Técnica de Fotografía

Exposición
Exposición es la cantidad de luz que
recibe el material fotosensible (en
fotografía química) o el sensor de imagen
(en fotografía digital) para que se forme
una imagen.

Exposición correcta
Una fotografía con exposición correcta es
aquella que captura el rango de tonos en
su totalidad es decir desde los tonos
oscuros a los tonos claros, una fotografía en blanco y negro con buena exposición
es aquella que tiene todos los niveles deseados de gris desde el negro puro al
blanco puro, Para obtener una exposición correcta un fotógrafo debe equilibrar y
coordinar tres variables: sensibilidad de la película, la velocidad de obturación y el
número f o apertura.

Histograma de color o brillantez

Muchas cámaras cuentan con la
funcionalidad de visualizar el
histograma de color de la imágenes
tomadas, también hay aplicaciones de
software que permiten visualizar esta
gráfica por ejemplo Gimp, el histograma
es una gráfica que representa en el eje
horizontal un rango de tonos o colores y
la altura de la barra en cada punto
representa el número de pixeles en la
imagen que tienen el tono o color
seleccionado. En la foto del esquiador al observar el histograma se observa como
la gráfica tiene un espacio en blanco del lado derecho indicando que tiene muy
pocos pixeles en los tonos claros y una barra alta en el extremo izquierdo esta
última indica que tiene una gran cantidad de pixeles en los tonos más oscuros, de
forma análoga la segunda imagen tiene un histograma que tiene un espacio en
blanco del lado izquierdo indicando que pocos pixeles de la imagen están en los
tonos oscuros y una barra alta del lado derecho indicando una gran cantidad de
pixeles en los tonos más claros, finalmente podemos observar en la tercera foto
una distribución uniforme de los pixeles en toda la gama de tonalidades desde los
puntos más claros a los puntos más oscuros.

Iluminación
De la misma forma que la pintura es la técnica con la que se distribuyen pigmentos
sobre una superficie, la fotografía es la técnica con la que se distribuye la luz
sobre una superficie sensible. Al igual que la pintura, la fotografía es capaz de
crear arte o cumplir con funciones utilitarias. Al igual que el pintor fabrica sus
propias pinturas, el fotógrafo controla la luz antes de que estas iluminen al objeto
retratado. Controlar esto requiere de la comprensión de ciertos fenómenos físicos
y de ciertos fenómenos psicológicos.

Física de la iluminación
Como ya hemos explicado la imagen que se
imprime dentro de la cámara es resultado
de la incidencia de luz dentro de esta. Esa
luz puede provenir de distintas fuentes y
"rebota" sobre los elementos de la escena.

Fuentes luminosas
El sol, una lampara incandescente de 100w,
un tubo fluorescente, un flash son todas
posibles fuentes luminosas. De acuerdo a la
forma en que esta fuente genere luz tendremos distinta temperatura color.

La luz del sol tiene una temperatura color

que cambia al pasar por el filtro de la
atmósfera y según como lo atraviese
(rasante al atardecer o las latitudes
extremas o perpendiculares al mediodía
entre los trópicos) tendrá una temperatura
color diferente. pero que suele ser una
temperatura color alta (luz azulada) durante
el día, y más baja (anaranjada) al salir y al
ponerse el sol.

Lamparas incandescentes (tugnsteno) = rojiza

Lamparas incandescentes (halógenas) = media rojiza (blanca)
Lamparas fluorescentes y de bajo consumo = azulada variable
Flash = media azulada (blanca)

Las distintas fuentes luminosas generan distintas sombras de acuerdo a su

tamaño y a la distancia a la que se encuentran

Fuente pequeña a distancia considerable. En este esquema la fuente luminosa es

increíblemente pequeña. Esto solo sucede excepcionalmente con fuentes como el
arco voltaico de una soldadora. De todas formas a mayor distancia las fuentes
luminosas se comportan como si fueran mas pequeñas (ver ejemplo sol: grande
pero muy distante.
El tamaño de la sombra es similar al del modelo.
La sombra tiene un borde bien definido.

Fuente grande a distancia

considerable En este esquema la
fuente luminosa es
exageradamente grande pero nos
permite ver como al agrandar la
fuente el borde de la sombra
proyectada pierde consistencia al
igual que la zona iluminada del
objeto.

El tamaño de la sombra es similar

al del objeto
La sombra tiene borde difuminado. Las zonas sin sombra son aquellas que son
alcanzadas por la totalidad de la fuente. las zonas oscuras no son alcanzadas por
ningún rayo. Las zonas crepusculares son alcanzadas por parte de la fuente.
Tambien se deduce de este esquema que la sombra cercana al modelo no sufre
difuminación (piso) mientras que al alejarse el plano de proyección del borde de la
misma pierde más y más nitidez.
Fuente pequeña y cercana al modelo En este esquema acercamos la fuente
luminosa del primer ejemplo para ver como al acercar la fuente aumenta el tamaño
de la sombra. También debe tenerse en cuenta que si aumentáramos el tamaño
de la fuente ocurriría lo mismo que con mayor distancia. Tambien debe saber
usted que al acercar una fuente la intensidad de luz aumenta.

El tamaño de la sombra es similar a la del objeto

El modelo tiene una menor porción de su cuerpo iluminada
La sombra tiene borde definido por tratarse de una fuente pequeña

El sol como fuente luminosa El sol es una fuente de tamaño inmenso pero que al
encontrarse a una distancia astronómica proyecta en nuestros espacios
percibibles, sombras definidas como si se tratara de una fuente pequeña. A la vez
que nuestra sombra se proyecta casi del mismo tamaño exacto que nosotros.
El tamaño de la sombra es igual a
la del modelo (debido a que los
rayos que llegan son
prácticamente paralelos.
El modelo tiene una gran porción
de si iluminada (aunque no se ea
en el esquema).
La sombra tiene borde definido
por la gran distancia.
Composición
La composición en el proceso de
creación de una imagen, inicia con la
consideración y observación del sujeto,
la toma de decisiones sobre la
ubicación de los diferentes elementos
de la imagen, la posición de la cámara,
el uso de filtros, la cantidad de luz, los
diversos parámetros de la cámara, etc.
incluye el análisis de la imagen y
termina cuando la vista del observador
se posa en la imagen final.

Los ejemplos de buena composición son muy fáciles de observar teniendo en

cuenta los miles de fotografías profesionales, así como cientos de horas de
televisión, que todo el mundo ha visto, y sin embargo resulta muy común que
tomemos fotográficas con una composición pobre. Para aquellos que deseen
mejorar un poco más allá del pálido y lo mundano, tenga en cuenta estos simples
puntos:

El error # 1 de los aficionados: poniendo los temas principales en el centro del

cuadro, tales como caras, los horizontes, etc
Al mover el tema principal fuera del centro toma un poquito de previsión, pero vale
la pena el esfuerzo. La mayoría de las fotografías y videos siguen la "Regla de los
tercios", que divide el "marco", el visor o el monitor, aproximadamente en tercios
vertical y horizontalmente (como la rejilla del tres en líne). Los principales temas y
puntos de interés se sitúan en o cerca de la intersección de las líneas. En los
paisajes, el horizonte se puede colocar abajo y arriba pero no en el centro.

El error # 2 de los aficionados: Nunca es demasiado cerca

Este error consiste en colocar demasiado en el
cuadro, por ejemplo en un retrato las piernas o
los pies o fotos de grupo hace que el sujeto se
muestre demasiado lejos y demasiado pequeño,
mientras que el fondo es demasiado grande lo
que causa distracción. En referencia hay una
cita muy conocida: "Si tus fotos no son lo
suficientemente buenas, no estás lo
suficientemente cerca!", Para los retratos piense
en la composición arriba de las caderas, o mejor
arriba de la cintura. La mayoría de la gente tiene
su cámara en horizontal y casi nunca piensan en darle vuelta verticalmente. Una
regla general: tomar retratos de una persona (o animal) verticalmente y de dos o
más horizontalmente, y siguiendo el principio de "llenar el cuadro", tal como lo
hacen los fotógrafos profesionales y así obtendrá fotos más íntimas y con mejor
calidad.
El error # 3 de los aficionados: Fondos distractores.
Use del programa o modo de retrato de
las cámaras automáticas o, en las
cámaras SLR, para hacer que la cámara
emplee las aperturas más grandes (los
números f más pequeños), haciendo
que el fondo quede fuera de foco y así
centrar el interés en el tema principal.
También debe evitar postes, árboles, etc
procedentes de la cabeza o el torso del
tema principal.

El error # 4 de los aficionados: Poco o nada de profundidad, produciendo una

perspectiva plana, con una separación aparente mínima entre los sujetos.
El método más común consiste en incluir en el fondo del cuadro objetos cercanos
como piedras estéticamente agradables o flores enmarcando la foto. Sugerencia:
Para eliminar un tema plano vea cómo ve la cámara cerrando o cubriendo un ojo.
Se dará cuenta de lo fácil que es mirar en busca de pistas y los ángulos que
proporcionan profundidad y así suprimir una imagen con una iluminación plana y
que produce una fusión caótica de objetos.

Modelado
Se llama "luz de modelado" a la luz continua de tungsteno incluida en algunos
flashes electrónicos que permite al
fotógrafo pre visualizar los efectos de
iluminación (normalmente en el estudio).

También se puede refiere a la luz que se

usa para crear un efecto tridimensional a
través del juego de luz y las sombras.
 Técnica Básica de Fotoperiodismo
.- TÉCNICA: En la mayoría de las ocasiones
el fotoperiodista se expone a condiciones de
luz extremas, pasará de interior a exterior
en cuestión de segundos, padecerá
contraluces y luces imposibles sin
posibilidad de corregir. En definitiva, el
fotoperiodista debe estar preparado y
formado para actuar con rapidez y solventar
con éxito los caprichos de la noticia.

2.- INFORMACIÓN, CAPACIDAD DE

OBSERVACIÓN: La principal misión del
fotógrafo de prensa es informar y para
informar hay que estar informado. Cuanta
más información tengamos de la noticia que vamos a cubrir o más conozcamos
del personaje que vamos a fotografiar, más opciones tendremos para jugar con la
fotografía, más garantías de éxito. Nuestra capacidad de observación será la que
haga que nuestras fotos sean completas y especiales, a menudo se publicará solo
una fotografía de la cobertura, por lo que hay que saber observar con respeto y
con cercanía para tener la fotografía que resume la información. No os olvidéis de
los formatos, se puede ver en horizontal y vertical, hay que tener de todo si
queremos que el resultado sea óptimo.

3.-CAPACIDAD DE TRABAJO: Donde hay noticia hay un fotoperiodista sin reloj.

No importa si llueve o si hace calor, no importa si es la hora de comer o de dormir.
Es importante mentalizarse para tener una buena salud física y mental.

4.-COMPAÑERISMO, ÉTICA PROFESIONAL: La competencia del fotoperiodista

es feroz. Cada fotoperiodista debe
tener la mejor fotografía, “la foto”.
Eso nos lleva muchas veces a
perder la humildad y la ética con
nuestros compañeros. Es un error
mirar al propio profesional como la
competencia, la competencia son
los medios para los que trabajamos.
Pasaremos muchísimas horas con
él y él con nosotros, será nuestro
mejor amigo además de nuestro
espejo. Nunca debemos olvidar nuestras peculiaridades artísticas-informativas,
estar concentrado para no perder detalle y despierto para actuar con rapidez y
eficacia, lo más importante es no perder la foto; no lo que hace el compañero. No
nos sobrará nunca una mano amiga que nos eche el cable cuando tengamos
problemas graves de equipo o de salud.
5.- MATERIAL FOTOGRÁFICO: Aunque lo más importante no es tener la mejor
cámara, sí lo es tener un buen equipo
fotográfico que se adapte a nuestras
coberturas. Dependiendo de las
coberturas fotográficas que realicemos
será mas o menos importante tener un
equipo u otro. Por ejemplo, si
realizamos coberturas deportivas,
como fútbol, será imprescindible tener
un equipo que nos proporcione rapidez
de disparo y de enfoque sin olvidar un
buen teleobjetivo.

Si solemos trabajar de noche, en lugares sin luz, necesitaremos un equipo que

nos permita trabajar con ISO alto y ópticas luminosas.

Las herramientas básicas de un fotoperiodista son: teléfono móvil, cuerpo de

cámara (con batería siempre cargada y de repuesto), óptica angular, teleobjetivo,
flash y varias tarjetas gráficas. Es muy importante tener un buen macuto; que
reparta el peso eficazmente, que nos resulte cómodo para cambiar de óptica con
rapidez y compartimentado-acolchado para proteger nuestro equipo.

Experimentación con arte cubista

Hablamos de cubismo, como de
impresionismo o de surrealismo,
en singular, cuando en realidad
bajo esos términos se encuentran
tantas variantes que sería más
apropiado utilizar el plural. Y si
vamos al detalle, hay más
diferencias entre dos
impresionistas como Monet y
Caillebotte, o entre dos
surrealistas como Masson y
Magritte que entre cualquiera de los cubistas de esta exposición. Con el cubismo,
particularmente, la historia del arte al uso ha elaborado una visión que poco tiene
que ver con lo que fue la realidad de su tiempo. El objetivo de esta exposición es
acercarnos a ella: reconstruir todos los frentes y el intrincado ir y venir entre ellos
que supuso la batalla del cubismo contra la pintura clásica. Y este es un propósito
que se logra con creces. Se propone también reivindicar para Juan Gris un papel
fundamental en ese combate. Un propósito al que su comisario, el catedrático de
Historia del Arte Eugenio Carmona, especialista en la materia, ha dedicado otros
empeños. Entre ellos, la exposición que ahora mismo se celebra en el Museo
Carmen Thyssen de Málaga con el título Juan Gris, María Blanchard y los
cubismos (1916-1927). Ciertamente, el ensanchamiento de la perspectiva sobre el
cubismo más allá de la figura de Picasso y el progresivo afianzamiento de Gris en
una posición central, se viene realizado en distintos ámbitos. Valga por lo que
valga el experimento, pruebe el lector a buscar en Wikipedia el término cubismo
en sus páginas correspondientes en francés, inglés, alemán e italiano. Al menos
en lo que se refiere a las ilustraciones, Gris (no Picasso) es omnipresente. Quizás
la cuestión sea que de Picasso no se puede aprender, sólo copiar. Y que Gris
abrió la experiencia cubista de forma que cada artista que se acercó pudo tomar
los rasgos que le convinieron.
La exposición ocupa cinco salas, en un recorrido cronológico. Desde la primera,
dedicada al Cubismo fundacional (1907-1914) a la última, denominada
Diseminaciones y derivas de la experiencia cubista (1919-1931). Esta narración
empieza pues en aquellos
años heroicos en que
Picasso y Braque
trabajaban literalmente
codo con codo. Braque lo
contó: «Vivíamos en
Montmartre, nos veíamos
cada día… Éramos como
dos montañeros atados
juntos con la misma
cuerda». Y Picasso lo decía
a su manera: «Éramos
como un matrimonio».
Inventar una forma de representación del espacio diferente de la que había
costado cinco siglos desarrollar, era una tarea que excedía a un solo individuo.
Sabemos que para ello recurrieron a soluciones tan extravagantes como pegar al
cuadro periódicos o papel pintado. Pero sus logros fascinaron hasta tal punto a
sus compañeros que pronto el cubismo se convirtió en una lengua franca, que
empleaban con su propio acento artistas muy diferentes. En esta muestra se hace
hincapié en su expansión latinoamericana. Primero entre artistas como Xul Solar,
Diego Rivera o Emilio Pettoruti y ya en la década de 1920, con Barradas y Rego
Monteiro. Y como coda radical, la propuesta estética de Torres García con su
Universalismo Constructivo. Pronto también, el cubismo ortogonal empezó a
diversificarse en formulaciones curvas, como en el Orfismo de Fernand Léger y los
Delaunay. Y luego en el
Purismocxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxmnn transparente de
Ozenfant.