“LECCIONES QUE DEBE SEGUIR ACTOR”

ALUMNA: LORELY H. JULIAN

ASIGNATURA: METODOS INTELECTUALES

PROFESOR: IVAN VIVANCO

CICLO: AI

TURNO: MAÑANA

2018
 En el inicio de este ensayo se hablara un poco de la vida del autor del libro que se

hablar. Richard Boleslavsky fue un actor e director cinematográfico y teatral. Nació el 9 de

febrero de 1889 en Debowa Góra, Polonia y murió el 17 de enero de 1937 en California, EEUU.

Fue discípulo de Stanislavsky en la cual el viajo a Estados Unidos donde dio conferencias sobre

el método Stanilavsky e introdujo el método en los Estados Unidos como a muchos de sus ex

alumnos, como Harold Clurman, Lee Strasberg, Stella Adler y John Garfield.

Pero la duda que se plantea aquí es si ¿los aportes de Boleslavsky contribuyen a la formación del

actor? , lo cual veremos a continuación.

Se comienza con la lección de la concentración afirma que es una parte fundamental del teatro

porque permite al actor dirigir toda la atención posible hacia un objetivo definido y continuar

tanto como uno desee. Por lo cual, permite al actor desarrollar como la observación, la fuerza de

voluntad, variedad en la expresión de emociones y la imaginación. Por ejemplo, una actriz tiene

que interpretar a una estatua y tiene que permanecer así por tres actos y cuando un espectador la

ve y se pregunta ¿cómo puede aguantar estar en esa posición? ¿no estará cansada? Y la cosa es

que, si lo está y su cuerpo se debe exigir demasiado, pero en su mente no está pensando en el

dolor que siente sino de cómo tiene que mantener su cuerpo en escena.

El actor no tiene un objeto de concentración, sino que temporalmente tiene su herramienta la

cual es el papel hasta que lo aprende y después su herramienta es el alma humana o en

emociones irreales.

Stanislavsky dijo, "El actor debe ser un observador atento no sólo en la escena, sino también en

la vida real. Debe concentrarse con todo su ser en lo que lo atrae; debe mirar un objeto, no como

un transeúnte distraído, sino con penetración, porque de lo contrario su método creador no

guardará relación con la verdad de la vida ni con su época."

En la segunda lección es " la memoria de la emoción", lo cual dice que es una memoria especial

para los sentimientos y que funciona atreves de los estímulos. Trabaja inconscientemente por sí

misma y para sí misma, es normal para los seres humanos.

El actor podrá evocar sentimientos reales atreves de las experiencias propias, aunque en si nos es

un trabajo fácil lo cual requiere tiempo, practica y entrenamiento vocal y físico para que si la

emoción fluya fácilmente.

Stanislavsky dijo: "No pensar en el sentimiento, sino solamente en lo que lo hace surgir, dentro

de las condiciones que originaron esa experiencia".

Pero a la vez no es de mucha ayuda, ósea que tiene tiempo limitado para cumplir su función; por

ejemplo; imaginar que la memoria emotiva sea como un vaso de agua, el actor al beber agua,

ósea los recuerdos vividos, una y otra y otra vez provocara que el vaso quede vacío. Esto quiere

decir que al usar un mismo recuerdo una y otra vez causara que el recuerdo ya no provoque el

sentimiento que tenía antes y cada vez que el actor intente recordar ese momento no sentirá nada.

En la tercera lección es "la Acción Dramática", es la acción primordial de la obra basada en

micro acciones entrelazadas entre sí para dar desarrollo a la obra. Se origina atreves de un

conflicto sea externo o interno referente al tema, aunque puede haber conflictos que pueden ser

ajenos a la acción dramática, pueden intervenir, pero no serán relevantes

El actor debe concordar con la " triple ley" que vendría ser las ideas del director, luego sus ideas

y finalmente tiene que juntar ambas ideas para así crear la acción dramática y también es

necesario analizar el texto para identificar el tema y así los acores encuentren el conflicto.

Stanislavsky dijo: "En la escena siempre hay que hacer algo. La acción, la actividad: he aquí el

cimiento del arte dramático, el arte del actor".

En la cuarta lección habla de la "Caracterización" relata que no importa si el actor está vestido

para el personaje, sin la caracterización no habrá ningún personaje en escena. La caracterización

es crear un alma humana con aspectos físicos, mentales y emocionales. En el aspecto físico, se

debe hacerse preguntas que implica la postura del cuerpo que vendría a ser el personaje, lo cual,

consigue atreves de la observación y se aplica al estudiar al personaje apropiadamente. En lo

mental, el actor debe pensar según la realidad del autor porque es el que piensa por el personaje.

Y finalmente en lo emocional, el actor tiene que hacer acciones emotivas verídicas donde puede

ajustar su interpretación según la naturalidad basándose en las razones del personaje.

En la quinta lección la "Observación" define que es una acción de observar o mirar a alguien con

mucha atención y detenimiento para adquirir un conocimiento sobre su comportamiento o sus

características, pero en si la observación no se origina no solo con la vista y la memoria sino con

las facultades.

Para el actor es importante esta lección para así desarrollar la memoria sensorial y muscular lo

cual facilita el trabajo de crear un personaje, tendrá una valorización total de distintas

personalidades y valores en las gentes y en las obras del arte y enriquece su vida interior por el

consumo amplio e intensivo de todas las cosas y acciones del exterior.

En la sexta y última lección el "Ritmo", explica que el ritmo son los cambios ordenados y

medidos de todos los elementos de una obra de arte lo que nos lleva a sus pasos a seguir que en

tener conocimiento, expresarlo al exterior y crear su propio ritmo o el de otros, la cual se emplea

dos preguntas: ¿Qué? Y ¿Cuál? Lo cual ambos se complementan. El ¿Qué? nos da entender que

es la ligera diferencia de los cambios que te abren la ventana hacia el ¿Cómo? causando

emoción y el ¿Cómo? es un abrir y cerrar de ojos sin límites por así decirlo.
El ritmo tiene como elementos el tono, el movimiento, la forma, la palabra, la acción y el color.

En conclusión, los aportes de Richard Boleslavsky a la formación del actor son efectivos porque

muestra en si como se debe formar un buen actor, plantea con muy buenos argumentos porque se

debe seguir estas lecciones, aunque algunos se podrán dudar de su validez, pero la mayoría

ayudara mucho a un actor novato.

REFERENCIAS

https://www.britannica.com/biography/Richard-Boleslavsky

https://sites.google.com/site/dramaoffline/blog/elmodelodeconstantinstanislavskielactorcomoarti

sta

https://sites.google.com/site/dramaoffline/blog/elmodelodeconstantinstanislavskielactorcomoarti

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