba (Cantata No. 22, Jesu nahm zu sich die Zwölfe (Jesús lo
llamó a los doce) el 7 de febrero de 1723; y, cuando Graupner se retiró (Bach
estaba tan profundamente comprometido con Leipzig que, aunque la princesa
había muerto el 4 de abril, solicitó permiso para abandonar Köthen. Obtuvo
esto el 13 de abril y el 13 de mayo juró en Leipzig.
Fue nombrado director musical honorario en Köthen, y tanto él como Anna
fueron empleados allí de vez en cuando hasta que el príncipe murió, el 19 de
noviembre de 1728.

Años en Leipzig
Después de audicionar para un nuevo puesto en Leipzig, Bach firmó un
contrato para convertirse en el nuevo organista y maestro en la Iglesia St.
Thomas. También se le exigió que enseñara en la Escuela Thomas como parte
de su puesto. Con nueva música necesaria para los servicios cada semana,
Bach se dedicó a escribir cantatas. El "Oratorio de Navidad", por ejemplo, es
una serie de seis cantatas que reflexionan sobre las vacaciones.
Bach también creó interpretaciones musicales de la Biblia usando coros, arias
y recitativos. Estas obras se conocen como sus "Pasiones", la más famosa de
las cuales es "Pasión según San Mateo". Esta composición musical, escrita en
1727 o 1729, cuenta la historia de los capítulos 26 y 27 del Evangelio de
Mateo. La pieza se realizó como parte de un servicio del Viernes Santo.
Una de sus obras maestras religiosas posteriores es "Misa en B menor". Había
desarrollado secciones de ella, conocidas como Kyrie y Gloria, en 1733, que
se presentaron al Elector de Sajonia. Bach no terminó la composición, una
versión musical de una misa tradicional latina, hasta 1749. El trabajo completo
no se realizó durante su vida.
Para 1740, Bach estaba luchando con su vista, pero continuó trabajando a
pesar de sus problemas de visión. Incluso fue lo suficientemente bueno como
para viajar y actuar, visitando a Federico el Grande, el rey de Prusia en 1747.
Jugó para el rey, inventando una nueva composición en el acto. De vuelta en
Leipzig, Bach refinó la pieza y le dio a Frederick un conjunto de fugas
llamado "Ofrenda musical".
En 1749, Bach comenzó una nueva composición llamada "The Art of Fugue",
pero no la completó. Trató de arreglar su vista deficiente al someterse a una
cirugía al año siguiente, pero la operación terminó dejándolo completamente
ciego. Más tarde ese año, Bach sufrió un derrame cerebral. Murió en Leipzig
el 28 de julio de 1750.
Durante su vida, Bach fue mejor conocido como organista que como
compositor. Pocos de sus trabajos fueron publicados incluso durante su vida.
Aún así, las composiciones musicales de Bach fueron admiradas por aquellos
que siguieron sus pasos, incluidos Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
Su reputación recibió un impulso sustancial en 1829 cuando el compositor
alemán Felix Mendelssohn reintrodujo la "Pasión según San Mateo" de Bach.
 Musicalmente, Bach era un maestro en invocar y mantener diferentes
emociones. También era un narrador experto, a menudo usaba la
melodía para sugerir acciones o eventos.
 En sus obras, Bach se basó en diferentes estilos musicales de toda
Europa, incluidos el francés y el italiano.
 Utilizó el contrapunto, la interpretación simultánea de múltiples
melodías y la fuga, la repetición de una melodía con ligeras
variaciones, para crear composiciones ricamente detalladas.
 Se le considera el mejor compositor de la época barroca y una de las
figuras más importantes de la música clásica en general.
En 1726, después de haber completado la mayor parte de su producción de
cantata, Bach comenzó a publicar el Clavier Partitas individualmente, con una
edición recopilada en 1731, tal vez con la intención de atraer el
reconocimiento más allá de Leipzig y así asegurar una cita más agradable en
otro lugar. La segunda parte del Clavierübung, que contiene el Concierto al
estilo italiano y la Obertura francesa (Partita) en si menor, apareció en 1735.
La tercera parte, que consiste en la Misa de órgano con el preludio y la fuga en
Mi bemol mayor (BWV 552), apareció en 1739. Desde c. 1729 a 1736 Bach
fue director musical honorario de Weissenfels; y, desde 1729 hasta 1737 y
nuevamente desde 1739 durante un año o dos, dirigió el Leipzig Collegium
Musicum. Para estos conciertos, adaptó algunos de sus primeros conciertos
como clavecín, convirtiéndose así en uno de los primeros compositores, si no
el primero, de concierto para instrumento de teclado y orquesta, así como fue
uno de los primeros en utilizar el derecho del clavecín. mano como una
verdadera parte melódica en la música de cámara. Estos son solo dos de varios
aspectos en los que Bach, básicamente conservador y tradicional, fue también
un innovador significativo.
Alrededor de 1733 Bach comenzó a producir cantatas en honor del elector de
Sajonia y su familia, evidentemente con vistas a la cita judicial que consiguió
en 1736.
Muchos de estos movimientos seculares se adaptaron a las palabras sagradas y
se reutilizaron en el Oratorio de Navidad. La "Kyrie" y la "Gloria" de la Misa
en si menor, escrita en 1733, también se dedicaron al elector, pero el resto de
la Misa no se reunió hasta los últimos años de Bach.

Años Finales de Vida

Para 1740, Bach estaba luchando con su vista, pero continuó trabajando a
pesar de sus problemas de visión. Incluso fue lo suficientemente bueno como
para viajar y actuar, visitando a Federico el Grande, el rey de Prusia en 1747.
Jugó para el rey, inventando una nueva composición en el acto. De vuelta en
Leipzig, Bach refinó la pieza y le dio a Frederick un conjunto de fugas
llamado "Ofrenda musical".
En 1749, Bach comenzó una nueva composición llamada "The Art of Fugue",
pero no la completó. Trató de arreglar su vista deficiente al someterse a una
cirugía al año siguiente, pero la operación terminó dejándolo completamente
ciego. Más tarde ese año, Bach sufrió un derrame cerebral. Murió en Leipzig
el 28 de julio de 1750.
Durante su vida, Bach fue mejor conocido como organista que como
compositor. Pocos de sus trabajos fueron publicados incluso durante su vida.
Aún así, las composiciones musicales de Bach fueron admiradas por aquellos
que siguieron sus pasos, incluidos Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
Su reputación recibió un impulso sustancial en 1829 cuando el compositor
alemán Felix Mendelssohn reintrodujo la "Pasión según San Mateo" de Bach.
Musicalmente, Bach era un maestro en invocar y mantener diferentes
emociones. También era un narrador experto, a menudo usaba la melodía para
sugerir acciones o eventos. En sus obras, Bach se basó en diferentes estilos
musicales de toda Europa, incluidos el francés y el italiano. Utilizó el
contrapunto, la interpretación simultánea de múltiples melodías y la fuga, la
repetición de una melodía con ligeras variaciones, para crear composiciones
ricamente detalladas. Se le considera el mejor compositor de la era barroca y
una de las figuras más importantes de la música clásica en general. En 1740,
Bach estaba luchando con su vista, pero continuó trabajando a pesar de sus
problemas de visión. Incluso fue lo suficientemente bueno como para viajar y
actuar, visitando a Federico el Grande, el rey de Prusia en 1747. Jugó para el
rey, inventando una nueva composición en el acto. De vuelta en Leipzig, Bach
refinó la pieza y le dio a Frederick un conjunto de fugas llamado "Ofrenda
musical".
En 1749, Bach comenzó una nueva composición llamada "The Art of Fugue",
pero no la completó. Trató de arreglar su vista deficiente al someterse a una
cirugía al año siguiente, pero la operación terminó dejándolo completamente
ciego. Más tarde ese año, Bach sufrió un derrame cerebral. Murió en Leipzig
el 28 de julio de 1750.
Durante su vida, Bach fue mejor conocido como organista que como
compositor. Pocos de sus trabajos fueron publicados incluso durante su vida.
Aún así, las composiciones musicales de Bach fueron admiradas por aquellos
que siguieron sus pasos, incluidos Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
Su reputación recibió un impulso sustancial en 1829 cuando el compositor
alemán Felix Mendelssohn reintrodujo la "Pasión según San Mateo" de Bach.
Musicalmente, Bach era un maestro en invocar y mantener diferentes
emociones. También era un narrador experto, a menudo usaba la melodía para
sugerir acciones o eventos. En sus obras, Bach se basó en diferentes estilos
musicales de toda Europa, incluidos el francés y el italiano. Utilizó el
contrapunto, la interpretación simultánea de múltiples melodías y la fuga, la
repetición de una melodía con ligeras variaciones, para crear composiciones
ricamente detalladas. Se le considera el mejor compositor de la era barroca y
una de las figuras más importantes de la música clásica en general.