SIGLO XX ¿TODAVÍA PODEMOS HABLAR DE ARTE?

Marta Donoso Ll., arq.

10 tecnologías avanzadas que
cambiarán el mundo

Estamos en la sociedad del conocimiento y

algunos grandes avances, nuevos inventos
y descubrimientos progresarán
exponencialmente.

1. Redes de sensores sin cables (Wireless

Sensor Networks)
2. Ingeniería inyectable de tejidos
(Injectable Tissue Engineering)
3. Nano-células solares (Nano Solar Cells)
4. Mecatrónica (Mechatronics)
5. Sistemas informáticos Grid (Grid
Computing)
6. Imágenes moleculares (Molecular
Imaging)
7. Litografía Nano-impresión (Nanoimprint
Lithography)
8. Software fiable (Software Assurance)
9. Glucomicas (Glycomics)
10. Criptografía Quantum (Quantum
Cryptography)
El siglo XX se caracterizó por los
avances de la tecnología; medicina y
siglo XX
ciencia en general; fin de la esclavitud
en los llamados países desarrollados;
liberación de la mujer en la mayor
parte de los países; pero también por
crisis y despotismos humanos, que
causaron efectos tales como las
Guerras Mundiales; el genocidio y el
etnocidio, las políticas de exclusión
social y la generalización del
desempleo y de la pobreza. Como
consecuencia, se profundizaron las
inequidades en cuanto al desarrollo
social, económico y tecnológico y en
cuanto a la distribución de la riqueza
entre los países, y las grandes
diferencias en la calidad de vida de los
habitantes de las distintas regiones
del mundo. En los últimos años del
siglo, especialmente a partir de 1989-
1991 con el derrumbe de los
regímenes colectivistas de Europa,
comenzó el fenómeno llamado
globalización o mundialización.
 PARÍS, MAYO 68
“Un pensamiento que se estanca es un
pensamiento que se pudre.”

“La sociedad es una flor carnívora.”

“La voluntad general contra la

voluntad del general.”

“Cambiar la vida. Transformar la

sociedad.”

“No es el hombre, es el mundo el

que se ha vuelto anormal (Artaud)”

“Sean realistas: pidan lo imposible”

El arte del Siglo XX se ve fuertemente
influenciado por la situación mundial política y
ARTE del Siglo XX
social del momento. Es un arte que no escapa
a la realidad, sino todo lo contrario, brota de
ella, como una forma de catarsis. Luego de la
Ilustración, que había creado un sentimiento
de confianza en el ser humano, la razón y la
ciencia, estos valores entraron en crisis. Las
dos guerras mundiales marcan un clima tenso
e inestable, lleno de horror y destrucción. La
crisis europea y la crisis de la bolsa
estadounidense en 1930 impactan en la
sociedad creando movimientos artísticos de
protesta. Es una época de profundos y
acelerados cambios, donde el progreso
científico y tecnológico deja avances
impensados como el automóvil, el avión, la
televisión, la llegada del hombre a la luna, etc.
Todo esto provoca un gran impacto en la
sociedad y surgen movimientos artísticos
como el futurismo. El crecimiento industrial y
la vida en las ciudades también dejaron su
Robert Rauschenberg
huella en el arte, por ejemplo en el arte pop.
Se pueden distinguir dos grandes movimientos
en el siglo XX: Las vanguardias y luego el Pilgrim 1950
arte postmoderno.
El término vanguardia procede de la palabra
francesa avant-garde, un término del léxico militar VANGUARDIAS
que designa a la parte más adelantada del
ejército, la que confrontará la «primera línea» de
avanzada en exploración y combate. En el terreno
artístico es la «primera línea» de creación, la
renovación radical en las formas y contenidos, los
cuales se sustituyen a las tendencias anteriores
mediante la confrontación.
Se manifiesta a través de varios movimientos
que desde planteamientos divergentes abordan
la renovación del arte, desplegando recursos
que quiebren o distorsionen los sistemas más
aceptados de representación o expresión
artística, en teatro, pintura, literatura, cine,
arquitectura, música, etc.
La característica primordial del vanguardismo es
la libertad de expresión, que se manifiesta
alterando la estructura de las obras, abordando
temas tabú y desordenando los parámetros
creativos: en poesía se rompe con la métrica y
cobran protagonismo aspectos hasta ahora
irrelevantes, como la tipografía; en arquitectura
se desecha la simetría para dar paso a la
asimetría; en pintura se rompe con las líneas, las
formas, los colores neutros y la perspectiva. Collage del gran Raoul Hassmann
Tendencias en el Arte del siglo XX
Las señoritas
de AVIGNON

Pablo Picasso
1907
En el cuadro priman dos aspectos: el
primitivismo y la disgregación espacial
El primitivismo se ve en el rostro de estas
mujeres y en el uso de la combinación de
El primitivismo de los rostros tiene una
doble vertiente: las dos figuras de la
derecha muestran una relación más clara
con la escultura negra, sobre todo de
corte oceánico, mientras que las dos
centrales y la de la
•izquierda nos llevan a la estatuaria
ibérica. El interés de Picasso en este tipo
de arte radica en el sentido totémico y las
ANALISIS
formas simplificadas. Picasso traduce una Para lograr plasmar la textura de máscaras en estos rostros, Picasso va
aproximación romántica hacia estas obras a introducir un nuevo elemento: la respiración en blanco, deja una
pues no se queda en los rasgos estilístico, zona en blanco, un límite entre dos colores sin pintar, de forma que se
hay un elemento de expresividad, en el ve el lienzo, pasando a convertirse el lienzo en elmento plástico en si
fondo estos rostros tienen algo de mismo. Esta herramienta le permite así introducir la sensación de
máscaras y como tal pasan a ser objeto profundidad utilizando el cuadro.
de culto, parte de un rito. Para Picasso el La disgregación espacial va a traer como consecuencia que el cuadro
arte primitivo es algo emocional, por eso deje de ser la narración de una historia y pase a ser la construcción de
traspasa los límites de la forma, estas objetos que se ofrecen a nosotros. La unidad del cuadro tiene que
máscaras nos producen una sensación de venir dada por el espectador, es nuestra mirada la que los reune y la
miedo, excitan el sentimiento y es el que le da sentido. Picasso introduce diferentes puntos de vista en
aspecto que a Picasso le interesa destacar atención a una composición autónoma respecto de la percepción
en este cuadro. En este primitivismo naturalista: la figura en cuclillas con el rostro completamente de
estaría recogiendo lo que de misterio y espalda y dada la vuelta es una postura anatómicamente imposible, la
salvaje encontramos en el arte oceánico. segunda figura de la izquierda, está tumbada y a la vez se la ha
colores: ocre-rosado y azul claro. levantado.
Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso pintado en los meses de
mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica ocurrido el 26
de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Español a. Fue realizado por encargo
del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español
durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la
atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
El retrato de la raya verde.
Matisse. 1905

Fauvismo.
Termino español para denominar el
estilo pictórico de características
expresionistas tales como el uso de
colores intensos, principalmente el
verde.

Buscan la fuerza expresiva del color

aplicando colores distintos a los que
pueden verse en la realidad, por
ejemplo, árboles amarillo limón o
rostros de color verde esmeralda.

En 1904, Henri Matisse (padre del

fovismo), pintó Lujo, Calma y
Voluptuosidad, considerada como la
obra síntesis del postimpresionismo,
manipulado en un ejercicio personal,
y virtualmente un manifiesto de lo
que sería el fovismo poco después.
La utilización subjetiva del color y la
simplificación del dibujo
sorprendieron a todos cuando fue
expuesto en el Salón de los
Independientes del Salón de otoño
de 1905.
La habitación roja
Henri MATISSE 1908
LA DANZA HENRI MATISSE 1910
La lección de música
Henri Matisse
 EXPRESIONISMO
El expresionismo en la
obra del noruego Edward
Munch, se evidencia en
sus representaciones del
miedo, la desesperación,
la sexualidad
atormentada, los celos y
la morbosidad. Todos
estos son temas que
Munch representó para
"liberarse a sí mismo de
los demonios". Aunque
el grito sea la expresión
pictórica de un
sentimiento de miedo
personal mientras
paseaba con un amigo,
Munch logra expresar en
este cuadro el
desfallecimiento del
hombre ante una realidad
cada vez más compleja y
confusa.
El grito de E. Munch
las manifestaciOnes dadá en
zúrich, de 1916 a 1918, se salían
de la literatura y alcanzaban
directamente la mOral y lOs
sentimientOs de lOs
espectadOres...........que iban de la
rabia a la estupefacciÓn...........lOs
cOntrariOs se unían y el amante
del arte que se escOndía en el
Hannah Höch (1889-
fOndO de cada hOmbre, se 1978), Dada-Puppen,
indignaba O experimentaba tanta 1916/1918
imbecilidad y tantO geniO.
(nOta.........hay frases que nO
alcanzan demasiadO sentidO perO
mantengO la frase de la traducciÓn Francis Picabia (1879-1953).
Alarm Clock I, illustration title
Original)...........reunidOs para un page of the journal Dada, no.
espectáculO artísticO.........para un 4-5

recital de pOemas.......lOs
espectadOres........llenOs de buena
vOluntad.......eran prOvocadOs a la
fuerza y ObligadOs a
estallar..........en escena se
gOlpeaban llaves y cajas para
hacer música hasta que el públicO
prOtestaba enlOquecidO.
http://evolucionarte2.blogspot.com/2009/02/dadaismo.html

Este movimiento
DADÁ “una obra de arte jamás es bella”DADÁ radical de
Esta nueva corriente vanguardia se
artística surge en 1916, manifestó
fundamentalmente
Características entre 1916 y 1925
principales: Esta corriente que
hizo frente al
El escándalo, la polémica status quo(el
y la provocación como estado de cosas)
revulsivo de todo juicio no tuvo un
intelectual o estético programa de
preconcebido; y, por otra acción creativa
parte, la reivindicación porque era en si
del azar y la dimensión mismo subversión,
irracional de la condición contestación que
humana, como negaba la creación
componente esencial de
artística: “una
la creación, que se
concibe como un obra de arte
descubrimiento, una jamás es
relación sorprendente
que antes no existía.
bella”
 Atacó contra
los 3 pilares del arte moderno:

1) la obra de arte como algo

sagrado;

2) El artista como
mediador y

3) La posición
privilegiada y relajada
de espectador.

De: Tristan TZARA, Siete Manifiestos DADA


pOr Tristan Tzara
Coja un periódico
Coja unas tijeras
Escoja en el periódico un artículo de la longitud
que cuenta darle a su poema
Recorte el artículo
Recorte en seguida con todo cuidado cada una
de las palabras que forman el artículo y métalas
en una bolsa
Agítela suavemente
Ahora saque cada recorte uno tras otro
Copie concienzudamente en el orden que hayan
salido de la bolsa
El poema se parecerá a usted
Y es usted un escritor infinitamente original y de
una sensibilidad hechizante, aunque
incomprendida del vulgo
•Ejemplo:
cuando los perros atraviesan el
aire en un diamante como las
ideas y el apéndice de la meninge
señala la hora de despertar
programa (el título es mío)
premios son ayer conviniendo en
seguida cuadros/apreciar el sueño
época de los ojos/pomposamente
que recitar el evangelio género se
oscurece/grupo el apoteosis
imaginar dice él fatalidad poder
de los colores/talló perchas
alelado la realidad un
encanto/espectador todos al
esfuerzo de la ya no es 10 a
12/durante divagación caracoleos
desciende presión/volver de locos
uno tras otro sillas sobre un
monstruosa aplastando el
escenario/celebrar pero sus 160
adeptos en paso en los puestos en
mi nacrado/fastuoso de tierra
plátanos sostuvo
esclarecerse/júbilo demandar
reunidos casi...
 …

La obra en cuestión era un

urinario que Duchamp había
comprado con Arensberg y
Stella. Lo tumbó y pintó el
nombre R. MUTT en él. R.
Mutt aludía por una parte al
Mott y a la tira cómica Mutt
and Jeff y por otra la R.
hacía referencia a Richard,
«monedero» en jerga
francesa.Lo envió a la
organización con los dos
dólares de la inscripción y el
título: Fuente. El objeto
Marcel causó mucho revuelo entre
algunos organizadores, que
Duchamp
consideraban que era una
broma o una indecencia. Se
FUENTE realizó una votación para
determinar si habría que
admitir el urinario en la
1916-17 exposición, que perdieron
sus defensores. Duchamp y
Arensberg dimitieron de la
junta. El urinario se expuso
en la galería de Stieglitz,
donde este la fotografió.
El Surrealismo (en Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro,
francés: surréalisme; por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de
sur [sobre, por cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es
encima] más un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la
réalisme [realismo]) razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
es un movimiento
artístico y literario SURREALISMO
surgido en Francia a
partir del dadaísmo,
en los años 1920, en
torno a la
personalidad del
poeta André Breton.

Buscaba descubrir
una verdad, con
escrituras
automáticas, sin
correcciones
racionales,
utilizando imágenes
para expresar sus
emociones, pero
que nunca seguían
un razonamiento
lógico.
La Persistencia de la memoria Salvador Dalí
SALVADOR DALÍ
"NIÑO MIRANDO EL NACIMIENTO DEL NUEVO HOMBRE"
TOREADOR HALUCINÓGENO
SALVADOR DALÍ
Chagall se inspiró en las
costumbres de la vida en
Bielorrusia e interpretó muchos
temas bíblicos, reflejando su
herencia judía.
La obra de Chagall está
conectada con diferentes
corrientes del arte moderno.
Formó parte de las vanguardias
parisinas que precedieron la
Primera Guerra Mundial. Sin
embargo, su obra se queda
siempre en los límites de estos
movimientos y tendencias,
incluyendo el Cubismo y el
Fauvismo. Estuvo muy conectado
con la Escuela de París y sus
exponentes, incluyendo Amadeo
Modigliani.
En sus obras abundan las
referencias a la su infancia/niñez,
aun al precio de evitar las
problemáticas experiencias que
después vivió. Comunica la
felicidad y el optimismo a
aquellos que las observan,
mediante intensos y vívidos
colores.
Yo y la aldea
Marc CHAGALL
1911
EL CUMPLEAÑOS, MARC CHAGALL
ABSTRACCIÓN
GEOMÉTRICA

estilo artístico que

enfatiza los aspectos
cromáticos, formales y
estructurales,
acentuándolos,
resaltando su valor y
fuerza expresiva, sin
tratar de imitar modelos
o formas naturales. El
arte abstracto deja de
considerar justificada la
necesidad de la
representación
figurativa y tiende a
sustituirla por un
lenguaje visual
autónomo. El arte
abstracto usa un
lenguaje visual de
forma, color y línea
para crear una
composición que puede
existir con
independencia de
referencias visuales del
mundo real. COMPOSICIÓN Piet Mondrian de Stijl
 FUTURISMO
Boccioni, Russolo y
Carrá en el Manifiesto de
los Pintores Futuristas de
1910, exigían con firmeza
un arte nuevo para un
mundo nuevo y se
oponían a cualquier
apego a las artes del
pasado. Las pinturas
futuristas probaban y
demostraban la posibilidad
de usar el arte como medio
para captar los aspectos
tanto plásticos como no
plásticos de un entorno que
era reconocido más como
dinámico que como
estático. “No queremos
representar la impresión
óptica o analítica, sino la FORMAS UNICAS EN LA CONTINUIDAD DEL ESPACIO
experiencia psíquica y Umberto Boccioni
total.” (Boccioni)
Giacomo Balla, Dinamismo de perro con correa
 El Expresionismo
abstracto es un movimiento
pictórico contemporáneo
dentro de la abstracción, en
concreto, las tendencias
informalistas y matéricas
posteriores a la Segund
Guerra Mundial. Surgió en
los años 1940 en Estados
Unidos y se difundió,
décadas después, por todo
el mundo.

Expresionismo abstracto
Una de las características
principales de los expresionistas
abstractos es la concepción de la
superficie de la pintura como all
over (cobertura de la superficie),
para significar un campo abierto
sin límites en la superficie del
cuadro: el espacio pictórico se
trata con frontalidad y no hay
jerarquía entre las distintas partes
de la tela.
Mark Rothko,
Orange and Yellow, 1956
 woman and bicycle
Willem de kooning
De Kooning había pintado mujeres con
regularidad a principios de los años
cuarenta, y de nuevo entre 1947 y
1949. Los formas biomórficas de sus
primeras abstracciones pueden
interpretarse como símbolos femeninos.
Pero no fue hasta 1950 que empezó a
explorar el tema de las mujeres de
forma exclusiva. Es la época de su
mayor creatividad artística. En verano
de ese año comienza la que sería su
serie más célebre, cuyo tema eran las
mujeres.

La serie "Women" no sólo se nutre de las

influencias del siglo XX mencionadas
anteriormente, sino también del arte antiguo,
tal como el de las pinturas rupestres de
Lascaux y la escultura de la Venus de
Villendorf. Estas pinturas no sólo fueron
escandalosas debido a su percibida hostilidad
contra las mujeres, que es objeto de debate,
sino también porque de Kooning se centró en
la figura humana en un momento en el cual el
dogma del mundo del arte elogiaba casi
exclusivamente la abstracción.
A partir de 1947
JacksonPollock evolucionó
hacia el expresionismo
abstracto, desarrollando la técnica
de la action-painting o
dripping, consistente en
derramar, dejar gotear o lanzar
pintura sobre lienzos sin tensar.
Mediante este método Pollock
realizó esquemas de formas
entrelazadas como se observa en
los ejemplos Full fathom five y
Lucifer.

Jackson Pollock: Number 8 1948

Se dice que el arte pop, surge
en parte como reacción al
expresionismo abstracto. También
es considerado como la evolución
del dadaísmo, por eso es llamado
también Neo-Dada o Nuevo POP
Realismo (en Europa). Los nuevos
artistas estaban en contra de ART
pintar puras cosas para las clases
altas, pues ellos decía que el arte
podía ser también de la clase
popular y para ello se podían
pintar objetos populares no solo
objetos inalcanzables o difíciles de
conocer. El Por Art, es también
consecuencia de la 2ª Guerra
Mundial, en la que Al resultar
victorioso Estados Unidos, se
incrementa el capitalismo, el
consumismo, y al mismo tiempo la
gente estaba muy afectada
psicológicamente, sentían un gran
vacío en sus vidas. Por eso es
que cosas tan triviales como las
latas por ejemplo, fueron del
agrado de algunos como obras
de arte.
 Soft Toilet
1966 (Pop Art) Claes Oldenburg

"Giant BLT (Bacon, Lettuce, and

Tomato Sandwich)" (1963)

Soft Viola,
2002
Claes Oldenburg and
Coosje van Bruggen
 Se pretende crear
El término Op-Art se efectos visuales tales
acuñó por un artículo como movimiento
publicado en 1964 por la aparente, vibración,
parpadeo o difuminación.
revista Time, sobre un
Usa los recursos de
grupo de artistas que líneas paralelas, tanto
pretendían crear rectas como sinuosas,
ilusiones ópticas en sus contrastes cromáticos
obras. marcados, ya sea poli o
bicromáticos, cambios
En 1965, el MoMA de forma y tamaño,
combinación y
organizó una exposición
repetición de formas y
llamada The Responsive figuras, entre otros
Eye en el cual varios recursos ópticos. Usa
artistas representantes también figuras
de este movimiento, Víctor VASARELY geométricas simples,
como Víctor Vasarely, como rectángulos,
Bridget Riley, Frank triángulos y
circunferencias en
Stella, Josef Albers,
tramados, combinaciones
Lawrence Poons, o formaciones complejas.
Kenneth Noland y En muchos casos el
Richard Anuszkiewicz; observador participa
mostraron sus obras, activamente
quedando moviéndose o
completamente definido desplazándose para
poder captar el efecto
este nuevo estilo.
óptico completamente.
Bridget Riley
El arte conceptual, también arte conceptual
conocido como idea art, es un
Flux Year Box 2, c.1966, a Flux
movimiento artístico en el que las box edited and produced by
ideas dentro de una obra son un George Maciunas
elemento más importante que el
objeto o el sentido por el que la
obra se creó. La idea de la obra
prevalece sobre sus aspectos
formales, y en muchos casos la
idea es la obra en sí misma,
quedando la resolución final de la
obra como mero soporte.

Fluxus
(palabra latina que significa flujo)
es un movimiento artístico de las
artes visuales pero también de la
música y la literatura. Tuvo su
momento más activo entre la
década de los sesenta y los
setenta del siglo XX. Se declaró
contra el objeto artístico tradicional
como mercancía y se proclamó a
sí mismo como el antiarte.
Fluxus fue informalmente
organizado en 1962 por George
Maciunas (1931-1978). Este
movimiento artístico tuvo
expresiones en Estados Unidos,
Europa y Japón. http://www.tract.it/images/afterflu.jpg
 "I like America and America likes me", Joseph Beuys.

Durante tres días Joseph Beuys convive con un coyote en la galería Block de Nueva York.
Beuys aterriza en avión en el aeropuerto de la ciudad y, desde allí, se traslada directamente a
la galería, totalmente envuelto en fieltro, sin poder observar nada de lo que lo rodea. Son
tiempos de la guerra de Vietnam. El artista alemán no desea pisar suelo de Estados Unidos
como una expresión de su repudio a la política belicista de la Casa Blanca. Una vez en la
galería, Beuys cohabita con el coyote en un recinto aislado por una malla metálica. Allí,
envuelto en fieltro, con guantes y un bastón, recorre las páginas de un periódico que se
extiende por el suelo. Mediante el desplegado papel, se constituye un espacio común de
observación recíproca entre el artista y el animal. Luego de las tres jornadas de un latir
compartido con el ser del bosque y los aullidos, Beuys regresa a Alemania arrebujado de vuelta
en fieltro, tal como había llegado. Durante su visita al suelo americano, no percibe edificios,
veloces enjambres humanos, o atildados curadores y críticos de arte. Su único acontecer es la
comunicación con la radiación libre de la vida que aúlla misteriosa.
HAPPENING
En los años 60, se manifestó en la que
entonces era la República Federal de
Alemania un movimiento cultural e Forget all the standard art forms—don’t paint
intelectual de carácter transgresor y pictures, don’t make poetry, don’t build
revolucionario, cuyos exponentes más architecture, don’t arrange dances, don’t write
carismáticos y comprometidos fueron plays, don’t compose music, don’t make
personalidades artísticas como Joseph movies, and above all don’t think you’ll get a
Beuys, Wolf Vostell y el artista de origen happening by putting all these together.
coreano Nam June Paik.
Los aspectos provocativos del Happening
y el ataque frontal contra los valores que
representaban el milagro económico
alemán de la posguerra apuntaban hacia
una agudización de la conciencia crítica
del público, evocando sensaciones y
vivencias desconocidas y marginadas.
Los Happenings crearon por su
motivación provocadora una expresión
artística crítica del orden establecido.
En el Happening 24 HORAS Wolf Vostell
se dedicó a lanzar 200 bombillas contra
una vidriera de plexiglás montada como
barrera entre él y el público, destrozó
juguetes bélicos a martillazos, y clavó
alfileres en trozos de carne cruda.
En muchas ocasiones, se malinterpretaba
y criticaba esa afición de los artistas por
darle a los bienes de consumo un carácter Allan Kaprow: How to Make a
ajeno a la realidad, considerando que se Happening
trataba de un despilfarro inútil. Audio CD (24:43 Minutes).
PERFORMANCE
Ceremonia de
pintura
Esta ceremonia se celebró
en público mientras veinte
músicos tocaban la
Sinfonía monótona de
Yves Klein, una sola
nota sostenida durante
diez minutos que se
alternaba con diez
minutos de silencio
mientras muchachas
embadurnadas con
pintura azul se tiraban
sobre un lienzo
extendido en el suelo.
“Lo esencial en la pintura
es ese algo, esa “goma
etérea", ese producto
intermediario que el artista
secreta con todo su ser
creativo, y que sólo él
tiene el poder de poner,
incrustar e impregnar en
la materia pictórica de la
pintura”
Una instalación artística es un género
INSTALACIÓN
de arte que comenzó a tomar un fuerte
impulso a partir de la década de 1970.
Las instalaciones incorporan cualquier
medio para crear una experiencia
visceral o conceptual en un ambiente
determinado. Los artistas de
instalaciones por lo general utilizan
directamente el espacio de las galerías
de arte.
Muchos encuentran los orígenes de este
movimiento en artistas como Marcel
Duchamp y el uso de objetos cotidianos
resignificados como obra artística, más
que la apreciación de la escultura
tradicional que se basa en el trabajo
artístico. La intención del artista es
primordial en cada instalación, debido a
su conexión con el arte conceptual de la
década de 1960, lo que nuevamente es
una separación de la escultura
tradicional que tiene su principal interés
en la forma.
Puede incluir cualquier medio, desde
materiales naturales hasta los más
nuevos medios de comunicación, tales
como video, sonido, computadoras e
internet, o inclusive energía pura como el
plasma.
La instalación trata de crear no tanto objetos, sino ambientes, entornos de vivencia estética, emotivas,
sensoriales, sensuales e intelectuales.

Se pretende excitar todos los sentidos, desde el oído al olfato (cualidades sensoriales o perceptivas), a las
emociones instintivas, sorpresa y miedo al juego de las pasiones puramente intelectuales que pueda
establecer cada espectador.

Los ready-made, la transgresión de materiales y técnicas convencionales son algunas de los elementos
característicos de las instalaciones.

INSTALACIONES
Los antecedentes y motivaciones que desembocan en las instalaciones actuales son muy variados.

Algunos de los antecedentes más señalados son:

-La tendencia escenográfica de las artes plásticas que apuntan hacia una revisión de los diferentes
movimientos artísticos dentro de la posmodernidad.

-La transgresión futurista y dadaísta del contexto específico de las artes hacia una apertura a escenarios
teatrales (en especial cabarés y cafés-teatro) y su ambiente provocador y bajo la consigna de hacer
prevalecer la vida sobre el arte y que después derivaría en experiencias diversas como el happening y los
performances en la estela del pop.

-La importancia creciente del montaje de las obras a exponer, tanto en las ferias internacionales, en las
ferias de arte y otros eventos relacionados con el mundo de la cultura y el arte.

- La necesidad de incorporar al fenómeno de las exposiciones de arte tradicionales la poética del

movimiento minimalista y la inserción de nuevos movimientos de expresión como el vídeo. la infografía,
los multimedia... http://www.artedehoy.com/html/revista/instalaciones.html
El Land art es una Land art
tendencia del arte
contemporáneo, que
utiliza el marco y los
materiales de la
naturaleza (madera,
tierra, piedras, arena,
rocas, etc.). Esta
expresión inglesa se ha
traducido también
como «arte de la
construcción del
paisaje» o «arte
terrestre».
Generalmente, las
obras se encuentran en
el exterior, expuestas a
los elementos, y
sometidas a la erosión
natural; así pues,
algunas
desaparecieron,
quedando de ellas sólo
el recuerdo fotográfico.
 HIPERREALISMO .

El hiperrealismo tiene un
origen en la tradición pictórica
estadounidense, favorable a la
literalidad del trampantojo,
como muestran los cuadros de
finales del siglo XIX de William
Harnett o John Haberle. En la
década de los 1920, los
pintores del precisionismo ya
trabajaron con la ayuda de
fotografías fielmente
reproducidas (como en el caso
de Charles Sheeler, pintor y
fotógrafo a la vez). Pero es
innegable que el arte pop
sigue siendo el precursor
inmediato del hiperrealismo,
pues toma la iconografía de lo
cotidiano, se mantiene fiel a la
distancia de su enfoque y
produce las mismas imágenes
neutras y estáticas.

http://artoday.wordpress.com/2009/03/29/semana-7/
AUDREY FLACK, Rich Art, 1972-73.
Lifeishard#2
10/06/2009
JUAN FRANCISCO CASAS
Quartet, 2006 RALPH GOINGS El fotorrealismo es un género dentro de la pintura
que se basa en hacer un cuadro a partir de una
Pigmented inkjet on rag paper
fotografía, considerada una variante del hiperrealismo.
Enrico Guarino - 2009 - 'Milky' - acrilico su tela 80 x 110cm
El hip hop es un movimiento artístico y
cultural que surgió en Estados Unidos a

Hip hop
finales de los años 1960 en las
comunidades afroamericanas y
latinoamericanas de barrios populares
neoyorquinos, donde desde el principio se
destacaron manifestaciones características
de los orígenes del hip hop; por ejemplo, la
música (funk, rap, Blues, DJing), el baile
(hustle, uprocking, lindy hop, popping,
locking) y la pintura (aerosol, bombing,
murals, political graffiti).

Afrika Bambaataa acuñó el término hip

hop, aunque años más tarde KRS One,
originario del Bronx, quiso unificar en
cuatro los elementos del hip hop: el
MCing (rapping), el DJing
(turntablism), el breakdancing
(bboying) y el graffiti. Hizo esto con la
idea de simplificar la definición de hip
hop, existen otras manifestaciones que
quedarían excluidas de esta clasificación,
como el beatbox, los murales, el
beatmakin o producción de fondos
musicales ('beats'), el popping, el locking
el uprocking etc. e incluso otras
manifestaciones no relacionadas con la
música, como el streetball (baloncesto
callejero).
 La unión de dos de los
elementos, el MC (Master of
ceremony) y el DJ (Disc
Jockey), conforman el estilo
musical del hip hop: el rap.
El bboying es el baile
popularmente conocido como
breakdance. La persona que
practica este baile se
denomina bboy, bgirl (fly girl).

El graffiti es la rama artística

(pictórica) de esta cultura
aplicada sobre superficies
urbanas. La estética de los
graffitis ha influido en la
historieta (como en las tiras
de The Boondocks) y en el
diseño de ropa, portadas de
discos y otros objetos.

Hay otros estilos de graffiti

que no tienen por qué formar
parte del graffiti en la cultura
hip hop. Son: radical &
political graffiti, street art &
post graffiti (o sea, graffiti
sobre política) y graffiti
generado por ordenador.
Al igual que la pintura del siglo XX, Bailarina, 1930 (detalle)
también la escultura se vio afectada Las características
por los principios teóricos de los más importantes de
nuevos “ismos" y por el deseo de esta escultura son:
encontrar nuevas fórmulas
escultóricas superadoras de los -la búsqueda de las
principios formales vigentes de la nuevas estructuras
antigüedad. También la escultura esenciales de las
manifiesta con sus cambios la figuras, humanas o
evolución política, económica y social animales,
del siglo XX. despersonalizándolas
para destacar la
naturaleza del
material. creación de
nuevas formas para
ESCULTURA conseguir una
estructura plástica casi
arquitectónica.

-experimentación con
el valor expresivo de
los nuevos materiales:
piedra, metal,
plásticos, que algunas
veces llegan incluso a
combinarse.

-la gran importancia

concedida al espacio,
PABLO GARGALLO al vacío.
Masque de Greta Garbo à la meche (1930).
Caja metafísica, de Jorge Oteiza
El panorama escultórico del siglo
XX es muy complejo. No resulta
fácil su sistematización y tampoco
es fácil clasificar a un artista dentro
de una determinada tendencia. Las
innovaciones plásticas del siglo XX
son de una audacia innegable. En
síntesis se podrían resumir en
varios principios:
-El hueco: crea formas como el
silencio en la obra musical
(Gargallo).
Henry Moore
Sus obras generalmente representan abstracciones de
la figura humana, como una madre con su hijo o figuras
reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan
el cuerpo femenino, a excepción de las realizadas
durante los años 1950, cuando esculpió grupos
familiares. Sus esculturas generalmente tienen
espacios vacíos. Algunos críticos consideran que las
formas onduladas de su obra fueron inspiradas por los
paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

-La deformación: constituye un

recurso tradicional del artista con el
que se descubren nuevas
posibilidades expresivas (Moore).

-La incorporación del espacio: la

escultura se funde con su contorno
(Pevsner).

-La abstracción: las formas sin

apoyo en la realidad han renovado
el lenguaje escultórico (Chillida).

-El movimiento: unión de la energía

y la forma en esculturas-máquinas
(Calder).
Black Sun Isamu Noguchi
ALEXANDER CALDER FLAMINGO
El peine de los
vientos es la obra
El peine de los vientos
más importante y EDUARDO CHILLIDA
popular del escultor
español y vasco
Eduardo Chillida.
Pertenece a un
estilo propio del
autor, mezcla de
informalismo,
minimalismo y
land art (estilo
practicado por
Christo). Fue
creado en el año
1977.
La obra es un
conjunto de tres
esculturas de
acero incrustadas
en las rocas del
mar. Éstas se
encuentran situadas
en el paseo de
Ondarreta de San
Sebastián, lugar
desde dónde se
pueden ver las olas
romper en ellas.
EDUARDO CHILLIDA
"Tulipanes", obra de Jeff Koons
Jeff Koons Top dog - Jeff Koons
estudió pintura en el
Instituto de Arte de
Chicago y en el Colegio de
Arte de Maryland.
Trabajó como corredor de
bolsa en Wall Street antes
de establecerse como
artista. Comenzó a
hacerse notar en la
década de los 80 y abrió
un taller con un personal
de 30 ayudantes
manejado de modo
similar al célebre estudio
de Andy Warhol conocido
como The Factory.
Koons fue quizás el
primer artista en utilizar
los servicios de una
agencia de publicidad
para promover su
imagen.
Su actividad escultórica,
tiene interés abstracto Duane Hanson
en un primer momento
aunque luego
abandona esta
tendencia por el
hiperrealismo. Su
técnica, caracterizada
por la creación de un
moldeado en el que
vierte resina de
poliéster reforzado con
fibra de vidrio para
después pintar y
adornar con accesorios
reales la estatua, se
centra en el tema de lo
banal y cotidiano,
creando un trabajo
donde la clase media
norteamericana ocupa
un lugar destacado a
través de la
representación de los
estereotipos más
conocidos, como el de
la ama de casa, el
jubilado, los
estudiantes, etc.
Duane Hanson
 RON
MUECK

Mask II, mixed media by Ron Mueck

El último alumbramiento del hiperrealista Ron

Mueck, escultor australiano afincado en el
Reino Unido, es un recién nacido de cinco
metros de largo al que ha bautizado "A Girl".
El Pastor
Noe Serrano

http://www.nachoacaso.es/blog/wp-content/gallery/art-madrid/14022009102.jpg
 http://www.ojosdepapel.com/Index.aspx?article=2654

Se atribuye a Walter Benjamin la frase según la cual el

analfabeto del futuro no será tanto el que no sabe escribir
como el que no sabe fotografía.
…la fotografía es
En sus inicios la fotografía policéntrica.
nace con un instinto Conviven distintas
notarial, trata de dar fe, con corrientes,
la máxima objetividad, de enfoques
aquello que retrata. Con el diferentes, en una
paso de los años y la misma disciplina.
llegada del siglo XX con De ahí que no
sus avances tecnológicos, pueda extrañar que
el papel del fotógrafo mientras
comienza a cobrar una numerosos
dimensión más amplia. La fotógrafos
mayor capacidad de control trabajaban para que
del sujeto sobre el objeto
fotográfico introduce la
fotografía la fotografía fuese
reconocida como
consideración artística en la una más de las
fotografía. bellas artes, otros
tantos se sintieran
atraídos por la
fotografía
documental.
MAN RAY
Man Ray
Man Ray
HENRI CARTIER-BRESSON
Henri Cartier-Bresson, Martine's Legs, 1968
White Angel
Breadline, San
Francisco

Dorothea Lange
1933
DOROTEA
LANGE

LOS AÑOS
DECISIVOS
ALEXANDER RODCHENKO
A 1948 gelatin silver print
of Pablo Picasso and
Françoise Gilot in France
by Robert Capa
V-J Day Kiss

a sailor kissing a
young woman on V-J
Day in Times Square
1945
Annie Leibovitz
 Muchos fotógrafos piensan que
si compran una cámara
fotográfica mejor podrán tomar
fotografías mejores. Una cámara
fotográfica mejor no hará nada si
no tienes la idea en tu cabeza o
en tu corazón.“

Arnold Newman
Nueva York, EEUU, 1918 - 2006
El Arte Digital Arte Digital
es una disciplina
creativa que
comprende obras en
las que se utilizan
elementos digitales en
el proceso de
producción o en su
exhibición.
En sus inicios, al
contrario del resto de
obras artísticas que se
manifestaban sobre
un soporte
analógico:(lienzo,
instrumento musical,
material escultórico...)
las obras de arte
digital se manifiestan
mediante soportes
digitales o al menos
tecnológicamente
avanzados http://kosmur.deviantart.com/art/assembler-79007314
.
Se llama historieta o
cómic a una serie de
dibujos que constituyen un
relato, con texto o sin él,
así como al libro o revista
que la contiene.
Considerada durante
mucho tiempo como un
subproducto cultural,
apenas digno de otro
análisis que no fuera el
sociológico, desde los años
60 del pasado siglo se
asiste a su reivindicación
artística de tal forma que
Morris y luego Francis
Lacassin han propuesto
considerarla como el
noveno arte, aunque en
realidad sea anterior a
aquellas disciplinas a las
que habitualmente se les
atribuyen las condiciones
de octavo (fotografía, de
1825) y séptimo (cine, de
1886).
COMICS
Edad de Oro (Golden Age)

La Edad de Oro de los comics es

un periodo que empezó a
finales de los años 30 y culmino
a mediados de los cincuentas.
Fue durante esta época que el
comic gozo de una enorme
popularidad y se creó el
concepto que ahora conocemos
como Superhéroe

En 1929 con la Gran Depresión,

generada por la caída de la
bolsa, la gente de Estados
Unidos se vio sumida en la
pobreza, las editoriales de
aquella época notaron la
nesecesidad de la gente por
entretenimiento que los hiciera
olvidar la cruda realidad. Y así
fue que nacieron unas revistas
con distintas historias, algunas
de terror, otras de humor y
algunas de fantasía.
Edad Moderna

La edad moderna de los

comics es un periodo en la
historia de los comics que
empezó a mediados de los
80’s continua hasta
nuestros días. Es un
periodo caracterizado por
sus historias oscuras y por
el aumento de la
complejidad en las
personalidades y relaciones
de los protagonistas. La
edad moderna también es
conocida como la edad
oscura, por la creciente
popularidad de historias
tipo Batman: The Dark
Knight Returns y
Watchmen, y como la edad
de diamante, por la
creciente difusión que
tienen los comics
Marta Donoso Ll., arq.