4 LA ESCULTURA GÓTICA

Tiene un desarrollo cronológico similar al de la arquitectura. La escultura monumental gótica aparece

concentrada en el exterior de la catedral, mientras el interior está casi privado de ella. A continuación vamos a
ver sus características principales.
D u r a n t e e l G ó t i c o s e p r o d u c e u n a h u m a n i z a c i ó n d e l a e s c u l t u r a y l a p i n t u r a , coherente
con el cambio de mentalidad que se inicia ahora.

4.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GÓTICA

• CRECIENTE NATURALISMO, lo que va a suponer la aparición de esculturas más
h u m a n a s , m á s r e a l e s . E s t o s e t r a d u c e e n f i g u r a s l l e n a s d e v i d a , c o n rasgos
individualizados, actitudes y gestos cada vez más realistas, con movimiento, comunicativas, expresivas.
Figuras que sienten, que reflejan sus sentimientos .A e s t o a y u d a u n canon esbelto (figuras
alargadas de acuerdo con la verticalidad gótica). Incluso se comienza a representar la belleza.
El realismo gestual s e a b r e p a s o , s o b r e t o d o , g r a c i a s a l a u t i l i z a c i ó n d e u n a
s o n r i s a m e d i o e s b o z a d a ( sonrisa gótica) , p o c o c o n s e g u i d a t o d a v í a d e s d e e l punto
de vista expresivo, un tanto bobalicona en realidad, pero que resulta muy característica.
• P r o g r e s i v a i n d e p e n d e n c i a d e l a e s c u l t u r a r e s p e c t o a l
m a r c o arquitectónico, lo que facilitará que las actitudes y los gestos sean más naturales y
más realistas. De este modo, alcanza un mayor volumen, mientras que en elR
ománico la escultura aparecía absolutamente sometida a la fachada.
• La TEMÁTICA sigue siendo FUNDAMENTALMENTE RELIGIOSA, aunque de más clara interpretación que en el
Románico: es ahora más narrativa que simbólica. Podemos diferenciar:
• Como temas destacados en la escultura monumental tenemos:
•se siguen representando en las portadas Cristos en majestad. S e h a convertido en un ser más
próximo a los hombres y a su sensibilidad , más humano que el Cristo románico.
•La mujer e x p e r i m e n t a u n a i m p o r t a n t e r e v a l o r i z a c i ó n : d e j a d e s e r símbolo del pecado para
convertirse en fuente de inspiración. Así, se repiten los temas marianos como la Asunción de la Virgen.
• Dentro de la escultura exenta, que vuelve a cobrar fuerza, hay dos motivos principales:
• la V i r g e n c o n e l N i ñ o : a h o r a s e n o s o f r e c e a M a r í a e n s u Aspecto maternal, n o c o m o
trono de Dios sino comunicándose con su hijo , a
lq u e m i r a y a c a r i c i a , c o n e l q u e d i a l o g a o j u e g a . A v e c e s i
n c l i n a graciosamente su cuerpo, pues el Niño ya no aparece en posición frontal en el centro de la imagen,
sino apoyándose en una pierna o sobre la cadera dela madre. Son figuras que emanan dulzura y
sensibilidad, siendo frecuente encontrarlas en el parteluz de las iglesias.
•Cristo crucificado: refleja toda la tragedia de la religiosidad, en la que se condensa todo el
sufrimiento de la pasión. De acuerdo con la sensibilidad gótica, Cristo c o m i e n z a a d a r m u e s t r a s d e
sufrimiento adquiriendo una dimensión más humana. El cuerpo se va quebrando por
e l d o l o r : para ello, los pies aparecen juntos y clavados con un solo clavo, facilitando el
movimiento de la cadera (por lo tanto, se sujeta a la cruz con tres clavos y no con cuatro como se hacía
durante el Románico). El peso del cuerpo se refleja en los brazos, que se disponen en diagonal;
está representado en el momento patético de la agonía. Se le notan los estigmas de la pasión.

• LOCALIZACIÓN:
•S e g u i r á n s i e n d o l a s portadas e l l u g a r e s e n c i a l p a r a l a d e c o r a c i ó n esculpida, sobre todo
durante el siglo XIII.
•Ya a partir del siglo XIV aparecerán nuevos géneros como el retablo, sepulcro y l a s
s i l l e r í a s d e c o r o , e n l o s q u e c o b r a r á e x t r a o r d i n a r i a importancia el relieve.
• Los MATERIALES son muy variados: piedra, mármol, alabastro, madera y hasta marfil.
• La escultura es generalmente POLICROMADA: el rostro y las manos de su color natural, el cabello
generalmente rubio, y los vestidos de vivos colores.
 4.2 LA PORTADA GÓTICA
Ya hemos apuntado la importancia que siguen teniendo las portadas como soporte dela escultura durante
el Gótico. Pero ahora ya no son una advertencia severa para los fieles, sino una invitación a
acceder a la gloria celestial presen te en el interior de los templos. La idea de salvación aparece
en el Cristo en Majestad o en la Virgen como
intermediaria y puerta del cielo. Podemos observar una clara evolución en la
configuración de las portadas respecto a las románicas:
• Se abre en arco apuntado, cuyo tipo varía según la época.
• El tímpano suele alojar figuras de gran tamaño que se adaptan mediante las
po s t u r a s m á s v a r i a d a s a l m a r c o . S e p u e d e d i v i d i r e n f r a n j a s h o r
i z o n t a l e s (registros), con distintas escenas, acentuando su carácter narrativo. Con el paso d e l
tiempo esta separación se va a ir rompiendo y se crea una cierta confusión
espacial. El tema del tímpano suele ser el
J u i c i o F i n a l o C r i s t o T r i u n f a n t e (resucitado y mostrando sus estigmas). También
en ocasiones aparece el tema de la Virgen.
• En las arquivoltas, ahora apuntadas y más finas que en el románico, las figuras e s c u l t ó r i c a s s e
d i s p o n e n s i g u i e n d o l a d i r e c c i ó n d e l a r c o . A l l í s e d e s p l i e g a n coros angélicos o los ancianos del
Apocalipsis.
• En las jambas se alzan figuras casi siempre de los Apóstoles.
• Las arquivoltas y jambas suelen apoyarse en repisas.
• Las estatuas sobre ellas colocadas suelen contar con remates individuales a modo de “techecillos” llamados
doseles.
• E n e l parteluz o mainel será característico que se sitúen las representaciones de Cristo o la
Virgen, en un gesto de proximidad al creyente por parte de un Dios que pretende ser ahora más
amable y humano. Aparecerán cubiertos también por un dosel.
• S o b r e l o s a r c o s d e l a s p o r t a d a s s e c o l o c a n l o s gabletes, molduras triangulare sque acentúan
la verticalidad (conforme avance el estilo se harán más grandes).
• También es frecuente la presencia de los rosetones o grandes vanos circulares de bellas tracerías
caladas, con vidrieras , que iluminan los pies del templo.

Las CATEDRALES FRANCESAS se encargarán de establecer durante los siglos XII y

XIII los rasgos básicos de las portadas góticas, imitadas después por casi to
d a Europa (Italia será la excepción):

NOMBRE: PORTADA DE LA VIRGEN DORADA

ESTILO: Gótico
CRONOLOGÍA: Siglo XIII
MATERIALES: Piedra
Técnica: esculpida.
Localización: Amiens (Francia).
Sigue el modelo típico de las portadas góticas, con la Virgen presidiendo el conjunto desde el parteluz. Las
figuras de esta portada anuncian, con su gracia de ge stos y flexible plegado de paños, el abandono definitivo de
los antiguos esquemas románicos, para insertarse en la nueva corriente de naturalidad y realismo.

NOMBRE: DETALLE DE LA PORTADA DE LA CATEDRAL DE REIMS

ESTILO: Gótico
CRONOLOGÍA: Siglo XIII
MATERIALES: Piedra
Técnica: esculpida.
Localización: Reims, Francia.
Corresponde a la e t a p a c l á s i c a d e l e s t i l o g ó t i c o , m o m e n t o e n q u e l a s e s c u l t u r a s s e i n d e pendizan
del marco arquitectónico y se mueven con naturalidad. S e a c e n t ú a l a expresividad disponiendo las figuras
en actitud de diálogo. Sobresalen dos parejas de figuras, realizadas por distintos maestros: la Anunciación
y la Visitación. A la izquierda queda la Anunciación, cuyos
plegados son, asimismo, modelo de la sencillez idealizada de la etapa clásica del gótico.
Sobresale especialmente el ángel, una de las sonrisas más hermosas de la Historia del
Arte,p r u e b a d e l n a t u r a l i s m o q u e c a r a c t e r i z a a l a e s c u l t u r a d e l m o m e n t o . A l a d e r e c h a
e s t á representada l a V i s i t a c i ó n , i n s p i r a d a , p r o b a b l e m e n t e , e n m o d e l o s d e l a a n t i g ü e d a d g r e c o -
romana, hecho que revelan los plegados más finos y las figuras de mayor v
o l u m e n , característicos del mundo clásico.

En ESPAÑA durante el SIGLO XIII las grandes realizaciones escultóricas van a

estar ligadas a catedrales como la de León, Burgos y Toledo. Las fruc
t í f e r a s relaciones de Castilla con Francia posibilitarán la llegada a nuestro país de un buen
n ú m e r o d e a r t i s t a s q u e , c o n s u p r e s e n c i a e j e r c i e r o n una marcada influencia
francesa.

NOMBRE: PÓRTICO DE EL SARMENTAL (CATEDRAL DE BURGOS)

ESTILO: Gótico
CRONOLOGÍA: Siglo XIII
Ténica: esculpida.
Materiales: piedra.
Lucalización fachada sur de la catedral de Burgos.
Obra de escultores franceses, es el testimonio más antiguo de la escultura gótica e
n l a Península. El tema es apocalíptico: en el tímpano tenemos una representación de
Cristo Doctor (mostrando la Palabra), rodeado del Tetramorfos y de los propios evangelistas (esta aparición
simultánea es original de Burgos). En el dintel los Apóstoles y en el parteluz la representación del o b i s p o M a u r i c i o ,
i n i c i a d o r d e l a c a t e d r a l . P o r l o t a n t o h a b l a m o s d e u n a iconografía todavía
románica. D e i g u a l f o r m a , a u n q u e l a s f i g u r a s t o d a v í a m u e s t r a n l a r i g i d e z y f r o n t a l i d a d
r o m á n i c a s , y a p r e s e n t a n u n a humanización g ó t i c a a l m o s t r a r r a s t o s d i f e r e n c i a d o s ,
r e l a c i o n á n d o s e e n t r e s í y d e s a r r o l l a n d o a c t i v i d a d e s c o n c r e t a s . H a y u n a hispanización en a l g u n a s
f iguras, com o las de los apóstoles del dintel, ya que ostentan f acciones populares, peinados
d e s c u i d a d o s y a t u e n d o s d e l a n a g r u e s a ( f r e n t e a l l u j o d e l a s v e s t i m e n t a s e n l a s catedrales
francesas).

Dentro de la escultura monumental podemos destacar también la VIRGEN BLANCADE LA CATEDRAL

DE LEÓN: situada en el parteluz, es un ejemplo de Virgen gótica, con rostro dulce y sonriente, que sujeta en
sus brazos a Jesús. En EXTREMADURA p o d e m o s s e ñ a l a r L a
P O R T A D A L A T E R A L D E L A CONCATEDRAL DE CÁCERES, frente al
Palacio Episcopal. Muy lejos de los ejemplos vistos en Francia o en otras partes de España, esta portada
es muy simple: ojival confinas arquivoltas, tímpano desnudo de adornos y con un parteluz en el
que está la imagen de la Virgen, ya que el templo está dedicado a Santa María.

4.3 LOS NUEVOS GÉNEROS: RETABLOS, SEPULCROS Y SILLERÍAS DE CORO

Sobre todo a partir del SIGLO XIV aparecerán nuevos géneros escultóricos que responden a
sentimientos religiosos cada vez más acordes con el gusto cortesano que s e i m p o n e : retablos, sepulcros y
s i l l e r í a s d e c o r o . E n t o d o s e l l o s cobrará extraordinaria importancia el relieve: irá ganando en
profundidad, al disponer los elementos en diferentes planos. El paisaje entra a formar parte de las
escenas, que se hacen acompañar de árboles o edificios. Muestra del interés por lo anecdótico.

P a r a l e l a m e n t e l a e s c u l t u r a e v o l u c i o n a h a c i a u n mayor naturalismo: s e c a p t a l o
anecdótico, los detalles menos trascendentes, se expresan los sentimientos. Esta evolución se
completa en el SIGLO XV: s e a c e n t ú a e l n a t u r a l i s m o q u e l l e g ó a d e s e m b o c a r e n
o c a s i o n e s e n a u t é n t i c o p a t e t i s m o . E n m u c h o s d e l o s r o s t r o s hace acto de presencia la
melancolía.

(A)RETABLOS
Irán cobrando importancia y haciéndose mayores. Son estructuras arquitectónicas que se colocan tras el altar
y están decorados con pinturas o esculturas, o ambas a la vez. E s t o s r e t a b l o s p u e d e n s e r d e
m a d e r a , p i e d r a o m e t a l , y s e d i v i d e n e n d i s t i n t o s compartimentos, con distintos
nombres: calles (son las franjas verticales) y cuerpos (las franjas horizontales). La parte inferior está
constituida por una tabla horizontal q u e o c u p a t o d a l a a n c h u r a d e l r e t a b l o , y q u e
r e c i b e e l n o m b r e d e “ banco” . L o s retablos están tratados con técnica narrativa: nos van contando
la historia a
travésd e l o s d i s t i n t o s c o m p a r t i m e n t o s . G e n e r a l m e n t e e n e l c o m p a r t i m e n t o s u p e r i o r s e e
sculpe el tema de la crucifixión.

P o d e m o s d e s t a c a r , y a a f i n a l e s d e l SIGLO XV, el R E T A B L O D E L A C A R T U J A D E MIRAFLORES

en Burgos. O b r a d e G i l d e S i l o é , a r t i s t a d o t a d o d e g r a n f a n t a s í a c r e a d o r a , q u e n o s e
s o m e t e a r e g l a s n i a c á n o n e s t r a d i c i o n a l e s . E s t e r e t a b l o e s l a obra que mejor
representa su modo de trabajar la madera, rompiendo con el típico esquema que antes hemos
descrito. Éste adopta una composición geométrica muy s i m p l e p r e s i d i d a p o r u n g r a n c í r c u l o
c e n t r a l ( a c o m p a ñ a d o d e o t r o s c í r c u l o s e n l o s ángulos, en clara alusión a la eucaristía);
pero la gran fantasía y decorativismo, así como la gran vitalidad de las figuras, acaba por
superar el esquema básico en una i n c o n t e n i b l e m a r e a d e f a s t u o s i d a d y e x o t i s m o . E n e l
c e n t r o d e l a c o m p o s i c i ó n s e encuentra Cristo crucificado sujeto por el Padre y por
el Espíritu Santo, alrededor los Padres de la Iglesia y escenas de la Pasión. Las figuras varía n de
tamaño en función de su emplazamiento e importancia.

(B) SEPULCROS
Preludian el futuro desarrollo que tendrá la escultura funeraria duran
t e e l Renacimiento y el Barroco (desarrollamos la escultura funeraria en el apartado de la
escultura española). Durante la Edad Media se produjo un acrecentamiento del
interés por la muerte, lo que va a ir ligado al deseo de algunos miembros de
l a nobleza y de la jerarquía eclesiástica de enterrarse en el interior de los monasterios,
iglesias o catedrales. A partir del siglo XIII se comienza a generalizar entre
l o s pertenecientes a estos estamentos un profundo deseo de autoafirmación, que hace que se
represente la propia efigie sobre el sepulcro. Se labrarán:
•exentos: como un túmulo, con la figura yacente sobre la tapa.
•a d o s a d o s a u n m u r o b a j o a r c o ( A R C O S O L I O ) , c o n m a y o r a c e n t o arquitectónico.

En la parte frontal del sepulcro podemos encontrar distintos temas: la Crucifixión, la Gloria de
Cristo en majestad, la Epifanía, el alma del difunto siendo transportada por los ángeles y la
liturgia del entierro. Podemos destacar dos ejemplos, ambas obras del
SIGLO XV:

NOMBRE: EL DONCEL DE SIGÜENZA

ESTILO: Gótico
CRONOLOGÍA: Siglo XV
Técnica: esculpida.
Materiales: piedra.
Localización: Sigüenza, Guadalajara.
Se trata del sepulcro de Don Martín Vázquez de Arce, conocido también como "el Doncel de S i g ü e n z a " .
Es la sepultura de un joven muerto durante la guerra de Granada en 1486. Se encuentra
e n u n a c a p i l l a d e l a c a t e d r a l d e S i g ü e n z a ( G u a d a l a j a r a ) . E l d i f u n t o n o a p a r e c e yacente sino
recostado sobre un haz de heno, como símbolo de la fugacidad de la vida como el verdor de los prados; y
leyendo un libro, posiblemente una de las actividades que debió practicar e n v i d a . A l o s p i e s , u n s i e r v o y u n l e ó n
a l u d e n a l a f i d e l i d a d . S u c o n d i c i ó n d e c a b a l l e r o e s patente por la cruz de la orden de Santiago, y por
la cota de malla y la armadura. Pero es un hombre amigo de las letras, como corresponde al ideal de caballero
humanista de finales del XV. El significado de la obra es claro: morir combatiendo el islam y ser caballero de una orden
militar eran dos motivos de gran honor en Castilla medieval. Martín Vázquez de Arce era, en cierto modo, un
mártir de la fe, un héroe. No hacía falta insistir en su valor, sobradamente demostrado c o n s u m u e r t e . Q u i z á p o r e l l o
l a f a m i l i a a p r o b ó u n r e t r a t o m á s s o s e g a d o , m á s m e l a n c ó l i c o también.

L a o t r a o b r a d e s t a c a b l e d e n t r o d e e s t e a p a r t a d o e s e l SEPULCRO DEL INFANTEDON

ALFONSO EN LA CARTUJA DE MIRAFLORES , o b r a d e G i l d e S i l o é . T u m b a encargada por
Isabel la Católica para su hermano, junto con las de sus padres que t a m b i é n e s t á n e n l a
Cartuja de Miraflores. Con ello la Reina Católica trataba
ded e m o s t r a r l a l e g i t i m i d a d e i m p o r t a n c i a d e s u e s t i r p e f r e n t e a l o s
e n e m i g o s q u e encontró en su ascenso al trono.

(C) SILLERÍAS DE CORO

Destinadas al Coro de Canónigos de cada catedral, las sillerías de coros españolas e s t á n
g e n e r a l m e n t e c o l o c a d a s e n e l c e n t r o d e l a n a v e c e n t r a l , c o n f o r m a d e “ U ” abierta hacia
el altar mayor (mientras que en Europa suelen disponerse en el ábside, abiertas hacia la nave central).
Sobre todo en la etapa final del gótico, se cubrirán con decoración esculpida en relieve. Podemos
destacar la SILLERÍA DEL CORO DE LA CATEDRAL DE TOLEDO.

5LA PINTURA GÓTICA

La pintura gótica refleja, al igual que la escultura, el cambio de mentalidad que seproduce durante esta época
y que provocará una humanización de las obras.

5.1 CARCTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA GÓTICA

• La progresiva disminución de los muros en la arquitectura gótica provocará laconsiguiente
disminución de la pintura mural. Donde antes había frescos ahora secolocarán grandes cristaleras
policromadas.Así, la pintura ha de buscar otros soportes (la madera) dando lugar a un crecimiento
de la pintura sobre tabla.
• También cambiará la técnica, predominando el temple (pigmento de colores, yhuevo). Tiene como
ventajas:
•empleo de pinceles muy finos, lo que permite definir bien las formasy plasmar minuciosos detalles.
•los colores resultantes, al utilizar huevo, son más brillantes y lentosde secar, lo que facilita los
modelados.
En ocasiones (a partir del siglo XV) se utilizará el óleo (pigmento y aceite de linoo de nueces), que
seca más despacio pero que permite un trabajo sosegado, quepuede interrumpirse siempre que se
quiera y que permite el repinte, la corrección.
• Localización: estas tablas, al desaparecer los muros, se concentran en los
altares conformando los retablos, que se convierten en el lugar más utilizado paradar cabida a la pintura.
• La temática seguirá siendo fundamentalmente religiosa, aunque los ejemplosprofanos irán
ganando terreno. Se repiten los temas mencionados en la escultura.
• Serán pinturas expresivas y naturalistas: transmiten sentimientos ysensaciones.
• Irán sustituyendo los fondos neutros por espacios reales, paisajísticos
fundamentalmente. Fondos reales necesarios para evocar un entorno de naturalidad y verosimilitud. Esta
sensación de espacio real se obtendrá por dos vías que sedesarrollan paralelas en la Historia de la Pintura: la
búsqueda de la perspectiva yel claroscuro.
• En algunas ocasiones se mantienen los fondos lisos dorados (con “panes deoro”), que junto a la
estilización y sinuosidad de las figuras provoca un ambiente deespiritualidad.
• En cuanto a la perspectiva, se realizarán experimentos para romper elplanismo pictórico del
Románico y recuperar la perspectiva:
•la perspectiva caballera (a vista de pájaro): se representan las figuraspor filas (pintura gótica
internacional). Consiste en la representación de laescena como si el pintor se hallase situado en
un punto de vista elevado (comoel de una persona que va a caballo), de modo que los objetos
supuestamente más próximos al espectador se disponen en la parte inferior del cuadro, como “en
primer término”, y sobre ellos se superponen en vertical los restantes, amedida que se les supone
 más alejados, escalando el cuadro hasta las partes más altas, donde corresponde dibujar la línea
del horizonte. Esta perspectivase utiliza sobre todo en la pintura gótica del periodo internacional.
•con varios puntos de fuga (pintura italiana desde fines del XIII).
• Se representa no solo el tema central, sino también lo accesorio, como animales,vegetales,
cerámica; y al igual que la escultura, tiene carácter narrativo.
Elcarácter cromático, naturalista y narrativo de la pintura gótica encuentran suexplicación en una
época preocupada por el mundo y el hombre, no solo por lareligión.

En cualquier caso, hay que tener en cuenta que estas características generalestendrán una distinta
evolución según la cronología y las zonas. Nosotros vamos adetenernos en analizar las dos escuelas
más destacadas del Gótico: los PrimitivosItalianos (primera mitad del siglo XIV) y los Primitivos
Flamencos (siglo XV).

5.2 LA PINTURA GÓTICA ITALIANA: LOS PRIMITIVOS ITALIANOS

La pintura gótica italiana tiene extraordinaria importancia, pues en torno a ella gira laevolución que
anuncia la llegada del Renacimiento.
Durante el SIGLO XIII, la pintura italiana mostraba todavía una clara influenciabizantina: fondos de
oro, personajes planos y repletos de espiritualidad y rígida simetría. Sin embargo hay pintores como
CIMABUE que paulatinamente sevan evolucionando hacia figuras más voluminosas y de rostros más
expresivos.
Ya en los primeros años del SIGLO XIV, época que los italianos denominan TRECENTO, surgieron una
serie de escuelas pictóricas en Italia como la de Siena y Florencia.

LA ESCUELA DE SIENA estaba todavía influida por la pintura bizantina, como sepuede comprobar en
la abundancia de dorados y los ojos almendrados de lasfiguras. Sus principales características son el
gusto por las líneas curvas ysinuosas, la riqueza cromática, la proliferación de figuras y la
representacióndel movimiento. Como pintores más importantes podemos destacar DUCCIO
DIBUONINSEGNA y SIMONE MARTINI.

LA MAESTÁ DE LA CATEDRAL DE SIENA, obra de Duccio. En esta tablarepresentará por una de sus
caras la Madonna rodeada de personajes y porotra escenas de la Pasión. Suavizó los contornos de las
figuras, peromantuvo el esplendor de sus colores y el gusto por los dorados que acentúanla sensación
de irrealidad en sus obras.

NOMBRE:ANUNCIACIÓN
AUTOR:Simone Martini
ESTILO: Italogótico
CRONOLOGÍA: 1333
TÉCNICA:Temple
SOPORTE: Tabla
LOCALIZACIÓN: Galería de los Uffizi (Florencia)
A la izquierda de la composición se encuentra el ángel, que es una figura etérea. Su vestidura sefunde
con el fondo. El color más acusado está en las alas y en la capa, que se arremolinaflotando en el aire,
con unos arabescos que lo emparentan con el estilo gótico internacional. Conla mano derecha señala
el cielo y nos recuerda que su mensaje es sobrenatural. María seencuentra en un trono que anuncia
su futura condición de reina del cielo. Ante la presencia delángel se muestra turbada y se recoge con
un gesto amanerado. Lo más característico de su obrason sus personajes, delgados y esbeltos, de
rasgos suaves y ojos almendrados. Predominan laslíneas curvas y sinuosas, propias de la ternura
expresiva de esta escuela. Trató de dotar deprofundidad a la escena, como demuestra la persencia
del jarrón del fondo en un segundo plano.

Sin embargo, en la ESCUELA FLORENTINA los artistas comenzaron a mostrar nuevas preocupaciones
que anuncian la llegada de una pintura diferente:
• la profundidad.
• la luz.
• el naturalismo.
• la representación de los estados anímicos.

GIOTTO
Es el máximo representante de la escuela florentina e iniciador de los principalescambios que aporta
esta escuela. Debió realizar su aprendizaje al lado de una granfigura de la pintura como fue Cimabue.
La obra de Giotto representó un punto deinflexión en el arte pictórico del gótico. Influido por los
preceptos franciscanos (quepropugnaban un retorno a los valores presentes en la naturaleza) impulsó
una humanización de las escenas religiosas. La introducción del paisaje como fondo,la corporeidad de
los personajes y la observación de la naturaleza son elementos que anuncian el Renacimiento.De
todos modos, Giotto mantuvo algunos elementos típicos de la escuelasienesa, como los ojos
almendrados y el uso del pan de oro en las aureolas de lasfiguras.Sus obras más interesantes se
encuentran en Asís, Padua (Capilla de los Scrovegni) yFlorencia.

NOMBRE: FRESCOS DE LA BASÍLICA DE SAN FRANCISCO DE ASÍS

AUTOR:Giotto
ESTILO: Italogótico
CRONOLOGÍA: 1304-1306
TÉCNICA:Fresco
SOPORTE: Muro
LOCALIZACIÓN: Basilica de San Francisco de Asís
FRANCISCO PREDICANDO A LOS PÁJAROS o LA MUERTE DE SAN FRANCISCO. En este trabajo
desterrará la influencia bizantina y sentará las bases para la posterior evolución de lapintura italiana
hacia el Renacimiento mediante la introducción de
tres grandes novedades:
•La representación del espacio, el paisaje, dando origen a los estudios de perspectiva.
•La representación de la figura humana conforme a estudios anatómicos, dotándo devolumen a las
figuras.
•Manifestación del estado de ánimo de los personajes mediante actitudes, gestos yexpresiones
que indican un pensamiento (naturalismo). Todo ello buscando laplasmación de la realidad.
•Los estudios del color en relación con la luz, creando así el tono cromático.

Estos aspectos técnicos e intelectuales de la pintura justifican que el Giotto sea considerado como el
padre de la pintura moderna, anticipando de esta forma el Renacimiento.

5.3 LA PINTURA GÓTICA EN FLANDES: LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS

La pintura del SIGLO XV en FLANDES no debe ser considerada como arterenacentista. Pero también
es difícil encuadrarla dentro del Gótico, ya que enmuchos aspectos se separa de la pintura de este
momento. Lo que sí podemosasegurar es que, junto con la aportación de Giotto, el avance más
importantehacia el Renacimiento será el que protagonicen los primitivos flamencos , ya
queprotagonizan una auténtica revolución , tanto por sus valores formales como porsus novedades
técnicas. Algunas características
peculiares que caracterizan lasobras de este grupo de pintores y que funden la tradición gótica con la
sensibilidadrenacentista son:
• La mayoría de las obras son de pequeño tamaño, más apropiadas por tantopara adornar estancias
hogareñas que templos o palacios. La burguesía mercantilen Flandes tenía un gran poder
económico, y encargaba y compraba cuadros deun formato adecuado para colgarlos en las
paredes de sus viviendas.
• Por ello, los temas no fueron predominantemente religiosos, como ocurrió en elresto de los países,
sino que irrumpió con fuerza elretrato.
• El material utilizado es latabla, como en los retablos góticos, pero se introduce latécnica delóleo
(pigmentos mezclados con aceite), que otorga brillo a los coloresy posibilita la minuciosidad de los
detalles al permitir añadir pinceladas minuciosasmediante el pincel afilado. Al secarse más
lentamente se pueden ir aplciandocapas de colores hasta conseguir el efecto deseado.
• Se trata de una pintura minuciosa y detallista: son concebidas para sercontempladas de cerca,
con lo que los pintores se recrean en la representación delos detalles más nimios.
• Se caracteriza por elnaturalismo: el enfoque cercano inclina a los pintores a larepresentación
veraz de la realidad. Aunque su prioridad no es la representaciónfidedigna de la realidad, ya que al
preferir la captación de todos los detalles,concede la misma importancia a un objeto, que a un
paisaje o a una persona.
• Presentan un profundoamor al paisaje: montañas, caminos que se alejan,prados verdes y
bosques. Cuando la escena es una habitación, el paisaje aparece,a través de una puerta o
ventana. El paisaje, que se había convertido en un temacasi ignorado por la pintura medieval, o
bien, en un tema muy secundario,comienza a adquirir una especial relevancia en estos momentos.
Generalmente, lalínea del horizonte se representa muy alta.
• Se deleitan en la reproducción de los objetos: no es infrecuente larepresentación de la
arquitectura, habitaciones, casas o calles, pero en general lospintores se detienen más en las
cosas pequeñas que llenan la vida cotidiana:objetos de vidrio o metal, monedas, mesas, telas.
Muchos temas religiosos seconciben como escenas burguesas, en un hogar plácido, con muebles,
alfombras,cuadros.
• Elespejoes un objeto que aparece en muchas obras flamencas y es empleadopara sugerir un
espacio que no puede ser pintado. Se trata de una innovadoravisión del espacio que tendrá gran
influencia en pintores posteriores comoVelázquez (Las Meninas, La Venus del espejo).En el
manejo de las luces y en la pasión por el paisaje Flandes anticipa valores de lapintura
renacentista, aunque todavía las formas estáticas , la escasa relación de las figuras (casi siempre
dispuestas frontalmente, hacia el espectador) y elpredominio de los detalles y las partes sobre el
conjunto nos sitúan en laúltima etapa del gótico.

JAN VAN EYCK

Es considerado el iniciador de la escuela flamenca. Su formación se desarrollo, casicon toda
seguridad, al lado de su hermano mayor Hubert, con el que pintó unaimponente obra:

NOMBRE: RETABLO DEL CORDERO MÍSTICO

AUTORES:Jan y Hubert Van Eyck
ESTILO: Gótico flamenco
CRONOLOGÍA: Siglo XV
TÉCNICA:Óleo
SOPORTE: Tabla
LOCALIZACIÓN: Iglesia de San Bavón de Gante
En la parte central del retablo se representa la adoración del Cordero Místico, símbolo de Cristo.En un
paisaje muy profundo aparece el Cordero rodeado de un coro de ángeles y hacia él sedirigen distintos
grupos de santos y santas. En el eje de la composición están los tres símbolosde la redención: la
paloma o espíritu Santo que dispensa la Gracia, el Cordero o Cristo, quemurió por la salvación de los
hombres, y la propia fuente de la Gracia. Sobre esta escenaaparece una iconografía poco habitual:
Dios Padre entronizado entre la Virgen y San JuanBautista. La representación minuciosa de los
detalles humaniza a las tres figuras, aunque el usodel dorado y la actitud hierática confieren a este
grupo un marcado carácter sagrado. En elinterior de las tablas que cierran el conjunto representan a
Adán y Eva, que asisten al misterioque salvará la humanidad del pecado original que ellos cometieron.
Desde el punto de vistaestético destacan la primorosa ejecución de los detalles y las texturas, la
representación analíticade los objetos y su asombroso dominio de la técnica.

NOMBRE: EL MATRIMONIO ARNOLFINI

AUTORES:Jan Van Eyck
ESTILO: Gótico flamenco
CRONOLOGÍA: 1434
TÉCNICA:Óleo
SOPORTE: Tabla: 84 x 57 cm
.LOCALIZACIÓN: National Gallery (Londres)
Aunque aparentemente pudiera ser considerado un cuadro costumbrista, en realidad hace galade una
indudable religiosidad, ya que plasma el sacramento del matrimonio entre los esposos Anolfini, una
pareja de burgueses. En el siglo XV no se necesitaba la participación de un sacerdote, pues con dos
testimonios era suficiente (de ahí que en el espejo aparezcan reflejadosdos personajes, que se
situarían en frente del matrimonio, uno de ellos el propio pintor). Elmarido levanta una mano en lo
que parece un gesto de aceptación de la mujer, que le ofrece sumano, apoyando su izquierda sobre el
vientre. Del hecho da fe como si de un notario se tratase,el propio pintor, con su cuadro y con su
firma, estampada encima del espejo cóncavo del fondode la habitación, y en la que dice
significativamente: “J. Eyck estuvo aquí”. Es más, como yahemos señalado, el propio pintor se
autorretrata en el espejo, con lo que además aprovechapara introducir la figura del autor en su propia
obra, contribuyendo a una mayor valoración delartista y de la importancia del arte, un detalle
realmente novedoso para la época. El espejo esademás símbolo de la pureza de la mujer que acude
virgen al matrimonio. En absoluto debeengañarnos el vientre aparentemente abultado de la esposa,
pues se trata de una imagencorriente en las pinturas de la época (véase la Eva del Tríptico del
Cordero Místico), y que debeentenderse como una iconografía habitual, que alude en la mujer a su
valoración universal comomadre. El carácter sacramental de la escena se simboliza en la vela
encendida de la lámpara,que alude a la llama sagrada de Cristo, a la luz de la fe, que parece así
bendecir la unión. En primer término un perro, símbolo de la fidelidad y en la ventana unas frutas,
símbolo de lainocencia original.
Destaca esta obra por el dominio de la perspectiva y la sensación de realismo, basado, por unlado, en
el efecto tridimensional generado por las líneas de fuga y, por otro, en la ubicación delespacio al
fondo. Dota así a la escena de una profundidad y un realismo desconocidos hastaentonces. Este
realismo, presente en todas sus obras, nos permite conocer el mundo en quevivió: un mundo urbano
y de comerciantes.

Otra obra de Van Eyck esLA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN.

ROGER VAN DER WEYDEN

En su obra se aprecia la influencia de Van Eyck. Se caracteriza por las composicionescuidadas y por la
tensión dramática y expresiva de las escenas de sus cuadros.

NOMBRE: EL DESCENDIMIENTO
AUTORES:Van der Weyden
ESTILO: Gótico flamenco
CRONOLOGÍA: Siglo XV
TÉCNICA:Óleo
SOPORTE: Tabla
LOCALIZACIÓN: Museo del Prado (Madrid)
Concebida como si se tratase de un grupo de escultura policromada en su encasamentoarquitectónico. La
composición es muy teatral. En el centro, Nicodemus desciende a Cristoayudado por un joven. A la derecha, la
Magdalena llora retorciéndose las manos y con laincurvación de su cuerpo, cierra el grupo. En el centro, el cuerpo
de Cristo contrasta con elcuerpo de la Virgen: él desnudo, ella vestida; el uno moribundo, la otra desmayada; Cristo
encolor frío (pálido), María en colores cálidos con magnífico manto azul; ambos con los brazosyertos. A la izquierda,
San Juan auxilia a la Virgen, y María de Cleofás y María Jacobi muestransu dolor, armonizando estas figuras con el
cromatismo de las indumentarias. En el suelo, lacalavera de Adán. La calidad técnica de esta obra es
verdaderamente inigualable. Gracias a ellaes posible discernir las diferentes calidades y materiales de los que están
hechos los ropajes.Los pliegues duros de las ropas definen una estética muy característica del mundo
flamenco(plegados flamencos).
HIERONYMUS VAN AEKEN BOSCH (EL BOSCO)
Es el más original de los pintores flamencos. El Bosco es un pintor fantasioso, deuna imaginación desbordante,
dotado de una gran capacidad crítica y una fina ironíay, cuyos cuadros son, en muchos casos, muy difíciles de
descifrar.

NOMBRE: TRÍPTICO DEL JARDÍN DE LAS DELICIAS

AUTORES:El Bosco
ESTILO: Gótico flamenco
CRONOLOGÍA: 1510 - 1515
TÉCNICA:Óleo (220 cm (alto) x 195 cm (tabla central) / 96,5 (laterales)
SOPORTE: Tabla
LOCALIZACIÓN: Museo del Prado
Representa tres escenas: el Paraíso en la tabla izquierda, el jardín de la lujuria o de lasdelicias en la central y el
Infierno en la derecha. La imagen del exterior plasma el mundo en el tercer día de su creación. Siguen siendo hoy
en día un jeroglífico de difícil resolución. A pesar dealgunas interpretaciones de naturaleza psicoanalítica, se cree
que en realidad las imágenes deEl Bosco están inspiradas en la iconografía de la cultura popular (lenguaje y
folclore) de suépoca.En la primera tabla, Dios crea a Eva en presencia de Adán en torno a la fuente de la vida, en
unambiente lleno de serenidad y equilibrio. En la central aparecen animales, monstruos, sereshíbridos, arquitecturas
ilusorias y fantásticas, plantas y personas desnudas contaminadas por elpecado de la lujuria. En el Infierno la nota
dominante es la oscuridad, en la que se recreanabominables seres extraídos de un mundo onírico y tenebroso
inspirado en la plástica medievalque en muchos sentidos, el autor se resiste abandonar. En él el vicio es cruelmente
castigadopor seres irreales y deformes. Con una finalidad moralizante se mezclan la realidad y el absurdo.Del
análisis de su obra se deduce su gran capacidad imaginativa y su desbordante fantasía.Incluso se puede afirmar
que el Bosco pudo constituir una importante fuente de inspiración parapintores surrealistas como Dalí. Por otra
parte, cabe destacar la buena delineación de los perfilesy estudios anatómicos de las figuras, en las que en todo
momento predomina el carácter expresivo.

5.3 LA PINTURA GÓTICA EN LA PENÍNSULA IBÉRICA

El hecho de que la arquitectura gótica signifique el triunfo del vano sobre el muro fueuno de los argumentos que hizo
que la pintura mural disminuyese en importancia ynúmero. Esto hará que también en España se trabajara poco
durante el gótico lapintura mural al fresco, prefiriéndose la tabla y olvidándose la tradición fresquistarománica, que
no recuperaremos ya nunca.
El SIGLO XIV se caracteriza por la penetración de la influencia italiana queestará presente sobre todo en el área
mediterránea. Cataluña es el foco en el queeste efecto es más intenso. FERRER BASSA
es el autor de las PINTURAS DE LA CAPILLA DE SAN MIGUEL enel claustro del monasterio de Pedralbes.
A MEDIADOS DEL SIGLO XV llegan a nuestro país las técnicas y el estilo de lapintura flamenca, así como un buen
número de obras de las diferentes escuelas dedicha procedencia, lo que facilitó un conocimiento más directo de las
mismas. Seproduce así el nacimiento de la PINTURA HISPANO-FLAMENCA, en la que no seproducirán cambios
temáticos (seguirá siendo eminentemente religiosa) sino que sedifundirá, en primer lugar, la utilización del óleo. Se
caracterizará por la minuciosidad, el colorido suntuoso, los pliegues en ángulo ylos retratosrealistas.

LLUIS DALMAU
Nacido en Valencia, se le considera iniciador del estilo Hispano-flamenco. Viajó hastaFlandes donde conoció a Van
Eyck, cuya obra inspiró claramente sus obrasposteriores.

NOMBRE: VIRGEN DELS CONSELLERS

AUTORES:Lluís Dalmau
ESTILO: Gótico hispanoflamenco
CRONOLOGÍA: 1443 - 1445
TÉCNICA:Óleo
SOPORTE: Tabla (3,11 x 3,11)
LOCALIZACIÓN: Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona)
Es su obra más importante en la que sigue fielmente la pintura de Van Eyck y su gusto por larepresentación de la
realidad. La composición y los tipos son absolutamente flamencos. LaVirgen, sentada en un trono de madera
magníficamente descrito, aparece rodeada por SantaEulalia (antigua patrona de Barcelona) y San Andrés, que
están presentando a los Consellers.Esta obra es de un gran valor artístico e histórico, por cuanto los personajes
arrodillados ante laVirgen son los cinco miembros del consejo ejecutivo del Consejo del Ciento (una de
lasinstituciones de gobierno catalanas) y aparecen, además, con sus propios rasgos fisonómicos,hecho sin
precedente en España hasta ese momento. Destaca también por el rico colorido(domina el color sobre el dibujo) y
por la lograda sensación de espacio mediante la perspectiva yel paisaje que se vislumbra a través de los
ventanales.

En Aragón destaca BARTOLOMÉ BERMEJO, aunque su origen era cordobés. Suobra maestra es, indudablemente,
SANTO DOMINGO DE SILOS. Otra obra suya es LA PIEDAD DEL ARCEDIANO DESPLÁ , donde se aprecia una
clara influenciaflamenca: la composición triangular, el plegado de las telas, y ese paisaje en el queincluso la iglesia
es del Norte de Europa. Pero, sin embargo, los tipos y, sobre todo,los rostros son recios y dramáticos retratos de
raigambre hispana. La imagen deldonante (el canónigo Desplá) constituye un magnífico retrato, verdadero anticipo
delas captaciones psicológicas de Velázquez o Goya.

En Castilla, la incidencia de la pintura flamenca alcanzó un alto grado de desarrollo,hecho que debió de propiciar el
intenso contacto que Castilla, como ya se comentóanteriormente, mantenía con Flances.

En Salamanca trabajó FERNANDO GALLEGO. Su pintura se caracteriza por lamelancolía, el dramatismo, el

patetismo y la fiel captación de la naturaleza. Entre susobras más importantes se encuentra LA PIEDAD O QUINTA
ANGUSTIA.

En EXTREMADURA el influjo flamenco se hace patente en el RETABLO DE SANTAMARÍA DE TRUJILLO y en la

CAPILLA DE SANTA BÁRBARA de la Catedral deBadajoz.