A mediados del siglo XVIII en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en la

arquitectura, la literatura y las artes conocido como clasicismo o neoclasicismo. El

clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en 1750 y termina
alrededor de1820.

Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música culta europea, pero
las primeras composiciones llamadas clásicas fueron las de este período. En la música no se
trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte greco romano, los pocos restos de
música griega y de tratados teóricos que quedaron no se consideran suficientes para
conocer como era aquella música realmente. La música del clasicismo evoluciona hacia un
extremo equilibrio entre armonía y melodía. Compositores muy famosos
sonHaydn, Mozart y el primer Beethoven (Beethoven supone un giro de tuerca en la
evolución de la música tonal, yendo cada vez más lejos del llamado centro tonal
(Enunciado por J.S.Bach). Es en este punto cuando empieza la época romántica en la
historia de la música)

Los instrumentos en el Neoclasicismo

Algunos instrumentos surgen en este periodo, como el piano-forte; el Arpeggione y el

clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco,
muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de
composición de la época. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya
existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da
gamba,clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd,
etc. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central
en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el
Romanticismo, con la aparición del pianoforte romántico.

La orquesta en el Neoclasicismo

Este es un periodo clave también para la orquesta porque aquí se configura claramente
la Orquesta Sinfónica como tal, por influencias mayormente de Mozart y Haydn. De
la orquesta de cámaraheredada del barroco, en donde se mantiene la sección de cuerdas,
aunque esta es ampliada en número. Se abandona la práctica del bajo continuo, y con ello el
clavecín en la orquesta. Así también queda claramente establecida la sección instrumentos
de madera (madera y metal es por la clase de boquilla de los instrumentos originales, no por
el material en sí del instrumento) a 2, esto es 2 flautas traveseras, 2 oboes, 2 clarinetes y 2
fagotes. Además de los de metal: 2 trompetas, entre 2 y 4 trompas y ocasionalmente 1
trombón.
L’orchestre de l’opéra, cuadro de Edgar Degas, 1870.

Desarrollo de la música clásica

Una de las figuras decisivas en la transición del barroco al Clasicismo musical fue el
compositor italiano Domenico Scarlatti. El estilo de sus obras era más cercano al
Clasicismo porque utilizaba estructuras claras, y melodías con acompañamientos cada vez
más comprensibles para el oyente. Otro compositor influyente fue Christoph Willibald
Gluck, quien restándole importancia a la improvisación de ornamentos, se focalizó en los
puntos demodulación y transición. La fase entre el Barroco y el Clasicismo fue llamada de
varias maneras como Rococó o estilo galante, pero se caracterizó en el paso de la textura
de polifonía compleja a melodías claras con acompañamientos sencillos y la creación de
estructuras formales bien definidas.

1750 a 1775

Para la década de 1750 los géneros instrumentales como sinfonía y concierto habían ganado
la suficiente fuerza como para ser interpretados independientemente de la música vocal y
tenían gran aceptación en las cortes. El compositor del momento era Joseph Haydn.
Además de escribir sinfonías de estructura claramente clásicas,
escribió sonatas para pianoforte, el nuevo instrumento de teclado que estaba surgiendo y
permitía mayores capacidades expresivas. Fue considerado también el “padre del cuarteto
de cuerdas“, probablemente porque sus obras para esta formación son de gran refinamiento
melódico y armónico. Esto contribuyó para que el cuarteto quede establecido hasta nuestros
días.

1775 a 1790
Un joven compositor comienza a revolucionar la ópera y el concierto; Wolfgang Amadeus
Mozart. Aunque se basó en los aportes de Haydn, Mozart prefería melodías más cantables,
al estilo italiano. Además en sus obras se aprecian más cromatismos y otras modificaciones
armónicas. En cuanto a la instrumentación, utiliza más variedad de instrumentos, en ricas
combinaciones tímbricas. En la década de 1780 surge Muzio Clementi y adquiere prestigio
con sus sonatas y estudios para piano. Este compositor incentivó la extensión de
la tesitura del instrumento, entre otras modificaciones que brindaron nuevas posibilidades.

Beethoven y el paso al Romanticismo

Durante el Clasicismo la vida musical sufrió numerosos cambios; se empezó a editar y

publicar partituras, los músicos hacían giras y la notación musical se volvió cada vez más
específica. Una nueva generación de compositores formada por Johann Nepomuk
Hummel, Luigi Cherubini y Ludwig van Beethoven comenzaron a cobrar importancia.
Complicaron cada vez más la sección de desarrollo y el piano ocupó un lugar central en sus
obras. También se complicaron los acompañamientos para crear texturas más ricas y la
armonía se volvió más flexible y elaborada. Beethoven fue el que produjo los cambios más
profundos en el estilo y por ello es considerado el responsable de la transición hacia
el periodo romántico. Sus principales aportes fueron las innovaciones armónicas, como el
uso de cuartas y quintas, y la búsqueda de una mayor expresividad. También fue un pionero
en cuanto a la orquestación de sus sinfonías, ya que utilizó muchos instrumentos que no
formaban parte de la orquesta y esto impulsó la ampliación de la misma.

Características estilísticas
En cuanto a la armonía no se producen cambios significativos porque las principales reglas
armónicas ya venían establecidas del periodo anterior. Pero si podemos observar grandes
cambios de textura; se utiliza un estilo más puro y equilibrado, generalmente melodía
acompañada y en ocasiones homofonía o polifonía vertical. Surge y se impone el bajo
Alberti (forma de acompañamiento en donde se van desplegando acordes). Esto sucede en
oposición al estilo barroco de sobrecargado estilo imitativo, que produjo
complejas fugas y canones. Recordemos que el ideal clásico es equilibrio y armonía. Cada
vez se utilizan más variedad de dinámicas y articulaciones, gracias al desarrollo de los
instrumentos. Las melodías se vuelven cantabiles y la forma musical adquiere particular
importancia. Es en este periodo cuando se definen claramente las estructuras en las que se
basa la música culta occidental casi hasta nuestros días; la sonata, la sinfonía y
elconcierto clásico.

El período clásico comprende desde la muerte de Sebastián Bach (1750) hasta

la primera década del siglo XIX. En él predomina el estilo rococó, delicado,
refinado y con un barniz aristocrático. Durante este período los compositores se
esmeraron en procurar la exactitud de la forma, la claridad de la escritura, la
precisión en lo emocional, pues el orden y la sensatez dominaban todas sus
creaciones.
La música instrumental logra un nuevo sentido y aparecen las nuevas formas de
las sonatas, de las sinfonías, de los conciertos y de los cuartetos de cuerda, llegando
éstos a adquirir predominio. Aunque la polifonía no fue abandonada por completo,
los compositores escribieron en estilo de contrapunto (combinación simultánea de
dos o más melodías), aún después de Bach y Haendel, pero concentraron su
creación en la homofonía (estilo que da preponderancia a una sola melodía con
su armonía; es opuesto a la polifonía).

En el período clásico de la música instrumental logró un nuevo sentido. Fue la época de las sonatas, de las sinfonías,
de los conciertos y de los instrumentos de cuerdas.

Joseph Haydn (1732-1809) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) fueron

los compositores más sobresalientes de este período, que llegó a su apogeo con
Ludwig van Beethoven ( 1770-1827).

La sinfonía como forma musical, tal como la conocemos hoy, tuvo su origen en un
grupo de compositores de la llamada escuela de Mannheim, ciudad de
Alemania, donde trabajaban y vivían todos ellos. Johann Wenzel Antón
Stamitz puede ser considerado el padre de la sinfonía. Nació el 17 de junio de 1717
en Deutschbrod (actualmente Havlíckúv Brod, República Checa) fue compositor,
director de orquesta y violinista, fundador de la 'Escuela de Mannheim' de
composición sinfónica y director de la orquesta de la corte de Mannheim. A pesar
de que su vida fue bastante breve (40 años), su producción fue extensa y de calidad.
Entre sus obras se pueden citar sinfonías, conciertos para violín, sonatas para
violín y para este instrumento y piano, una sonata en trío y muchas otras obras.
También fue un autor de los más reconocidos en el Clasicismo periodo que abarca
desde 1730 hasta 1820.
 En el marco de la evolución de los conjuntos instrumentales propios del Barroco hacia la orquesta clásica, la
aportación de Johann Stamitz constituye un referente indispensable.

Compuso alrededor de 50 sinfonías, que tuvieron gran importancia en la evolución

de esa forma musical. Joseph Haydn heredó de él el estilo y la forma de la sinfonía,
amplió su estructura, desarrolló la orquestación y cristalizó la llamada forma so-
nata, base de la sinfonía clásica, la sonata y el cuarteto de cuerda. La sinfonía
adquirió luego su máximo desarrollo con Mozart y Beethoven.

Los creadores de la sonata son los maestros Kuhnau y Doménico Scarlatti, pero un
hijo de Bach, Karl Philipp Emanuel, contribuyó a su difusión, publicando sus
primeras obras en ese estilo en 1742, y dos años después dio a conocer sus famosas
sonatas denominadas "Wurtemberg". Desarrolló también, un estilo refinado
conocido con el nombre de galante, estilo que se encuentra más adelante en la
música de Haydn, quien estudió sus obras y las utilizó de modelo.
Joseph Haydn fue el primer compositor que advirtió y concretó plenamente las
posibilidades de los cuartetos de cuerda. El logro de la individualidad de los
cuatro instrumentos, dos violines, viola y violoncelo, y la consagración de una
forma duradera para ellos, también se debe a Haydn.

En este período clásico también se desarrollan otras combinaciones musicales de

cámara. Están los tríos, los cuartetos, los quintetos para los diversos instrumentos
concertados. También sus compositores escriben obras religiosas en el antiguo
estilo polifónico y dentro de las antiguas normas eclesiásticas, como se ve en los
oratorios "La creación" y "Las estaciones", de Haydn; las misas de Haydn y
Mozart, el "Réquiem" de este último y la "Missa solemnis", de Beethoven.

Los instrumentos en el Clasicismo

El piano; el Arpeggion y el clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos
sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian y se adaptan
a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la época.
Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros
pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da
gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo
XX), bajón, laúd, etc. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que
pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos
solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo, con la aparición del
pianoforte romántico.

Periodo Clasico

Se le llama Clasicismo ya que intentó volver a las formas clásicas Griegas y Romanas,
como la belleza en la sencillez. O sea, que en lo simple está lo bello y no en perderse en el
laberinto de ornamentos del Barroco.

El Clasicismo se nutre de las ideas Renacentistas.

Se busca el equilibrio entre la estructura y la melodía.

Surgen movimientos mas sobrios auditivamente, no tan densos como en el barroco. La fua
desaparece casi por completo... Es retomada hacia el final del mismo en el Requiem de
Mozart y en las Sinfonías de Beethoven.

El bajo continuo se transforma. Los instrumentos y los instrumentistas estan mas

desarrollados, por lo tanto se pueden hacer obras más complejas de ensamblar.

Surgen en esta epoca dos instrumentos que enamoraron a los compositores: el clarinete y el
Forte piano (que luego evolucionará en el piano)

Lo clásico se caracteriza como una música que a pesar de ser compleja para el intérprete
tiene que sonar fácil.

En los conciertos para instrumento y orquesta empieza lo que se llama Cadenza. Que es un
segmento improvisado por los músicos inspirados en la obra.

Ya en 1814 el escritor Ernst Theodor Amadeus Hoffmann reconoció la originalidad e

integridad del lenguaje y observó que el nuevo arte de Haydn, Mozart y Beethoven tuvo sus
orígenes a mediados del siglo XVIII. Uno de los estilos más influyentes a partir de la
década de 1720 fue el rococó (o estilo galante), cultivado principalmente en Francia. El
llamado estilo expresivo (empfindsamer stil) surgió algo más tarde, y estuvo básicamente
asociado a los compositores alemanes. Ambos estilos se desarrollaron a partir de la práctica
difundida en el barroco de poner el mayor interés melódico en las voces exteriores. La
importancia de la voz del bajo disminuyó de forma radical, dado que su papel quedó
relegado al de mero soporte de la línea melódica principal en la voz superior. Rococó fue
un término utilizado, en un principio, para designar los elaborados ornamentos de
decoración e interiorismo cultivados en Francia durante el periodo de la Regencia. Galante
era el término popularmente utilizado para indicar lo moderno, inteligente y sofisticado. En
la música, el estilo del rococó siguió perteneciendo a la aristocracia, mientras que el estilo
expresivo lo era esencialmente de la clase media, transformando los afectos del barroco en
sentimientos individuales. Ambos lenguajes fueron absorbidos más adelante dentro del
estilo clásico.

Por lo tanto en el Clasicismo había predominio de la Melodía y la armonía servía de

acompañamiento.

La melodía se mantenía usualmente en una misma voz o de un instrumento en un

instrumento. Pocas veces se hacían melodías mezcladas entre varios instrumentos tal como
se usó en el Romantico

En la ópera, surge la comedia, historias que causan risa en el público, un compositor

destacado es Mozart. Donde cuenta la historia de Don Giovanni (Don Juan), un mujeriego
empedernido.

O todas las peripecias por las que pasa Fígaro en su boda, las infidelidades, etc. En las
bodas de Fígaro y no por eso se pierde la calidad musical, sino que busca una mayor fusión
entre la ópera y el teatro.

La cualidad fundamental en este periodo es el equilibrio, que distingue a todo arte clásico,
entre armonía y melodía, entre forma y expresión; el ajuste perfecto de todos los elementos,
físicos y espirituales, que integran el edificio sonoro. Razón, imaginación y sensibilidad se
enfrentan y complementan en un acuerdo perfecto.

Según afirma, con inmejorables aciertos, el compositor argentino Jorge D’Urbano: ...en
pleno siglo XVIII, en Viena, la ciudad más hermosa y musical de Europa, donde la escuela
clásica encuentra sus dos representantes más extraordinarios: Haydn y Mozart. Mucha
música se escribirá después, genios de talento infinito enriquecerán nuestra herencia
artística, pero ya nunca volverá a encontrarse el secreto mágico de ese equilibrio misterioso
que aureola la obra de estos dos titanes. El idioma lo impone el gusto del día, pero los
pensamientos corren debajo con fuerza arrolladora y nos llegan con la misma frescura y
encanto que tuvieron cuando fueron escritos sobre el pentagrama. Haydn y Mozart
representan uno de esos momentos cumbres en la historia de cualquier arte, donde, de
pronto, se cristaliza la perfección. Es inútil tratar de analizar, investigar o escudriñar, para
descubrir las líneas internas que la hacen posible. La casi increíble sabiduría que dan estas
dos obras, está elegantemente disfrazada con el manto más difícil de obtener: la
naturalidad. La música fluye sin descanso y sin violencias. Sabemos que la forma está
presente, que los materiales han sido medidos con escrupulosidad minuciosa, que los
instrumentos han sido tratados con un conocimiento de sus recursos que llega a lo inaudito.
Sabemos que detrás de este arte, en apariencia tan espontáneo, se esconde una maestría sin
par. Pero lo que anima es algo más que una técnica sin fallas; su inmaculada gracia supera
toda previsión. Es un hecho espiritual sin posible reedición.
Esta época estuvo marcada por otras artes como la escultura y la pintura como también por
la arquitectura y las artes decorativas quienes mostraron un especial desarrollo; a este estilo
se le llamó Neoclasicismo; floreció en Europa y Estados Unidos aproximadamente desde el
año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas. Más que un
resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con los
acontecidos en su propio tiempo. Los artistas neoclásicos fueron los primeros que
intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó (período anterior) por un
estilo lógico, de tono solemne y austero. Cuando los movimientos revolucionarios
establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos
republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la
democracia con la antigua Grecia y la República romana. Más tarde cuando Napoleón I
subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades
propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento romántico la prioridad por la
expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.

Criterios estéticos y estilísticos del clasicismo

En la música se suceden cambios en las grandes formas y, así, mientras desaparecen la suite
coral, el preludio, el concerto grosso, la fantasía, la antigua cantata, la tocatta y la fuga,
aparecen la sonata y la sinfonía, y se mantienen la variación y el oratorio. Se suprimen
también el bajo continuo y la armonía compleja. Ahora el estilo es homófono o vertical (no
contrapuntístico), la melodía es clara y sencilla y los ritmos no buscan el contraste sino que
son regulares y unitarios. Hay un claro predominio de la música instrumental frente a la
vocal. Sus máximos exponentes son Mozart (quien realizó "La flauta mágica"), Haydn ("La
creación") y Beethoven (nueve sinfonías, conciertos para piano y orquesta).

El clasicismo es esl estilo de la música culta europea desarrollado aproximadodamente entre 1750
y 1820 por compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn. Coincide con la época
cultural y artística (en la arquitectura y las demás artes) hoy denominada Neoclasicismo.

Tuvo sus grandes centros de difusión en Berlin, parís, Manheim y, sobretodo, Viena. Se caracteriza
por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonazlidad plena y el
establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto…)

Mientras que las restantes artes redescubrían y copiaban en esta época los antiguos modelos
grecoromanos, los muy escasos restos musicales conocidos de la música de la Antigüedad eran
insuficientes para basarse en ellos, por lo que el clásico es un estilo musical nuevo.

Por esta misma razón, la denominación música clásica nunca se uso para la música grecoromana,
prácticamente desconocida, y comenzó a ser utilizada por los romanticos para nombrar a la
música de la época que les preceedio, esta de la segunda mitad del siglo XVIII, luego, por
extensión, el nombre fue usado para toda la música culta occidental anterior al siglo XX.

El siglo XVIII fue el de la ilustración, y su estética se traslado al estilo musical: gusto por lo natural,
lo equilibrado y lo claro, rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la música barroca,
imitación de la naturaleza, en forma de estructuras simples y frases sismetricas similares a las de
la música folclórica, en la opera , verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e
integración intima del drama y la música.

Además el publico de la música culta se extendió de la vieja aristocracia a la pujante burguesía,

que compraba masivamente ediciones de partituras y llenaba los teatros de la opera y de
concierto lo que impulso a los compositores a acercar su estilo a lo popular . La difusión de la
música aumento y se internacionalizo, y con ella la fama de los compositores a acercar su estilo a
lo popular. La difusión de la música aumento y se internacionalizo, y con ella la fama de los
compositores mas destacados, de modo que el estilo se unifico en toda europa y los autores mas
conocidos hicieron frecuentes giras por las principales capitales del continente.

Las características principales de la música del clasicismo son lo más