El ballet

El ballet (del italiano balletto, diminutivo de ballo; en

español baile), danza académica o danza clásica es una
forma concreta de danza y también el nombre de la
técnica correspondiente. Según las épocas, los países o
las corrientes y el espectáculo, esta expresión artística
puede incluir: danza, mímica, y teatro (de orquesta y
coral), personas y maquinaria.
El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos
movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se
debe enseñar desde temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios
de esta danza clásica a los seis o siete años, ya que el ballet es una
disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como
actitud y forma de vida.

A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado.

Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies,
rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica
muscular y mental que debe expresarse en total armonía de
movimientos.

También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical

compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El
ballet es una de las artes escénicas.

Historia de la Danza :
La Historia de la danza estudia la evolución de la danza a través del
tiempo. Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de
comunicarse corporalmente, con movimientos que expresaban
sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos rítmicos
sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes
(nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un
componente ritual, celebrada en ceremonias de fecundidad, caza o
guerra, o de diversa índole religiosa, donde la propia respiración y los
latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la
danza.

El ballet surgió en la Italia del Renacimiento (1400-1600). Fue en Francia

durante el reinado de Louis XIV, apodado Rey Sol que surge la
necesidad de la profesionalización y en 1661 se crea la primera escuela
de danza: Académie Royale de la danse. En 1700 R. A. Feuillet
publicó Choréographie ou Art de noter la danse donde por primera
vez se reproduce la totalidad de los pasos codificados y se funda un
primer conato de transliteración o notación de las figuras. En 1725 P.
Rameau con su Traité Maître a danser perfeccionó toda la técnica
hasta entonces planteada.
Fueron de vital importancia de cara al nacimiento del Ballet Romántico
las reformas actuadas por G. Magri con su Trattato teorico-practico di
Ballo en 1779 proporcionando un repertorio intacto de figuras y por J. G.
Noverre con su tratado Lettre sur le ballets et les arts
d’imitation donde da vida al Ballet d’action el ballet pantomima. En
1713 se creó la segunda Académie Royale lo que hoy conocemos
como la Opera de París.
Toda esta reforma fue experimentada y puesta en práctica por F. W.
Hilferding en 1735 al regresar a su ciudad natal Viena fue nombrado
Maestro de Ballet y en 1740 emprendió la tarea de introducir el Realismo
en el propio Ballet
 .

Métodos :
En la actualidad todas son fuentes de inspiración mutuas pero merece la
pena saber el origen de cada una de ellas. Existen diferentes métodos,
un legado básico de cuatro.

En 1661, en Francia se crea la primera La Académie Royale de danse

considerada oficialmente profesional. Conocida como la Danza Clásica.
A través de su constituida terminología fue divulgándose como referente
por todo el mundo. Caracterizada por una extremada precisión en la
ejecución y la elegancia refinada del movimiento. No será hasta 1920
donde se integrará los aportes de la escuela italiana y de sus numerosos
artistas rusos desarrollando, a partir de mediados del siglo XX, un
movimiento que acentuará los puntos extremos de los saltos y de la
extensión.
Escuela Danesa, heredera de la tradición italiana, conlleva a desarrollar
un estilo particular donde la virtuosidad de los bailarines es remarcada
por el trabajo de la rapidez de los pies. Las batteries, el acento, el porte,
sobre el trabajo de piernas, la vivacidad en los pasos de enlazamiento y
en el salto. El estilo Bournonville se caracteriza por la continuidad de los
Enchaînements, la ligereza y la precisión rítmica.

En 1820 se funda la Escuela italiana de danza por Enrico Cecchetti,

(1850-1928)]. Tiene una gran tradición de pantomima, una implantación
del estilo francé aportada por C. Blasis. Sus características principales
son la continuidad del flujo de movimiento en los desplazamientos y el
centro de gravedad.
En Rusia Agrippina Vaganova (1879-1951) desarrolló el Método
Vaganova. . A. Vaganova creará un sistema pedagógico que contribuirá
a la formación de la escuela Rusa. Este método aleja la graciosa
gestualidad francesa dejando paso a la gravitación del método Cecchetti,
acentuando el peso, el aplomo al suelo, la fuerza del impulso y
desarrollando una elasticidad muscular extrema.

La Escuela Americana tiene influencia italiana aportada por Tudor y rusa,

aportada por Balanchine y otros coreógrafos y bailarines de los Ballets
Rusos de Sergei Diaghilev. Esta escuela se nutre de la emigración de
maestros después de la Revolución Rusa de 1917.

Ballet de acción :
El ballet de acción o ballet-pantomima es un espectáculo coreográfico
narrativo, cuyo argumento se desarrolla con ayuda de la danza y de la
pantomima. Empezó a representarse en el siglo XVIII al socaire de la
ópera-ballet y de la comedia-ballet que el trío Lully— Molière —y Pierre
Beauchamp habían puesto en escena por toda Europa durante el reinado
de Luis XIV.

Después de haber triunfado en los teatros de la Feria y en la Opéra-

comique de París el ballet-pantomima se extendió por toda Europa hacia
la mitad de siglo: Londres, Viena, San Petersburgo y diversas ciudades
italianas en las que, los ballets-pantomima son dirigidos por los maestros:
Gasparo Angiolini y Jean-Georges Noverre. Éste último, verdadero
teórico de la danza, le dio el nombre de ballet de acción, mucho más
adecuado que el de ballet-pantomima. En sus escritos Lettres sur la
danse (edición de 1807) afirma: “Me atrevo a decir, sin falso pudor, que
yo resucité el arte de la pantomima; que estaba enterrado bajo las ruinas
de la antigüedad”. Sus discípulos enseñaron esta nueva forma de ballet
más próximo a las preocupaciones cotidianas. Maximilien y Pierre Gardel
impusieron este género que perduró hasta el siglo XX, en especial a
través del ballet romántico.
Los tres géneros :
En 1760 Noverre definió tres géneros de danza (y de bailarines): la
danza noble o danza seria y heroica que conlleva, en sí misma, el
carácter de la tragedia. La mixta o semi-seria a la que se denomina
comúnmente demi-caractére, que es la comedia noble o alta comedia y
la danza grotesca (o danza cómica) conocida, erróneamente como
pantomima lo que, en
 TEATRO ITALIANO

Historia del teatro

La historia del teatro italiano tiene su origen en la sociedad romana que una vez
obtuvo estabilidad económica y militar, se dejo seducir por la hedonista cultura griega
de la edad helenística.

El impulso que dió a la cultura teatral fue esencial ya que el soporte que recibió sirvió
para consolidarlo como un “arte mayor”, pero más cercano al ocio, a lo profano y
como forma de evasión, y con tres modelos: arcaico, la forma dramática, y la de los
espectáculos. donde curiosamente las actuaciones de personajes femeninos eran
representadas por hombres ya que no estaba autorizado a las mujeres participar. El
aspecto crítico, irónico y laico supuso una amenaza para las autoridades eclesiásticas
que prohibieron su representación.

Con la caída del imperio y el control del “estado” sobre el ocio, el teatro sobrevive en
la corte y en ámbito privado de la nobleza, mientras que la iglesia sacraliza las obras
para acercarse al pueblo y sobre todo para hacer liturgia y dogmatizar . Este control
hizo desaparecer la figura profesional del actor, si bien se permitía que bufones y
saltimbanquis realizaran comedia y entretenimiento, con una mezcla de acrobacias,
danza, canto, o recitando obras clásicas. Los personajes de la comedia del arte eran
las máscaras donde aparecían los “viejos”, los enamorados (jóvenes sin máscara), y
los siervos (personajes como Arlequín, Pulcinella, Colombina, Smeraldina, etc.).
Todos ellos hablaban en dialecto, mientras que los “enamorados hablaban en el
Toscano.

El Humanismo y el Renacimiento marcaron el fin del drama litúrgico y la diferencia

entre teatro de culto y popular. El gusto por las nuevas corrientes de drama y comedia
se difunde desde Italia al resto de Europa, y el siglo XVI ya encontramos sólo teatro
profano.

La incursión del barroco supuso un punto de inflexión no sólo en la arquitectura, la

estructura teatral se transforma radicalmente y se orienta hacia la música y la
perspectiva. La figura del momento fue Giacomo Torelli (1608-1678) que abogó por
introducir cambios como la organización del escenario que adquiere más tamaño, o la
platea que se modifica para que todos los espectadores puedan ver correctamente la
trama. También se fija la distinción de espacios en función de la clase social. en este
periodo los primeros teatros públicos son el  San Cassian de Firenze y la Sala Adorno
del Falcone de Genova.

Con la ilustración el teatro se convierte en medio de difusión de los valores sociales y

culturales de…, y ello deriva en un teatro político. En Italia Carlo Goldini define esta
corriente iluminista, con reformas de estilo – el italiano o veneciano pasa a ser la
lengua vehicular de las representaciones-, y de fondo, potenciando a personajes más
cercanos a la realidad, lejanos a los excesos y sobreactuadas interpretaciones
anteriores. En este contexto cuaja el melodrama, que une el drama con la música,
para exaltar modelos románticos y patrióticos que definirán las obras del siglo XVIII y
especialmente XIX.

Con la llegada de la unificación italiana el norte de Italia se define por un modelo que
escenifica la moral y el optimismo de la clase burguesa (Giacosa, Rovetta, Praga), en
contraposición con las obras de Verga e Capuana, cuyo realismo es más áspero,

TEATRO NEOCLÁSICO ITALIANO Un cambio estético de la

escena
    
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo
XV. 
Las primeras obras eran en latín, pero acabaron por escribirse en
lengua vernácula.
Las prácticas escénicas y arquitectónicas de esta época han influido en
la producción teatral hasta nuestros días. 
   
En el plano arquitectónico se hicieron intentos para recrear el escenario
romano. Los primeros teatros italianos, sin embargo, se construyeron
en espacios ya existentes, como palacios y patios, que tenían forma
rectangular. 
   
Escénicamente, el desarrollo más importante fue el descubrimiento de
la técnica de la perspectiva, pintando en una superficie plana para
crear la ilusión de profundidad o espacio.
   
 Esto permitió la construcción de escenarios que daban la impresión de
ser lugares reales. 
Lo emblemático, la escenografía real selectiva de la edad media, dio
paso al ilusionismo.
   
Aunque la ley de las unidades exigía una localización única, en la
práctica se empezaron a presentar escenas alegóricamente pródigas
llamadas intermezzi entre cada uno de los cinco actos de la obra. 
Esto exigía cambios de decorados, y así durante los siglos que
siguieron se idearon sistemas mecánicos para cambiarlos. 
Para incrementar la ilusión de los lugares presentados y para esconder
la maquinaria y a los tramoyistas, se diseñó un marco arquitectónico
alrededor del escenario, el arco del proscenio que separaba el espacio
ocupado por los espectadores del mundo de ilusión de la escena,
enmarcando asimismo la imagen que ofrecía el escenario.

CREACIÓN DE LA ÓPERA Y SU TEATRO EN ITALIA  

   
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los
intermezzi, en conjunto con los continuados intentos de recrear la
producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo
XVI. 
Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la
ópera se hizo muy popular. 
  
A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de
la ópera en Italia; tenían por norma un gran escenario y proscenio, un
patio de butacas en forma de herradura, y gran cantidad de palcos,
cubículo dispuestos en hileras a lo largo de los muros internos del
teatro, creando así espacios privados para sentarse. 
La visión del escenario desde estos palcos era a menudo muy pobre,
pero las clases altas acudían al teatro para ver tanto como para ser
vistas.

COMMEDIA  DELL´ARTE EN ITALIA 

    
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo
clasicista, el público en general recibía la commedia dell'arte, un teatro
popular y vibrante basado en la improvisación.  
  
A partir de varias formas populares del siglo XVI, compañías de
intérpretes cómicos crearon una serie de personajes tipo como Arlequín
o Pantaleón que eran exageraciones y estilizaciones de cómicos
sirvientes, locos, amantes, abogados, doctores, entre otros. 
  
Estos personajes fueron creados muy en la línea de los personajes de
las películas de los Hermanos Marx en nuestro siglo, inmersos en
tramas y decorados predecibles. 
  
Cada actor tenía discursos predeterminados y partes de la acción
conocidas como lazzi. Los decorados proporcionaban guías e indicaban
entradas, salidas y el foco de discursos específicos. 
Los intérpretes incluían sus lazzi en estas circunstancias según les
pareciera apropiado e improvisaban la representación. 
Los actores de commedia se esparcieron por Europa, las compañías
actuaban no sólo en las calles sino también ante los nobles. 
La commedia tuvo su apogeo entre 1550 y 1650, y ejerció su influencia
desde el teatro de títeres turco hasta la obras de Shakespeare y
Molière.

Barroco y neoclasicismo
El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran
enriquecimiento de la escenografía. La recuperación por parte
del dramaclásico francés de la regla de las tres unidades —acción,
tiempo y lugar— hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, con lo
que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la
costumbre de cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la creciente
popularidad de la ópera, que requería varios montajes, favoreció el
desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran mayor apariencia de
veracidad a efectos tales como: la desaparición de actores y la
simulación de vuelos —las llamadas "glorias", por ejemplo hacían
posible el descenso de las alturas del escenario de una nube que
portaba a los cantantes. El teatro de la Scala de Milán, finalizado
en 1778, constituye un ejemplo de las grandes dimensiones que eran
precisas para albergar tanto al público como a la tramoya y al aparata
escénico.