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Esta fina red de cordones que no-significan conectados uno tras otro pretende no narrar
no significado y percibir algo que no significa nada.
Vacuola de no significado.
Cuando uno está perdido puede, elocuentemente o no, formular nuevas preguntas, en
consecuencia, genera nuevas respuestas.
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Llegados a este punto me gustaría analizar la obra de un artista sonoro que se dedicó a
resolver la fórmula del alemán desde un prisma más compositivo en lo que hace
referencia al lenguaje de los sonidos: John Cage. La vertiente de Cage es un ápice más
espiritual, debido sobretodo a su interés por la cultura oriental, aunque eso no deja de
lado los aspectos más lúdicos de sus creaciones. John Cage fue uno de los promotores
del espíritu de vanguardia en América de Norte. Su influencia trascendió las fronteras
de Estados Unidos. La huella de Cage se propagó y estimuló en el arte occidental la
exploración de nuevas formas de sensibilidad. Influenciado por Varese, Ives, y el
budismo zen, Cage derrumbó los límites habituales de la experiencia musical. La
música suele relacionarse con la audición de la llamada música clásica culta o la
diversidad de los estilos musicales. Pero la música es esencialmente combinación de
sonidos. Pero la primacía de la forma compositiva trasciende la matriz sonora, material
y vibratoria que bulle como primer elemento de toda composición musical. Cage, como
el zen y el arte de los sonidos del futurista Luigi Rusuolo, valoró la trascendencia
esencial de cada sonido singular. La música no se restringe a los sonidos irradiados por
la variedad de los instrumentos musicales. Cada sonido que espontáneamente nace en
las corrientes vibratorias de la naturaleza o en la vida urbana es parte de una música
generalmente no percibida. Para transmitir ese estado de percepción, Cage apeló a
nuevas formas de composición nutridas por el azar y la espontaneidad, o la inclusión de
la presencia del silencio. En 1952 estrenó su composición legendaria 4’ 33”. Su
intérprete David Tudor “tocó” los tres movimientos(33”, 2’40” y 1’ 20”) mediante el
cierre sistemático de la tapa del piano y su apertura al final de cada movimiento. La
emisión de los sonidos para la cual se habían dado cita los espectadores no era para ser
oída, sino para ser musicalizada por éstos, sus movimientos, sus respiraciones, sus
incredulidades, sus desesperaciones, etcétera, todo estaba dispuesta para que los mismo
oyentes fueran instrumentalizado el concierto.
Por supuesto Cage no sólo se centro en los contenidos sonoros para sus presupuestos
musicales; y es en este punto donde se introduce otro factor en referencia a la disparidad
de disciplinas que se realizan para provocar una extensa situación de ingravidez
perceptual en el emisor-generador. La intermedia cumple los requisitos indispensables
que antes mencionábamos para capturar e incitar a la acción al público-actor. Es aquí
donde deseo ubicar la figura de Allan Kaprow integrante del grupo fluxus. Allan
Kaprow se inicia en el campo de la pintura. A partir de 1952 abandona el expresionismo
abstracto para pasar al collage, realizado con materiales diversos como papel de
periódico, fotografías, telas, comida...Más adelante realiza "ensamblages" de objetos
diversos, realizados para unos espacios determinados. Cada vez el espectador va
adquiriendo un papel más importante. Los primeros happenings de Allan Kaprow tienen
lugar en espacios fuera del circuito artístico: apartamentos, almacenes, gimnasios...
En 1970 pasó a llamarlos actividades. Sus obras se dedicaban a hacer perceptibles
pequeños gestos cotidianos y a involucrar a los participantes, creando una especie de
microeventos. Estos happenings o actividades eran de carácter lúdico y este es otro de
los aspectos que se destacan dentro del estudio de la interactividad, ya que la estructura
interactiva se acoge, como antes explicábamos a la participación es por eso que una
estrategia lúdica y divertida obtendrá mayores resultados de implicación.
Llegados a este punto convendría enfatizar el alineamiento entre el arte y los nuevos
medios, es decir la tecnología propiciando un salto más cualitativo en lo que se refiere
en la acción reacción del elemento interacción. Para ello nos centraremos en los setenta
y en el surgimiento de la tecnología y el consumo de la era de lo Pop. Las estrategias
capitalistas avanzaban abriendo mercados y generando industrias con los avances
tecnológicos, esto conllevaba una mayor implicación del consumidor en los medios de
participación para poder convencer a este de que el uso y disfrute de un producto
radicaría en él potencial de éste para poder manejarlo con facilidad y destreza. En el
mundo del arte se estaban consiguiendo grandes avances de acción-reacción es por eso
que se empieza a invertir y gestionar en los avances artísticos que significaban
interacción del espectador. Para gestar este tipo de propuestas se fraguaron diferentes
tipos de relaciones entre disciplinas de la ingeniería, el cine, la danza o la música. El
espectro audiovisual acababa de comenzar como baladí de las nuevas fuerzas modernas.
A muchos de estos investigadores se les cedió la técnica, estudios de televisión, salas de
cine, potapacks, etcétera. Fue así como se puso por primera vez en manos de artistas la
creación de un programas televisivo producido por WGBH y emitido en 1969. A Aldo
Tambellini, Thomas Tadlock, Allan Kaprow, James Seawright, Otto Piene y Paik se les
brindó la oportunidad de explorar y potenciar la creatividad dentro del medio televisivi-
audiovisual. Aunque sin lugar a dudas lo que indagaron más respecto al medio
videográfico y su promoción de la interactividad fueron los hermanos Vasulka que
construyeron su propio laboratorio, donde se consagrarón a la producción e interacción
de imágenes de video y sonido, con aparatos de fabricación propia. Pero la producción
audiovisual necesita de objetos o sujetos que escenifiquen un acontecer; hace falta la
teatralidad de la acción, la escenificación de los hechos expuestos para que elaboren una
conducta preformativa de aplicación interactuada en los sujetos-objetos-actores. Para
ello me refiero ahora a la provocación de la artista austriaca Valie Export. En 1967
Waltrud Lehner-Hollinger (Linz, Austria, 1940) decide convertirse en Valie Export. Dos
años después sale a la escena pública como marca registrada a través de un pastiche
publicitario, "Valie Export-Smart Export". Ya en esta obra temprana encontramos
algunas de las constantes de su obra, como son el tema de la identidad, el cuestionar los
medios de comunicación y su afán por destruir la imagen tradicional de la mujer como
objeto. Valie Export ha constituido durante tres décadas una figura de referencia en la
escena artística internacional. Su gran versatilidad le ha permitido alternar la creación
de performances, fotografías y films de ficción con películas experimentales, cine
expandido, videoinstalaciones, o discos. En sus comienzos estuvo ligada al proyecto
accionista vienés pero pronto pasó a confrontarlo con su compleja crítica feminista
sobre el cuerpo social y político. Toda su obra está impregnada de interés por el
psicoanálisis, el lenguaje y el vacío existente entre las representaciones mediáticas y la
realidad. Con gran audacia y cierto sentido del humor busca demostrar el sin sentido de
las identidades impuestas por los medios de masas y la tradición. En esta línea hay que
destacar una de sus obras más radicales: Tap and Touch Cinema, Expanded Movie,
1968, Viena. En esta acción la artista de Linz deambula por las calles de Viena con una
especie de caja hueca sujeta a su torso. Sus pechos están desnudos y lo que la artista
pretende es que el público varón intente tocar sus senos en la vía pública delante de
otras personas. Objetivo: una reacción pudorosa que consiga aniquilar la supuesta
superioridad masculina en lo referente a la sexualidad y la capacidad del varón en estos
asuntos. Entramos de lleno en aspectos que vehiculan este estudio a la interacción con
motivo o fines aleccionadores ejecutados por una vertiente política y de compromiso.
Para finalizar me gustaría referirme a este trabajo como algo en efervescencia, como
una percepción inacabada, imperfecta como las vacuola que en él se presentan una
acaba con la otra pero a la vez una genera a otra. Por esta razón me vinculo e este
método como posible receptáculo de mi futuro.
BIBLIOGRAFÍA