LICENCIATURA EN EDUCACION INFANTIL

GUIA DE APRECIACION DE LA

NOMBRE:

ELISA CHUQUIMARCA

TEMA:

APRECIACION DE LA PINTURA
PINTURA

FECHA: 18 de mayo del 2015

 Actividades de aprendizaje

Actividad de aprendizaje 1.1.

Planteamientos

Elabore un mapa conceptual sobre las definiciones: arte, estética, belleza, pintura, artesanía, tema y estilo.

ESTETICA: es la ciencia que
trata de la belleza y de la
teoría fundamental del arte.
ciertas características que la sociedad en general
considera como atractivas, deseables y bonitas.
Lee todo en: Definición de belleza - Qué es,
Significado y Concepto
http://definicion.de/belleza/#ixzz3aT4e2BzN
ARTESANIA: Son objetos artísticos de
significación cultural, realizados
manualmente o con máquinas movidas
con energía básicamente humana, en
forma individual por un artesano o
colectiva por una unidad productora de
artesanías.

ESTILO: Llamamos estilo a un conjunto de

Arte (del latín ars) es el rasgos o signos visuales que caracterizan a
concepto que engloba todas las una imagen, objeto u obra artística. El
creaciones realizadas por el ser estilo nunca debe considerarse como un
humano para expresar una DEFINICIONES concepto rígido, en el que se presenten
visión sensible acerca del todos y cada uno de los signos que le
mundo, ya sea real o caracterizan o distinguen, como todo
imaginario. Mediante recursos concepto clasificatorio es relativo, nunca
plásticos, lingüísticos o cerrado ni estricto.
sonoros, el arte permite
expresar ideas, emociones,
percepciones y sensaciones. PINTURA: es el arte que enseña a
TEMA: puede tener un simbolismo y
representar en una superficie plana
representación de valores universales cualquier objeto visible o imaginario, o a
como pueden ser religiosos, sugerirlo, por medio de la línea y del
color.
mitológicos, históricos, cotidianos,
paisajistas, bodegón, y retratos.
Realice un informe sobre el análisis de una pintura figurativa y una abstracta en base a los
Valores Estéticos Pintura Figurativa Pintura Abstracta

1. El primer paso para elaborar nuestro informe será averiguar acerca del tema:

Arte figurativo, figurativismo o arte representacional es el arte que, al contrario del arte
abstracto, se define por la representación de figuras, entendiendo éstas como objetos
identificables mediante imágenes reconocibles; bien sea procurando la verosimilitud (realismo
artístico), bien sea distorsionándolas de alguna forma: idealizándolas (idealismo artístico),
intensificando alguno de sus aspectos (caricatura, expresionismo), u optando por una u otra
forma de representación (arcaísmo, simbolismo, esquematismo, colosalismo, hieratismo,
detallismo, preciosismo, feísmo, etc.)

Monet pintando al borde de un bosque (1885

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que se

remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y
estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación
o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de
cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura
abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su
aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no
plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero
existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos,
paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como
objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma
estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone
una nueva realidad distinta a la natural.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y
tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones
(iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una
composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Diseño de Joan Miró para la portada de la revista Cavall fort

Los valores estéticos son los juicios de valores sobre la base de la

apariencia de un objeto, y las respuestas emocionales que provoca. Si
bien es complicado analizar objetivamente los valores estéticos, con
frecuencia se convierten en un importante herramienta para determinar
su valor general, las cosas que la gente ve como algo bueno tiende a
tener mayor atención, y constaran mucho más que los objetos, sin tomar
en cuenta el componente estético.
En una pintura figurativa podemos ver claramente las figuras. Las siluetas están
claramente delimitadas y no hay lugar a dudas: siempre vamos a saber si esa forma de la
izquierda es una persona o un edificio.

En una pintura abstracta, no tienen por qué existir figuras. Esto quiere decir que podemos
encontrarnos con un lienzo donde hay manchurrones de pintura por todos los lados y sin
ningún orden, mientras que en otra podríamos adivinar una cabeza humana (por poner un
ejemplo).

Y es que como en todas las cosas del arte, siempre hay un término medio: existen
diferentes niveles de abstracción. En el siglo XIX comenzaron con este tipo de
representaciones los artistas del Impresionismo; alargando y acortando las pinceladas
fueron distorsionando la realidad. De esta forma, para reconocer los nenúfares del Jardín de
Giverny de Monet, es necesario alejarnos del lienzo para que todas esas manchas de pintura
conformen la imagen de plantas acuáticas.
Análisis de una pintura figurativa y una abstracta en base a los Valores Estéticos

Pintura
Figurativa
Valores Estéticos
Tiene un propósito definido, es
decir la obra lleva un mensaje
Arte y Verdad sobreentendido consigo misma,
lo cual le acercará al espectador.
Abstracta
Refleja los sentimientos y
emociones del autor y su
principal idea es la de acercar al
espectador y crear en él una serie
de emociones y sensaciones
 La obra de arte no es sólo un
capricho del artista, sino que los
artistas piensan, sienten y
Valores Morales buscan reflejar los valores de su
época y de la sociedad a la que
pertenecen a través de sus obras.
Su belleza radica en el trazo
perfecto, en lo estilizado del
Belleza dibujo y en el uso apropiado del
color.
Las diferentes ramas del arte
Subjetivista figurativo permiten apreciar un
mismo tema desde varios puntos
(Observador Estético) de vista.
Aun a pesar de tener varias
formas de ser realizada una
Objetivista pintura figurativa ya sea un
retrato o un paisaje, siempre se
(Objeto Estético) lo va a poder identificar. Busca
satisfacer los sentidos a través de
la belleza.
Propone nuevas soluciones, e
incluso rompe con los ideales
estéticos y los valores de su
sociedad convirtiéndola en una
obra de protesta o de crítica
social.
La belleza del arte abstracto nace
en la rareza de su estilo, de la
imperfección en sus trazos o a su
vez del mensaje que genera en el
subconsciente del espectador.
El mensaje o idea principal del
arte abstracto y su interpretación
quedan a total y entera
interpretación del autor y del
espectador
El arte abstracto busca alcanzar
la belleza de un modo simple y
sin mayores complicaciones, su
objetivo es expresar las
emociones del autor a través del
color.
Actividad de aprendizaje 1.2.

Planteamiento

Analizar los temas técnicas y materiales de la Pintura de las Civilizaciones antiguas y Edad
Media.

TECNICAS Y MATERIALES DE LA PINTURA DE LAS CIVILIZACIONES ANTIGUAS Y EDAD MEDIA

TÉCNICAS

ACUARELA: es una de las técnicas más antiguas utilizadas por el hombre, estas pinturas se guardan
casi intactas debido a la sequedad del clima. La técnica de la acuarela era aplicada a la pared de
yeso o arcilla para dar color a los murales y también se aplica a relieves o grabados de los muros de
piedra de los templos.

Los egipcios decían que sus pinturas duren por mucho tiempo, ya sea aplicada a la pared de yeso o
arcilla para dar color a sus murales, se puede decir que los aglutinantes que se utilizaba con más
frecuencia era la goma arábiga, y esto también se debe al clima seco ya que si fuera húmedo ya
hubieran desaparecido.

Para la elaboración de las acuarelas se utiliza loa pigmentos conocidos, excepto los que contienen
plomo y el amarillo de Nápoles, es importante la utilización de pigmentos que crean efectos
trasparentes como es el carmesí de alizarina que produce efectos muy brillantes.

ENCAUSTICA: Esta antigua técnica consiste, en mezclar pigmentos secos con cera blanca de abejas
refinada y derretida, más un porcentaje de resina damar, se debe emplear una plancha o paleta
caliente y el soporte empleado puede ser cualquiera.

Las manipulaciones con pincel y espátula se pueden facilitar calentando y enfriando a la superficie.
Cuando la pintura se enfría ya no sufre más cambios.
La pintura encáustica se caracteriza por ser una de las técnicas más limpias; el material se puede
limpiar calentándolo y frotándolo.

EL TEMPLE: Se entiende por pintura al temple aquella que utiliza agua para disolver los colores y
que utiliza como aglutinante las emulsiones, que pueden ser: el huevo, la caseína, la cola, la cera,
la goma, una solución de glicerina o cualquier otra solución unida con el agua. Los colores se
amasan a mano y se mezclan con el aglutinante y el agua; la proporción varía según el aglutinante
y según el color. El temple al huevo no decolora, y es una de las técnicas más duradera en pintura;
seca rápidamente y sus colores se siguen manteniendo inalterables con el tiempo, brillantes y
vivos.

Es una técnica que se trabaja con finas capas de pintura y se debe utilizar bastante agua, pues, al
usar huevo la pintura tiende a secarse rápidamente y se hace más difícil de manejar con el pincel.
Para probar la calidad de la pintura se aplica una pincelada sobre un cristal y se deja secar. Si esta
pintura se puede quitar fácilmente del cristal con una espátula sin resquebrajarse, es que tiene la
justa cantidad de huevo, en caso de escamarse, es que falta yema de huevo.

Las capas que se aplican con esta técnica en el soporte deben ser traslúcidas y no opacas. Es una
técnica muy adecuada para artistas que prefieren un plan de trabajo minucioso y cuidadoso, más
que para los que prefieran un trabajo más espontáneo.
EL OLEO: Esta técnica empezó a difundirse desde Flandes al resto de Europa. Entre sus ventajas
destaca que era una técnica más sencilla de utilizar y menos elaborada en su proceso de
fabricación, esta técnica fue empleada con fines más bien decorativos que plásticos.

El óleo fue la técnica artística que mejor acogida tuvo en aquel momento, y aunque a veces, era
utilizada como técnica que se aplicaba al final, después de haber utilizado el temple, finalmente en
el s. XVI empezó a usarse como técnica pura.

CARACTERISTICAS DE LA TECNICA EL OLEO

 Su gran flexibilidad que permite que la pintura sea manipulada fácilmente produciendo
efectos distintos. Esta cualidad no se podía conseguir con el temple.
 La libertad que tiene el artista de crear empastes y veladuras.
 Que el colorido de los pigmentos no cambia al secar.
 La facilidad que tiene de graduar y fundir los colores y su lentitud en secar.

MATERIALES

BLANCO PLOMO: El blanco de plomo es el primer pigmento inorgánico enteramente sintético. Ha

sido el único blanco de calidad utilizado en pinturas de caballete en Europa hasta el siglo XIX,
cuando se restringió su fabricación y venta como pigmento para artistas, a causa de su toxicidad.
Su blancura era muy valorada, tenía el tono blanco más cálido de todos los blancos por su matiz
rojizo. También tenía una consistencia más pesada que otros, el pigmento es particularmente
denso y por ello no es recomendable utilizarlo en una pintura de consistencia suave. Seca más
rápido que otros blancos debido a la acción de absorción del pigmento de plomo sobre el aceite.

GOMA ARÁBIGA: Es el aglutinante y el adhesivo por excelencia de la pintura al soporte. También

aporta corporeidad a la pintura. Se necesita una cantidad aproximada para cada color de 50-60
gramos. La goma es la savia endurecida que producen ciertos árboles. Estas deben diluirse en agua
adoptando una forma gelatinosa.

La goma arábiga al igual que otras gomas como la de cerezo o Senegal, es bastante higroscópica,
es decir, son materias que tienden a absorber la humedad atmosférica. Las mejores variedades de
goma arábiga vienen de África.

La goma arábiga se utiliza como aglutinante en las acuarelas y en el temple, y como adhesivo y
apresto en la farmacia y la confitería.

GLICERINA: Impide el secado o endurecimiento de la pintura, también añade viscosidad a la

materia y facilita la unión del color a la superficie. Se necesita una cantidad aproximada de 40cc.

JARABE O HIDROMIEL: (agua y miel mezcladas en partes iguales): Se necesita una cantidad de
35cc. Aporta suavidad a la mezcla de la pintura y aumenta su solubilidad.

DEXTRINA: Permite hacer más manejables los pigmentos. Es opcional.

AROMATIZANTE: es opcional, se trata de añadir a la mezcla de la pintura una pequeña cantidad de

aceite de clavo que permite mejorar el color e impide que se produzca moho.

ACEITE DE LINAZA: aceite de linaza, el cual empezó a utilizarse con fines decorativos, pero al pasar
por varios procesos de purificación se convirtió en el diluyente.

MATERIALES DE LA TECNICA EL TEMPLE: el huevo, la caseína, la cola, la cera, la goma, una solución
de glicerina o cualquier otra solución unida con el agua. Los colores se amasan a mano y se
mezclan con el aglutinante y el agua; la proporción varía según el aglutinante y según el color.

MATERIALES DE LA TECNICA ENCÁUSTICA: se utiliza cera y resina, después se añadirá el pigmento

deseado en polvo muy fino.

Actividad de aprendizaje 1.3.

Planteamiento

Elabore un cuadro sinóptico de los estilos pictóricos: Renacimiento, Barroco

 ESTILOS PICTORICOS

RENACIMIENTO BARROCO

Barroco, además de un periodo de la

Es el movimiento cultural y artístico
iniciado en Italia en el siglo XV que
dirige sus ojos al clasicismo romano
y al hombre como centro de las
cosas, superada la tradición
teocéntrica medieval.
El estilo barroco surgió a principios historia del arte, fue un movimiento
El renacimiento es fruto de las
del siglo XVII y de Italia se irradió cultural que se extendió en la
ideas del humanismo que
hacia la mayor parte de Europa. literatura, la escultura, la pintura, la
determinaron una nueva
arquitectura, la danza y la música
concepción del hombre y del
mundo. desde el 1600 hasta 1750.

CARACTERISTICAS Se desarrollan nuevos géneros Nacido en Roma a partir de las formas

como los bodegones, paisajes, del “Cinquecento” renacentista,
retratos, cuadros de género o pronto se diversificó en varios estilos
 Pinturas con conceptos de volumen tridimensional. costumbristas, así como se paralelos, conforme lo iba adoptando
 La belleza idealizada en los desnudos. enriquece la iconografía de asunto y adaptando a su propia idiosincrasia
 Se introduce el tema del paisaje. (Naturalismo) religioso. cada país europeo.
 Abandono de la rigidez Gótica.
 Se introduce en las obras la mitología y la alegoría
 Tema religiosa con algo de profano.
Se divide en

Tres períodos:

Primitivo (1580-1630), Maduro o pleno (1630-1680) y Tardío (1680-1750)

PINTORES DEL ARTE DEL RENACIMIENTO

PINTORES DEL ARTE BARROCO

 Leonardo da Vinci (1452-1519), uno de los grandes genios de todos los Entre los más grandes pintores del
tiempos. período barroco se encuentran:
 Miguel Ángel (1475-1564) es la segunda, cronológicamente, gran figura. Se Caravaggio, Rembrandt, Rubens,
dedicó a la pintura de forma esporádica, a petición de algunos admiradores de Velázquez, Poussin, y Vermeer.
su obra, sobre todo el papa Julio II.
 Rafael Sanzio (1483-1520) completa la tríada de genios del Clasicismo. Su
estilo tuvo un enorme éxito y se puso de moda entre los poderosos. La pintura
de Rafael busca ante todo la grazia, o belleza equilibrada y serena.
Actividad de aprendizaje 1.4

Planteamiento

Elabore un informe sobre la Apreciación de los Valores Estéticos de una Pintura de los Estilos.
Romanticismo y Realismo.

ROMANTICISMO
Introducción
El surgimiento del romanticismo es inseparable del fracaso de los ideales neoclásicos. El nuevo
espíritu es el resultado de la tensión entre las aspiraciones del hombre a la unidad y armonía con el
universo y la imposibilidad de realizar sus ideales en el mundo. De ahí el desconsuelo, pero también
el titanismo romántico.
Principios fundamentales del arte
Nacimiento del sujeto
El arte romántico arrancó del fracaso del neoclasicismo en su intento de restituir la unidad del
mundo desarticulada por la irrupción de la subjetividad moderna, y configuró el dominio de lo
estético tal y como lo concebimos actualmente.
Definitivamente abolidas en lo metafísico y en lo político las viejas certezas de la religión y la
filosofía tradicionales, el hombre moderno quedó solo frente a un mundo caótico.
Así, el punto de partida del arte romántico sería siempre el sujeto, libre de toda imposición
externa, entregado a los fantasmas, terrores y obsesiones de su mundo interior.
Subjetividad romántica
De la valorización del sujeto nace la ruptura de los artistas románticos con las normas
uniformadoras impuestas por las academias y su orgulloso deseo de plasmar artísticamente su
interioridad.
A este orgullo de la propia individualidad corresponden el plano social la aparición del sentimiento
nacionalista y patriótico, con su particular valoración del arte autóctono.
Del orgullo de la propia individualidad procede, también, el culto romántico al genio, cuya
personalidad podía llegar a ser más importante que la obra misma, y la valoración del arte casi
exclusivamente por su originalidad.
Pero la reclusión del hombre moderno en su subjetividad, su alejamiento de la naturaleza, y de
Dios, fueron sentidos por el artista romántico como una mal, y vividos dolorosamente.
El deseo de fusión del individuo con el todo cósmico es el anhelo que transmiten la mayor parte de
las obras; la imposible realización del mismo confirió al romanticismo su carácter trágico.
Esta imposibilidad explica también la idealización y el gusto por otras épocas históricas u otras
latitudes, donde esa compenetración entre los subjetivo y lo cósmico parecía haberse realizado.
Así mismo, justificaba el culto romántico por la enfermedad, la locura o la muerte, estados en los
que esa reintegración del yo en el todo se producía, ya fuese transitoria o definitivamente.
Lo sublime romántico
El deseo de integración del artista en el todo se expresó plásticamente representando lo infinito en
la obra, ya fuese en su tema, ya mediante una sensualidad embriagadora o una composición que
se desarrollará ilimitadamente.
En todo ello influyó decisivamente el progresivo desplazamiento de la belleza como categoría
estética fundamental, en beneficio de lo sublime.
Frente a la belleza proporcionada y armónica, era sublime todo lo que, excediendo las
proporciones humanas, resultaba inconmensurable y provocaba una mezcla de terror y placer.
Lo sublime constituyó, pues, el origen de la estética romántica de lo oscuro, neblinoso, nocturno,
vago e informe, y la fórmula utilizada para representar lo suprasensible o lo absoluto.
Para el romántico, la obra de arte se convertía en la presencia de lo infinito en lo finito y, por tanto,
en manifestación de lo absoluto por delante de la verdad filosófica.
Originalidad de la obra, genialidad del artista y carácter absoluto del arte son algunas de las ideas
estéticas del romanticismo, cuya vigencia puede constatarse aún actualmente.

REALISMO E IMPRESIONISMO
Introducción
Junto a las diversas formas del romanticismo, durante el siglo XIX se desarrolló también un arte
realista.
Concebida como una reacción anti-romántica, el realismo tiene así mismo su origen en el sujeto
burgués, al que la revolución ha convertido en protagonista, aunque ahora en sus vertientes más
materialistas y pragmáticas.
El arte realista es una traducción perfecta del positivismo científico de la época.
Principios fundamentales del arte
Mentalidad realista
Los estilos artísticos denominados realismo e impresionismo obedecían a una misma voluntad de
reacción contra el Romanticismo, si bien retomaban alguno de sus motivos fundamentales.
Con el romanticismo los artistas habían aprendido a contemplar la naturaleza como algo sagrado,
convirtiéndola en protagonista de sus obras.
Por esta misma razón, la naturaleza romántica remitía siempre mas allá de sí misma a una
substrato invisible de la realidad que se identificaba con la misma subjetividad del artista.
El progreso de las ciencias naturales, propiciado por la misma concepción romántica y su reflejo en
la filosofía positiva, produciría un giro en el arte de finales del siglo XIX.
Para Auguste Comte, filósofo del positivismo, el saber humano debía renunciar al conocimiento de
las causas últimas y limitarse a estudiar la realidad tal y como se manifiesta a los sentidos.
Realismo impresionista
La reducción de la realidad a su manifestación sensible constituye también el fundamento de los
estilos realista, impresionista, y divisionista o puntillista.
La voluntad de artistas y escritores realistas consistía en presentar la realidad tal como aparecía,
renunciando a toda idealización, interpretación o indagación más allá del mero fenómeno.
Dicha voluntad fue llevada hasta sus últimas consecuencias por el impresionismo, cuya aspiración
estribaba en reproducir en la tela la impresión de la luz sobre nuestra retina.
En efecto, es el cerebro quién percibe los objetos, construyendo los mismos a partir de los datos
sensibles, enriquecidos por la imaginación y la memoria de anteriores experiencias.
Pero el realismo extremado de los impresionistas pretendió plasmar únicamente el conglomerado
caótico de sensaciones que el cerebro organiza posteriormente en la percepción.
Nuevos horizontes del realismo
La voluntad de plasmar tan solo las múltiples sensaciones de la percepción se manifestó
particularmente en las técnicas de puntillismo y el divisionismo, donde los objetos aparecían no tal
como son, sino como se ofrecen a la retina humana.
El descubrimiento de la fotografía contribuyó en un primer momento a estimular la vocación
realista de los artistas que realizaron su trabajo con la ayuda de material fotográfico.
Si embargo, el perfeccionamiento de la técnica fotográfica empujó a los artistas hacia nuevos
caminos, más allá de la mera imitación de la realidad visible.
En ello, así como en su organización, al margen de los círculos artísticos oficiales y su militancia
anti-tradicionalista, el impresionismo fue ya un precedente de las Vanguardias del siglo XX.

Pintura
Romanticismo
Valores Estéticos
Configuró el dominio de lo
estético tal y como lo conocemos
actualmente y con el
Arte y Verdad romanticismo los artistas habían
aprendido a contemplar la
naturaleza como algo sagrado,
convirtiéndola en protagonista
de sus obras.
La obra de arte no es sólo un
capricho del artista, sino que los
artistas piensan, sienten y
Valores Morales buscan reflejar los valores de su
época y de la sociedad a la que
pertenecen a través de sus obras.
Realismo
La voluntad de plasmar tan solo
las múltiples sensaciones de la
percepción se manifestó
particularmente en las técnicas
de puntillismo y el divisionismo,
donde los objetos aparecían no
tal como son, sino como se
ofrecen a la retina humana.
El arte realista es una traducción
perfecta del positivismo
científico de la época.
 Su belleza radica en la naturaleza
que es la protagonista en los
cuadros de esa época.
Belleza
El arte romántico arrancó del
fracaso del neoclasicismo en su
intento de restituir la unidad del
Subjetivista mundo desarticulada por la
irrupción de la subjetividad
(Observador Estético) moderna, y configuró el dominio
de lo estético tal y como lo
concebimos actualmente.
La diversidad de estilos pictóricos
habitualmente englobados
dentro del romanticismo resulta
Objetivista de una riqueza desconcertante.
Ello se debe a que el
(Objeto Estético)
romanticismo, mas que como un
estilo artístico, debe ser definido
como un estado del alma.
Los estilos artísticos
denominados realismo e
impresionismo obedecían a una
misma voluntad de reacción
contra el Romanticismo, si bien
retomaban alguno de sus
motivos fundamentales.
Concebida como una reacción
anti-romántica, el realismo tiene
así mismo su origen en el sujeto
burgués, al que la revolución ha
convertido en protagonista,
aunque ahora en sus vertientes
más materialistas y pragmáticas.
Los estilos artísticos
denominados realismo e
impresionismo obedecían a una
misma voluntad de reacción
contra el Romanticismo, si bien
retomaban alguno de sus
motivos fundamentales.