GUIA DEL

ILU
STRADOR
Publicado en Suecia por 21 Solutions AB.

Visita nuestro sitio web para saber más acerca de nuestros

emocionantes proyectos y promociones.

W W W.21 - DR AW.COM

Copyright © 2016, 21D Sweden AB.

Todos los derechos reservados. No se puede reproducir o transmitir ninguna
sección de este libro de ninguna forma o por ningún medio, electrónico
o mecánico, lo que incluye fotocopiar, grabar o utilizar un sistema de
almacenamiento y recuperación de información sin permiso por escrito del dueño
del copyright. Todos los pedidos se deben dirigir al editor.

Diseñado en los Estados Unidos por BookWiseDesign.com

Impreso en China

ISBN: 978-91-987991-0-1 Tapa dura, 978-91-987991-1-8  eBook

Este libro se pudo financiar gracias a una campaña Kickstarter

de octubre de 2015.
 CONTENIDOS
UNO C O N T E N I D O S B Á S I C O S 1

DOS D I B U J O D E F I G U R A S 7
TOM BANCROFT • BLEEDMAN
WARREN LOUW • REIQ • STEVE RUDE

TRES D I S E Ñ O D E P E R S O N A J E S 49
DAVE BARDIN • RANDY BISHOP
CHARLIE BOWATER • LOISH
LOOPYDAVE • RAUL TREVINO

C U AT R O P E R S P E C T I VA 10 3
CHAMBA • JAZZA • GERARDO SANDOVAL

C I N C O F O N D O S 127
LORENZO ETHERINGTON

SEIS COMPOSICIÓN 14 5
JAZZA

SIE TE D E T E X T O A A R T E 151
GENZOMAN • KIM JUNG GI • OTTO SCHMIDT

O C H O C O N O C E A L O S A R T I S TA S 16 3
Para Lisa, Sally y Sigsten
 AGRADECIMIENTOS
GRACIAS A: GRACIAS A TODOS LOS ARTISTAS:
Mohmmad Almutairi TOM BANCROFT
David Bardsley DAVE BARDIN
Issabella Brandywine RANDY BISHOP
Ian Brookings BLEEDMAN
Jonathan Cham CHARLIE BOWATER
Jenn Dahlen CHAMBA
Will DeSain LORENZO ETHERINGTON
Ayesha Drew GENZOMAN
Erik Franzon KIM JUNG GI
Chris Greene JAZZA
Ashley Hill LOISH
JUNE LOOPYDAVE
JV WARREN LOUW
Damon Kasberg REIQ
Yves Macasalabang STEVE RUDE
Anthony O'Reilly GERARDO SANDOVAL
Maria Rago OTTO SCHMIDT
Kim Schumacher RAUL TREVINO
Vivek Singh Sidhu
Anastasia Tircuit
Gracias por todo lo que se esforzaron para
Josh Tzue
lograr que este proyecto despegara. No podría
Branislav Velikic
haber sucedido sin su apoyo y su ayuda en darlo
Jimmy Vetayases
a conocer. ¡Fue un placer trabajar con todos
ustedes!
Un gran agradecimiento a todos los que
apoyaron la campaña Kickstarter. Este
Y UN ENORME AGRADECIMIENTO PARA:
proyecto no habría sido posible sin todo
su apoyo, sus aportes y su paciencia. ¡Tom Bancroft y Lorenzo Etherington por sus
consejos, su tiempo y su apoyo durante los últimos
OTRO AGRADECIMIENTO dos años!
ESPECIAL PARA:
Christopher Lok
Anna-Lucia Stone
INTRODUCCIÓN

¡G racias por comprar la Guía del ilustrador ! Las próximas

páginas se crearon para que puedas adentrarte en
las mentes de algunos de los artistas, ilustradores y
animadores de libros de comics más populares a nivel mundial
hoy en día. Te mostrarán sus métodos únicos para crear imágenes
sorprendentes y la forma en la que alcanzan sus propios objetivos
en el arte y el diseño. Se han esforzado considerablemente
en resumir sus largos años de capacitación y sus experiencias
profesionales en este único tomo.

Actualmente, el mayor problema con la mayoría de los libros que

te enseñan «cómo dibujar» es que solo hay un artista participante.
Solo te dan una opinión sobre cómo dibujar algo. En la Guía del
ilustrador, podrás comparar los métodos y las perspectivas de los
18 artistas más importantes de la industria de empresas como
Disney, Marvel, Dreamworks y otras. Aprenderás cómo encaran
conceptos tales como el dibujo de figuras, las perspectivas, el
diseño de personajes, la composición y muchísimo más.
 21 DRAW
CÓMO USAR ESTE LIBRO

T
ienes la libertad de leer este libro por completo de principio a fin o de tan solo
ojear las páginas al azar para ver algunas obras de arte impresionantes. También
puedes buscar áreas artísticas particulares que te interese explorar en la sección
de contenidos. Si te interesa saber más acerca de un artista específico, puedes ir
directo a sus páginas o biografía. También te pedimos que visites www.21-draw.com
o nuestro canal de YouTube donde iremos subiendo videos que complementan los
contenidos del libro.

Es importante resaltar todo el esfuerzo que conllevó mantener las palabras y acciones
propias de cada artista tan fieles como fue posible a lo que nos enviaron. Esto es
relevante porque te permite, como lector, entender el proceso exacto por el que pasa
cada artista cuando completa una imagen de principio a fin. Algunos artistas utilizan
bosquejos, líneas de proporción y otras guías mientras dibujan y otros empiezan con
líneas simples que ajustan al avanzar. En la mayoría de los casos, los artistas siguieron
los pedidos al pie de la letra, pero en algunos añadieron o minimizaron aspectos que
los hicieron hasta mejores que los pedidos originales. Cuando esto ocurrió, se eligió la
versión del artista por encima del pedido original.

Todos los hechos anteriormente nombrados hacen que este libro sea único
comparado con otros libros sobre «cómo dibujar». Pero este libro es único de
otra manera. En octubre de 2015, casi tres mil personas de 25 países diferentes se
reunieron en el sitio web de financiamiento colectivo Kickstarter y brindaron fondos
para lograr que este libro se imprimiera. Fue el segundo libro creado por 21 Draw. Este
primer libro también tuvo una campaña de financiamiento colectivo muy exitosa en
IndieGogo en mayo de 2014. ¡21 Draw te aplaude y agradece a todos y cada uno de los
que ayudaron a hacer posible este libro! ¡Que lo disfrutes!

21 DR AW
 UNO
CONTENIDOS BÁSICOS

1
 CR E A DO S P OR A R T I S TA S PA R A A R T I S TA S

E
ste libro está dedicado a quien sea que esté interesado en aprender ilustración,
desde novatos hasta profesionales que desean saber más acerca de una
habilidad o estilo específico. Un beneficio único de este libro es su gran variedad
de artistas que brinda un rango amplio de conocimientos y técnicas. Algunos de
los ilustradores de este libro son autodidactas mientras que otros se capacitaron
profesionalmente y varios son instructores de arte. Lo que comparten es un amor
por el dibujo, una devoción por el estudio continuo del arte y están de acuerdo en la
importancia de la práctica para alcanzar resultados y tener éxito.

Muchos de nuestros artistas compartieron el haber

comenzado a dibujar o a garabatear a una edad temprana.
Quizás tú también has estado dibujando por un largo
tiempo. Sin importar el nivel en el que estés comenzando,
preparémonos para seguir los tutoriales entrando en calor
con unos ejercicios de líneas simples. Puedes dibujarlas
usando papel o una tableta; utiliza lo que tengas disponible y
te sea cómodo.

Intenta hacer que tus trazos sean lo más parejos y rectos

posible. Trabaja en líneas verticales y horizontales además de
diagonales. Luego intenta añadir algunos puntos y practica
hacerlos en formas específicas además de espaciarlos lo más
uniforme que puedas. Otro buen ejercicio de calentamiento
es el dibujo de espirales. Puede ser un desafío mantener
la línea uniformemente espaciada y firme mientras vas en
espiral hacia el centro. Luego ve en sentido contrario y haz
la espiral hacia afuera partiendo del punto central. Puedes
experimentar con varios bolígrafos, lápices y pinceles para
descubrir más acerca de la calidad y el peso de la línea.

Dibujar estas formas simples puede ser engañoso en cuanto a

su dificultad: no es fácil trazar una línea recta con una presión
uniforme. Se dice que lo más difícil de dibujar es un círculo y
que es imposible dibujar un círculo perfecto a mano.

¿Por qué empezar con líneas y formas? Las líneas y los

círculos conforman la estructura básica de lo que sea que
desees dibujar. Cuando dominas la sorprendentemente
difícil tarea de dibujar líneas y formas simples, también
desarrollas destreza y coordinación entre manos y ojos.
Ambas habilidades son muy importantes para un artista, sin
importar el estilo o el medio que utilice. Una vez que estés a
gusto dibujando líneas y formas simples, puedes desafiarte
aún más practicándolas con mayor rapidez.

2 21-DRAW
CREACIÓN DE VOLUMEN
Una vez que entiendas el dibujo de formas simples, puedes empezar a
agregar iluminación y sombras para crear una sensación de volumen.
Los ilustradores desarrollan su propio estilo y proceso único para crear la
ilusión de dimensión en su trabajo artístico. A la derecha verás ejemplos
de sombreado de varios de nuestros artistas. Algunas sombras se logran
con trabajo de líneas, otras utilizando degradado o pintando con un color
más oscuro.

La clave es saber de dónde viene la luz y luego crear una renderización

coherente y precisa de las sombras. Los realces pueden ser colores
más claros que se agregan sobre uno más oscuro o la simple
ausencia de color o sombras en un área. Los artistas suelen
utilizar referencias visuales para este paso; puedes usar modelos
vivos o referencias de fotos. Muchos de los tutoriales en este
libro incluyen ejemplos de cómo agregar dimensión a tus
ilustraciones, junto con consejos para crear sombras o realces.

PROFUNDIZACIÓN DEL DIBUJO

Dibujamos el trabajo de calentamiento con líneas basándonos en ejercicios que
aparecen en Fundamentos de dibujo de Barrington Barber. El libro de Barber
está repleto de clases detalladas sobre cómo mejorar tus habilidades de
dibujo y lo recomendamos como referencia para seguir estudiando.

Otra técnica para mejorar la coordinación entre manos y ojos es dibujar sin
levantar el lápiz o mirar el papel; este método se llama dibujo de contorno
ciego. Tus dibujos pueden ser algo extraños al principio, pero luego la
práctica hará que mejores en gran medida tu habilidad para dibujar con la
mano lo que tus ojos ven en realidad. Este proceso también puede mejorar
la velocidad y la calidad de tu dibujo porque aprendes a confiar en que tu mano
interprete directamente lo que ven tus ojos sin necesidad de revisar tu trabajo tan seguido. El
dibujo de contorno ciego también se puede utilizar como calentamiento para que tu mente y
tu mano empiecen a trabajar en equipo. Este método y muchas otras prácticas se encuentran
en Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro de Betty Edwards. El libro de Edwards se
considera uno de los libros de aprendizaje de dibujo más utilizados en el mundo.

Aprender de otros artistas y practicar mucho te ayudarán a dibujar lo que tienes en frente,
pero también cualquier cosa que puedas imaginar. Una de las cualidades más impresionantes
que tienen los ilustradores profesionales va más allá de su habilidad de renderizar figuras y
formas realistas. Los ilustradores utilizan su imaginación para crear personajes y mundos que
otros disfrutarán. Todos los artistas de este libro tienen un talento de dibujo reconocido a nivel
mundial; muchos han estudiado dibujo del natural y anatomía humana por años, pero además
han trabajado en el desarrollo de su imaginación. No olvides buscar inspiración creativa
además de practicar tus habilidades. Nuestros artistas comparten lo que los inspira en sus
biografías (ver p. 163).

CONTENIDOS BÁSICOS 3
 ¿TRADICIONAL, DIGITAL O AMBAS?
En esta sección, nos concentramos en las herramientas
específicas que los ilustradores de este libro recomiendan y
utilizan en sus tutoriales. Muchos de nuestros artistas trabajan tanto
en medios tradicionales como digitales mientras que otros son 100 %
de la tinta al papel y otros son usuarios devotos de lo digital. Creemos que
la diversidad en su estilo y técnicas ofrece una comprensión mayor de las
herramientas utilizadas hoy en día por ilustradores profesionales.

Nuestros artistas comparten sus herramientas preferidas en sus

biografías (ver p. 163), así que puedes echarle un vistazo a la caja
de herramientas de cada artista mientras usas su tutorial. Es
importante saber que la mayoría de los principios se aplican tanto a
medios tradicionales como digitales. Por ejemplo, cuando aprendemos
de un artista que utiliza un lápiz de grafito suave, puedes utilizar el mismo lápiz
o probar con una configuración similar de lápiz digital que imite esa herramienta
tradicional.

Hasta los tradicionalistas más extremos no pueden desconectarse

totalmente de la tecnología; antes de una publicación se
necesita un escaneo de la ilustración en alta definición.
Este archivo debe tener un mínimo de 300 PPP (puntos por
pulgada) y no se debería ampliar el tamaño del escaneo
original. La ampliación de una imagen rasterizada agrega
píxeles, lo que crea una apariencia visiblemente pixelada en los
bordes del trabajo con líneas y colores contrastados.

HERRAMIENTAS TRADICIONALES DE DIBUJO

Estas herramientas tan utilizadas a lo largo del tiempo tienen algunas
ventajas importantes comparadas con las digitales: puedes llevarlas a
cualquier sitio, la mayoría son resistentes al agua, no necesitas sacarlas
de tu bolso en el aeropuerto y no son tan caras de reemplazar si las
pierdes. Algunas de las favoritas de nuestros artistas son:

LÁPICES: Lápices Prismacolor, Col-Erase también de Prismacolor

y lápices artísticos de grafito 2B–6B, HB. Los números y letras
son dos sistemas de puntuación diferentes que se diferencian
en las marcas producidas (mira los lápices azules a la derecha).
La H se refiere a la dureza (hard) de la mina; entre más alto sea el
número, más dura será la mina y más clara la marca. La B se refiere al
negro (blackness); entre más alto sea el número, más oscura será la marca.

BOLÍGRAFOS: Pincel de bolsillo Pentel, bolígrafo punta pincel Kuretake,

Tombow, Pentel Stylo, Sharpie y bolígrafos de colores como Copic
Markers. Muchos bolígrafos artísticos están disponibles con dos
puntas para crear líneas gruesas y finas y se venden de forma
individual o en juegos.

4 21-DRAW
PAPEL: Nuestros artistas no fueron tan específicos en cuanto a sus preferencias
de papel, pero aquí hay algunas opciones básicas de papel artístico. El papel
prensado en caliente es el papel a elegir para dibujos con bolígrafo y tinta,
mientras que el papel prensado en frío tiene más textura en su superficie y
suele ser mejor para el grafito y el carbón. Muchos artistas (hasta los que utilizan
medios digitales) eligen llevar un cuaderno de dibujo a todas partes para
practicar en cualquier momento y lugar cuando se presenta la oportunidad.
Los cuadernos de dibujo Moleskine son una gran elección y vienen en muchos
tamaños diferentes.

DIBUJO DIGITAL
Nada le gana al poder de Ctrl+Z (la tecla deshacer en una Mac) o a la agilidad de
trabajar en capas y guardar tu arte por etapas. Lo digital también está un paso
adelante de lo tradicional porque no requiere del escaneo a alta resolución. La
adopción del diseño digital también puede ser una elección ambiental ya que se
ahorra papel. El proceso de producción agilizado, la velocidad y la conveniencia
fueron las razones que dieron nuestros artistas para elegir lo digital.

EQUIPAMIENTO: Las tabletas Wacom son la opción más recomendada por los
ilustradores de este libro. La línea de tabletas creativas para lápiz Wacom incluye
una variedad de alternativas; www.Wacom.com.

PROGRAMAS: Varios de los artistas utilizan Manga Studio Pro para dibujar y
repasar con tinta, y luego llevan su arte a Photoshop para agregar color y
textura. Otra característica de lo digital es la habilidad
de personalizar y guardar tus pinceles.
Algunos de los artistas
comparten sus
ajustes de pinceles
en los tutoriales y
en sus sitios web.
Paintstorm Studio
y Corel Painter
también fueron
recomendados.

DÓNDE COMENZAR
Aunque puedas tomar este libro y empezar con cualquier sección, si eres nuevo en la
ilustración, el primer tutorial sobre dibujo de figuras de Tom Bancroft es un excelente
comienzo. Tom tiene más de 25 años de experiencia en la industria de la animación,
muchos de los cuales fueron para Walt Disney Feature Animation. Incluye algunos
excelentes consejos personales acerca de las herramientas del oficio, y luego te guía
por el uso de formas básicas para crear figuras. ¡Ahora empecemos a dibujar!

CONTENIDOS BÁSICOS 5
 DOS
DIBUJO DE FIGURAS
TOM BANCROFT • BLEEDMAN
WARREN LOUW • REIQ • STEVE RUDE

7
 DI S EÑO DE UN HÉR OE M A S C UL INO E S T IL O A NIM A DO

CON TOM BANCROFT prestan excesiva atención a las herramientas,

suelen estar excusándose por sus fallas. «Ay,

L
os héroes masculinos (o superhéroes eso no salió muy bien porque estaba dibujando
para aquellos que amamos los libros en un papel barato». Todos pasamos por eso y
de cómic estadounidenses) pueden ser dijimos algo por el estilo.
increíblemente difíciles de dibujar. Sin importar
lo simplificado que sea tu diseño (o parecido Habiendo dicho todo eso, sí quiero mencionar
a una caricatura), tienes que entender bien un par de herramientas que pueden hacer
la anatomía humana y cómo representarla. las cosas un poco más fáciles. Los siguientes
Para este tutorial, no puedo extenderme lo consejos son herramientas y procesos simples.
suficiente como para dar una clase de anatomía
(es un tema demasiado largo y hay muchos Además, en Disney, me presentaron por
que están mejor preparados que yo para primera vez a los lápices de colores borrables
explicarlo). Pero tienes que saber de antemano llamados lápices Col-Erase de Prismacolor.
que el estudio de la anatomía y la experiencia Muchos de los animadores animaban su
de dibujo del natural harán que tu Héroe primera pasada, el borrador de animación, con
masculino tenga más éxito. el lápiz Col-Erase (que suele ser azul o rojo,
pero en realidad no importa) y luego hacían
No puedo responder a todas las preguntas en la pasada final de ajuste (dibujar sobre la línea
solo un par de páginas, pero sí quiero resaltar de lápiz de color) con un lápiz de grafito suave
algunos puntos clave y tratar unos asuntos
(usualmente un 2B o 6B). Este es un conjunto
importantes que creo que te ayudarán a que tus
de herramientas y un proceso que sigo usando
diseños de personajes lleguen al siguiente nivel.
hoy en día para diseñar un personaje. La razón
es que no tengo que rehacer el dibujo todo
el tiempo (primero pasada borrador, luego
HABLEMOS DE HERRAMIENTAS pasada final) y me da la sensación de «esculpir
Cuando estuve en Disney, mi mentor fue el dibujo» porque lo refino y mejoro mientras
Mark Henn, animador repaso la versión borrador.
supervisor, y siempre
que le preguntaba «¿qué
lápiz usas?», me decía:
«No se trata del lápiz, se
trata del dibujo que sale
de él». Nunca olvidé ese
comentario. En nuestros
comienzos artísticos,
la mayoría de nosotros
pensamos que el lápiz, el
bolígrafo y el papel que
usamos tienen mucho
que ver con los resultados.
Para ser honesto, tiene
muy poco que ver con los
resultados que obtienes.
Aquellos que le dan
demasiado valor o les

8 21-DRAW
 HOMBRE « NORMAL »

CUÑA
OVALADA
CUÑA
RECTANGULAR

TUBO
NORMAL

TUBO
CÓNICO

FORMA
DE CUÑA
RECTANGULAR
TUBO

TUBE
CÓNICO
FORMA
DE CUÑA

ANATOMÍA SIMPLIFICADA
La anatomía puede ser un desafío a la hora
de dibujar héroes masculinos. Puede trabar el
proceso de diseño de tu personaje y hacer que
tus dibujos se vean rígidos e insulsos. Pero la
sensación de masa es importante para hacer
que un Héroe se sienta super, así que no se
puede dejar de lado. Mi sugerencia es agilizar la
anatomía al concentrarse en las formas simples
que componen el cuerpo.
La mayoría de estas formas simplificadas
(círculos, tubos y bloques) no son nuevas para
casi todos nosotros que hemos leímos un par
de libros de enseñanza de arte. Un principio
básico de la enseñanza artística es simplificar
el cuerpo en tubos, bloques y círculos
tradicionales. Lo que quiero hacer aquí es llevar
este mismo razonamiento un poco más lejos.

DIBUJO DE FIGURAS 9
 FORMA «BOMBILLA» LA D O

MÁS
REDONDO
PECHO EN EL
FRENTE
MENOS
REDONDEADO VISTA 3/4
PELVIS EN LA
ESPALDA

EL CENTRO BOMBILLA
La figura simplificada tradicional tiene un
círculo en el pecho y una forma triangular
de pelvis que funcionan como dos partes
separadas. No creo que esta sea una buena
manera de ver las formas, ya que nuestros LA PARTE DALO
cuerpos no funcionan así. Me gusta ver al SUPERIOR ES UN VUELTA
torso como una única forma (una forma muy POCO CHATA A
A LD
flexible) que se puede girar y doblar. Aquí SP
E
aparece la forma de torso Bombilla. Dibuja un
ovalo que se combine con un cubo, luego dibuja una
forma de tubo que esté redondeada al final. Ahí
tienes tu bombilla.
E
Esta forma se puede utilizar para NT
F RE
crear el movimiento principal y los
giros que necesite tu personaje DÓBLALO
Héroe. Añadiendo tubos para
las piernas, brazos y cuello se
crea más movimiento en toda
la pose. Aquí hay un ejemplo
de lo flexible que puede ser la
forma de bombilla.

VELO EN
PERSPECTIVA

GÍR ALO

10 21-DRAW
Añade una cabeza circular, tubos para piernas
y brazos y pies en forma de cuña a tu bombilla.
Asegúrate de tener una línea de acción definida
en todas las poses.

DIBUJO DE FIGURAS 11
 AGREGAR VARIACIONES
Ahora que tenemos nuestras formas
anatómicas simplificadas, divirtámonos con
ellas. Toma el mismo centro de forma bombilla
y hazlo más amplio, achica la cabeza, extiende
los brazos y hazlos más gruesos, y las piernas
gruesas pero cortas. El solo aplicar estas
variaciones de formas te da un personaje
completamente distinto (y que luce más
heroico). Ahora intentemos más variaciones:
HOMBRE «PROMEDIO»
Como siguiente paso hacemos lo mismo con
los rostros (ver ilustración A). Comienza con
una forma de cráneo circular, pero ahora añade
diferentes formas de mandíbula: en forma de U,
de V, amplia y angosta; las variaciones no tienen
fin. Luego intenta hacer lo mismo con el largo
de la nariz, el tamaño de los ojos, la ubicación
de la boca y las orejas. Comienza con algo
normal pero sigue cambiando las variaciones de
elementos en la forma del rostro para ver qué
tan único puedes hacer el rostro de tu Héroe.
12 21-DRAW
alarga las formas, acórtalas las formas y hazlas
más gruesas en todo el cuerpo. Las variaciones
no tienen fin, y pronto te darás cuenta de
que puedes crear muchos tipos de cuerpos
diferentes para el personaje de Héroe. Algunos
pueden lucir como corredores, otros super
fuertes y otros como nadadores. Combina el
superpoder con la variación del tipo de cuerpo
para obtener mejores resultados.
Una vez que conozcas las formas simples para
la cabeza (y cómo se relacionan con las otras
formas), puedes dibujar con más facilidad a
tu personaje desde cualquier ángulo y con
cualquier expresión (ver ilustración B).
Tampoco olvides la variación de las formas
en el diseño del disfraz. Una vez que estés
conforme con las formas del cuerpo y el rostro,
prueba con diferentes diseños de disfraz. No
soy un gran diseñador de disfraces, pero puedo
PROPORCIÓN
NORMAL PAR A VARIACIÓN
LA CABEZA

A
¡LA VARIACIÓN TAMBIÉN SE APLICA A LOS PERFILES!

FORMAS SIMPLES MI DISEÑO

DIBUJO DE FIGURAS 13
 hacer variaciones que serán únicas al aplicar las ¡eso lleva a que el espectador sienta que algo
mismas decisiones de variación. Formas más dinámico está a punto de ocurrir! Lo mismo
anchas, más angostas, que son circulares pero se aplica a los brazos y piernas y tampoco
cónicas, formas circulares, líneas y ángulos. olvides inclinar la cabeza. Comenzarás a ver
¿Con o sin capa? ¿Botas ajustadas o sueltas? que también creas una mejor sensación de
¿Con o sin guantes? Cada decisión te lleva a una movimiento en toda la pose. ¡Todos ganan!
nueva variación.
Ahora crea tus propios personajes divertidos de
Héroes masculinos que tengan poses fuertes,
DINÁMICA APLICADA mucho movimiento y una apariencia única.
¡Disfruta el proceso!
Un último consejo tiene menos que ver con
el diseño del personaje y más con la pose de
tu nuevo personaje. Dinámica es un
término que utilizo para describir RECTAS ÁNGULOS
un proceso de fortalecimiento DINÁMICOS
de poses para tu personaje. El
concepto básico es el siguiente:
Las Rectas son sólidas, pero pueden
ser rígidas y aburridas, mientras que
los Ángulos son dinámicos y crean una
sensación de acción. Cuando hagas
posar a tu personaje, intenta pensar en
cada elemento como un ángulo, en vez
de vertical o horizontalmente. En especial
para el torso: es un elemento que muchos
de nosotros no logramos explotar cuando
creamos una pose dinámica. El torso
debería (siempre que sea posible para una
pose de acción) estar en un ángulo para
que crees un empuje en todo el cuerpo,

14 21-DRAW
UNIR TODAS LAS PIEZAS: MI PROCESO

Cuando hablé sobre las herramientas que me gusta

usar, en la página 8, mencioné un proceso que disfruto
cuando esbozo el diseño de personajes y creo poses.
A continuación está mi ejemplo paso a paso
de cómo llevar el dibujo del personaje Héroe
masculino de principio a fin.

PASO 1: Usando el costado de mi lápiz de color celeste

Col-Erase, al igual que lo harías con una carbonilla
en dibujo del natural, me gusta esbozar la pose y las
formas aproximadas de la pose inicial.

PASO 2: Luego utilizando el lápiz celeste en forma

vertical, agrego los detalles a la figura. Aquí es cuando
aplico los principios de diseño al rostro y al disfraz
para hacer formas que sean únicas e interesantes.

PASO 3: Utilizando el lápiz de grafito 2B o 3B, creo

una línea más definitiva dibujando sobre el bosquejo
celeste. Incluso si estoy trabajando libremente (como lo
hago aquí), esta parte del proceso es similar al entintado
porque estoy tomando decisiones deliberadas con cada
línea que dibujo. Asegúrate de no perder movimiento 3
en el dibujo haciendo muchas líneas rectas; esto puede
darle rigidez al dibujo.

DIBUJO DE FIGURAS 15
 PASO 4: Escanea el dibujo de grafito más
terminado (con el celeste debajo del dibujo) y
una vez en Photoshop, puedes ir a la ventana
de canales y seleccionar el rojo o el azul
(dependiendo del color de lápiz que utilizaste)
y quitar por completo el color debajo del
dibujo. Lo que resta es solo la línea de grafito
más marcada. Luego, utilizando Imagen-
Ajustar-Niveles, oscurezco ese trabajo de
línea y blanqueo los grises que quedan para
obtener una imagen buena y nítida. A estas
alturas, la imagen suele ser lo suficientemente
clara como para mostrársela a un cliente.

PASO 5: Es importante detenerse a estas

alturas y mirar tus líneas de dibujo. ¿Hay algo
que pueda ajustarse en Photoshop que haría
que fuera más convincente? En el caso de
este dibujo, decido achicar la cabeza, alargar
y agrandar la pierna izquierda adelantada y
mover el antebrazo izquierdo para obtener
una mejor silueta entre la mano y el hombro.

PASO 6: Finalmente agrego color y otra capa

en Photoshop y tengo una pieza conceptual
final bastante rápida. Esta es una manera muy
práctica de trabajar que me ayuda a mantener
mi espíritu creativo por más tiempo.

16 21-DRAW
6

DIBUJO DE FIGURAS 17
 CR E A CIÓN DE UN A MU JER E S T IL O C A R IC AT UR A
CON BLEEDMAN

C
omenzar siempre es la parte más difícil, así que imagina que estás
dibujando un globo; ¡porque los globos son divertidos!  PASO 1: Como
en la mayoría de los tutoriales de los que he aprendido, recomiendo
empezar por dibujar la cabeza y luego la columna.

PASO 2: De ahí en más me suelto y comienzo a garabatear la figura. Mientras 1

dibujo de forma relajada como si mi mano tuviera mente propia, me concentro
en los principios básicos: la anatomía. Intenta no pensar en detalles tales
como ropa, cabello, rostro, etc. Solo concéntrate en que queden bien las
proporciones. Siempre comienza con los principios básicos del dibujo. Ya
sé, es algo aburrido dibujar lo básico. «¡SUSPIRO!» ¡Comencemos con la
parte divertida!

PASO 3: ¡SÍ! ¡SÍ! ¡VAMOS! Esto era lo que querías, ¿verdad? Esta es
la mejor parte de todo el proceso de dibujo de figuras. Diseñar
el personaje. Aquí finalmente daremos rienda suelta a nuestra
imaginación. ¡AH! ¡AH! ¡HAGÁMOSLA GÓTICA! ¡Que tenga aros y calaveras:
las cosas que viste un gótico! Ah, ¡no olvides las botas! Cuando diseño mis
personajes, siempre uso Google como referencia. Ah, Internet, ¿qué haría
sin ti? Seguro mi vida perdería todo sentido. 2

CONSEJO: TRABAJO EN CAPAS DE PHOTOSHOP

Siempre creo una capa nueva para cada paso del proceso
de bosquejo. También recomiendo que dupliques estas
capas como copia de seguridad. Es solo en caso de que
quieras volver y comenzar de nuevo.

18 21-DRAW
PASO 4: Ahora que completamos la mejor parte del proceso de dibujo,
viene la parte tediosa: el arte de las líneas. Creo una capa nueva, bajo la
opacidad de la capa anterior y trazo sobre el bosquejo utilizando mi pincel
especial de entintado.

CONSEJO: TRABAJO CON LOS PINCELES DE PHOTOSHOP

Hay miles de pinceles gratuitos disponibles en
línea, pero no todos los pinceles irán bien con tus
preferencias personales. Necesitas encontrar tu propio
pincel, uno que te sientas cómodo al usar. Tómate
el tiempo de experimentar con diferentes pinceles
para que puedas encontrar y guardar tu propia paleta 4
personalizada de pinceles.

PASO 5: Una vez completadas las líneas,

creo una nueva capa por debajo y la llamo
mi «capa render»: la utilizo para todos los
matices y sombras.

PASO 6: Cuando termino con las líneas y la

renderización, «agrupo» las capas y procedo a dar los
toques finales. Reviso mi trabajo y hago los ajustes y
las ediciones necesarias. A veces estos ajustes son muy
sutiles. ¿Notas la diferencia entre las dos ilustraciones a
continuación?

IMPORTANTE: Antes de agrupar las capas, duplico  5

el conjunto de capas en caso de que necesite
cambiarlas.

¿Puedes ver
la diferencia?

DIBUJO DE FIGURAS 19
 PASO 7: Por último lo paso a escala de grises y hago ajustes en los niveles, el brillo y el
contraste. Hemos terminado: ¡sí! ¡Espera! ¿Dónde está el aro? ¿La calavera? ¿Las cosas que
suelen usar los góticos? Uy.

PASO 8: Tómate un descanso, ve a

ejercitarte: uno, dos, uno, dos…

AQUÍ HAY UN PEQUEÑO

RESUMEN:
PASO 1: Globo
PASO 2: Bosquejo
PASO 3: Diseño
PASO 4: Líneas
PASO 5: Representación
PASO 6: Toques finales
PASO 7: Ajustes
PASO 8: ¡Toma un descanso!
¡Ejercita!

CONSEJO: MEJORES ATAJOS DE PHOTOSHOP

¿Cuáles son mis dos comandos favoritos de atajos
en Photoshop? Usa la tecla ALT en la herramienta
pincel. Hacer clic en ALT mientras utilizas el pincel
te lleva a la herramienta gotero. Es muy útil en
la renderización. Este te salvará la vida (digo el
trabajo), CTRL+S que es el comando guardar.

20 21-DRAW
TUTORIAL DE CABEZAS

Comienzo con una esfera y

añado la mandíbula inferior, Una vez satisfecho con la
luego agrego las guías para los Después procedo a esbozar el cabeza, dejo los ojos en una
ojos y la nariz. diseño del rostro. capa diferente.

COMENTARIO: Al crear una capa

específica para los ojos puedo hacer
ajustes en el espaciado y el tamaño.
El diseño de los ojos puede sugerir
características de la personalidad del
personaje, expresiones y estados de
ánimo, además de su estilo.

DIBUJO DE FIGURAS 21
 DIB U JO DE L A MU JER IDE A L
CON WARREN LOUW

A
prender a dibujar la figura toma mucha práctica, dedicación y puede llevar
muchos años para dominarla. La mejor forma de aprender es dividir la
figura en formas simples que sean fáciles de comprender. Esta es solo una
manera de acercarse a la comprensión de la forma humana. Una vez que estés lo
suficientemente cómodo con la creación de formas, puedes seguir con el estudio
del movimiento de los gestos, el balance del peso, la acción, y luego la anatomía del
esqueleto y los músculos. Los artistas tienen diversos métodos de acercamiento así
que lo mejor es consultar estos diversos enfoques y luego encontrar lo que te resulte
mejor. Cuando hago mi propio trabajo artístico, ya no necesito seguir todos estos
pasos. Tras años de práctica, tengo esta estructura en mente, pero para comenzar,
aquí es donde quieres arrancar: creando sobre formas simples.

PASO 1: Comenzar con el área del torso superior es un

buen punto medio para empezar a dibujar la forma básica
del cuerpo, pero para otras poses, puede que te resulte
mejor empezar con otras áreas del cuerpo primero. 1

PASO 2: Luego agrego la cabeza. Puedes ver que el

tamaño del círculo que utilizo para la vista de perfil es
mayor que el de la vista frontal ya que la cabeza es más
ancha de lado. Para la parte frontal de la cabeza, puedes
comenzar con un óvalo, pero no pierdas de vista la línea
de la mandíbula. Luego dibujo las uniones de los hombros
y agrego la parte superior de los brazos. Comentario: La
parte superior de los brazos cuando se la ve de forma frontal y
posterior es más angosta que de costado. 2

PASO 3: Dibujo la línea central vertical para el cuerpo y

luego líneas horizontales para los ojos. Puedes agregar
estas líneas de guía antes en el proceso si lo prefieres.
Luego comienzo con los senos. Asegúrate de que no
sean tan solo círculos; tienen el peso algo inclinado hacia
afuera entre sí y desde el frente. De costado, ten en cuenta
que los senos se apoyan sobre la curva del pecho y que
apuntan hacia adelante. Luego agrego un eje circular a
la parte de abajo del torso superior (para ayudar con las
transiciones superiores e inferiores) y después añado el
torso inferior. Asegúrate de que de perfil la curva de la
espalda no esté más curva de lo que muestro aquí. Muchos
artistas hacen que esta transición sea demasiado angular,
así que presta atención. 3

22 21-DRAW
Para mostrar la visión del torso inferior con las piernas,
añado óvalos que componen una forma en V desde
el frente. Para los antebrazos, agrego círculos para el
codo y las uniones de las muñecas. Comenzarás a ver
la relación entre las líneas rectas y curvas en toda la
figura. La línea del antebrazo interno es recta y de allí
saldrá parte de la definición del codo. El codo externo
se curva y luego es recto hacia la muñeca.

PASO 4: Presta atención a las líneas rectas y curvas

de las piernas. La pierna externa se curva y el muslo
interno se curva ligeramente hacia adentro. El área de
las rodillas necesita estudiarse un poco más, ya que
pareciera que la parte externa de la rodilla fuera similar 4
a la parte superior de la pierna, pero tiene sus propias
curvas sutiles. La mano también se debe estudiar
con atención, pero aquí he añadido solo la base de la
mano. Ten en cuenta dónde se dibujará el músculo
del pulgar (mira la vista frontal), y desde dónde no se
verá el músculo del pulgar (mira la vista lateral), ya
que el pulgar estará escondido justo detrás de la parte
superior de la mano y del dedo índice.

PASO 5: Para la parte inferior de la pierna, esas curvas

vuelven a moverse hacia adentro. El punto A muestra
dónde comienza la curva exterior y es más alto que la
curva interna en B. B comienza luego de que la pierna
interna vaya hacia abajo y se curve hacia adentro
ligeramente en el rodilla en C. Luego simplemente
añado una articulación circular en el tobillo antes de
agregar los pies. Para los dedos de la mano, puedes C A
ver las líneas y formas agregadas ligeramente en B
esta etapa; luego divido los dedos en nudillos y
articulaciones.

DIBUJO DE FIGURAS 23
 PASO 6: Estas son las formas con las que trabajo para
la estructura de los pies. No serán tan notorias en
las líneas finales de trabajo, pero los círculos de las
articulaciones del tobillo definen las formas del tobillo
a cada lado del pie.

PASO 7: Finalmente agrego los dedos. En el frente

comienzo por añadir óvalos para las puntas de los
dedos gordo y círculos para los dedos más pequeños.
Luego trabajo sobre el resto de las formas de los C A

dedos y me aseguro de que en la base los dedos estén B

ligeramente separados en una forma redonda de V.
Esto es más notorio en el dedo pulgar y al final en el
más chiquito. Una vez más, el pie toma todo un estudio
en sí mismo por cómo se presentan los mismos dedos
en ángulos. Y ahí está: ¡hemos completado la figura!
6

PASO 8: En algún momento después de que lo

hayas practicado mil veces y te sientas cómodo, te
recomiendo aprender sobre la anatomía muscular. Hay
un pequeño ejemplo sobre estructura muscular en
este último paso. Entender cómo lucen los músculos
te ayudará a mejorar la calidad de tus dibujos de
figuras, en especial cuando se trate de sombrear las
formas y definir la piel en el cuerpo. Si tienes el dinero,
C A
realmente te recomiendo comprar una estatua de
B
anatomía muscular de la forma femenina. La estatua
no es barata, pero será una herramienta útil y valiosa
que te mostrará cómo se envuelven y conectan los
músculos alrededor del cuerpo.
7

24 21-DRAW
C A

DIBUJO DE FIGURAS 25
 LA FORMA IDEAL FEMENINA
De acuerdo con Internet, la altura femenina
ideal es de 5'6" (170cm) hasta 6' (183cm).
En mi cuadro a la derecha, también medí
las proporciones en términos de cuántas
cabezas a lo largo componen la figura. Aquí
estoy utilizando siete largos de cabeza, pero
puedes usar ocho si quieres que luzca más
alta. Pero ten cuidado de no hacer la cabeza
muy pequeña con relación al cuerpo. Utilizar
los largos de cabeza de forma proporcional te
ayudará a medir las otras partes del cuerpo, a
mantener las proporciones correctas entre las
partes para que no sean demasiado largas o
cortas. Se trata de la composición relativa de la
figura.
Estas proporciones no son fijas y una vez que
hayas aprendido los principios básicos, puedes
comenzar a ajustarlas a tus necesidades propias
o la descripción específica de un personaje.
Cuando mantienes las proporciones corporales
en función a estos conceptos, tus dibujos de
figuras serán creíbles.
Después de practicar el dibujo utilizando estas
proporciones, se verá más natural. También
te sentirás más seguro en este proceso en vez
de necesitar pensarlo todo con esta cantidad
de detalle. Recuerda que es posible que se te
olviden algunos de estos pasos en el camino,
pero puedes regresar y retocar el dibujo
durante el proceso. En algunas áreas del dibujo
de figuras hasta yo tengo que repasarlo.
26 21-DRAW
QUÉ TENER EN CUENTA ACERCA DE LA
COMPOSICIÓN:
• El cuerpo es un cuarto del largo de la cabeza.
• Los senos comienzan una cabeza y media
por debajo y cubren tres cuartos de una
cabeza en largo. Cada seno es igual de ancho
que el rostro.
• Los codos se ubican junto a las costillas y
encajan en el área entre el torso superior e
inferior. De lado, el codo está junto a la parte
más curva de la espalda.
• Las caderas comienzan tres largos de cabeza
por debajo. Tómate el tiempo de estudiar
este área para que entiendas cómo encajan
las caderas con los músculos del estómago.
• La mitad de la figura se encuentra en la
entrepierna.
• El largo de los brazos termina en la punta de
los dedos que llegan a la mitad del largo de
la parte superior de la pierna (comenzando
desde las caderas, no desde la entrepierna).
• La parte inferior de la rodilla tiene una
cabeza de largo desde la punta de los dedos.
• La altura de los pies desde su base es de un
tercio del largo de una cabeza.
 ALTURA 5'6"
LARGOS DE CABEZA ANCHO DE 2 CABEZAS (170CM)

5FT

HOMBROS

4FT

SENOS
CODOS

OMBLIGO
CADERAS
3FT
LÍNEA
MEDIA
ENTREPIERNA
BRAZOS

2FT

PARTE
INFERIOR
DE RODILLAS

1FT

TOBILLOS

DIBUJO DE FIGURAS 27
 ESTUDIO DE LA CABEZA: PERFIL
El dibujo del perfil de la cabeza puede parecer
la perspectiva más sencilla, pero tiene algunos
desafíos. Ya tenemos ideas sobre cómo luce
el perfil y pueden interferir con nuestro
entendimiento de la realidad de esta perspectiva.
Si no aprendes cómo encajan todas las partes
de la cabeza, puedes cometer errores fácilmente
en cuanto a las proporciones. Esto te puede
llevar a una cabeza que no es lo suficientemente
ancha o con los rasgos demasiado juntos, y te
preguntarás por qué el dibujo se ve raro. Antes
de realizar estudios serios, pensaba que la
distancia entre el ojo y la oreja y entre la oreja y
la parte de atrás de la cabeza era mucho menor
de lo que es en realidad.
PASO 1: Comienza con un círculo básico.
PASO 2: Divide el círculo horizontal y
verticalmente para obtener una composición
sencilla y luego comienza a añadir las líneas
guía frente del rostro en el cuadrante inferior
izquierdo. Muestra la línea de la mandíbula
inferior moviéndote un poco hacia el mismo
cuadrante. Luego agrega otro círculo de la
mitad del tamaño del círculo principal en el
centro. Este es el lado más chato de la cabeza y
representa al músculo temporal.
PASO 3: Agrega un óvalo en la parte inferior
derecha del pequeño círculo temporal contra
la línea media en un ángulo ligeramente
diagonal desde la oreja. La oreja no está ubicada
verticalmente. La parte superior de la oreja
está ubicada horizontalmente a la misma altura
del comienzo de la ceja. La parte inferior de la
oreja está horizontalmente a la misma altura
de la parte inferior de la nariz. Agrega la línea
de los pómulos desde la mitad de la oreja y
cúrvala hacia el mentón justo antes de que este
comience a curvarse hacia arriba. Luego empiezo
con el perfil de la nariz. Aconsejo hacer algunos
estudios vivos sobre diferentes variaciones.
PASO 4: Con estas curvas de variación es mejor
estar al tanto de cuáles están más hacia afuera
o hacia adentro entre sí (mira el paso 5). A: cuán
curva o recta sea la línea depende de ti. B: es
importante prestarle atención al redondel de
28 21-DRAW
la nariz ya que puede influir en la forma de la
punta. Pero en este caso no haré que una curva
hacia arriba en la nariz sea uno de sus rasgos.
El ángulo de la línea del orificio nasal antes de
curvarse en la base Alar suele ser paralela al
ángulo de la boca. C: El surco nasolabial puede
tener una ligera curva hacia afuera o ser una
línea vertical. También puede ser más corto o
más largo dependiendo de lo que busques. D:
El labio superior es curvo dependiendo de qué
tan grueso sea. Suelo agregar la línea de la boca
solo después de haber completado el perfil,
pero puedes añadirla a esta altura si lo deseas. E:
La línea del labio inferior comienza con el labio
en sí y puede ser más curva si lo deseas antes de
convertirse en la parte inferior del labio de abajo.
F: Ni bien comiences a dibujar el mentón, tiene
la forma de un círculo muy redondo antes de
unirse con la línea de la mandíbula.
PASO 5: Siempre empiezo el ojo con la línea de
las pestañas superiores, luego las inferiores, el
iris y finalmente el párpado superior. Aprender
la curva de la ceja conlleva un estudio en vivo
por sus variaciones. Observa cómo A: el labio
inferior se alinea con la frente. B: El mentón
se alinea con el comienzo de la ceja. C: La
comisura de la boca está en línea con el frente
del ojo. Luego la nariz es lo más extendido y
el labio superior es lo segundo más extendido.
D: la ceja termina en el círculo temporal.
PASO 6: Parece haber dos líneas capilares
generales; la línea punteada es una variación o
una combinación de ambas opciones. Dado que
el cráneo no es realmente redondo, extiendo
un poco hacia adelante las partes superiores
derecha e izquierda de la frente. Luego muevo
hacia adentro la parte de atrás de la cabeza.
PASO 7: Para el cabello, me aseguro de tener
en cuenta los ángulos redondeados de la
cabeza. También agrego los detalles en la oreja.
No es difícil hacer que las orejas se vean bien
si estudias su composición. Muchos artistas las
dejan de lado, lo que lleva a rostros geniales
con orejas horribles.
PASO 8: Tomo la capa de bosquejo, luego
cambio la opacidad de la capa al 10 % y creo la
línea artística limpia en una capa aparte.
DIBUJO DE FIGURAS 29
 ESTUDIO DE LA CABEZA:
VISTA FRONTAL
He tenido muchos problemas a través de
los años para hacer la que la vista frontal del
rostro luzca bien con facilidad. Muchas veces
he hecho un rostro demasiado grande para
la cabeza, ojos muy grandes o muy anchos,
una frente muy pequeña, cejas demasiado
altas y arqueadas... y la lista continúa. Hay
muchos conceptos básicos de proporciones
que pueden ayudar, así que asegúrate de
aprenderlos para sentar tus bases.
PASO 1: Dado que la cabeza es más angosta
desde el frente, comencemos con un círculo
más pequeño para representar la parte superior
de la cabeza.
PASO 2: Ahora dividamos la cabeza por el
centro. El círculo es más pequeño desde el
frente, pero los rasgos igual deben alinearse
horizontalmente con relación al perfil, el cual es
más ancho, así que solo baja una línea horizontal
divisoria por debajo del centro. A: Esta línea
horizontal divisoria es la línea de las cejas.
Desde allí, añade otra línea que pase por la
parte inferior del círculo. B: Esta línea es la
parte inferior de la nariz. Luego toma ese largo
inferior del círculo dividido (de A a B) y añádelo
debajo del círculo. C: Esta se transforma en la
línea para la parte inferior del mentón.
PASO 3: Toma la altura de la línea horizontal
para las líneas de la nariz y la ceja, y repite
esta distancia por encima de la línea de la
ceja colocando una línea horizontal para crear
A: la parte superior de la línea capilar. Esta
línea capilar intersecta con la línea del círculo.
Desde estos dos puntos de intersección, haz
una línea que baje y se curve ligeramente hacia
adentro para conectarse con la línea horizontal
en la parte inferior de la nariz y cree B: la línea
de la mandíbula. La ligera curva interna entre
la línea capilar y la línea de las cejas forma la
sección temporal.
PASO 4: Ahora puedes agregar las orejas entre
la línea de las cejas y la de la nariz. Desde la
mitad de la oreja, haz la línea de pómulos al
curvarla cerca de la mitad hacia la parte inferior
30 21-DRAW
del costado de la mandíbula. Esta línea es solo
para marcar los lados de la parte inferior del
rostro. Aunque la parte superior de la cabeza
sea más redonda desde el frente que de
costado, sigue sin ser completamente redonda
y más bien está ligeramente hacia afuera desde
los vértices, como se muestra con las flechas.
Luego puedes agregar el cuello, el cual brota y
comienza justo desde el interior del ancho de la
mandíbula.
PASO 5: Comienza a añadir los rasgos faciales
empezando con las cejas (¡te recomiendo
estudiar las cejas por separado!). Luego agrega
los orificios nasales por debajo. Lo siguiente es
agregar la boca a la altura de las curvas a los
lados de la mandíbula.
PASO 6: La forma en V que comienza en A: es
la línea que te ayudará a alinear el final de las
cejas con las esquinas de los ojos, los costados
de los orificios nasales y la parte superior del
labio de arriba. B: Es el espacio entre los ojos y
las orejas. Asegúrate de dejar este espacio;
yo solía comprimir demasiado este área y
no me daba cuenta de por qué se veía mal.
C: Es la esquina interna del ojo hacia el iris que
está alineada con la comisura de la boca, y
D: los costados de la nariz que se alinean con
el comienzo de la ceja. E: Intersecta con la
línea capilar y cuando la añadas asegúrate de
curvar la línea ligeramente para que coincida
con la forma redondeada de la cabeza. F: Presta
atención a cómo la parte inferior del ojo está
alineada con el comienzo de ese pliegue
interno circular de la oreja.
PASO 7: El cabello es todo un estudio aparte en
sí mismo, pero en este caso simplemente até su
cabello en un rodete suelto. Solamente tengo en
cuenta la forma de la cabeza y cómo será el peso
del cabello, cómo caerá a los lados. Mantengo
el cabello como un bosquejo libre porque ya
tengo cierta idea de cómo finalizarlo. Si quieres
reforzar las líneas del cabello para entenderlo
mejor, entonces hazlo antes de continuar.
PASO 8: Aclaro la capa del bosquejo a una
opacidad del 10 % y luego creo otra capa para
dibujar las líneas limpias. Si necesito hacer más
modificaciones, también las haré en este paso.
DIBUJO DE FIGURAS 31
 MOVIMIENTO
Si quieres que las poses de tus figuras luzcan naturales y creíbles, te
sugiero estudiar la línea dominante de acción o el movimiento de
las poses. Esto se puede hacer de varias formas. Debes trabajar de
forma simple en esto porque no se trata de
detalles o de precisión anatómica.

El ejemplo a la derecha básicamente es una

figura de palito más avanzada que se enfoca
solo en el movimiento de las líneas para el
torso y las extremidades. Hacer muchas de
estas en base a una referencia fotográfica
te ayudará a comenzar a desarrollar una
habilidad natural cuando estés creando tus
propias poses.

El ejemplo a continuación muestra las

curvas de movimiento naturales de las poses
que mayoritariamente tienen una curva
en S. Ser consciente de esta curva ayudará
a que tus poses no luzcan demasiado
rígidas y rectas. Luego comenzarás a darte
cuenta de que cada parte de la anatomía
se ve afectada por la forma en la que el
cuerpo naturalmente
se equilibra en una
pose. Esto llevará
mucha práctica. Te
recomiendo llenar
cientos de páginas solo
para aprender cómo se
mueven los cuerpos.
Luego podrás empezar
a entender el patrón.

32 21-DRAW
CONTRAPPOSTO
Esta es una palabra italiana que significa contrapose. Este término describe a una
pose donde la mayor parte del peso está sobre una pierna. El cuerpo compensa
este cambio de peso de forma natural y se equilibra de modo que las caderas y los
hombros se inclinan opuestos entre sí. Por la posición en la que se inclina el cuerpo,
estas poses siempre tienen una ligera forma de curva en S (mira la línea de puntos
azules en el dibujo de esta página). El uso de
esta pose era conocido por darle más vida
a las esculturas y a las obras de arte en la
antigüedad y hacía que las obras no se vieran
rígidas y firmes como ocurre con las poses
simétricas. Un ejemplo muy conocido es la
estatua del David de Miguel Ángel.

A: La línea del hombro se inclina para que

el torso se estreche más a un lado y se
aplaste hacia adentro al otro lado de
las caderas. Recuerda que ajustar esto
afectará la posición de los brazos.

B: La inclinación de las caderas es opuesta a

la de los hombros, lo que deja a la pierna
izquierda algo doblada. Las caderas bajan
en ese lado, lo que le da menos lugar para
estar derecha como lo está la otra pierna.
La pierna que está en la posición más
vertical siempre tiene el mayor peso en
cualquier pose.

C: Las posiciones de las piernas se

determinan por la inclinación de las
caderas. Observa que la rodilla de la
pierna que se conecta con el costado
inferior de las caderas estará más abajo
que la otra rodilla.

D: Dependiendo de la pose, los pies suele

apuntar hacia afuera, pero hay poses
en las que los pies apuntan hacia
adentro. Con práctica y observación, te
familiarizarás con cómo los pies manejan
el peso del cuerpo. Ten en cuenta que la
línea de puntos rojos está centrada desde
la parte superior de la cabeza y otra vez a
los pies, los cuales llevan el mayor peso de
la pose; esto es para balancear el cuerpo.

DIBUJO DE FIGURAS 33
 CÓMO ESTUDIAR LA FIGURA DESDE
UNA REFERENCIA FOTOGRÁFICA
Solía dibujar páginas llenas de un gran rango de
poses. Estos estudios de figuras lucían genial y
me sentía muy confiado. Por desgracia, cuando
intentaba dibujar de memoria los resultados
eran malos. Me sentía frustrado y decepcionado
conmigo mismo. No podía entender por qué mis
estudios no mostraban los resultados que quería.
Pensaba que había algo malo en mí. Luego
me di cuenta del problema: Estaba dibujando
muchos estudios de diferentes poses, pero no
estaba aprendiendo bien ninguno de ellos. En su
lugar, hice un breve estudio de cada pose y luego
continué con la siguiente. ¡La clave es la repetición!
La práctica de cualquier cosa conlleva mucha
repetición y el arte no es diferente.
A continuación encontrarán cómo dibujo
estudios de movimiento, forma y figuras
usando la repetición. Esto involucra cómo te
sientes durante el proceso porque hay un ida y
vuelta entre dibujar los estudios y luego revisar
tu progreso. En los seis ejemplos a la derecha,
los dibujos con bikinis oscuras se hicieron
utilizando la referencia fotográfica que está
debajo; las bikinis sin sombrear se dibujaron
de memoria. Elegí a esta modelo porque tiene
proporciones curvas que me gusta dibujar.
34 21-DRAW
Comienza con dos o tres estudios donde
intentes copiar a la modelo lo más
minuciosamente posible. No te apures con
este paso. Luego ponte a prueba volviendo
a dibujarlo una vez de memoria. Quieres que
surja tanto como sea posible del movimiento,
la forma y la figura del cuerpo. No te preocupes
si los resultados no son geniales por ahora;
eso es esperable. Después de haber dibujado
de memoria, toma tu referencia fotográfica y
cópiala una vez más, pero esta vez a un ritmo
un poco más rápido. Puede que notes que
ahora eres más consciente de los detalles
que pasaste por alto antes. Tu mente se está
haciendo preguntas para que empieces a tener
respuestas.
Mientras progresas, intenta reducir el número
de trazos que haces. Dibuja líneas holgadas,
pero haz que cada trazo cuente. Al ir más
rápido, los detalles no serán tan precisos, pero
ese no es el objetivo. Quieres desarrollar una
sensación para el movimiento de la figura.
Dependiendo del nivel de habilidad, podrás
dibujar la misma pose tomando la referencia
fotográfica y de memoria después de 10-30
repeticiones. Intenta aumentar el ritmo y reduce
los trazos aún más. Presta atención a mi primer
intento de memoria; la línea de trabajo parece
un poco peluda porque utilicé muchos trazos.
En mi tercer intento hubo menos trazos y pude
armar la figura de forma más eficaz. Repite este
proceso al menos 10 veces. He repetido este
proceso 20-30 veces y puede ser agotador,
así que asegúrate de descansar. A la derecha
hay cuatro ejemplos de estilos de dibujos que
puedes probar durante estos estudios:
A: Incluye un poco de trabajo de líneas de
construcción de cuerpo para ayudar a
entender la figura y la pose.
B: Dibuja tan rápido como puedas
manteniendo los trazos bajo control. Esto
evita que pienses en exceso (lo que suele
ser un problema) y en su lugar te fuerces
a dibujar lo que sientes en vez de lo que
piensas.
C: Concéntrate en las líneas rectas y curvas
del cuerpo. Consulto la foto y decido cuál
 es una línea recta o una curva
para simplificar la estructura.
Pon atención (en especial con
las extremidades) a que en el
lugar donde hay una línea curva,
paralela a ella hay una curva recta.
Este patrón se puede encontrar
en todo el cuerpo y requiere
de estudio para reconocer
cómo funciona. Los artistas de
Disney son grandes ejemplos de
ilustradores que utilizan esto en
su trabajo.

D : Simplifica las líneas: aquí me

concentro en el movimiento de
cada parte de la figura, pensando
en la forma. El estilo es fácil de
hacer y te ayudará a que tus
dibujos se vean más naturales.
PALABRAS FINALES
Para cerrar, quiero decir algo a nivel personal:
¡Ten paciencia! No hay necesidad de castigarte
mientras aprendes en este proceso. Estás
donde estás, y debes aceptarlo y seguir hacia
adelante. El arte se debería disfrutar sin
importar el nivel de habilidad y hacerse por
diversión y por amor; no por el estatus o el
éxito que te pueda dar. Cuando la creación de
obras de arte solo se trata de ir mejorando,
con facilidad puedes perderte en un ciclo
de nunca sentirte lo suficientemente bueno.
Entonces sin importar lo talentoso y exitoso
que te vuelvas, te das cuenta de que siempre
puedes ser mejor.
Compararte a ti mismo con otros artistas es
muy común y puede causarte frustración
y depresión. La única persona con la que
deberías compararte es contigo mismo, y en
ese caso solo para juzgar lo mucho que has
aprendido. Te recomiendo aceptarte y valorar
quién eres hoy.

DIBUJO DE FIGURAS 35