Kelly Fisher Lowe The Words and Music of Frank Zappa

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Esta edición © 2011 Omnibus Press
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EISBN: 9780857127389
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Contenido
Página de información
1. INTRODUCCIÓN
2. LOS AÑOS VERVE
¡Asustarse!
Absolutamente libre
salsa grumosa
Solo estamos en esto por el dinero
Navegando con Ruben y los Jets
Carne del tío
3. LOS AÑOS BIZARROS
ratas calientes
Sándwich Weeny Quemado
Las comadrejas rasgaron mi carne
La venganza de Chunga
Fillmore East junio de 1971
200 moteles
Solo otra banda de LA
Ratas Calientes: Waka/Jawaka
El Gran Wazoo
4. DISCRETO
Sensación nocturna
Apóstrofe (')
roxy y en otros lugares
Talla única
furia de bongo
5. WARNER BROTHERS CONTRA LÄTHER
Zoot encantos
Zappa en Nueva York
Studio Tan
Dormir Suciedad
Jeque Yerbouti
Favoritos orquestales
éter
6. LOS AÑOS DE LA CBS
Garaje de Joe Actos I, II y III
Rebelión de la ciudad de oropel
Cállate y toca tu guitarra
Eres lo que eres
Barco que llega demasiado tarde para salvar a una bruja ahogada
El hombre de la utopía
7. PROYECTOS “CLÁSICOS”
Orquesta Sinfónica de Londres Vols.12
el perfecto extraño
francesco zappa
el tiburon amarillo
8. CALABAZA QUE LADRA
serpientes bebé
ellos o nosotros
cosapez
Conoce a las Madres de la Prevención
¿Pertenece el humor a la música?
jazz del infierno
Guitarra
Broadway de la manera difícil
La mejor banda que nunca escuchaste en tu vida
Haz un ruido de jazz aquí
9. EXCAVANDO EL ARCHIVO
Psicóticos en el patio de recreo
Por delante de su tiempo
Los episodios perdidos
¿He ofendido a alguien?
Ya no puedes hacer eso en el escenario Vols.16 Mystery
Disc
10. LA OBRA MAESTRA FINAL
Fase de civilización III
11. EXISTENCIA POSTUMA
Frank Zappa toca la música de Frank Zappa
Todo está sanando bien
ZF: OZ
Halloween: Vive en Nueva York 1978
Ramillete de Joe
Daño de Joe
cuaudiófilo
APÉNDICE: COLECCIONABLES/EXTRAÑAS
BIBLIOGRAFÍA
1. INTRODUCCIÓN
T LA MÚSICA DE FRANK ZAPPA ES SOBRE TODO UNA PROVOCACIÓN, UN CHOQUE EN LA
Face para el gusto del público. Toca uno de sus discos y tendrás una
discusión. Sus críticos son legión, pero también lo son sus fans. Esta guía no
pretende ser imparcial. Para este escritor, Zappa fue solo superado por
Hendrix como guitarrista de rock, y como compositor, productor, líder de
banda y entrevistado, no superado por nadie en el rock, muchas gracias.
Por suerte para nosotros, ahora que se ha ido, Zappa pasó la mayor parte
de su tiempo en este planeta, en su estudio del sótano, construyendo esos
pequeños y extraños artefactos llamados "álbumes": astutas recopilaciones
de sonidos, palabras e imágenes. Sus registros fueron tan detallados,
elaborados y empaquetados que los zappólogos de todo el mundo todavía los
están descifrando, pero aquí están, todos presentes y correctos, en una guía completa.
Hacia el final de su vida, el creador de Los Simpson, Matt Groening , le
pidió a Zappa que expusiera el concepto del tiempo. “Creo que todo sucede
todo el tiempo”, respondió, “y que la única razón por la que pensamos
linealmente en el tiempo es porque estamos condicionados para hacerlo. Eso
es porque la idea humana de stu es: tiene un principio y un final. No creo que
eso sea necesariamente cierto. Pienso en el tiempo como una constante, una
constante esférica…” Zappa estaba encantado de encontrar esta idea en A
Brief History Of Time de Stephen Hawking (esto explica la dedicatoria a
Hawking en The Real Frank Zappa Book). ¿Místico?
¿Extraño? Lo extraño es que cuanto más escuchas, más verdaderas se
vuelven las palabras de Zappa. En lo que él llamó su obra, ¡realmente todo
parece suceder todo el tiempo!
Cuando Frank Zappa murió, los periodistas tuvieron que hacer sinopsis
rápidas. El habitual decía: "Guitarrista/escatólogo de rock de los sesenta que
maduró para convertirse en compositor clásico y portavoz de los medios".
Esto ignoró el hecho de que Zappa compuso partituras incluso antes de tocar la
guitarra, y que todo lo que dijo o hizo, incluso cuando dirigía orquestas sinfónicas,
tenía un tono satírico y mediático. Cuando dio a conocer algo “nuevo”, se podía
estar seguro de que era algo en lo que había estado pensando durante años, tal
vez desde siempre; y que la indignación que provocaría también se repitió de
antemano.
En 1984 lanzó una caja de triple LP llamada ThingFish, la banda sonora de
una 'comedia musical'. Se reprodujo tela de saco (o 'arpillera') en toda la caja y
el folleto. En 1969, Zappa le había dicho a la revista Zigzag sobre un musical
llamado Captain Beefheart Versus The Grunt People; la Gente Grunt, explicó,
'usan estas ropas que son como bolsas de arpillera con pescado y basura
cosidos en ellas'.
¿Se les ocurrió alguna vez a los críticos honrados que condenaron la 'vulgaridad'
de 'Titties And Beer' que su trama era en realidad una reescritura de 'A Soldier's
Tale' del reverenciado compositor clásico Igor Stravinsky? A mediados de los
ochenta, Zappa 'parodió' el número doowop de 1956 de The Channels 'The
Closer You Are'; ¿Sabía su audiencia adolescente de metal que una vez había
lanzado un álbum completo de este stu (Cruising With Ruben And The Jets,
1969)? ¿Que en 1963 había escrito y grabado una canción, 'Memories Of El
Monte', para los sobrevivientes del doowop The Penguins?
Al igual que los fractales de Mandelbrot, cada grotesco de Zappa surge de
algún pequeño detalle en el trabajo anterior (la célebre historia sexual 'Dinah
MoeHumm' fue anunciada por una frase en la historia de ciencia ficción dentro
del folleto que acompañaba a Uncle Meat) . El truco más ingenioso de Zappa, y
uno que aún provoca especulaciones frenéticas entre los zappólogos, ¡fue su
habilidad para parodiar las tendencias y los absurdos del negocio de la música
antes de que aparecieran! Tal vez el tiempo es de hecho una ilusión...
Rastrear las referencias y los detalles de Zappa puede convertir a individuos
aparentemente cuerdos en locos farfullantes (hola Danny, hola Gamma),
visionarios que gritan de alegría ante cualquier mención de caniches o dientes
dentales (o gordos sofás flotantes). Sin embargo, se puede decir en su
La defensa de que esta locura vale la pena el viaje porque la música de Zappa es tan
maravillosa: llena de melodías delirantemente hermosas, ritmos vigorizantes no estándar y
armonías suculentas del este de Viena. La mayor parte de la música, la mayor parte de la
cultura, se juzga en estos días de acuerdo con una lista de preceptos "políticamente correctos"
que son tanto remilgados como remilgados. Zappa hace volar por los aires al moralista de
PC, ofreciendo a sus oyentes una espeluznante experiencia estética . Si la respuesta es
“Estoy a la moda pero por supuesto que me ofenden” (como lo caracterizó una vez Zappa),
¡tanto peor para las costumbres convencionales y sus oídos tapados!
A pesar de su concepto del tiempo como una 'constante esférica', Zappa apreciaba las
tribulaciones de nosotros, los mortales lineales basados en el tiempo. Y el 4 de diciembre de
1993, la muerte de Zappa por cáncer de próstata fue un 'final' bastante definido. Sin embargo,
su trabajo perdura, en gran parte gracias a la decisión de Rykodisc de mantener todo el
catálogo en los estantes, pero también en apariencias tanto rockeras (hola Mun Men, hola
Grandmothers) como clásicas (hola Ensemble Modern, hola 10:10 Ensemble). Mientras tanto,
los compositores Simon H. Fell, Richard Hemmings y THF Drenching demuestran que el
perverso eclecticismo de Zappa ha abordado una genuina tradición.
Lo que sigue examina los álbumes en la secuencia en que fueron lanzados
(principalmente), comparándolos con las modas y las conformidades de grupos de pares que
ridiculizaban, mientras que al mismo tiempo respeta la "continuidad conceptual" de Zappa,
su propuesta de que "todo está sucediendo realmente". todo el tiempo…' Buena suerte.
ben watson
1 de abril de 1998
LA GENTE BUENA DE OMNIBUS DICE QUE VAN A REIMPRIMIR ESTE LIBRO, así que
He
añadido un capítulo sobre lo que se ha estrenado entre 1998 y 2005 llamado 'Existencia
póstuma'. Por lo demás, el texto sigue siendo sustancialmente el mismo, aparte de la
corrección de algunos errores tipográficos y errores, y algunas actualizaciones y mejoras
("pinzas", como dicen en los catálogos de G&S Music).
ben watson
1 de abril de 2005
2. LOS AÑOS VERVE
¡Asustarse!
Lanzamiento original: julio de 1966; Edición de CD Rykodisc/RCD 10501
W CUANDO FRANK ZAPPA HIZO SU DEBUT, HABÍA ESTADO ACTIVO EN EL
escena musical de Hollywood desde que se graduó de la escuela
secundaria en 1958. Había compuesto música para películas (The World's
Greatest Sinner y Run Home Slow), tocado en bares (tanto música lounge en
coctelerías como R&B en locales rudos) y finalmente encontró a los
músicos. necesitaba con The Soul Giants (Ray Collins en la voz, Roy Estrada
en el bajo, Jimmy Carl Black en la batería). Dirigió su propio estudio en
Cucamonga, produciendo sencillos novedosos con el ingeniero Paul Bu
('Tijuana Surf' fue un éxito en México) y muchas sobregrabaciones
experimentales en la entonces nueva y no probada grabadora de cintas
multipista. También vendía enciclopedias de puerta en puerta y trabajaba
en el departamento de publicidad de una empresa de tarjetas de
felicitación. En otras palabras, Zappa no era inocente de manipulación
comercial; de hecho, toda su artimaña "anticomercial" se basó en la idea de
cómo la cultura extraña, inconformista y opositora podía atraer la atención y vender discos.
La banda de Zappa, The Mothers ('Of Invention' se agregó ante la
insistencia de la compañía discográfica para disfrazar la connotación,
completamente intencional, 'Motherfuckers') fue firmada por el director de A&R
de la costa este de MGM, Tom Wilson. Wilson, uno de los primeros graduados
negros de Harvard, había producido tanto a John Coltrane (un extraño encuentro con
el pianista Cecil Taylor) y el nuevo y electrizante Bob Dylan (incluyendo la trascendental
'Like A Rolling Stone'). Cuando Wilson atrapó a The Mothers por primera vez, el guitarrista
Henry Vestine (más tarde con Canned Heat) estaba a bordo; estaban tocando un número
de R&B. Sin embargo, Wilson se entusiasmó con las ambiciones de Zappa y consiguió
25.000 dólares para hacer su primer disco, que iba a ser un álbum doble (6.000 dólares
era un presupuesto más normal en ese momento). Zappa reclutó a músicos de estudio y
fanáticos de la escena para aumentar una banda de rock ya poderosa. Zappa agradeció
el compromiso de Wilson (“se arriesgó al producir el álbum”); Wilson se quedó con The
Mothers hasta su cuarto lanzamiento (se le puede ver en primera línea del famoso Sgt.
Escena de multitud de parodia de pimienta de We're Only In It For The Money).
¡Asustarse! fue diseñado para inyectar una dosis viral de inteligencia, realismo y
antagonismo en el pop. Zappa quedó impresionado por la entrada de 'Like A Rolling
Stone' de Dylan en las listas de éxitos. Al igual que él, quería despertar a los jóvenes,
hacerles cuestionar el galimatías de la escuela secundaria de saludar a la bandera y
asistir al baile de graduación: prácticas que parecían conducir al servicio militar en
Vietnam y regresar en una bolsa para cadáveres. Zappa quería demoler el mundo
representado en American Gratti. La música era su arma: fuerte, vibrante, llena de caos
y guitarras eléctricas. Una fotografía solarizada mostraba a The Mothers frunciendo el
ceño en la portada, Zappa con un abrigo de piel de aspecto sucio. En la parte de atrás,
una virgen de secundaria llamada 'Suzy Creamcheese' nos dice que la banda está loca y
que todos huelen mal.
La calidad de la grabación suena refrescantemente grosera y cruda hoy, pero Zappa
en realidad estaba haciendo la música tan sofisticada, aunque tan ofensiva, como fuera
posible. En el tema de apertura, 'Hungry Freaks, Daddy', la clamorosa guitarra solista
reprodujo el ri distorsionado de '(I Can't Get No) Satisfaction' de los Stones. La letra
apunta con el dedo a 'Mr America' y amenaza con una ola creciente de inconformismo. El
salvajismo lascivo amenaza con volcar todo en una cacofonía. 'I Ain't Got No Heart'
pretendía resumir los 'sentimientos en las relaciones socialessexuales' de Zappa, sin
embargo, Ray Collins sonaba inquietantemente como una parodia de Jim Morrison con
The Doors (quienes estaban en el grupo). escena, pero sin firmar hasta más adelante en
el año). "¿Quiénes son la policía del cerebro?" – La oda de Zappa a
la noción autoritaria de crimen de pensamiento, incluido un momento impactante
de desorientación cuando Zappa dejó caer un tramo de cinta de una grabación
diferente (en 2.01). Al igual que William Burroughs, Zappa estaba dispuesto a
desconcertar a su audiencia empalmando y subvirtiendo sus medios técnicos de
representación. Quería que sus oyentes cuestionaran todo, incluida la 'autenticidad'
de su propio arte.
'Motherly Love' ofreció a las groupies un momento salvaje. Como no se hizo
nada para glamourizar a The Mothers más bien todo lo contrario la invitación hace
estallar las hipocresías habituales que cobijan el pop adolescente y las cuestiones
sexuales. 'Probablemente te estés preguntando por qué estoy aquí' es un abuso de
la audiencia tan divertido y provocativo como cualquier otro de los Sex Pistols diez
años después. Una cita en la portada comparaba el enfoque de Zappa con las
'absurdas' obras de teatro de Samuel Beckett.
Zappa también incluyó una cita del compositor de vanguardia Edgard Varèse:
'¡El compositor actual se niega a morir!' Más tarde, Zappa demostraría que su
comprensión de la música de Varèse era profunda (a pesar de las verificaciones de
nombres por parte de muchos compositores contemporáneos, hoy en día hay poca
música 'clásica' que no sea un retiro del modernismo incondicional de Varèse de la
década de 1920). La destrucción de Zappa del pop comercial Top 10 no fue
simplemente destructiva; lo que suena como una provocación dadaísta 'Help I'm
A Rock' y 'The Return Of The Son Of Monster Magnet' también es una composición
de sonido modernista de excelente forma (en otras palabras, compensa escuchar
repetidamente de una manera que, digamos, 'Revolution No 9' en el doble 'White
Album' de los Beatles no).
Un subtítulo, 'Danza ritual del asesino de niños', se refería a la trama del ballet
de Stravinsky La consagración de la primavera. Pero en este contexto escandaloso,
con 'Suzy Creamcheese' (interpretada por Jeannie Vassoir) sonando como si
estuviera perdiendo la virginidad y teniendo un orgasmo al mismo tiempo (esto era
en los años 60), nadie se dio cuenta. Explotar los requisitos del gusto (la 'buena'
canción pop, el 'agradable' arreglo, la 'composición 'seria') le permitió recombinar
íconos sociales con la emoción experimental del alquimista medieval (o, en la
versión pulp de los años 50 de Zappa, del Científico Loco agarrando un tubo de
ensayo de sustancia pegajosa espumosa.) Indignación respaldada por conciencia,
innovadora
composición, Freak Out! anticipó la música que Zappa haría por el resto
de su vida.
Dentro de la carpeta del álbum había una lista de 184 nombres en
ocho columnas de 23 (un número querido por Samuel FB Morse, Aleister
Crowley y William Burroughs). Proporcionó al converso una gran
cantidad de ocasiones para investigar e investigar. Si enloquecer! Si
hubiera sido todo lo que Zappa había lanzado, habría instigado un culto.
Así las cosas, era sólo un comienzo.
Absolutamente libre
Lanzamiento original: abril de 1967; Lanzamiento de CD Rykodisc/RCD 10502
¡ FUERA ! VENDIDAS SOLO 30.000 UNIDADES; SEGÚN ZAPPA, MGM
F
consideró que el álbum era una operación y el presupuesto se redujo a $ 11,000
para su sucesor. Frank perdió a Elliot Ingber, el guitarrista underground/
psicodélico por excelencia que resurgió como Winged Eel Fingerling en
la banda mágica de Captain Beefheart, pero ganó otros músicos para agregar
a su sección rítmica de Estrada/Black: el baterista Billy Mundi, el saxofonista
Bunk Gardner y el tecladista Don Preston. El padre de este último fue
compositor residente de la Sinfónica de Detroit; Preston creció escuchando la
música clásica de vanguardia que inspiró a Zappa. También tocó con el baterista
de John Coltrane, Elvin Jones, y estuvo de gira con Nat King Cole. Además de
eso, dirigía un club de música de vanguardia en Los Ángeles, donde él, Gardner
y Zappa habían improvisado películas de vida microscópica en un estanque.
¡Preston no había tocado en Freak Out! porque "no podía tocar rock'n'roll".
Ahora, después de tocar con algunas bandas de rock, estaba listo para
unirse a Zappa y llevar la música de vanguardia a las masas.
Absolutely Free es un disco más desafiante que Freak Out!.
En lugar de tres pistas de 'freak out' añadidas a un par de números de rock/pop
(aunque paródicos), todo está entretejido en dos suites.
A quienes lo escuchan por primera vez les resulta difícil creer que esta mezcla
salvaje de palabras habladas, chistes políticos y vocalización atonal (¿sin melodía?)
pueda convertirse en un favorito, pero las escuchas repetidas revelan maravillas.
En la apertura, el inmortal 'Louie Louie' de Richard Berry se utiliza como respaldo
para denunciar las hipocresías y represiones de los heterosexuales.
America. 'The Duke Of Prunes' y 'Call Any Vegetable' son melodías
geniales. Dada la atmósfera de indignación del álbum, tales felicidades rara
vez se comentaron. 'Invocation & Ritual Dance Of The Young Pumpkin' fue
el primer entrenamiento de guitarra prolongado de Zappa: sobre un zumbido
policordal estático, demostró que había absorbido a fondo las lecciones de
sus ídolos (Clarence 'Gatemouth' Brown y Johnny 'Guitar' Watson),
transformando su guitarra rockera irrumpe en un manifiesto contracultural.
'The MOI American Pageant' (lado dos del álbum de vinilo) proporcionó
una acusación adicional de la cojera de Estados Unidos. Todavía no tiene
paralelos para la conciencia generalizada y el bazo indignado. Los motivos
musicales y la retórica verbal/política están tan brillantemente entrelazados
que parece insuficiente llamar a 'Brown Shoes Don't Make It' una 'canción':
los fagotes, los violines y la electrónica construyeron un mosaico hirviente
de males contemporáneos (el mismo Zappa solo logró algo así nuevamente
en 1985 con 'Porn Wars'). Una plétora de empalmes de cinta mostró el
conocimiento de Zappa de la musique concrète, la música de vanguardia
que apareció en París después de la guerra, donde los compositores
usaban grabadoras para organizar el sonido. Zappa lamentó que la
producción en masa primitiva (vinilo analógico) significara que se perdieron
muchas exclamaciones clave de la representación final de la desesperación del bar.
En la reedición del CD, se ha secuenciado un sencillo contemporáneo
entre las dos suites: 'Big Leg Emma' b/w '¿Por qué no me haces bien?'
Este último es notable por la portada que hizo de él la banda de punk
Alternative TV de Mark P: la estupidez del rockero 'Louie Louie' trasciende
la guerra generacional. Un mensaje puntiagudo en el collage de la portada
de Zappa: 'La guerra significa trabajo para todos', junto con un hongo
bomba atómica (entre la 'Y' de Absolutely y la 'F' de Free) , originalmente
fue atenuado por MGM. En el gráfico reducido de la edición del CD, es
ilegible.
salsa grumosa
Lanzamiento original: mayo de 1967; Lanzamiento de CD Rykodisc/RCD 10504
L UMPY GRAVY TIENE UN LUGAR ESPECIAL EN LA OBRA DE ZAPPA ; LO CITÓ COMO
su favorito, y Civilization Phaze III, la obra magna que ocupó sus últimos
años, estaba destinado a ser su finalización. También constituye el rechazo
más extremo de Zappa a los formatos convencionales.
Aunque Capitol Records le encargó que 'escribiera algo para una orquesta', por
una suma de 40.000 dólares, Zappa también incluyó arreglos inquietantemente
cursi de alegres melodías, estallidos de distorsión de guitarra, interludios
acelerados, música concreta y discusiones extrañas de personas que habían
estado colocado dentro de un piano. Se mire como se mire, Lumpy Gravy
suplicaba un rechazo comercial.
Aunque muchos de sus procedimientos (collage, fragmentación, parodia, humor,
documental) se han convertido en requisitos en las academias de
música 'posmodernas', la escritura formal de Zappa era demasiado
descarada y audaz para el reconocimiento clásico contemporáneo.
La contraportada de Lumpy Gravy mostraba a Zappa, con esmoquin y sombrero
de copa, su fisonomía mediterránea no WASP mirando a la cámara, preguntando
"¿Es esta la fase 2 de We're Only In It For The Money?". Lumpy Gravy se diseñó
como un volumen complementario del próximo lanzamiento; funcionando como su
contrapartida sutil, poética y alusivo (incluso comparte un pequeño oasis de
orquestación tranquila y romántica).
Hacia el final, escuchamos a Zappa decir "Porque las cosas redondas son...
son aburridas". Luego exhala, como si expulsara humo. El oyente está lleno de
descontento poético, reflexionando sobre una lista de 'cosas redondas' (anillos de
humo, lógica circular, trabajo repetitivo, discos...). A pesar de su persistente condena
de las drogas, el ataque dadaísta de Zappa a lo mundano del día a día fue
interpretado universalmente como una fantasía alimentada por la droga. De hecho,
ningún drogadicto podría haber reunido la habilidad y la energía para construir la
monstruosidad surrealista de Zappa. Cuando el eslogan "Las cosas redondas son
aburridas" reapareció en la portada de One Size Fits All en 1975, los fanáticos
dedicados de Zappa que no se perdían ningún detalle se sintieron reivindicados.
Aquí había un arte diseñado deliberadamente para compensar la investigación
obsesiva. Lumpy Gravy apareció en las listas de álbumes de EE. UU. por solo
una semana, en 159. Sin embargo, simplemente por su negativa a ser medido
por cualquier estándar externo, el álbum sigue siendo uno de los grandes
momentos del arte moderno: un derroche de indulgencia intrincadamente
elaborada que reprocha cada ortodoxia al servicio del tiempo, cada vez
servidor en el negocio de la música.
Solo estamos en esto por el dinero
Lanzamiento original: septiembre de 1968; Edición de CD Rykodisc/RCD
10503
¡ AQUÍ AMOR ! ABIERTO CON UNA AFRENTADA ENMASCARADA COMO
W
canción pop, Money abre con una sección de música concreta
consumada que suena como un eructo. Zappa sumerge al oyente en un
collage sonoro que retrata la inarticulación tartamudeante de la
subcultura hippie: "... er...", "... er...", "¿estás colgado?", "... fuera de vista, sí".
La sátira de Zappa es un bálsamo para el alma de cualquiera que haya
sufrido víctimas de la moda lisiadas por las drogas. Leon Trotsky
argumentó que la escritura de la historia debe ser comprometida,
partidista: la descripción de Zappa de la cultura juvenil tiene una carga
similar. Te hace tomar partido. En el apogeo de Flower Power, cuando los
Beatles (y los editores de las revistas de rock de todo el mundo)
habían adoptado la combinación de Allen Ginsberg del nirvana del
nunca jamás y el erotismo de la lujuria por la juventud, Zappa lanzó una andanada de objec
Zappa siempre sostuvo que los monstruos de Los Ángeles eran superiores
a los hippies de San Francisco. Estaba indignado de que Jeerson Airplane y
The Grateful Dead fueran aclamados como héroes contraculturales. Según él,
su música 'ni siquiera era tan funky como el pequeño combo de R&B que tenía
en la escuela secundaria'. '¿Quién necesita el Cuerpo de Paz?' repasó una
lista de clichés de Frisco: Augustus Stanley Owsley III, el productor de ácido
de la escena; las 'mazmorras psicodélicas' que eran los
clubes hippies; El lugar célebre de Bill Graham, el Fillmore. La crítica de
Zappa a los hippies no era solo malhumorada: era urgente y política.
'Concentration Moon' hizo advertencias sobre los campos de internamiento
que Richard Nixon estaba preparando para los inconformistas, mientras que
'Mom And Dad' fue una escalofriante premonición de cómo las fuerzas del
establishment responderían al movimiento contra la guerra (en 1970, cuando
la Guardia Nacional roja en los manifestantes en la Universidad Estatal de
Kent, la letra de Zappa se convirtió en una sangrienta realidad). 'Absolutely
Free' se burló de Flower Power al comparar sus imágenes psicodélicas con
los nombres de los renos en el banal éxito de temporada de Johnny Marks
'Rudolf The Red Nosed Reindeer'.
Money concluyó con 'The Chrome Plated Megaphone Of Destiny', un
escandaloso montaje sonoro diseñado para superar la orquestación
'alucinante' de George Martin al final de Sgt. Pimienta. La Nueva Madre Ian
Underwood fue un intérprete premiado de Mozart; Zappa usó su toque sutil
para uno de sus propios estudios. Sin embargo, el piano está grabado con
tal realismo de percusión que se vuelve tan extraño como la risa acelerada
que lo acompaña y la electrónica tipo Stockhausen (tamboura y koto twangs
alimentados a través de osciladores y faders).
Las portadas de Lumpy Gravy y We're Only In It For The Money
anunciaban la llegada de Cal Schenkel, el intérprete visual más sugerente
de Zappa. Schenkel entendió la estética dadaísta. Proyectó los detalles
interactivos y multiplicadores de Zappa en el plano visual, proporcionando
innumerables motivos para el detective de la continuidad conceptual. Su
famoso sargento. La parodia de Pepper fue fotografiada por Jerry Schatzberg
en su estudio de Nueva York; Los Mothers estaban apoyados por Tom
Wilson por un lado y Jimi Hendrix por el otro. Una foto de la hija del gerente
Herbie Cohen, Lisa, fue colocada en los brazos de Hendrix. La esposa de
Frank, Gail, embarazada de su hija Moon Unit, llevaba un vestido azul
brillante. Los abogados de MGM insistieron en estampar barras en los ojos
de cualquiera en el collage que todavía estuviera vivo: su paranoia
simplemente lo hizo aún más siniestro. Zappa se aseguró de que MGM
utilizara las mismas impresoras que imprimieron el comunicado
estadounidense de Sgt. Pepper: los colores y el tacto eran perfectos. En las
notas de portada, Zappa aconsejó a los oyentes que leyeran 'En la colonia penal', un cuen
que trataba sobre el abuso homoerótico, el colonialismo y la atrocidad militar/judicial.
El dinero sigue siendo una experiencia perturbadora hasta el día de hoy.
Navegando con Ruben y los Jets
Lanzamiento original: noviembre de 1968; Edición de CD Rykodisc/RCD 10505
N EN MEDIO DE LA APERTURA DEL POP A TODA MANIFESTACION SUBVERSIVA del
I
cultura moderna, Zappa grabó un disco de nostalgia retrospectiva. Se remonta al
doowop de los años 50. Ruben And The Jets, declaró, fue construido en el espíritu de las
obras neoclásicas de Stravinsky ("La fuente del amor" se desvaneció en un ri derivado de
La consagración de la primavera): un simulacro. Los gráficos de Cal Schenkel reforzaron la
sensación de esquizofrenia: una fotografía de The Mothers se rompe para revelar un universo
impersonal de plomería victoriana, circuitos impresos y accesorios de cohetes espaciales.
Zappa jugó con la idea de un sonido bajo deliberadamente rasposo, pero se conformó con
sonoridades comprimidas que enfatizan la naturaleza mecánica de la música. En 'Stu Up The
Cracks', el cantante se gasea. Todo el disco trata sobre la claustrofobia y la asfixia, como dice
una voz en 'Later That Night': "aquí no hay espacio para respirar". Esto se aplicaba tanto a la
mentalidad cerrada de los años 50 como a la naturaleza restringida de la música.
Ruben And The Jets es el único álbum de Zappa para el que el crítico Greil Marcus tiene
tiempo. Aunque esto demuestra los peligros de permitir que los dylanólogos expresen juicios
musicales, prueba que Ruben es más que una parodia condescendiente. Cuando el legendario
zappólogo Danny Houston compró el disco, se fue a casa y lloró al verlo. Dentro de las paredes
delgadas como el papel de las satíricas pistas múltiples de Ruben hay una capa de auténtico
doowop.
alma. El vocalista Ray Collins nunca cantó mejor. Desafortunadamente, el
lanzamiento digital tiene partes de contrabajo y batería dobladas en 1984
por Arthur Barrow y Chad Wackerman (a excepción de 'Stu Up The Cracks'),
una decisión que Zappa no revirtió bajo la presión de los fanáticos (como lo
hizo con We're Only In) . Es por el dinero). Encuentra el vinilo si puedes.
Carne del tío
Lanzamiento original: marzo de 1969; Lanzamiento de CD Rykodisc/
RCD 10506/07
Z APPA SEGUIBA IMPRIMIENDO LA CITA DE EDGARD VARÈSE EN SUS ÁLBUMES –
“¡El compositor actual se niega a morir!” – pero hasta ahora su talento para la
indignación había oscurecido sus habilidades como compositor. Uncle Meat
pretendía corregir eso, un lanzamiento de doble vinilo que minimizó las letras.
“Básicamente, este es un álbum instrumental”, decía dentro de la portada.
Una nota describía la técnica de sobregrabación, que se utilizó ampliamente,
abriendo el extraño mundo de la orquestación virtual.
Los nuevos reclutas Art Tripp y Ruth Komano (más tarde Underwood) eran
percusionistas de formación clásica. Ayudaron a Zappa a darse cuenta de
algunos de sus ingenios métricos finales. Ian Underwood tocaba
el clavicémbalo; una cualidad tintineante y absurda infunde toda la música. Uncle
Meat se convirtió en un gran favorito en Europa y casi sin ayuda dio origen al
género 'Art Rock'. Aunque Canterbury Rock y Henry Cow podrían haber
fusionado Stravinsky, rock y absurdo 'patafísico' sin el ejemplo de Zappa,
parece poco probable. Fred Frith cita 'Nine Types Of Industrial Pollution'
como inspiración, especialmente por la forma en que se grabó la guitarra.
La ex compañera de casa Pamela Zarubica apareció como la 'Voz del queso'.
Zappa lleva al oyente de la intimidad doméstica al espectáculo de la sala de rock
en sacudidas impresionantes. En Lumpy Gravy, la palabra hablada se convirtió
en música como si las notas fueran expresiones de lo subverbal; en Uncle Meat,
la división entre lo privado y lo público se vuelve evidente. Una grabación en vivo
de Don Preston tocando 'Louie
Louie' en el órgano del Royal Albert Hall, entre aplausos salvajes, simbolizaba
cada profanación que Zappa deseaba perpetrar contra los valores del viejo
mundo. En buena medida, The Mothers también asesinaron a 'God Bless
America' (una declaración equivalente a las distorsiones que Hendrix estaba
aplicando a 'The Star Spangled Banner').
'The Air' tenía letras sobre registros aduaneros y grabaciones.
Se puede escuchar al baterista Jimmy Carl Black quejándose de la política y
la paga de la banda. En una versión anterior de Uncle Meat transmitida por la
radio alemana, se puede escuchar a Black decir '¿Está encendida esa cosa?'
Zappa responde 'No'. Este intercambio se omitió en el lanzamiento final, pero
mostró la conciencia de Zappa sobre las relaciones de poder de la grabación.
Como ha señalado el zappólogo Jonathan Jones, esto era apropiado en un
período que culminó con Watergate y la destitución de un presidente de EE.
UU. sobre la base de grabaciones ilícitas.
En el vinilo original, la cara cuatro estaba ocupada por seis versiones
diferentes de 'King Kong' (la espléndida oda de 3/8 de Zappa al gorila
maltratado). Esto se convirtió en una característica habitual de sus álbumes
de doble vinilo: un lado final de la 'música musical'. Para la reedición del CD,
para convertirlo en un lanzamiento de doble disco, se agregó media hora de
la banda sonora de la película Uncle Meat . Esto resta valor a la brillante
densidad estadística del álbum (aquellos que deseen experimentar el álbum
en su forma original deben programar el disco dos desde 'King Kong Itself' en
adelante). De manera gratificante, la reedición del CD incluye una reimpresión
del folleto original, con elementos esenciales como las partituras de 'Uncle
Meat' y 'King Kong', un diagrama de un pie de muñeca cuando era joven,
referencias a la obra maestra contemporánea de Captain Beefheart, La
máscara de trucha . Réplica, más la primera incursión de Zappa en la ciencia
ficción: especulaciones sobre cómo los medios dictan nuestro sentido del
tiempo. Debajo de los clichés de la película B de Zappa hierve una paranoia similar a la de
3. LOS AÑOS BIZARROS
ratas calientes
Lanzamiento original: octubre de 1969; Edición de CD Rykodisc/RCD
10508
Z EL CONTRATO DE APPA CON MGM VENCIÓ A FINALES DE 1968. EN MARZO
1969, Zappa y el manager Herbie Cohen establecieron Bizarre Records.
Esto les dio control sobre la música y el empaque, pero necesitaban una
mayor distribución: eligieron Reprise, el sello de Frank Sinatra, que
recientemente había sido adquirido por Warner Brothers. Al igual que Lumpy
Gravy, Hot Rats fue un disco en solitario acreditado a Frank Zappa. Sin
embargo, prescindió de la disrupción Dada en favor de melodías duras y
una producción de vanguardia. Usando una grabadora de 16 pistas por
primera vez, Zappa dijo más tarde que el álbum era "más sobre doblaje que
cualquier otra cosa". (La reedición del CD reemplazó algunas
sobregrabaciones que el vinilo no pudo soportar). El álbum fue un
éxito en Gran Bretaña, donde se convirtió en el disco más famoso de
Zappa: las "interrupciones" proporcionadas por sus letras y palabras
habían sido barreras para su aceptación (esto ayuda a explicar el culto de
Zappa en Europa; para los que no hablan inglés, su las palabras son menos perturbadoras)
Ruben And The Jets demostró que las raíces del rock'n'roll son más
profundas que unos cuantos lametones de Chuck Berry. El jazzrock de Hot
Rats también caló hondo. Zappa llamó a algunos de los grandes músicos de
la Costa Oeste. A finales de los años 50, el violinista Don 'Sugarcane' Harris había
sido parte de un dúo llamado Don & Dewey, grabando recrackers de R&B al
estilo de Little Richard para el sello Specialty. El bajista Max Bennett era un
veterano de los estudios de Hollywood; había tocado con Shorty Rogers, Vic
Feldman y Quincy Jones, y estuvo de gira con Peggy Lee.
John Guerin era un joven baterista que había estado trabajando con Tom Scott
en la fusión del rock y el jazz. Paul Humphrey había tocado la batería para
Wes Montgomery, Gene Ammons y Lee Konitz. En otras palabras, Zappa se
abasteció de la sección rítmica de nido que el dinero podía comprar. La otra
presencia importante en el disco fue Ian Underwood, quien aportó lengüetas y
teclados. Los críticos de jazz se opusieron a su sonido inexperto, pero su
saxofón resoplando es fresco y espontáneo.
La letra de 'Willie The Pimp' deriva de una entrevista que Zappa realizó con
una groupie de Nueva York llamada Annie (incluida en el disco misterioso ;
consulte el capítulo 9). Comienza con una voz lasciva y gruñona de Captain
Beefheart y un violín empapado de blues de Sugarcane. Zappa luego se
sumerge en un solo de guitarra clásico. Su pedal wahwah hizo que las notas
hablaran, mientras que su sentido de la melodía evoca una melancolía
anhelante en medio de todo el frenesí. En el resto del álbum, las melodías
perversas mantuvieron los unísonos flotantes, mientras que la comprensión de
Zappa de la orquestación de la música cinematográfica proporcionó armonías
exóticas. El 'organus maximus' de Ian Underwood era en realidad un órgano
de tubos. Zappa superpuso la percusión (cadenas, castañuelas) para proporcionar un chispo
En 'Gumbo Variations', la música silba como una olla a presión: una nueva
mirada a la idea jazzística de 'cookin'. En la portada, la señorita Christine de
GTO acecha dentro de una piscina en desuso: una imagen llamativa que se
vio bajo el brazo de muchos en los vertiginosos días de principios de los 70.
Sándwich Weeny Quemado
Lanzamiento original: diciembre de 1969; Lanzamiento de CD Rykodisc/
RCD 10509
URNT WEENY SANDWICH ES DE VERDAD UN SANDWICH; ZAPPA CARNE
Composiciones B entre dos porciones de trivia: 'WPLJ' (un jingle para White
Port y Lemon Juice), y una versión de 'Valarie' de Jackie & The Starlites (la
forma en que el cantante rompe a llorar sobre el original debe ser escuchada
ser creído). Según el escritor Barry Miles, Johnny Otis, el padrino del R&B,
guió a The Mothers a través de las partituras de Zappa, mientras el
compositor supervisaba la grabación en la cabina de control. ¡Otis en realidad
estaba aplaudiendo en la cara de Roy Estrada, quien no agradeció su ayuda!
Se implementaron ecos y desafinaciones para lograr una sensación 'grasienta'.
'Igor's Boogie' fue escrita para Stravinsky, mientras que 'Holiday In Berlin' fue
para los estudiantes alemanes militantes que habían protagonizado una invasión
al escenario en octubre de 1968, exigiendo que Zappa hiciera una declaración
anticapitalista. (Zappa dijo más tarde que sus líderes querían que le dijera a la
audiencia que incendiara una base cercana de las Fuerzas Armadas
estadounidenses). 'Aybe Sea' era un estudio de piano tintineante que nuevamente
se basaba en el toque sensible de Ian Underwood: en el vinilo, sus meditaciones
terminan la cara uno y se reanudan en la cara dos. El sonido es crudo y extenso
en comparación con Hot Rats. El solo de Sugarcane en 'The Little House I Used
To Live In' es una impresionante tormenta eléctrica, mientras que el solo de
órgano de Zappa recuerda los 'rudimentos' de la banda de gaitas que aprendió
cuando tenía doce años en la clase de percusión de Keith McKillop en 1952.
King Kong: JeanLuc Ponty interpreta al
musica de frank zappa
Lanzamiento original: enero de 1970; Lanzamiento de CD Capitol/Blue Note
CDP077778953920
UNA DELICIOSA COLECCIÓN DE JAZZ HUMOURESQUES. EL
VIOLINISTA Jean Luc Ponty estuvo acompañado de excelentes
músicos: Art Tripp y John Guerin tocaron la batería, Buell Neidlinger (ex
Cecil Taylor) y Wilton Felder (pluriempleo de The Crusaders) el bajo.
Zappa contribuyó con la guitarra wahwah a una composición de
Ponty, e Ian Underwood dirigió 'Music For Electric Violin And Low
Budget Orchestra' (llamado así después de que Pacic Records rechazó la
solicitud de Zappa de una orquesta de 97 piezas). Ponty más tarde se
peleó con Zappa, pero en esa fecha su experiencia en la
música clásica y la escena experimental parisina era muy congruente.
El disco también se destacó por los elegantes acordes del pianista de
Cannonball Adderley, George Duke, quien formó una banda de
jazzrock con Ponty y posteriormente se unió a The Mothers. Leonard
Feather, decano de los críticos de jazz, contribuyó con notas urbanas.
Las comadrejas rasgaron mi carne
Lanzamiento original: febrero de 1970; Lanzamiento de CD Rykodisc/
RCD 10510
CABALLETES… FUE DISEÑADO ORIGINALMENTE COMO MUESTRA PARA UN REGISTRO DE 12
W
SET, La historia e improvisaciones recopiladas de las madres de la
invención. Cotejó grabaciones en vivo y de estudio, demostrando que, para
Zappa, el R&B pesado (la interpretación de Sugarcane de 'Directly From My
Heart To You' de Little Richard es consumada) era parte del mismo universo
sonoro que la música orquestal de vanguardia de Edgard Varèse y el out jazz
de Eric Dolphy. Este último recibió su propio 'Memorial Barbecue', un
sorprendente encuentro entre extrañas armonías y distorsión
electrónica.
Comadrejas también presentó otra portada notoria, una pintura hilarantemente
espantosa de 'Neon Park' (Martin Muller de San Francisco). Cuando el guitarrista
Lowell George, a quien se puede escuchar imitando a un oficial de la Gestapo
en 'Didja Get Any Onya', se separó para formar Little Feat, insistió en usar Neon
Park para todas sus versiones.
El título de 'Prelude To The Afternoon Of A Sexually Aroused Gas Mask' hizo
alusión al ballet de Debussy sobre el fauno saltando, pero los sonidos de rock
pesado eran totalmente The Mothers. 'My Guitar Wants To Kill Your Mama' es
un ícono de la rebelión adolescente, tan hábilmente ejecutado que se siente
como una parodia. Este distanciamiento fue diseñado para alterar las nociones
del rock como autoexpresión, para aislar las actitudes sociales para que pudieran
ser examinadas a la luz de la razón. Esta timidez estaba empezando a molestar
a los principales críticos de rock.
La canción principal fue simplemente dos minutos y siete segundos de
retroalimentación. Serían muchos años más tarde, con la llegada de bandas
de lo y 'noise' como Sonic Youth, que tales estrategias se volverían familiares
para los oyentes de rock. Tal como estaban las cosas, Zappa estaba feliz de
ser conocido como el Rey de lo Extraño: le dio carta blanca para emplear
cualquier textura o estilo musical que se le antojara.
La venganza de Chunga
Lanzamiento original: octubre de 1970; Lanzamiento de CD Rykodisc/
RCD 10511
CMARK Volman y Howard Kaylan, un dúo que luego cantó los coros de T.
HUNGA'S REVENGE PRESENTÓ A LOS CANTANTES FLO Y EDDIE (EXTORTUGAS
Rex), una indicación de que Zappa no solo emplearía músicos para complementar
a Mothers Of Invention, sino también a nuevos cantantes y personalidades (un
crimen para los 'fans' originales de Mothers nunca perdonó). Aynsley
Dunbar, que había tocado con The Mojos, John Mayall's Bluesbreakers y Je
Beck Group, e hizo una versión de 'Willie The Pimp' en su álbum Blue Whale ,
proporcionó una batería potente pero fluida muy diferente del fuerte pisotón de
Black o del tiempo complicado. jugando de Tripp y Komano. 'Transylvania
Boogie' se llamó apropiadamente, ya que Zappa se gloriaba en las armonías
gitanas y manejaba el pedal wahwah. 'Twenty Small Cigars', una toma de
Hot Rats , tenía una inquietante calidad de cool jazz. 'The Nancy And Mary
Music' presentaba las "imitaciones de tambores vocales" de George Duke, su
propia versión de la ridícula vocalidad de The Mothers. Como de costumbre,
Zappa abrió un camino creativo entre el burlesque y el experimento. Underwood
puso su saxo alto a través de un pedal wahwah. El tono extraño,
quejumbroso y claustrofóbico que resultó fue sin duda la inspiración para el
concepto de portada de Zappa: una “aspiradora industrial mutante” bailando sobre
un “misterioso campamento nocturno” con castañuelas “atrapadas por la
horrible succión de su resistente manguera”. La esposa de Zappa, Gail, cita
la
el título del álbum como prueba de la presciencia de Frank, en ese momento no
tenía idea de que La Chunga era una cantante líder de amenco.
Las pistas vocales hacían observaciones sociopolíticas sobre la histeria del rock,
la frustración sexual y la agresión masculina (tanto militares como de los maosi
sindicales pistoleros). Los ejemplos de laboratorio de Zappa del comportamiento de
las estrellas del pop (Volman y Kaylan) se colocaron bajo un microscopio surrealista:
una vista previa de la película 200 Motels. 'Road Ladies' detalló los placeres y las
enfermedades que se derivan de las groupies ("no es mejor que te pongas una
inyección del médico"). La misma condición médica proporcionó un título para un
fragmento brillante de dibujos animados Varèse percusión interpretada por Zappa:
' El aplauso'.
Fillmore East junio de 1971
Lanzamiento original: agosto de 1971; Lanzamiento de CD Rykodisc/RCD 10512
FGarabatear con lápiz el título en una cartulina blanca normal ('hizo
O LA PORTADA DE FILLMORE EAST – JUNIO DE 1971, LE DIJERON A CAL SCHENKEL
yo lo hago', puso después de su crédito en la parte posterior). La música
también era grosera y cruda: cuarenta minutos de rock grabados en vivo en el
local de Bill Graham en la ciudad de Nueva York. Zappa sostuvo que,
más que notas o ritmos particulares, el timbre (la calidad del sonido) definía
el rock. Lo demostró aquí con nuevas versiones de 'Little House I Used To Live
In', 'Willie The Pimp' y 'Peaches En Regalia': la amplitud de acordes
estridentes, difusos y poderosos de la banda los hace completamente
diferentes del bizarro, el jazz. rock de Burnt Weeny Sandwich y Hot Rats.
Volman y Kaylan realizaron una rutina de vodevil que hizo circular el folclore
del rock clandestino sobre las groupies: la que insistió en que antes de meterse
en la cama, la estrella del pop cantara su éxito; juegos lascivos jugados con
tiburones de barro y pulpos arrojados por una ventana en el Edgewater Inn de
Seattle. Como de costumbre, la indignación por la 'obscenidad' tendió a eclipsar
la calidad musical de este combo verdaderamente 'rockero'. Del mismo modo, la
velocidad constante de la banda hace que sea fácil pasar por alto cuán sutiles y
complejas son en realidad composiciones como 'Little House', 'Latex Solar Beef'
y 'Peaches' (el gran respeto por Zappa entre los músicos se puede atribuir al
hecho de que el los acordes y ritmos que usa, incluso para sus llamadas melodías
de 'comedia', son claramente no estándar). El solo de Moog de Don Preston en
'Lonesome Electric Turkey' fue una mini sinfonía de vanguardia
electrónica, haciendo que los experimentos contemporáneos de Paul Bley suenen
domar.
En ese momento se publicó un sencillo de vinilo de 7 "de la última pista, 'Tears
Began To Fall', con un solo de guitarra en el anverso llamado 'Junior Mintz Boogie' (por
alguna razón, ambas melodías fueron acreditadas a 'Billy Dexter' ). Desafortunadamente,
esta joya perdida no se incluyó en el CD y, lo que es peor, 'Willie The Pimp Part
Two' (en vinilo, la cara uno terminó en medio de este tremendo solo de guitarra; se
reanudó una vez que se entregó el disco) fue también omitido. Zappa dijo que procedía
de una interpretación diferente, y sin la pausa que proporciona el cambio de cara de un
disco, sonaba extraño.
Los detectives de la continuidad conceptual se complacieron al notar la aparición
de palabras de 'Latex Solar Beef' "ver el chillido/caliente negro humeante/iridiscente
pitón naugahyde reluciente/rodillo de vapor" en 'Stick It Out' en Joe's Garage, ocho
años después ( esta vez, debido a la presencia de una hoja de letras, este conjuro
cabalístico erótico puede ser descifrado). John Lennon y Yoko Ono aparecieron en el
escenario con The Mothers en este concierto (6 de junio de 1971) y parte del caos
resultante apareció en la cuarta cara de su doble de 1972, Some Time In New York
City. (Lennon respondió a la parodia de la carátula del sargento Pepper de Zappa en
We're Only In It For The Money, borrando una copia de la carátula para Fillmore East,
junio de 1971, enumerando los créditos del músico con rotulador, y la reprodujo como
un interior manga a Some Time…)
Los oyentes acostumbrados a los valores de producción premium de Zappa
tendrían que esperar hasta Playground Psychotics de 1992 para desenredar los gritos
primitivos de Yoko Ono de la guitarra rabiosa de Zappa.
200 moteles
10513/14
APPA SE SORPRENDIÓ AGRADABLEMENTE CON EL PRESUPUESTO
DE $630,000 QUE LE OFRECIÓ United Artists para su primer largometraje.
Decidió triunfar en Inglaterra y aprovechar la Royal Philharmonic Orchestra:
a 1000 libras esterlinas al día para una orquesta de 100 músicos, le permitiría
escuchar una cantidad significativa de la música orquestal que había estado
escribiendo durante la gira. Criticado casi universalmente por los críticos de
cine por su "autoindulgencia" (caos narrativo y bromas internas), 200 Motels
es en realidad un "documental surrealista" de la experiencia de la carretera.
Escribiendo retrospectivamente en la revista Avant , el compositor
dadaísta Richard Hemmings, demasiado joven para sentirse indignado por la
incorporación de Flo & Eddie a Mothers, lo aclamó como un
trabajo de 'antropología social'. El principal crítico de jazz de Alemania,
Joachim Berendt, calificó la película como “un ejemplo especialmente
revelador de vestir una intelectualidad altamente desarrollada al
estilo de un Don Quijote contemporáneo y extraño”.
200 Motels también funciona como álbum. La música de Zappa siempre se
ha tratado de la colisión de actitudes sociales implícitas en los géneros. La
presencia física en Pinewood Studios de una orquesta sinfónica y auténticas
estrellas del rock (Volman y Kaylan, junto con Ringo Starr como 'Larry The
Dwarf', Keith Moon como monja y groupie en prácticas, y la baterista Aynsley
Dunbar) le permitió hacer palpable la colisión. . En el disco, estas fuerzas se
manifiestan en magníficas transiciones entre la sensibilidad de la orquesta de
cuerdas y la furia del rock duro.
'Magic Fingers' mostró que Zappa había estado escuchando Black Sabbath;
el hecho de que sus partituras finalmente fueran interpretadas por una
orquesta 'adecuada' pareció empujarlo al extremo opuesto en su composición.
El ri descendente y su propio solo de guitarra en vivo en la pantalla detonaron
nuevas profundidades de pesadez.
Una versión orquestal de 'Holiday In Berlin' de Burnt Weeny Sandwich
proporciona la "Obertura SemiFraudulenta/DirectaDesdeHollywood". La
introducción original, el discurso de Ringo sobre cómo la revolución del rock
ha "pudrido" las mentes de los jóvenes y significó volver a entrenar a los
músicos orquestales para el mundo moderno, se reduce al compère
Theodore Bikel diciéndonos que Larry The Dwarf está "disfrazado como
Frank Zappa". (en la película, Ringo colgaba del extremo de un cable como
una marioneta). 'Mystery Roach' detallaba la fatiga de las drogas y la
carretera ("¿Sobre qué estamos cantando?... Debemos estar bebiendo..."),
mientras que 'This Town Is Un sándwich de atún sellado' es un retrato
brechtiano de la sordidez y el tedio de la metrópolis moderna.
Jimmy Carl Black interpretó el papel de 'Lonesome Cowboy Burt', el
campesino sureño que odia a los hippies, con especial alegría, la ironía es
que es mitad indio cherokee (también escuchas a George Duke
proporcionando un trombón estruendoso). "¿Quieres un bocadillo?" ,
'Centerville', 'She Painted Up Her Face', 'Half A Dozen Provocative Squats'
y 'Shove It Right In' describieron a la banda y las groupies mientras se
preparaban para encontrarse. La música tiene una sensación de vodevil que
era un anatema para la sensibilidad del rock pesado, pero el baño fue
completamente intencional: Zappa estaba documentando la realidad detrás
de la megalomanía escenificada de artistas como Led Zeppelin. En la
película, 'Lucy's Seduction Of A Bored Violinist' usó tecnología de video para
proyectar las eróticas gesticulaciones de Lucy Oferall sobre los obedientes
movimientos de brazos de un violinista de RPO. En esta sátira, nadie quedó
en el anzuelo.
'I'm Stealing The Towels' y 'Dental Hygiene Dilemma' fueron la banda
sonora de las animaciones de Cal Schenkel, enfatizando la afinidad que
tiene la música de Zappa con los dibujos animados, con su rapidez,
violencia, humor y desprecio por la 'profundidad' realista burguesa. 'Daddy,
Daddy, Daddy' fue la canción más tierna que escribió Zappa, describiendo el encanto de u
groupie confiada para músicos hambrientos de sexo. 'Penis Dimension'
se burló de las ansiedades masculinas sobre el tamaño del estimado
órgano y '¿Qué me traerá esta noche esta mañana?' sacó a relucir la
contingencia conmovedora de un encuentro sexual. Toda esta música
estaba bien organizada, con las voces de Flo y Eddie sobre
orquestaciones complejas. Si la película no hubiera sido también un
aluvión de bromas, absurdismo y aparente caos, habría sido aclamada
como 'ópera rock'.
'A Nun Suit Painted On Some Old Boxes' llevó el absurdo a nuevas
alturas, cuando una soprano clásica cantó un aria atonal a Motorhead
mientras lo encerraba en unas cajas de cartón (pintadas con un traje de
monja). Todo resulta ser un sueño soñado por Keith Moon, como monja
y aprendiz de grupo. Pierrot Lunaire de Arnold Schoenberg (escrito en
1912) es ampliamente reconocido como la obra fundacional de la atonalidad.
Rendir homenaje a la locura tocada por la luna de Pierrot Lunaire en un
sueño de Keith Moon es un ejemplo clásico de la presciencia de Zappa.
Además, los zappólogos lo suficientemente asiduos como para rastrear
'Totenlied auf den Kater' de Theodor Adorno de su proyecto musical The
Treasure of Indiana Joe (1932/3), encontrarán otro ejemplo profético: 'A
Nun Suit' es tan extrañamente similar que suena como una parodia.
(Cuando escuchó la música de Adorno, un CD enviado por Florindo
Volpacchio de Telos en 1991, Zappa no notó ningún parecido, aunque
respetaba la música de Adorno y decía que no la encontraba “escolar”).
Al final de 'Magic Fingers', el monólogo de Howard Kaylan sobre sus
ansias sexuales ("wee wee in her hair") expresa todo lo que omite la
'seriedad' clásica. Las letras de 'The Girl Wants To Fix Him Some Broth'
y 'Little Green Sweaters And Corduroy Ponce' (títulos que hacen que la
mayoría de los títulos de rock parezcan verbalmente desnutridos)
anticipan el juego de palabras de las canciones de mediados de los 70 de Zappa.
Una nota a Uncle Meat decía que la letra fue “preparada científicamente
a partir de una serie aleatoria de sílabas, sueños, neurosis y chistes
privados”. Bromas, sueños y neurosis fueron utilizados por Sigmund
Freud para rastrear las operaciones del inconsciente. Cuando la soprano
canta "El caldo me recuerda a las monjas, las veo destrozando niños
con reglas... ¡Bap!", Zappa está asociando libremente, permitiendo
conexiones para abrir sus bancos de memoria (en este caso, recuerdos
dolorosos de su educación católica). Al final, 'Strictly Genteel' le dice a la
audiencia que "extienda su mano a/la chica del libro de perros"; “ten piedad
de… las bolleras y los niños raros que crían”; “Ayuda a todos/para que todos
tengan algo de acción/algo de amor el fin de semana/alguna satisfacción real”.
El concepto de Zappa de la política del rock no era propaganda de posiciones
prefabricadas sino una liberación de deseos inconscientes, un asalto a la
censura tanto personal como pública.
La película termina con un primer plano del globo ocular de Zappa, mientras
Howard Kaylan dice: "Él es el tipo que me está obligando a hacer toda esta
mierda...". sentido común, fomentando así la realización de deseos
antiautoritarios por parte de su audiencia. Esta estrategia dadaísta impresionó
a pocos críticos de cine, pero a los fanáticos de Zappa se les concedió música
que alternaba rock y timbres orquestales con una intensidad chillona. Toda la
película tiene el ímpetu de una cantata, un ejemplo único de película a través
de la música compuesta.
La reedición del CD de Rykodisc se retrasó mucho. 200 Motels pertenecía
a United Artists, la única cinta maestra que Zappa no logró asegurar en su
vida. Cuando llegó el paquete de lujo, incluía versiones reproducibles en CD
ROM de los avances cinematográficos de Schenkel, un póster desplegable de
la película (que mostraba a Ringo Starr disfrazado para parecerse a Frank
Zappa) y un ensayo minucioso y lleno de hechos sobre la realización de la
película por Patrick. Pendiente.
Solo otra banda de LA
Lanzamiento original: mayo de 1972; Edición de CD Rykodisc/RCD 10515
EL 20 DE DICIEMBRE DE 1971, UN MIEMBRO DE LA AUDIENCIA LLAMADO TREVOR
Howell se impulsó al salón de la infamia del rock empujando a Zappa
fuera del escenario de cinco metros en el Rainbow Theatre de Londres. Zappa
sufrió una fractura de cráneo, un cuello torcido, una muñeca y una pierna
rotas y un brazo paralizado. Fue estafado a una silla de ruedas durante un año.
Durante ese tiempo rechazó entrevistas y sesiones de fotos, pero logró
producir tres álbumes. El primero había sido grabado en vivo en Pauley
Pavilion, UCLA, el 7 de agosto de 1971, usando la última adquisición de
Zappa, una grabadora Scully de 4 pistas.
Just Another Band From LA documentó el tipo de conciertos que 'Las
Mothers' (como se anunciaba en la portada) estaban realizando hasta el
accidente de Zappa. El programa es un vodevil de rock desordenado con Flo y
Eddie, además de brotes de guitarra asombrosamente escabrosos.
'Billy The Mountain' es una obra radiofónica de 24 minutos con interludios
musicales y efectos. Una montaña y su noviaárbol, Ethel, desafían a las fuerzas
del establecimiento representadas por Studebacher Hoch.
La letra era un mosaico de trivialidades de los medios, con jingles de la televisión
local y chistes sobre las cadenas de comida rápida de Los Ángeles. Un crítico
afirmó que se enamoró del arte de Zappa tan pronto como escuchó las palabras
"la influencia de un pastel de carne congelado". Otros estaban menos
enamorados. Una serie siniestra de asociaciones verbales: "Enero, febrero,
marzo, julio, miércoles, agosto, Irwindale, 2:30 de la tarde, domingo, Walnut,
Funny Cars, City Of Industry, Big John Masmanian...", reapareció en la estrella.
mapa en la parte posterior de One Size Fits All. La omisión de Masmanian, un
conspirador de Watergate, sólo entusiasmó aún más a los paranoicos de la
continuidad conceptual. La gente común, por otro lado, generalmente encontró
en 'Billy The Mountain' otro ejemplo más de autocomplacencia inaudible.
Sin embargo, aquellos que desdeñaron Just Another Band se perdieron
algunas gemas. 'Call Any Vegetable' convirtió el himno de Absolutely Free a la
iluminación monstruosa en un himno cargado de adrenalina rebosante de
energía rockera. El solo de guitarra de Zappa en esto y 'Dog Breath' (de Uncle
Meat) fueron triunfos maullantes de exceso amplificado.
'Magdalena' era la historia real de una niña canadiense que se había ido de
casa porque había sido agredida sexualmente por su padre. de Howard Kaylan
la conversación, que expresa la desesperación y la confusión de su padre
'heterosexual', es aún más impactante dos décadas después, ahora que el
abuso infantil es un material regular para los titulares. Las tristes fantasías del
padre reproducen la sátira de Lolita de Nabokov. El pan blanco, la familia
nuclear de Estados Unidos todavía estaba sufriendo, y Zappa no iba a dejar
que nadie lo olvidara.
Ratas Calientes: Waka/Jawaka
Lanzamiento original: julio de 1972; Edición de CD Rykodisc/RCD 10516
HASTA QUE EN UNA SILLA DE RUEDAS, ZAPPA LLEVABA A SUS MÚSICOS A PARAMOUNT
Estudios S. En 'Big Swifty', de 17 minutos, la superposición permitió a
Zappa convertir un sexteto en una gran banda virtual. La percusión de
Aynsley Dunbar proporcionó fluidez polirrítmica, con la ayuda
de Alex Dmochowski, su bajista inglés (que tocaba bajo el nombre
de 'Erroneous'). volúmenes de Ya no puedes hacer eso en el escenario).
Los solos de instrumentos eléctricos sobre un ritmo de rock invitaron a
las comparaciones con Miles Davis y John McLaughlin, pero hay un
giro irónico en las melodías que hace que la música sea innegablemente
similar a Zappa. Los teclados espléndidos de George Duke y la trompetilla
apagada de Sal Márquez también tienen una cualidad humorística.
Mientras que el jazz rock contemporáneo llegaba al cosmos, Zappa mantuvo
todo bajo perfil y con humor.
'Your Mouth' es una historia de celos masculinos psicóticos ("podrías
perder un montón de dientes... mi escopeta... tal vez quiera volarte lejos"),
pero cantada en un estilo engañosamente ligero (y con una guitarra country
asesina). solo de Tony Duran). 'It Just Might Be A One Shot Deal' describe a
alguien alucinando y le aconseja cavar
“mientras está sucediendo”: según el materialismo teñido de zen de Zappa, la
vida no es un ensayo. Je Simmons, que había grabado un brillante álbum de
baladas psicodélicas para el sello Straight de Zappa, Lucille Has Messed My
Mind Up , cantó y tocó la guitarra hawaiana.
'Waka/Jawaka' cabalga sobre un ritmo vaquero de galope. Don Preston
ofrece un solo lírico, casi pastoral en miniMoog con una loca relación cuboide
con la métrica subyacente. Una vez más, la mezcla decisiva de Zappa encierra
las notas, de modo que, aunque Preston estaba improvisando, todo tiene una
rigidez clásica. A medida que el tema se desvanece acompañado de campanadas
orquestales, se evoca el Boléro de Ravel.
Aunque no es un comienzo comercial, Waka/Jawaka es un gran favorito entre
los fanáticos del jazz que tienen la mente lo suficientemente abierta como para
escuchar a Zappa. El álbum se vendió bien en Finlandia.
El Gran Wazoo
Lanzamiento original: diciembre de 1972; Edición de CD Rykodisc/RCD
10517
ÉL GRAND WAZOO APORTÓ MUCHAS DE LAS IDEAS MUSICALES DE
T
Waka/Jawaka a buen término, además de proporcionar las imágenes y
la historia que invariablemente respaldan una gran producción de Zappa.
Zappa sabía que esta música no era comercial: cuando organizó una gira
para la pequeña orquesta que tocaría sus listas, anunció con anticipación
cuándo se disolvería. Zappa reclutó a un equipo de músicos de sesión y
jazz de la costa oeste, incluido el saxofonista Ernie Watts, que luego tocaría
el instrumental sensual en el anverso de 'You're The One That I Want' de
John Travolta y Olivia NewtonJohn, pero retuvo la sección rítmica Dmochowski/
Dunbar de Waka/Jawaka. Aunque subdividen el ritmo en átomos,
mantienen un compás constante, creando una sofisticada exuberancia de
rock que ha
encontró pocos exponentes ( Fire From Within on Black Saint, 1984, del
violinista Billy Bang, y Prayer And Action on CIMP, 1996, del saxista
Bobby Zankel , son raras excepciones).
'The Grand Wazoo' tiene un solo extendido de trompeta sorda de Sal
Márquez; 'Cletus AwreetusAwrightus' (llamado así por la rutina de Big Joe
Turner "¡Muy bien, entonces! ¡Todos reet entonces!") tiene una voz
magníficamente tonta de Zappa mientras revela la fuente infantil del 'ruido
de la boca' de su arreglo de metales; 'Eat That Question' es presentado por
los gloriosos teclados de George Duke (transcritos e interpretados por Mike
Keneally para la versión de la gira de 1988 en Make A Jazz Noise Here). La
canción describe el trato dado a un "culto grotesco de fanáticos ascéticos
masoquistas a los que no les gusta la música": en lugar de alimentar a los
leones con cristianos, este Emperador Funky alimenta con Preguntas a un
acuario lleno de UDT (UnDierentiated Tissue, un concepto Zappa tomó
prestada la rutina del "imbécil parlante" de William Burroughs). La
representación de la UDT tragando las preguntas les da a los músicos de
Zappa la oportunidad de disfrutar de algunos de los motivos que significaron
Panthalassa (o el "océano primordial") para los músicos de fusión contemporáneos.
El álbum se cierra con una melodía tranquila e idílica; muy apropiadamente,
después de toda la agitación musical precedente, se llamó 'Blessed Relief'.
El escritor de jazz Joachim Berendt elogió a The Grand Wazoo como el
"punto culminante" de la música de Zappa, pero Zappa ya estaba impaciente
con el tipo de músicos necesarios para tocar sus complejas listas. No
apreciaba el hecho de que preferían jugar al ajedrez a perseguir groupies y
echar un polvo ('Po Jama People' en One Size Fits All fue escrito para ellos).
Para que la marca de "antropología amateur" de Zappa funcionara,
necesitaba músicos preparados para "salir" social y sexualmente, así como
musicalmente. En la portada de The Grand Wazoo, el logotipo de Bizarre
Records está siendo derribado de su pedestal por el ejército de Mediocrites
Of Pedestrium. De hecho, Herbie Cohen y Frank Zappa estaban planeando
cerrar Bizarre y establecer una nueva etiqueta para los años 70.
Nuevamente haciendo referencia al eslogan de Big Joe Turner, se llamaría
DiscReet.
En 2004, Zappa Family Trust emitió ensayos para Waka/Jawaka
y The Grand Wazoo bajo el nombre de Joe's Domage (ver Capítulo
11).
4. DISCRETO
Sensación nocturna
Lanzamiento original: junio de 1973; Edición de CD Rykodisc/RCD 10518
VERNITE SENSATION LANZA UNA EDICIÓN DE LAS MADRES QUE
O
se convirtió en leyenda: una sección rítmica funky (Ralph Humphrey en la batería y
Tom Fowler en el bajo) complementada por dos jazzistas eléctricos experimentados
(George Duke en los teclados, JeanLuc Ponty en el violín), dos grandes músicos
de metales (Bruce Fowler en el trombón y Sal Márquez a la trompeta) y los talentos
extravagantes y clásicos de Ruth e Ian Underwood (percusión e instrumentos de
viento respectivamente).
Las canciones fueron calculadamente lascivas, groseras y locas, entregadas con
una intensidad desenfrenada y grabadas con una claridad espeluznante. OverNite
Sensation entró rápidamente en las listas de álbumes de EE. UU. y permaneció allí
durante la mayor parte del año, y finalmente subió al número 32, el más alto de Zappa
hasta el momento.
Sin embargo, en el comunicado de prensa, Zappa todavía hablaba como un compositor:
“Las combinaciones instrumentales, la sonoridad es tan extraña. La forma en que se
expresan las melodías, los violines estarán en la parte superior o inferior del acorde, el
clarinete está en el medio, a veces alternando con el trombón, y el borde superior
generalmente está delineado por una línea de marimba o vibráfono. Los tambores suelen
tocar la melodía junto con todos los demás. Todo ello acompañado de una línea de armonía
o la duplicación de la línea de marimba sobre una
sintetizador. Como puede ver, hay muchas líneas complicadas que se duplican
por todas partes, rítmicamente y de otra manera”. Tales puntos se perdieron
en la prensa de rocas. La contracultura se había vuelto convencional, burguesa
y moralista: un negocio de condenar los bajos deseos a favor de los ideales
'progresistas'. La indignación por canciones de 'sexo' como 'Camarillo Brillo' y
'DinahMoe Humm' eclipsó el análisis musical. El nuevo y vibrante conjunto de
Zappa encontró pocos seguidores.
Para la portada, Zappa volvió a contratar a David B. McMacken, el artista
del aerógrafo que había diseñado el póster y la portada del álbum 200 Motels
(estos tenían que ser diferentes, ya que Ringo Starr aparecía en la película
pero no en el disco). Las instrucciones de Zappa se cumplieron
meticulosamente: sentado en la sucia cama de la habitación del motel está el
roadie Marty Perellis, cuyas hazañas con un extintor en una gira por Australia
fueron legendarias; una toronja de la que se abusa sexualmente y que los
conductores de gira cachondos usan como "alivio en la carretera"; hay una de
las pinturas sindicadas del artista Brittinni de persianas venecianas cerradas
encima de la cama (Zappa se divirtió al encontrarlas en innumerables Holiday
Inns); el gerente Herbie Cohen emerge a través del concreto como la punta de
un taladro eléctrico. Dentro de la puerta, Cal Schenkel dibujó 'baba de TV' a
través de las perforaciones en el tablero que protegía las válvulas en la parte
posterior de los televisores de principios de los 70 (también dibujó los controles
de 'mantener' y 'tamaño' que sobresalían extrañamente).
'I'm The Slime' marca la agenda política: Zappa fustigó la plaga cultural de
la televisión. Sin embargo, no se mantiene al margen del sistema que critica,
aconsejando al oyente, por ejemplo, que lea más libros: en la portada se le
representa mirando lascivamente desde la televisión de la habitación de un
motel, mientras que sus ideas sobre el marketing de masas ("harás lo que
seas dicho/hasta que se vendan los derechos”) se entregan en los tonos de
una voz en off de publicidad. “Can't stop the slime, people, lookit me go…”,
canta, y su guitarra eléctrica, deslumbrante con efectos, parece ejemplificar el
mismo proceso que está denunciando.
'Camarillo Brillo' es un retrato del lamentable estado de la contracultura
estadounidense, la mamá hippie que compra su ropa 'alternativa' de Sears &
Roebuck, la firma de pedidos por correo. Tan alérgico como William Burroughs
al moralismo en cualquier forma, Zappa usó el sexo como
punto de venta y acusación. "Ella dijo que su estéreo era de cuatro vías..."
se refiere a Quadrophonic, el paso más allá del estéreo en el que se lanzó
originalmente OverNite Sensation .
'Montana' fue escrita después de que Zappa mirara una caja de hule
dental en el estante del baño y decidiera que necesitaba escribir
canciones que fueran "más específicas" en términos de su propia
experiencia. Su locura inspirada emerge en secuencias de notas de
perversión desconcertante. “Pinzas con incrustaciones de Zirkon”, explicó
en una entrevista radial, simbolizan “falsa grandeza que podría ser
sexualmente estimulante”. 'DinahMoe Humm' volvió a las pinzas, mientras
Tina Turner (sin acreditar) y los Ikettes cantaban "porque no puedo entrar
en eso / a menos que salga de eso". En los conciertos de Zappa, este
cuento obsceno se convirtió en un bis favorito, todo el público gritaba
'¡DinahMoe! ¡Dina Moe! como una máquina monstruosa. Los deseos
básicos de su público: el combustible de todo el proyecto de Zappa.
'Fifty Fifty' y 'Zomby Woof' contaron con la extraordinaria voz del
difunto Ricky Lancelotti. "Hizo una audición", le dijo Zappa a Rip Rense,
"pasó, se fue a casa y se rompió el brazo. Le dije: 'Rick, no vas a hacer
la gira'. Solía llevar una .45. Tenía un casete en el que imitaba 100 voces
de dibujos animados en 60 segundos. Quería conseguir trabajo como una
voz de dibujos animados. Un viejo tipo duro de Nueva Jersey. La
demencia ronca de Lancelotti se fusiona con el violín eléctrico de Ponty y
el órgano desgarrador de Duke en una versión de alta tecnología de R&B
bajo. En el escenario, 'Dirty Love' fue el clímax de la reescritura de
Génesis de Zappa en una parábola de caniches, recortes y cunnilingus
canino a dama; registrado, era la versión jazzrock de Zappa de 'I Wanna
Be Your Dog' de The Stooges. Para Zappa, la complejidad musical no
tenía que ser ni vacía ni espiritualmente pretenciosa: como la fusión
posterior a Miles Davis se convirtió en Scientology y otras guruxaciones,
un recordatorio bienvenido.
Apóstrofe (')
Lanzamiento original: abril de 1974; Lanzamiento del CD Rykodisc/RCD 1019
EL APÓLOGO STUART LESTER AFIRMA QUE EL APOSTROFE (') ES DE ZAPPA
Z
álbum más personal y centrado: por lo tanto, es apropiado que el
la portada debe consistir en un retrato fotográfico en primer plano.
Grabado en varios estudios con un amplio personal durante dos años, la
continuidad conceptual está densamente empaquetada a medida que los
detalles musicales y verbales se pliegan en una complejidad laberíntica.
También es una de las producciones más tontas de Zappa , con chistes e
inventos ridículos que surgen rápidamente, todo presentado de una
manera paternal y graciosa. Los caniches, un tema que llegó con OverNite
Sensation, están muy presentes.
El presente escritor debe admitir una de las 'teorías' más absurdas sobre el
registro: que proporciona un comentario sobre la mortalidad y el alma, usando
símbolos comunes al Fedón de Platón y al Rey Lear de Shakespeare (ver el libro
del autor Frank Zappa : The Negative Dialéctica del juego del caniche, págs.
242251). No es que Zappa usara conscientemente a Platón y Shakespeare,
simplemente que estos escritores desempeñaron un papel tan formativo en nuestra
cultura que cualquiera que trate temas pesados como la existencia y la inexistencia
(¿y qué es el apóstrofe sino un signo de ausencia?) inevitablemente terminará
reciclando su imaginería. Dado que las comparaciones entre Lear y Fedón
causaron mucha alegría en las reseñas del libro, cabe señalar que cuando le
declamé el pasaje relevante a Zappa en octubre de 1993 (poco antes de su
muerte, dando así a mi discurso sobre la mortalidad una cierta conmoción), hizo
sin comentarios, pero cuando afirmé que los artistas pueden tocar intuitivamente
temas más allá de su conocimiento consciente, Frank asintió vigorosamente.
Ciertamente, cualquiera que admitiera la familiaridad de Zappa con el Zen
cuestionaría la suposición, hecha universalmente por los periodistas, de que una
broma no podría tener relación con las profundidades últimas.
Lo único que lamento es que mi propio conocimiento de la literatura europea
en ese momento era demasiado superficial para informarle que también hay un
caniche en el centro del Fausto de Goethe (el diabólico Mefistófeles).
primero se le aparece a Fausto en forma de un caniche negro, peludo y gigante).
Del mismo modo, no había escuchado 'I Want To Play With Your Poodle' del
bluesman Tampa Red, donde el 'pelo negro y rizado' del caniche hace que el
simbolismo sea claramente vaginal. Cuando Zappa le dijo a New Musical Express
que "los caniches sirven como un mecanismo conveniente para transmitir ciertas
ideas filosóficas que de otro modo podrían ser más difíciles", estaba hablando de
su función en su propio pensamiento, pero su elección de un motivo central en el
Fausto de Goethe es un ejemplo . de lo que su esposa Gail llama 'presciencia'.
Derivada de Fausto, la expresión 'Des Pudels Kern' significa 'el meollo del asunto'
en alemán (Karl Marx la usó mucho): en zapanés significa, por supuesto, 'el quid
de la galleta'. En el rico crisol de culturas de Estados Unidos, Zappa estaba
especialmente atento a las expresiones de jerga inusuales. Esto explica cómo, a
pesar de su radical oposición a la cultura del libro, sin embargo documentó motivos
folclóricos comunes a otros artistas enciclopédicos (o 'maximalistas' para usar el
término inventado por Michel Delville y Andrew Norris) como Rabelais, Goethe y
Joyce.
Con las palabras iniciales de 'Don't Eat The Yellow Snow' – “Soñé que era un
esquimal…” – Zappa moviliza la presunción primordial del sueño. La lógica de los
sueños le permite asociarse libremente y hacer conexiones irresponsables. La
madre de Nanook le aconseja que ahorre su dinero en lugar de "ir al espectáculo".
Cuando ella le dice “cuidado por dónde van los perros esquimales/no te comas la
nieve amarilla”, el consejo matriarcal sale como un jingle publicitario.
Nanook se resiste al cazador de pieles que mata crías de foca que era
“estrictamente comercial”, pero el coro de respaldo de Zappa canta “estrictamente
comercial” como si cantara un himno para cera para autos en un comercial de
televisión. Inundado de juegos de palabras, lógica inversa y simbolismo sexual,
Zappa entiende los anuncios como el tiempo de los sueños del orden capitalista
racional, y los saquea por disfuncionalidad dadaísta.
'Stink Foot' puede refutar la tesis de Phaedo sobre la inmortalidad divina del
alma, pero se originó en un comercial de televisión para un desodorante en aerosol
para pies (según el documental visual de Barry Miles, 'el dios [sic!] se desploma
después de que el tipo toma sus zapatos o').
'Excentrifugal Forz' eriza las referencias sexuales subliminales
empleados por los anunciantes. Korla Pandit, con turbante y enjoyada, interpretó
música exótica en la televisión estadounidense de los años 50. Aquí, mientras “Korla
Plankton” transporta a un “pequeño rubí” y su turbante se endereza para “expulsar
un poco de líquido”, las excitaciones genitales infunden las imágenes.
'Cosmik Debris' y 'Uncle Remus' se ocuparon de más preocupaciones públicas.
El primero era una sátira sobre Maharaj Ji, un niño gurú que recluta víctimas
psíquicas de la cultura de las drogas; el segundo cuestionó la relativa quietud del
movimiento por la emancipación negra. 'Uncle Remus' es una amable reprimenda,
que señala cómo se estaba abandonando la protesta por la moda: el "Fro" es un
afro, el peinado de apariencia natural; el agua de las mangueras de la policía
antidisturbios podría dañar su ropa "afilada". Coescrita con George Duke, la canción
está repleta de su característico lirismo acorde y cálido funk.
En 'Nanook Rubs It', Zappa predijo que "el movimiento circular" "tomaría el lugar
del tiburón de barro en tu mitología".
(Fillmore East junio de 1971 fue un éxito tan grande en Australia como Hot Rats en
Gran Bretaña. Durante su gira de 1973, Zappa notó que el baile Mud Shark se había
vuelto global). El “las cosas redondas son aburridas” de Lumpy Gravy se ha
convertido en algo mucho menos desdeñoso; mientras Zappa procede con el
mandato "¡frótalo!" se pueden escuchar voces siniestras entonando “aquí Fido…
aquí Fido”. Mientras Zappa abusaba de los caniches astutos en el escenario y hacía
oscuras referencias a la "estupidez" de la audiencia, parecía encontrar algo cobarde
y parecido a un caniche en las multitudes que acudían para verlo.
Apostrophe (') ingresó al Top 10 de EE. UU. Zappa incluso lanzó un sencillo de
7” (una versión de 'Don't Eat The Yellow Snow' que un DJ había editado para
reproducirlo al aire). Sin embargo, la relación de Zappa con el éxito comercial siguió
siendo incómoda, llena de insinuaciones, sátira y sarcasmo, y esfuerzos desafiantes
para perpetrar grotescos musicales que lamentablemente carecían del importantísimo
"potencial comercial".
roxy y en otros lugares
Lanzamiento original: septiembre de 1974; Lanzamiento del CD Rykodisc/
RCD 1020
ANTES DE LA LLEGADA DEL CD DE 80 MINUTOS , EL VINILO 'LIVE DOBLE
B
album' era el medio habitual para que las bandas de gira documentaran sus
espectáculos. Excepcionalmente, Zappa usó la forma para presentar material
nuevo (su hábito de probar canciones antes del lanzamiento lo llevó a ser uno de
los artistas más pirateados del rock). Ahora, un cómodo CD sencillo, Roxy And
Elsewhere eran originalmente dos LP de vinilo: la secuencia original incluía
'preámbulos' al comienzo de cada cara. Estos le dieron al tío Frank la
oportunidad de informar al público sobre la gratificación extraterrestre,
la nostalgia pueblerina, las películas de monstruos y el dudoso estado del jazz; los
oyentes, por otro lado, podían dejar caer sus agujas donde los 'surcos oscuros'
se detenían y comenzaba la música.
La banda Roxy And Elsewhere fue una mezcla de levadura de espontaneidad
y disciplina, su rico sonido fue ayudado por la brillante ingeniería de Kerry McNabb.
La incorporación del baterista Chester Thompson añadió un ímpetu funky. Incluso
Rock And The Pop Narcotic de Joe Carducci , una biblia para rockeros regresivos
y punky antiZappa, saluda el 'jazz rock más grasiento' de esta formación. El video
Dub Room Special muestra la pura diversión de los músicos en esta banda: la
percusionista Ruth Underwood emergió como una estrella, su evidente deleite con
la métrica perversa de Zappa se expresó en una sonrisa radiante y una actuación
que era prácticamente un baile continuo.
Si los fans de Zappa están llamados a demostrar sus particulares virtudes, no
pueden hacer nada mejor que comparar su oda al sadomasoquismo, 'Penguin In
Bondage', con 'Venus In Furs' de The Velvet Underground. La canción de Lou Reed
es una lista de clichés áridos, mientras que Zappa evoca un escenario hasta ahora
no probado que apesta a inclinaciones extrañas y fobias aún más extrañas. "Tenerla
saltando a través de un hoopa real re/con algunos Kleenex envueltos
alrededor de un alambre para colgar un abrigo” podría derivar de un truco
que Flo & Eddie realizó con 'Little Carl' (un pequeño pingüino incompetente),
pero también decía algo sobre la naturaleza surrealista del acto sexual. El
cantante Napoleón Murphy Brock fue descubierto por Zappa cantando en
un bar en Hawái (Zappa quedó impresionado porque dijo que no podía
unirse a The Mothers hasta completar su reserva). El humor infeccioso y la
gimnasia vocal de Brock impregnan a Roxy, y su réplica con George Duke
proporciona especímenes perfectos del jive soulbro de los años 70.
'Echidna's Arf', '¿Nunca lavas esa cosa?' y 'BeBop Tango' fueron
composiciones abiertamente 'difíciles' abordadas con júbilo por este conjunto.
Mientras que las aspiraciones de complejidad del jazzrock contemporáneo
tendían a restar importancia a sus raíces funky, y daban como resultado
tonterías neoclásicas gastadas, el bajo de Tom Fowler y los teclados de
George Duke mantuvieron todo atrevido y grasiento. 'Son Of Orange County'
repitió 'Oh No' de Weasels; El aparte de Zappa "No soy un ladrón" fue una
súplica infame, en vivo en la televisión, de un presidente Nixon cada vez
más asediado. Hizo de la canción una burla política, aunque menos explícita
que la contemporánea 'Dickie's Such An Asshole' (ver You Can't Do That
On Stage Anymore Vol.3). Zappa comentó que con un músico como Duke
apoyándote, no podías evitar sonar bien; su solo de guitarra en 'Trouble
Every Day' es magnífico.
Roxy termina en caos cuando los miembros de la audiencia fueron
invitados a bailar con la voz scat de Duke. Esta 'autoindulgencia' ofendió a
los críticos, pero la apertura de Zappa a los accidentes y eventos fue el
condimento necesario para el rigor de sus gráficos. Indudablemente, Roxy
estaba repleto de más ideas musicales que cualquier otro lanzamiento de
'dobles en vivo' de los años 70. Cuando apareció por primera vez en CD, en
el propio sello de Zappa, añadió un mensaje: "A veces te sorprende que 'El
universo funciona, lo entiendas o no'". El manifiesto del materialismo zen de
Zappa se omitió del lanzamiento de Rykodisc.
Talla única
Lanzamiento original: junio de 1975; Lanzamiento del CD Rykodisc/RCD 1021
AUNQUE LOS FANÁTICOS NO DEN NOMBRAR UN ÁLBUM FAVORITO, ALGUNOS INCLUSO
R
Insiste en que son los que te molestan los que revelan los mayores tesoros
(eventualmente): One Size Fits All ganó regularmente las encuestas de los lectores
en T'Mershi Duween, el fanzine de Zappa del Reino Unido de los años 80. La
banda era la misma que Roxy, excepto que Ralph Humphrey se había ido,
Johnny 'Guitar' Watson es invitado como vocalista en algunas pistas y Captain
Beefheart toca el arpa (a efectos contractuales, se anuncia como Bloodshot Rollin'
Red). Resumido por Charles Shaar Murray en New Musical Express como
"funk ris y texturas de heavy metal... pequeñas canciones caprichosas con
poco contenido de idea apreciable y un toque de juego de palabras
elemental", One Size Fits All era tan elástico en su semántica como su título.
Algunos creen que es la declaración cosmomaterialista más consumada de
Zappa, una extrusión de alta tecnología de tradiciones tan antiguas como
Pitágoras, Theodore de Bry y la Cábala.
La portada ilustraba una rutina blasfema que se originó con la edición Flo
& Eddie de The Mothers, 'Ge Mij Wat Vloer Bedekking Onder Dezer Vette
Zwevende Sofa', en la que Dios intentaba hacer una película casera que
involucraba a su novia y Squat the Magic Pig (ver 'Érase una vez' en Ya no
puedes hacer eso en el escenario Vol.1). Estamos mirando desde el punto de
vista de Dios, un cigarro agarrado en Su/Nuestra mano (que lleva tatuada una
'cruz de Pachuco', como la de Rubén en la portada de Rubén Y Los Jets ) . En
la esquina superior derecha, Cal Schenkel colocó una parodia de un grabado
de Theodore de Bry de un compendio de Robert Fludd sobre misticismo (es
apareció en la portada de la Anthology Of American Folk de Harry Smith de
1952, una colección que proporcionó al joven Bob Dylan su repertorio y
estilo vocal). El grabado mostraba la mano de Dios afinando el 'Monocordio
Celestial'. En la versión de Schenkel, el diagrama alquímico se ha vuelto
fonográfico: los reinos de armonía debajo del 'mysterium magnum' se
enumeran como mono, estéreo y cuadrofónico. El sistema planetario de la
izquierda tiene una etiqueta, 'gruuvs' y un agujero. lado, un relato del
universo mecánico del método de giro en Saturno enumera tres esferas:
'sodio y azufre', 'escocés y sodio' y 'sodio y gommorah', más un 'centro
caramelo masticable'. Las nuevas estrellas, demasiado pequeñas para leer
en la edición del CD de Zappa Records, pero legibles en el desplegable de
Rykodisc, llevan el nombre del gato Gorgo y el perro Dogess de Zappa.
'KNARF (uview)' invierte 'Frank' para encontrar 'Arf'; otra estrella celebra el
nombramiento (póstumo) de un asteroide '(3834) Zappafrank'. Los nombres
domésticos y cósmicos se juntan. Zappa estaba convencido de que lo divino
y lo humano no eran de diferente naturaleza: la moraleja de gran parte de
su "humor" (y el de Schenkel).
'Inca Roads' tomó su ridícula historia del bestseller de los años 70 de
Erich Von Däniken ¿ Fue Dios un astronauta? El bajo profundo y funky, la
firma de tiempo asimétrica y el falsete de Duke le dan a la pista un parecido
inquietante con la banda Yes. La especulación cósmica se reduce a
diversión y juegos infantiles y referencias a las apariciones de Chester
Thompson disfrazado de gorila; líneas sobre "osos mocosos" derivadas de
cuentos infantiles jive que George Duke recitaba mientras se acompañaba
con ngercymbals. Los interludios de palabras habladas que pretenden
retratar el asombro de los ciudadanos comunes ante los ovnis incluyen las
palabras "¿por qué no lo afilas, entonces?", una cita que Zappa escuchó de
uno de los constructores que trabajaban en su casa (en constante
crecimiento): hablaría para sí mismo mientras buscaba soluciones con un
cincel desafilado. Arcanas referencias personales entrarían en el bandlore
y terminarían en los lugares más extraños.
'Can't Aord No Shoes' trataba sobre la recesión económica, mientras
que 'Pojama People' era la polémica de Zappa frente a los músicos
académicos y sus modales, aunque los detalles de los pijamas que usan
– annel, con 'trampas' para permitir la defecación – se derivan de las propias
experiencias de la infancia de Zappa. La canción está impulsada por la guitarra,
con los acordes de Duke y la batería de Thompson, como si Zappa también
incluyera un golpe a las bandas de rock que piensan que un 'jam' es tan bueno
como una composición elaborada. Como de costumbre, nadie se sale del
anzuelo.
'Florentine Pogen' lleva el nombre de una galleta; Zappa lo llamó una
"canción de amor"; Gail Zappa afirma que documenta una experiencia
australiana. “Órgano de nota de color” parece referirse a Scriabin y sus
ecuaciones sinestésicas entre notas y colores; la atmósfera armónica recuerda
a 'Penguin In Bondage'. La letra se desintegra en asociaciones personales y
juegos de palabras ('hratcheplche' era la transcripción de las heterosexuales
del ayuntamiento jadeando tras las chicas de la oficina en 'Brown Shoes Don't
Make It', al menos tal como aparece impreso en el International Times de 1967 ;
se omite en el hoja de letras con la edición del CD de Rykodisc de Absolutely
Free). Sin embargo, la lógica musical es convincente cuando Zappa se deleita
con las profundidades contrastantes que ofrece el equipo de grabación de Kerry
McNabb en Paramount Studios. La misma fascinación estructura a 'Andy', que
contrasta a los cantantes Duke y Watson en un cuestionamiento de lo que crea
la ilusión de 'profundidad' en la música y en las personas. Mediante el uso de
pistas en vivo como base para las producciones de estudio, Zappa trascendió la
distinción entre grabación 'en vivo' y 'estudio': en One Size logró tanto fuerza
como delidad, lo mejor de ambos mundos.
'Evelyn, A Modied Dog' continuó las reflexiones místicomaterialistas de
Zappa sobre la naturaleza de la resonancia musical, insinuando que la música
es un mensaje de una esfera que los humanos apenas pueden comprender,
mientras también se burla de los atavíos burgueses (tapetes, pianos, cortinas)
de la “música clásica”. " cultura.
'San Ber'dino', como 'Can't Aord No Shoes', es 'rock'n'roll directo', aunque
en este contexto suena abstracto y extraño. Hace paralelos siniestros entre los
horizontes limitados de la vida matrimonial y el encarcelamiento penal. Las
iniciales del título del álbum, OSFA , son un anagrama de 'sofa': por lo tanto,
'Sofa No. 2' es la nale conmovedora, siendo la canción que Dios le canta a Su
sofá. Las letras alemanas le dan un adecuado
Aatus wagneriano. Los vínculos poéticos e imaginativos de Zappa entre la
domesticidad y el cosmos siguen volviendo a la claustrofóbica banalidad de la
vida cotidiana bajo el capitalismo. Como dijo en ese momento, sonando como el
escritor de ciencia Philip K. Dick: “cuando la ilusión de la libertad se vuelve
demasiado costosa de mantener, simplemente derribarán el escenario, correrán
las cortinas y verás la pared de ladrillos. la parte de atrás del teatro.”
furia de bongo
Lanzamiento original: octubre de 1975; Lanzamiento del CD Rykodisc/RCD 1022
ONGO FURY ESTUVO OSTENSIBLEMENTE EN VIVO EN EL ARMADILLO EN TEXAS – A Venue
B
registró su nombre en 'Inca Roads' en One Size y celebró durante un
ambiente de blues, pero también incluía 'Selected Studio Wonderment'. Con
su contrato con Virgin hecho jirones, Captain Beefheart salió de detrás de
su alias Bloodshot Rollin' Red y aparece en la portada debajo de un sombrero
de ala ancha. La zappóloga Kitty Rees, radicada en Wakeeld, ha señalado que
los zapatos sin calcetines de Beefheart recuerdan a Albert Einstein, lo cual es
apropiado dado el vértigo inducido por sus dos poemas: los detalles registrados
con una intensidad tan surrealista que estallan en el desapego
sujeto/objeto. En una entrevista, hablando sobre la guitarra slide de Denny
Walley y el gruñido tipo Howlin' Wolf de Beefheart, Zappa anunció que "se
estaba moviendo hacia una cosa de blues".
Combinada con la foto de portada, una instantánea en un restaurante sombrío,
la música revuelta y cargada de guitarras fue una réplica a la
autocomplacencia del Bicentenario estadounidense: "melodías opacas que
molestarían a la mayoría de las personas, música del otro lado de la cerca".
como lo dijo Beefheart en 'Sam With The Showing Scalp Flat Top'.
'Debra Kadabra' es descendiente de 'Camarillo Brillo'. Beefheart suena
desesperado mientras recita las palabras de Zappa, una avalancha de
escombros subculturales, su pronunciación sorprendentemente mimética (su
descripción de los zapatos "demasiado apretados" suena apretado hasta el
punto de la asfixia). Los efectos instrumentales lo golpean como si fuera un
oso actuando al que están aguijoneando; cuando dice “dame un bajorrelieve”
y empieza a sonar una línea de bajo normal, el oyente también se siente
aliviado. 'Carolina Hard Core Ecstasy' es una historia de masoquismo groupie,
una extensión de "¿por qué no me tratas mal?" en 'St. Alphonzo's Pancake
Breakfast' en Apostrophe('). Sin embargo, el narrador lleva una “capa de Roger
Daltrey”; este “pisoteo” rockero está plagado de sarcasmo.
'Poofter's Froth, Wyoming' (un municipio real de EE. UU.) describe a los
pequeños pueblos de Estados Unidos sacando provecho del Bicentenario y
su basura de recuerdos, sin darse cuenta del hecho de que "¡doscientos años
se han ido kaput!" (Beefheart pronuncia la palabra alemana para 'roto' con
énfasis en 'poot', jerga adolescente para atulencia). 'Cucamonga' (como '
Village Of The Sun' de Roxy ) es nostálgico, esta vez sobre Studio Z y
principios de los 60. : los días y las noches que Beefheart y Zappa pasaron
tomando partido por Ray Collins y Motorhead Sherwood.
'Advance Romance' es una improvisación con guión, el estilo solista
extraño de Zappa contrasta con la destreza del slideblues de Denny Walley.
Potatohead Bobby (mencionado por primera vez en 'San Ber'dino' en One
Size) tiene sus alevines "a la francesa" por un diablo intrigante de una mujer.
La mención de las colas de cupones de alimentos trae un aire frío de realismo.
'Man With The Woman Head' de Beefheart es un primer plano de la miseria
de Hollywood, grotescos surrealistas exprimidos de lo mundano. 'Mun Man',
un bis favorito, fue una polémica negativa con un solo de guitarra eruptivo y
gloriosamente lírico de Zappa.
Cuando le desea buenas noches a Austin, Texas “donde sea que estés”,
sientes que Zappa y Beefheart han llevado con éxito el dolor y la gloria del
blues a los compradores de discos dondequiera que estén. A menudo
descartado como inferior a su colaboración anterior, Trout Mask Replica (pero,
¿qué disco no lo es?), el blues de Bongo Fury tiene un lugar especial en la
obra de Zappa . El presidente checo Václav Havel le dijo a Frank que era su
álbum favorito de Zappa cuando se conocieron en Praga en enero de 1990.
Un Frank de pelo alborotado, ocultando la camiseta sin mangas azul que llevaba
en la espalda de Waka/Jawaka debajo de una chaqueta deportiva de tweed.
(Colección HultonDeutsch/Corbis)
el sargento Pepper parodia la portada de We're Only In It For The
Money (1968). El artista Cal Schenkel se encoge de miedo abajo a la
derecha, sosteniendo una caja de huevos. Zappa pidió un busto de Edgard
Varèse, pero tuvo que conformarse con uno de Beethoven. Esperando una
avalancha de juicios por las inclusiones pegadas de Schenkel
(Lyndon B. Johnson, Martin Luther King, la chica del International Times ,
etc.), los ejecutivos de las discográficas insistieron en tapar los ojos de la
gente. Jimi Hendrix estaba de pie a la izquierda del escenario mirando con desconcier
Rubén y los Jets (1968). Portada de Cal Schenkel para el álbum de parodias
doowop de Zappa. Según la historia que acompañó al álbum
contemporáneo de Uncle Meat , los hocicos de forma fálica debían
acomodar las células cerebrales adicionales causadas por la
reprogramación mental de Uncle Meat. La guitarra de Ruben reaparecería
como arma en la batalla musical retratada en la portada de The
Grand Wazoo.
Las Madres fuera del Royal Albert Hall de Londres, 8 de febrero de
1971. La organización RAH les había prohibido realizar 200
Moteles esa noche. De izquierda a derecha: George Duke, Aynsley
Dunbar, Howard Kaylan, FZ, Mark Volman, Ian Underwood y el
manager de Zappa, Herbie Cohen. (Colección Hulton
Deutsch/Corbis)
Cállate y toca tu guitarra. (David Redfern/Redferns)
Una sonrisa en el estudio, mayo de 1971. (Henry Diltz/Corbis)
Carne del tío (1969). Los labios de alguien se empujan hacia arriba para revelar
el oro en sus dientes; una radiografía revela los huesos debajo. Una
variante de la cabeza de la muerte tradicional como momento mori, el
trascendental collage de Cal Schenkel hace referencia a las atrocidades nazis.
Ratas calientes (1969). Christine Frka, la diseñadora de vestuario que fundó
GTO y le dio a Alice Cooper su impactante guardarropa, se toma un tiempo
para cuidar de Moon Unit y posa en la piscina vacía de Zappa.
Aynsley Dunbar en un ensayo, mayo de 1971. (Henry Diltz/Corbis)
Howard Kaylan en mayo de 1971. (Henry Diltz/Corbis)
Aynsley Dunbar, Je Simmons, FZ, Ian Underwood, Howard Kaylan, Mark
Volman – en vivo en el escenario de un festival en 1971. (Peter Sanders/
Rex Features)
Sándwich Weeny quemado (1969). El original de la escultura chatarra de
Cal Schenkel cuelga en la pared del sótano de Zappa escuchando
habitación.
Las comadrejas rasgaron mi carne (1970). Zappa derivó el título de su
álbum de un titular de la revista Man's Life (septiembre de 1956). La
pintura, del artista Martin Muller, ("Neon Park") de
la máquina de afeitar genial vino de un anuncio de revista para una máquina
de afeitar eléctrica Schick "20".
Waka/Jawaka (1972). El trompetista Sal Márquez sugirió escribir
'Rats' en el grifo frío para deletrear 'Hot Rats', aunque este álbum,
supuestamente 'Hot Rats No 2', generalmente se conoce como Waka/Jawaka .
Marvin Mattelson dibujó el fregadero.
Frank Zappa, cigarrillo sostenido en alto con un estilo característico,
alrededor de 1973. (Michael Putland/Retna)
Una fiesta decadente que celebra la entrada de Apostrophe(') en el Top
Ten de Billboard de EE. UU. en 1974. (Michael Putland/Retna)
El Gran Wazoo (1972). La meticulosa representación de
Cal Schenkel del emperador funky Cletus Awreetus Awrightus
y las fuerzas de la rectitud musical que luchan contra los Mediocrates
de Pedestrium y su andanada de cancioncillas sospechosamente
accesible.
Sensación nocturna (1973). Ilustración aerografiada de David B.
McMacken de varios motivos de bandas populares: fíjese en el
"delite de roadie", una toronja utilizada para la gratificación
extraterrestre por camioneros cachondos, el cartón de McDonald's
y la baba que rezuma del televisor. ¡Solo en América!
Frank Zappa en 1975, "caminar por el escenario con un
micrófono siendo un idiota", como les dijo a los periodistas de rock en
ese momento. (Ian Dickson/Redferns)
Randy Brecker toca la trompeta en la banda de Zappa, Nueva York,
invierno de 1976. (Leland Bobbe/Retna)
Talla única para todos (1975). Representación de Cal Schenkel del
universo personal de Zappa: Dios contempla su sofá contra un
fondo de estrellas y nebulosas. Una portada favorita para un álbum favorito.
Frank reza para que termine la entrevista. (Colección
HultonDeutsch/Corbis)
5. WARNER BROTHERS CONTRA
LÄTHER
Zoot encantos
10523
PARA LA PORTADA DE ZOOT ALLURES, ZAPPA POSÓ CON UN
IMPERIMENTABLE PANTALÓN ROJO. Sin embargo, como si
reconociera la amenaza que acechaba en el horizonte (este fue el año en que
The Ramones, Sex Pistols y The Clash se comprometieron a matar a los
'dinosaurios' del rock), se rodeó de juventud. Un Patrick O'Hearn regordete se
apoya contra la pared del estudio, mientras que un Eddie Jobson
de rostro lozano observa nervioso, sentado en un taburete. Los dos eran
miembros de la banda de Zappa que estuvo de gira entre octubre de
1976 y marzo de 1977, ¡pero ninguno tocó en el disco! Sentado en una
escalera de tijera, el baterista Terry Bozzio, principal colaborador musical de
Zappa, parecía aún más aniñado. Apropiadamente, el logotipo de su camiseta
decía 'Ángeles' (el equipo de béisbol de Los Ángeles). Rodeado de toda esta
inocencia angelical, Zappa se veía peligrosamente moreno y demoníaco
(sus pantalones tienen un enorme bulto en la entrepierna). En el reverso
(recortado en el folleto del CD de Rykodisc), los otros se quedan quietos
mientras Zappa hace una estúpida flexión de rodillas (¿para aliviar la constricción fálica?), com
farsa entera. Una transliteración japonesa del nombre de Zappa aparece en
ambos lados.
El diseño de la portada de Zoot Allures fue de Cal Schenkel, las fotografías
de Gary Heery, quien había tomado fotos para Good Singin 'Good Playin' de
Grand Funk Railroad, un álbum que Zappa produjo en ese momento. Uno de
los ingenieros de las voces en ese disco, Davey Moire, cantó el tema de
apertura, 'Wind Up Workin'In A Gas Station'.
Esta canción frenética sobre trabajos sin salida era una parodia punk, aunque
los explosivos polirritmos de Terry Bozzio estaban lejos de ser primitivos.
'Black Servilletas', llamada así para conmemorar la vajilla en la cena de
Acción de Gracias de un promotor en Japón, se grabó en el Kosei Nenkin
Kaikan de Osaka el 3 de febrero de 1976. Es la única actuación en tiempo real
registrada. La guitarra altísima de Zappa, al estilo de Santana, es la introducción
perfecta a la cámara de eco lasciva que es 'The Torture Never Stops'. Una
película de audio snu, esta fue la banda sonora de la portada de Zappa, y
conduce a 'Ms. Pinky', una oda a una ayuda sexual con forma de cabeza de
niño con la boca abierta y vibradores incorporados (la explicación completa se
puede escuchar en 'Lonely Person Devices' en You Can't Do That On Stage
Anymore Vol.6 ) . Zappa puede provocar al oyente con audio porno, pero no
exalta los placeres solitarios que invita.
Al igual que Bongo Fury, la cara dos de Zoot Allures comienza con un R&B
astuto y sugerente aireado por la armónica de blues de Beefheart. 'Find Her
Finer' es un consejo cínico sobre los acercamientos masculinos a las mujeres:
'no le dejes saber que eres inteligente/el universo no tiene por dónde empezar'.
Como el resto del álbum, el ritmo es lento y sórdido, el sonido reverberante y
sugerente. 'Friendly Little Finger' se grabó usando 'resincronización experimental',
lo que significó combinar pistas grabadas en diferentes momentos por músicos
que no se escuchaban entre ellos. El montaje como este es una técnica familiar
del cine.
Aunque hoy en día se emplea regularmente en el hiphop y el ambient, era raro
en 1976. En aquel entonces, el multipista era un medio para lograr una
emulación de grupo real 'perfecta', no una herramienta para 'experimentar':
Zappa tenía que luchar contra su ingenieros para hacerlo. Zappa usó la técnica
ampliamente en Joe's Garage, cuando la llamó "xenocronía" (alienígena).
tiempo), haciendo flotar sus solos de guitarra sobre pistas rítmicas que no
suenan en el mismo compás.
Un fragmento del himno 'Bringing In The Sheaves' presenta 'Wonderful
Wino', una canción grabada originalmente por Je Simmons en Lucille Has
Messed My Mind Up: aún más sórdida y personalizada para ofender a la
'gente limpia'. 'Zoot Allures' es asombroso; guitarra, arpa de cuerdas y
marimba se graban con una resonancia excepcional.
Aunque carente de letra, la atmósfera decadente está coloreada por las
canciones precedentes. 'Disco Boy' satiriza el disco, pero suena más como
Glam Rock. "Nunca te vuelves tonto, eso es lo que piensas", dijo Zappa con
lascivia, "deja su cabello en paz / pero puedes besar su peine". Como de
costumbre, la buena apariencia y la elegancia en el vestir se descartan como
falta de compromiso sensual, una concesión a la presión de grupo. Zappa
detalla la miseria de un encuentro sexual fallido y recomienda la masturbación.
A lo largo del disco, Zappa literalmente, a través de la sobregrabación, había
estado "jugando consigo mismo": 'Disco Boy' es tanto un grito de dolor sobre
la soledad y la alienación del compositor como una sátira de la frustración
adolescente (el lanzamiento de Rykodisc acredita un ' Sharkie Barker' para
las voces de fondo en esta pista, en lugar de Sparkie Parker del original;
parece que incluso los detalles del personal se han visto distorsionados por
las ansiedades sobre la vagina dentata y los caninos woong...)
Debajo de su marca registrada 'teñido de verde', Rykodisc incluyó uno
de los gráficos de Cal Schenkel del programa de la gira mundial de Zappa
de 1980: muestra ayudas sexuales e imágenes pornográficas duras que se
vuelven extrañas y abstractas por una litografía desalineada. Zoot Allures
funciona de la misma manera: la resincronización experimental de formas
de canciones explotadoras da como resultado una extrañeza inaudita.
Zappa en Nueva York
Lanzamiento original: marzo de 1978; Edición de CD Rykodisc/
RCD 10524/25
APPA EN NUEVA YORK FRUTO DEL COMPROMISO. SEGÚN Gail
Z
Zappa, Zappa originalmente concibió una caja de 4 LP titulada Läther.
Warner Brothers no lanzaría un artículo tan costoso, por lo que "lo
reformateó de mala gana" en cuatro lanzamientos separados: Zappa In New
York, Studio Tan, Sleep Dirt y Orchestral Favourites , y los volvió a entregar.
"Nada como esto había sucedido antes", dice Gail. “Ningún artista había
curado sus obligaciones entregando todos los álbumes requeridos a la vez. No
le pagarían. No lo liberarían”. Pero según Paul Rambali (NME 28 de enero
de 1978), Zappa creó Läther 'reeditando' los cuatro álbumes rechazados (la
nota de manga de Simon Prentis sobre el lanzamiento póstumo de
Läther de Rykodisc es evasiva). Cualquiera sea el caso, para
mostrar su enfado con Warner Brothers, Zappa transmitió el Läther de
dos horas y media de duración por radio, diciéndoles a los oyentes que lo
grabaran al aire.
Una cosa está clara: Läther es una auténtica obra maestra, una asombrosa
combinación de todos los estilos de Zappa (canciones de rock, interludios
orquestales, jazz de cámara, guitarra eléctrica), todo ello en transición entre
fragmentos de palabras habladas y efectos a la manera de We 're Solo En Esto
Por El Dinero. El “reformateo reacio” de Zappa (¿o la entrega original?) creó
lanzamientos de mayor coherencia genérica, pero sin los contrastes y el
alcance de Läther.
Curiosamente, una vez que Zappa obtuvo los derechos de sus cintas
maestras a finales de los 70, reeditó los cuatro álbumes como lanzamientos
separados en lugar de como Läther, incluso conservando los gráficos en los
que no participó. Quizás sintió que sería un error reescribir la historia y que su
obra debería incluir sus discos tal como se publicaron.
Ahora, con el lanzamiento póstumo de Läther, los compradores pueden elegir
cómo quieren escuchar la música.
De los cuatro álbumes entregados a Warners, Zappa In New York fue el
único con portada y notas de carátula proporcionadas por Zappa. El número
del CD tiene cinco adiciones, lo que lo convierte en un lanzamiento de dos
discos: 'Punky's Whips' (originalmente omitido por Warner en caso de que
Punky Meadows, el objetivo de la sátira de Zappa, se volviera litigioso, aunque
algunas ediciones en Inglaterra mantuvieron la pista), 'Cruisin 'For Burgers',
'Pound For A Brown', 'I'm The Slime' y 'The Torture Never Stops'.
Zappa In New York abre con 'Titties And Beer', un relato reduccionista de las
prioridades masculinas diseñado para indignar a las feministas.
También fue una oportunidad para Frank de incitar al baterista Terry Bozzio,
quien tuvo que usar una máscara de goma y hacer el papel del diablo. En la
versión que Zappa eligió para su lanzamiento, su diálogo improvisado incluye:
Zappa – “Solo estoy interesado en dos cosas. A ver si puedes adivinar cuáles
son. Bozzio – “Veamos ahora, tal vez Stravinsky y…”
Bozzio tenía razón. En 1972, Zappa había interpretado al diablo en una
representación de Soldier's Tale de Stravinsky en el Hollywood Bowl: 'Titties
And Beer' es una reescritura de la historia de Stravinsky. En el original, el alma
del soldado está representada por un violín. La exclamación de Zappa '¡Arriba
saltó el Diablo!' es el nombre de una oscura melodía grabada por el violinista Stu
Smith a fines de 1949 o principios de 1950 (según el destacado stuólogo
Anthony Barnett): "¿No te pagan bien por las cosas que haces ?" Zappa le
pregunta a Bozzio. Así como los violinistas de Zappa (Sugarcane Harris, Jean
Luc Ponty, Eddie Jobson, L. Shankar, Ashley Arbuckle) saltaron la división de
música clásica/blues/improvisación, la diablura de 'Titties And Beer' confunde a
Igor Stravinsky con Stu Smith.
'Cruisin' For Burgers' transformó la nostalgia soñadora de Uncle Meat por
los placeres adolescentes en un entrenamiento atronador, cada instrumento
siguiendo un ritmo diferente. 'I Promise Not To Come In Your Mouth' fue la
canción principal de Läther , con un hormigueante solo de Moog de Eddie Jobson.
'Punky's Whips' es una de las creaciones más mágicas de Zappa; Los impulsos
homoeróticos de Terry Bozzio están representados con gran sutileza.
Guitarra eléctrica, trompetas y percusión se combinan de una manera totalmente
original. Ópera, pero no como la conocemos, Giuseppe.
'Cariño, ¿no quieres un hombre como yo?' es una sátira apenas observada
sobre los rituales de los juegos de apareamiento. En presentaciones posteriores,
el grupo favorito de la ocegirl Betty cambió de Helen Reddy, famosa por el
himno feminista 'I Am Woman' (1972), a Twisted Sister, una ridícula salida de
heavy metal (la réplica de Zappa a un alborotador: "vete a la mierda, ¡Zappa!” –
“¡y que te jodan también, amigo, que te jodan mucho!” – fue eliminado de Zappa
In New York, pero apareció en Läther).
'The Legend Of The Illinois Enema Bandit' partió de un caso judicial de
la vida real, convirtiéndose en una epopeya de sadismo anal cuando Zappa
desahoga su furia escatológica contra las mujeres con educación universitaria.
La sugestión escabrosa y apestosa de su solo de guitarra, que huele
positivamente a impulsos coprófilos, ilustra las ventajas estéticas de utilizar
temas dudosos. 'I'm The Slime' es un espléndido arreglo de metales de la
canción de OverNite Sensation, presentado por el presentador de televisión
Don Pardo. 'Pound For A Brown' se convirtió en un concierto de reserva a lo
largo de los años, el equivalente de Zappa a 'Caravan' de Duke Ellington;
Mientras que los Mothers originales reflexionaron sobre su compás asimétrico,
las bandas posteriores lo encontraron un terreno de prueba conveniente
para los aromas instrumentales.
'Manx Needs Women' y un nuevo arreglo de 'Sofa' de One Size Fits All
son magníficos despliegues de fuerzas ampliadas.
'Black Page' presentó la dificultad musical como un truco para complacer a
la multitud, despojándose de sus adornos de clase y sofisticación. 'The
Purple Lagoon', la cuarta cara de 'music music' del vinilo original de Zappa
In New York , tuvo como invitados a los hermanos Brecker y Ronnie Cuber
que improvisaron sobre un campo de minas rítmico. En Zappa In New York,
el poder del rock, las habilidades de jazz y la organización clásica lograron
una acritud expresiva que la fusión de jazz y rock de los 70 fue difícil de igualar.
Studio Tan
Lanzamiento original: septiembre de 1978; Edición de CD Rykodisc/RCD
10524/25
Sminuto 'Las aventuras de Greggery Peccary' fue el lado ocho, uno
TUDIO TAN PRESENTÓ DOS LADOS DE LOS OCHO LADOS DE LÄTHER . LOS VEINTE
de esas producciones épicas con las que a Zappa le gustaba cerrar una gran
obra. Para los oyentes repelidos por la entrega vocal de Zappa, aquellos que
prefieren Hot Rats a, digamos, Apostrophe (') , este álbum no se puede
recomendar: 'Greggery Peccary' es básicamente Zappa narrando una historia
de estilo de dibujos animados con la ayuda de 1001 chistes musicales y efectos de sonido.
Al igual que en 'Billy The Mountain' en Just Another Band From LA, Zappa
cuenta su historia a través de una serie de clichés que desencadenan
instantáneamente imágenes visuales (p. ”). Sin embargo, esta no es una banda
escandalosa que hace bromas e improvisa en el escenario, sino una maravilla
de múltiples pistas meticulosamente elaborada.
La edición de Rykodisc acredita una pequeña banda con George Duke, los
hermanos Fowler y Chester Thompson; cuerdas, instrumentos de viento, saxofón,
campanas orquestales, marimba, xilófono, todos quedan sin acreditar. El flujo rápido
de ideas es deslumbrante y podría sustentar páginas de análisis. Para tomar un
ejemplo, el motivo que se reproduce después de las palabras "ower power" es el
"folkrock mongoloide ri" que Zappa incorporó deliberadamente en 'Tryin' To Grow A
Chin' (una canción de Läther que apareció por primera vez en Sheik Yerbouti). De
acuerdo con la doctrina de Zappa de que el tiempo lineal es una ilusión, Greggery
Peccary “inventa” el calendario, dando así a las personas la oportunidad de saber
qué edad tienen. "Qué
¿ha obrado Dios?” pregunta una voz, citando las primeras palabras jamás
telegrafiadas (el 24 de mayo de 1844, Samuel FB Morse tecleó la frase, de
Números 23:23 en la Biblia, en Washington, DC; las palabras codificadas llegaron
instantáneamente a Baltimore en una cinta de papel perforada ).
La tapa de la caja de Läther pegaba la etiqueta en los cilindros de cera fabricados
en la década de 1890 por Columbia Phonograph Company utilizando el nuevo
invento de Thomas Edison. Para Zappa, nuestra experiencia del tiempo y el
espacio ha sido transformada por tecnologías de señalización eléctrica, grabación
y reproducción: la “realidad” humana es un producto histórico. Sin embargo, a
pesar de pensamientos tan profundos (todos entregados al ritmo frenético de una
caricatura de Tom & Jerry ), Zappa se muestra cínico sobre los motivos de los
"filósofos" para explicar el mundo: cualquier cosa que pidas, "verán que pagas".
“La verdad es un enigma social, que debe descubrirse en la resistencia a los
estafadores y la explotación económica en lugar de consultar a los expertos.
'Música revisada para guitarra y orquesta de bajo presupuesto' es una brillante
nueva versión de la suite que Zappa escribió para King Kong de JeanLuc Ponty.
'Lemme Take You To The Beach' es surf pop paródico con el ingeniero de Grand
Funk Railroad Davey Moire en falsete, Don Brewer en bongos y Eddie Jobson
'yodeling'. 'RDNZL' es una melodía poderosa, que brilla con falsa pompa. Sus
diferentes secciones marcan el paso del tiempo en direcciones opuestas, lo que
sugiere que la uniformidad del tiempo del reloj no es toda la historia. El solo de
Zappa tiene vitalidad y lirismo, el fulminante piano de George Duke lo eleva a
alturas siempre renovadas.
La llamativa portada fue de Gary Panter de Raw Comix, la primera de tres
encargadas por Warner Brothers para los álbumes que Zappa había entregado
sin carátula. Muestra a alguien en una tumbona sudando bajo las luces del
estudio. Cuando Rykodisc llegó a publicar Studio Tan, Sleep Dirt y Orchestral
Favourites en 1995, volvieron a ponerse en contacto con Panter, quien proporcionó
bocetos adicionales para que aparecieran debajo de la bandeja de incrustaciones
transparente en cada uno.
Dormir Suciedad
Lanzamiento original: enero de 1979; Edición de CD Rykodisc/RCD
10527
S LEEP DIRT ES UNA COLECCIÓN DE LA MÚSICA MENOS DEFINIBLE DE LÄTHER,
junto con dos extras: la canción principal y 'Time Is Money'
(Rykodisc incluyó este último como bonificación en la edición de 3
CD de Läther). Hay mucha guitarra, tanto acústica como eléctrica de arena,
pero no es rock. Hay mucho del piano de George Duke, pero no es jazz.
Hay mucho juego de puntuación, pero no es clásico. ¿Cómo definirlo?
Extraño, ciertamente.
Originalmente, ninguna de las pistas tenía voz, pero cuando llegó el
momento del lanzamiento del CD, Zappa superpuso a la soprano Thana Harris
en 'Flambay', 'Spider Of Destiny' y 'Time Is Money' (todas las canciones del
musical de Zappa, Hunchentoot ). Sus estridentes interpretaciones de
Broadway decepcionaron a los fanáticos del Sleep Dirt original, por lo que
ahora el lanzamiento en vinilo es muy apreciado (aunque las tres pistas
aparecen sin las sobregrabaciones vocales en Läther). En cierto modo, el
canto de Harris hace que la música sea menos notable: la combinación
puramente instrumental de piano de jazz, tambores escalonados y vibraciones ondulantes n
'Filthy Habits' es una de las incursiones más fuertes de Zappa en el
diabolismo de la guitarra, una oleada irresistible de doblaje y retroalimentación:
esplendores bárbaros y viscerales para hacer hervir la sangre. 'Time Is Money'
usó comentarios de estudio para la guitarra de Zappa y grabó íntimamente el
contrabajo de Patrick O'Hearn, perpetrando algo completamente extraño.
'Regyptian Strut' superpuso el trombón de Bruce Fowler en metales macizos,
creando el tipo de fraude 'épico' de Hollywood sobre el que Zappa bromeó en
The Grand Wazoo. 'Sleep Dirt' es un dúo de guitarras acústicas entre Zappa
y James 'Bird Legs' Youman (quien reemplazó a Tom Fowler en One Size Fits
All cuando este último se rompió la mano). Zappa hace afirmaciones plateadas
y líricas sobre el ostinato de Youman. 'El océano es la solución definitiva'
originalmente
llamado 'One More Time For The World' (una cita de 'Tryin' To Grow A Chin') – propone
un nuevo tipo de música de estudio, donde la guitarra con retroalimentación de arena
puede tocar un solo sobre un bajo y una batería acústica íntima. Las prisas y
disyunciones rítmicas de la composición orquestal de Zappa se realizan aquí a través
de un método diferente: a través de músicos capaces del impulso rítmico del rock y el
jazz. Al igual que 'Canard Du Jour' en Shut Up 'N' Play Yer Guitar, este es el sonido de
Zappa en el estudio de su casa, logrando música seriamente evocadora con sus
músicos favoritos.
Jeque Yerbouti
Lanzamiento original: marzo de 1979; Edición de CD Rykodisc/RCD 10528
HEIK YERBOUTI ESTÁ CON ELLOS O CON NOSOTROS COMO UNO DEL ROCK ÉPICO DE ZAPPA
S
records: el título es un juego de palabras con 1976 de KC And The Sunshine Band
éxito disco 'Shake Your Booty'. El tarboosh beduino de la portada de Zappa
enfatizó su fisonomía de 'Jeque de Arabia'. 'I Have Been In You' fue una réplica
obscena del éxito de ventas I'm In You de Peter Frampton, pero también fue un ejemplo
sorprendente de una mezcla de estudio tridimensional de última
generación, con coros en picado y una voz insinuante y cercana. La música está
organizada como un cabaret, con diferentes miembros de la banda dando
un paso al frente para mostrar sus talentos. En 'Flakes', por ejemplo, Adrian Belew (un
guitarrista que Zappa había descubierto interpretando imitaciones de Roy Orbison en
un bar de Nashville) se desató en una rutina de Bob Dylan. En el escenario, Belew
tenía un corte al rape y uniforme militar con un parche cosido que decía 'Lt. Punk'.
Aportó una violencia maníaca a la música de Zappa.
'Broken Hearts Are For Assholes' detalló las implicaciones homoeróticas del
concepto de cuero, así como las delicias de la sodomía heterosexual: "No te engañes,
chica/ Te lo voy a meter por el tobogán de caca" se le cantaba a un tonto. ritmo pseudo
reggae, dándole
un encanto surrealista para aquellos que conocen a Bob Marley y Burning Spear.
'I'm So Cute' fue una locura 'punk' del baterista Terry Bozzio intercalada con
voces de munchkin aceleradas que enumeraban sus fetiches dietéticos (antes
de Black Flag, "raíz de ginseng" y "vitamina B" que te hacían "genial y lindo ” fue
lo más cerca que los californianos pudieron llegar a la ética punk). Los fans de
Mothers como Charles Shaar Murray y Savage Pencil, ahora en medio del punk
británico, estaban horrorizados: ¿cómo podía estar Zappa tan equivocado, tan
desinformado? Cuando Bozzio se separó para formar una banda de New Wave
llamada Missing Persons, quedó claro que la sátira de Zappa era tan profética
como siempre; solo que su puesto de escucha era Hollywood Boulevard en lugar
de King's Road.
'Jones Crusher' colocó imágenes de pánico sexual masculino al ritmo del
rock'n'roll tocado a 78 RPM; "¿Qué pasó con toda la diversión del mundo?" y
'We've Got To Get Into Something Real' fueron collages de palabras y efectos
de Läther: conversaciones íntimas y angustiosas entre bastidores que hacen que
la furia del rock de la arena a su alrededor sea aún más impactante y pública.
'Rat Tomago' fue una pieza de guitarra cortada de una versión en vivo de 'The
Torture Never Stops' en Berlín.
'Bobby Brown', más tarde un éxito Top 10 en Noruega y un éxito en las
discotecas alemanas, era una cancioncilla de vestuario que abordaba todo tipo
de opciones sexuales, con una melodía suntuosa. 'Rubber Shirt' era más una
"resincronización experimental" (una técnica que debutó en Zoot Allures), una
muestra del untuoso bajo sin trastes de Patrick O'Hearn.
'The Sheik Yerbouti Tango' es apropiadamente camp, la banda sonora perfecta
para la exuberante pose de portada de Zappa.
'Tryin' To Grow A Chin' fue una angustia adolescente suicida, Terry Bozzio
terminó en un punto frenético. De la misma manera que 'Bobby Brown' combinó
letras degradadas con música incongruentemente bella, 'City Of Tiny Lites', otra
característica de Belew, combinó microalucinaciones de miseria doméstica con
una melodía altísima. Led Zeppelin habría tenido palabras sobre prados y
estrellas: como de costumbre, Zappa está decidido a mostrar que la realidad
inmediata es más bizarra y fascinante que lo sublime romántico.
'Jewish Princess' metió a Zappa en problemas con la Liga Antidifamación.
Refutó las acusaciones de antisemitismo escribiendo un artículo igualmente
canción ofensiva sobre su propio tipo racial: 'Catholic Girls' (ver Joe's
Garage). Sin embargo, dada su fotoretrato en la portada, parece que
Zappa no está tanto denigrando a 'otra' raza como expresando preferencia
por la sensualidad oriental frente a la anemia del pan blanco.
Puedes rebatir estos argumentos todo el día, pero en términos de estética,
cuando Zappa describe "un aroma a ajo que podría nivelar a Tacoma",
está describiendo la acritud de su propio arte en lugar de hacer una
acusación desde una posición de limpieza puritana (él y Steve Vai tenía
una expresión "ponle ajo en tu forma de tocar", lo que significaba usar
armonías no estándar). Ciertamente, la forma en que se presenta la
canción (frases que recuerdan la escena de la multitud en 'America
Drinks' en Absolutely Free ) muestra que Zappa piensa que las
caracterizaciones raciales son tan tontas como la astrología.
El arreglo de 'Wild Love' recuerda a Steely Dan, aunque las marimbas
de marca registrada que doblan la línea de la melodía, una técnica que
Zappa tomó prestada de Charles Ives, lo hacen también Zappaesque.
Según Adrian Belew, la letra de 'Yo' Mama' se escribió como una
amonestación después de que no se había aprendido toda 'Little House I
Used To Live In' para un ensayo. El solo de guitarra, grabado "en un
pequeño pueblo a las afueras de Nurnberg del que no recuerdo el nombre"
y dejado caer sobre una pista de fondo alienígena, respaldado por un
extenso teclado sobre doblaje cortesía de Tommy Mars, es una de las
declaraciones más extremas de Zappa. . La interpretación sale de la
cordura lineal hacia una tórrida zona de guerra de distorsión y evento sonoro.
Favoritos orquestales
SEl
IMON PRENTIS ARGUMENTA QUE “JUNTOS TODOS, LA ORQUESTA
álbum favorito a veces puede parecer demasiado pesado para ser
completamente accesible”, y dice que prefiere escuchar las pistas orquestales
entre las canciones y la palabra hablada de Läther. El álbum fue grabado
en el Royce Hall de UCLA los días 17 y 18 de septiembre de 1975, con una
orquesta de 37 músicos dirigida por Michael Zearott. Zappa logró un sonido
musculoso y directo mediante el uso de micrófonos de primer plano y una mesa
de mezclas multipista (en lugar del par de micrófonos cruzados preferidos por
los puristas clásicos), y al incorporar su propia sección rítmica: Dave Parlato en
el bajo eléctrico, Terry Bozzio. a la batería y Emil Richards a la percusión.
En el Royce Hall, 'Pedro's Dowry' fue precedida por Zappa narrando su historia
musical programada, una secuencia de clichés románticos que termina en una
“pequeña cogida barata” durante la cual la pareja, “accidentalmente tira un cenicero.
“La música es apropiadamente 'cursi', con todo tipo de recursos de partituras de
películas. '¿La aviación naval en el arte?' es un estudio de cuerdas cortas; 'This
Town Is A Sealed Tuna Sandwich' pasa a llamarse 'Bogus Pomp', una descripción
perfecta de la forma irónica y burlona en que se procesan y subvierten los efectos
'clásicos'. Esta es una joya perdida en la obra de Zappa . Su oído, experto en
mezclar en el estudio, hace que su partitura pueda desplegar clichés, pero equilibra
los sonidos como si organizara música electrónica. Sus violines y clarinetes suenan
como ondas sinusoidales, su piano como campanadas al azar. La música está
construida a partir de un sistema de pausas y prisas. Zappa sostuvo que Edgard
Varèse compuso de la misma manera que Alexander Calder construyó
sus móviles: equilibrando bloques de sonido uno al lado del otro. Puedes
escuchar a Zappa hacer eso en 'Bogus Pomp'. Trucos como microfonear
el violín por contacto y tocarlo a través de un pedal wahwah transforman
el sonido orquestal estándar. Parte de esto suena como si Zappa
hubiera borrado la partitura, omitiendo secciones esperadas y logrando
así nuevas relaciones orquestales. Prentis puede tener razón en que
gran parte de Orchestral Favourites es más 'accesible' en Läther, pero
no se puede perder 'Bogus Pomp': el tema 'Tuna' se olvida mientras los
timbres relucientes de Zappa giran uno alrededor del otro como
engranajes en un magnífico y loco máquina. Los trece minutos de
'Bogus Pomp' finalmente parpadean en campanadas de xilófono.
éter
Lanzamiento: septiembre de 1996; Rykodisc/RCD 10574/76
EL PROYECTO ORIGINAL DE LÄTHER ERA CUATRO ÁLBUMES DE VINILO EMPAQUETADOS EN UN
caja T. Después de que Zappa lo transmitiera en la radio para grabarlo en casa el 31
Octubre de 1977, la música circuló entre los coleccionistas como dos casetes
C90. Cuando Rykodisc lo lanzó póstumamente en 1996, el hijo de Frank, Dweezil,
contribuyó con una portada (una vaca con marcas que se asemejan a las costas de
Córcega, Italia y Sicilia, hogar de los antepasados de Zappa Sr), Gail Zappa
escribió la historia de la "curación" de Läther, y Simon Prentis proporcionó un
comentario pista por pista. Para convertirlo en un lanzamiento de 3 CD, el
'vaultmeister' Joe Travers ingresó al archivo de cintas en la casa de Zappa y
encontró algunas 'pistas adicionales': extractos de palabras habladas de
'Bootleg this!' de Zappa. emisión, un remix de 'Regyptian Strut' que
Zappa hizo en 1993, un solo de guitarra llamado 'Leather Goods' (un fragmento del
cual aparece en Läther propiamente dicho durante 'Duck Duck Goose'), 'Revenge
Of The Knick Knack People' (un ' ballet para piano, percusión y efectos de cinta'
grabado en 1978) y la versión no vocal de 'Time Is Money'. Sin embargo, las
complejidades de la discografía no deberían restar valor al hecho de
que, a pesar de Civilization Phaze III , Läther fue la obra de arte más vasta,
ambiciosa, amplia y completa de Zappa. Alguna vez.
El lanzamiento adecuado de Läther fue saboteado desde el principio, y esta Guía
completa ya ha enturbiado las aguas al tratar el contenido de Läther en su aparición
fragmentaria en los lanzamientos reales, en lugar de su unidad prevista. Presentado
por un adolescente confesional que tartamudea "¡llcuero!" Läther es una meditación
épica sobre
el significado de la música rock como un rito de iniciación en la sociedad
estadounidense y, por lo tanto, plantea todas las preguntas relevantes sobre la
madurez cultural y el lugar de la liberación y la libertad sexual en una sociedad
orientada hacia el trabajo.
En 1996, el compositor David Aldridge avanzó la tesis de que toda la música
de Läther estaba basada en 'Whole Lotta Love' de Led Zeppelin (una copia, por
supuesto, de 'You Need Love' de Willie Dixon). En el lanzamiento de 3 CD, el
'bonus track' 'Leather Goods', la fuente de la cita de Zappa del 'Whole Lotta
Love' en 'Duck Duck Goose', hace que el caso de Aldridge sea aún más
persuasivo: "esta pista martilla obsesivamente en la celda de tres notas y actúa
como palimpsesto para Läther.
Incluso sus collages de cintas más experimentales encuentran su fuente en los
remolinos de ruido de vanguardia en el centro de la pista de Led Zeppelin”. Es
como si Zappa hubiera levantado un prisma a la emoción inicial generada por el
rock, y la hubiera dividido en todos los sonidos, impulsos y posibilidades que
podría albergar.
Aldridge obtiene una confirmación independiente de otros arcanos
zappológicos. Según Pamela Des Barres, la historia del 'mudshark' (ver Fillmore
East junio de 1971 y Apostrophe (')) comenzó con las hazañas del road
manager de Led Zeppelin, Richard Cole, y el baterista John Bonham con un
pargo rojo y una groupie pelirroja. Fred Zeppelin era un título discutido para un
álbum de Zappa: los pases entre bastidores para la gira estadounidense de 1980
se imprimieron con el eslogan 'Fred Zeplinnn', pero la muerte de Bonham en
septiembre de 1980 hizo que Zappa dejara de lado la idea. La versión de
'Stairway To Heaven' en la gira de 1988, y su lanzamiento como sencillo de 12
pulgadas con una fotografía de portada de escaleras que no conducen a ninguna
parte, demostró que Led Zeppelin era una obsesión permanente.
Además de parte del material de collage entre pistas, todas las canciones y
melodías de Läther finalmente obtuvieron un lanzamiento legítimo: 'A Little
Green Rosetta' se convirtió en la épica pista final de Joe's Garage, mientras que
su sección de guitarra de cierre (la coda de 'Zoot Allures ' realizado en Osaka el
3 de febrero de 1976) se convirtió en 'Ship Ahoy' en Shut Up 'N' Play Yer Guitar;
'Down In De Dew' apareció en un casete de cinta emitido por
mundo de la guitarra; la canción principal 'Läther' apareció en Zappa In New
York como 'I Promise Not To Come In Your Mouth'.
Läther sigue siendo un nudo compulsivo en la obra de Zappa , un enigma
tan fantástico e intrincado que los devotos terminan comprando todos los
demás formatos simplemente para tener el placer de especular sobre las
intenciones de Zappa. Pero sigue siendo una cuestión discutible si la forma
real de experimentar Läther no debería ser a través del 'bucle' de intercambio
de cinta al que Zappa lo consignó originalmente con su transmisión de radio
“
original: "puedes tenerlo gratis, solo pégalo en la aire…
6. LOS AÑOS DE LA CBS
Garaje de Joe Actos I, II y III
Lanzamientos originales: septiembre y noviembre de 1979;
Edición de CD Rykodisc/RCD 10530/31
OE'S GARAGE COMENZÓ SU EXISTENCIA CON FRANK ZAPPA TOMANDO SU banda
J
en el estudio para grabar un sencillo: 'Joe's Garage', una cuenta de rock's
evolución del DooWop al New Wave, respaldado por 'Catholic Girls', su
respuesta obtusa a la polémica en torno a 'Jewish Princess'.
Terminaron cortando dieciséis pistas. Luego, durante un solo fin de semana,
inventó una historia para dar continuidad: “es como hacer crucigramas”, dijo.
Pensando que el costo de un álbum triple "podría ser difícil para la gente tal
como es el mundo hoy en día", Joe's Garage se lanzó como un solo
álbum (Acto I) en septiembre de 1979 (con portada plegable, imágenes
dadaístas extensas y letras desplegables). hoja), seguido de un álbum doble
(Actos II y III) dos meses después. Las notas de portada, las direcciones
de escena y los gráficos alentaron a los oyentes a perderse en los
detalles de todo. Los fanáticos de Zappa que comenzaron a principios de
los 80 lo citan invariablemente como uno de sus favoritos.
"Es como una especie de obra de teatro de secundaria realmente barata...
de la forma en que podría haberse hecho hace 20 años, con todos los
escenarios hechos de cajas de cartón y pinturas para carteles". Zappa nunca
perdió su afecto por la representación que cede en las costuras, y Joe's Garage
está lleno de eso. Su propio comentario entre pistas: la voz del
'Central Scrutinizer': nos engaña y comete errores, creando un disco de
comedia desaliñado que distrae la atención de una música extremadamente
bien hecha. Como dijo en la pista de cierre, después de que decide apagar
el megáfono de plástico que creó la voz del Escrutador Central y habla con su
voz normal: “son muy buenos músicos, pero no importa si ellos son buenos
músicos, porque a cualquiera que compre este disco le importa una mierda si
hay buenos músicos en él, porque esta es una canción estúpida, Y ASÍ ME
GUSTA”.
Joe's Garage hizo debutar al cantante Ike Willis, cuya voz ligera e insinuante
marca la música tardía de Zappa tan indeleblemente como Ray Collins marcó
la música de The Mothers Of Invention. Willis estaba estudiando en la
Universidad de Washington en St Louis cuando Zappa tocó allí el 2 de octubre
de 1977 y se metió en el equipo de escena. Zappa descubrió que era cantante
y lo probó en 'Bamboozled By Love' y 'Carolina Hardcore Ecstasy', luego le
pidió su número de teléfono para poder asistir a las próximas audiciones.
Como muestra su propio álbum Shoulda Gone Before I Left , Willis es un
animal político (en 1988, los comentarios en el escenario sobre el "pan de
confinamiento", una propuesta sobre el tipo correcto de pan para inducir el
cumplimiento por parte de los presos estatales, se derivaron de un artículo
Willis leyó en The Washington Post), además de ser aficionado a los juegos
de palabras (la palabra 'plook' se le atribuye en Joe's Garage). Un colaborador
ideal de Zappa.
Las canciones eran el tipo de Zappa 'lth' que llevó a los periodistas
contemporáneos de NME a un frenesí de justa indignación. La historia siguió
a Mary de Dale Bozzio y su evolución de Chica Católica a Puta del Equipo y
luego a concursante de Camiseta Mojada (quizás los periodistas no se dieron
cuenta de que sus "protuberancias de mamífero" estaban siendo vistas "a
través de una especie de hombre blanco completamente empapado y de
aspecto estúpido". tipo conservador de ideología intermedia). Aparte de
'Watermelon In Easter Hay', todos los solos de guitarra del álbum se aplicaron
“xenócronamente” a pistas de acompañamiento alienígenas. 'Wet TShirt
Nite' (rebautizado como 'Fembot In A Wet TShirt' en el CD) contenía algunos
ejemplos sorprendentes de las métricas tortuosas de Zappa. El acto I termina
con la interpretación de Ike Willis de la canción principal de Je Simmons.
Lucille Has Messed My Mind Up, llevándola al territorio de Luther Vandross.
'A Token Of My Extreme' fue una melodía interpretada originalmente por la
banda Roxy And Elsewhere (le dio nombre a un brillante especial de televisión).
Aquí, la letra satiriza a L. Ronald Hubbard y la Cienciología, lo que lleva a la
obscenidad cabalística de 'Stick It Out' y su repetición de las tontas líneas de
conversación de Sheik Yerbouti (descritas en el folleto como "tradicional
American Love Poetry") y Fillmore . Este 'Latex Solar Beef' de junio de 1971.
'Sy Borg' fue una historia de fetichismo tecnológico que, al igual que los actos
sexuales autónomos de Zoot Allures, refleja el propio modo de producción
musical de Zappa: sin el último equipo de sonido, Joe's Garage hubiera sido
imposible de realizar. Los cosquilleos y swoops del solo de sintetizador de
Peter Wolf constituyen una evocación del sexo oral al lado del solo de Jobson
en 'I Promise Not To Come In Your Mouth' (Zappa In New York).
'Dong Work For Uda' era una canción para el guardaespaldas de Zappa,
John Smothers, cuyas malas pronunciaciones eran legendarias (tal juego de
palabras culminaba en el dialecto 'negroz' de ThingFish). 'Keep It Greasey',
una canción sobre los placeres de la analidad heterosexual, fue reconfigurada
para describir el tratamiento de Joe en una prisión especial donde mantienen a
"los otros criminales del negocio de la música... ya sabes... los que son
atrapados". Como Dante en El Infierno, el artista se vengaba imaginariamente
de todos sus enemigos. El acertadamente titulado 'Outside Now' presentó más
xenocronía de guitarra. 'Packard Goose' fue la diatriba de Zappa contra los
periodistas musicales entusiastas del punk, con abundante guitarra xenócrona
"imaginada" por Joe, quien ahora salió de prisión solo para descubrir una
distopía de la burocracia del bienestar y montones de "bienes de consumo
muertos".
'Watermelon In Easter Hay' fue una de las tres piezas de guitarra, junto con
'Black Napkins' y 'Zoot Allures', de las que Zappa Family Trust retuvo los
derechos como las 'piezas emblemáticas' de Frank Zappa (en enero de 1997,
Dweezil Zappa los relanzó en CD, con tres versiones en vivo inéditas y 'Merely
A Blues In A', en el sello UMRK de pedido por correo; consulte el Capítulo 11).
Es una música muy bonita, Zappa adopta convenciones armónicas de las que
normalmente se burlaba.
Tras esta caída en el “lirismo desenfrenado”, los instintos dadaístas de Zappa se
impusieron, y terminó con el caótico “humor” de 'A Little Green Rosetta'. Algunos
zappólogos interpretan este último como un comentario sobre la "belleza": un inútil
adorno kitsch que se "fanfarronea" sobre las repeticiones sin sentido de nuestra
vida cotidiana.
Rebelión de la ciudad de oropel
LA PORTADA DE AL SCHENKEL REPRESENTÓ A ZAPPA COMO UN ANIMADOR PERTURBADO
C
con la civilización moderna derrumbándose alrededor de sus oídos. Los oficiales
del ejército en uniforme de gala beben champán de la botella. Es como una
escena de Georg Grosz, que muestra cómo la escalada militar beneficia a
determinados sectores sociales. Teniendo en cuenta que la era Reagan/
Thatcher de alto desempleo, gasto masivo en armas y arrogancia yuppie apenas
comenzaba, algunos encontraron las palabras de Zappa en 'The Blue Light'
"Death Valley Days, Straight Forward" inquietantemente proféticas. CBS
rechazó la distribución del sencillo contra la guerra de Zappa, 'I Don't Wanna Get
Drafted'.
'Fine Girl' es sexismo icónico, vinculando tales actitudes con el reggae y motivos
preindustriales como sandalias de tiras y acarreando agua del pozo. 'Easy Meat' es
aún más sexismo icónico, incluida una sección de 'sobregrabación masiva' donde
Tommy Mars muestra que el Heavy Metal y la Clásica usan técnicas idénticas para
llegar al clímax. La habilidad de Zappa para el montaje no disminuyó. En Läther, un
acorde de clavicémbalo y un susurro "simplemente no van a soportarlo" introdujeron
'Titties And Beer'. Aquí los mismos sonidos introducen un solo monumental donde
la guitarra de Zappa parece estar improvisando la estructura misma de la música.
Vinnie Colaiuta fue tan móvil y receptivo
baterista, permitió a Zappa mover a todo el conjunto con cada afirmación de la
barra de golpe.
'For The Young Sophisticate' fue una nueva versión de la melodía de Läther ,
esta vez llena de marimbas que suenan tontas mientras Zappa satirizaba la
presión del grupo de compañeros. 'Love Of My Life' de Ruben And The Jets y 'I
Ain't Got No Heart' de Freak Out! Eran oportunidades para que Zappa demostrara
el poder y la velocidad de su última banda.
'Panty Rap' vio a Zappa recolectando artículos de ropa interior femenina para
que la artista Emily James los cosiera en una colcha. El zappólogo Jonathan
Jones tomó esto como literalmente "mostrar la ropa sucia de Estados Unidos en
público", y también como una ilustración perfecta de la estética del collage de Zappa.
A medida que los músicos, siempre cachondos, pasaban la ropa interior, también
se introdujo el tema de las bragas. 'Tell Me You Love Me' es la expresión
histérica de lujuria de Chunga's Revenge , que se convirtió en una sátira de
Michael Jackson en Broadway The Hard Way.
'Now You See It – Now You Don't' es un solo de guitarra que ilustra una vez
más la inventiva y la movilidad de Colaiuta. Al igual que 'Panty Rap', 'Dance
Contest' fue una porción de travesuras en el escenario. En el tema del CD, la
hoja de letras de Rykodisc presenta un error confuso; Zappa en realidad dice:
"Si estás ahí afuera y eres lindo, tal vez eres hermoso, solo quiero decirte algo:
somos más hijos de puta feos que tú..." Aunque se transcribió correctamente en
la edición de vinilo. , las palabras ahora dicen "y no eres lindo...", lo que hace
que la posición antiglamour constante de Zappa no tenga sentido.
'The Blue Light' ridiculizó la inercia posthippie con una extraordinaria
combinación de asociación libre y efectos. Zappa defiende la auténtica pizza
italiana y profetiza la perdición reaganiana.
'Tinsel Town Rebellion' atacó al punk de LA, citando al ri de 'Sunshine Of Your
Love' ante la mención de "crema". 'Bamboozled By Love' es una disección
gráfica de los celos psicóticos. Tocar en vivo el exquisitamente editado 'Brown
Shoes Don't Make It' de Absolutely Free fue otro alarde de la habilidad y
disciplina de la banda actual de Zappa; 'Peaches III' (llamado así porque Zappa
había grabado dos veces 'Peaches En Regalia' antes: en Hot Rats y en Fillmore
East) sonaba delgado y extra perverso en la nueva versión de Zappa.
Zappa nunca antes había publicado un disco tan lleno de melodías antiguas. Su
calendario de giras interminables de los años 80, un enfoque que le permitió
mantenerse en el ojo público y realizar sus proyectos orquestales a pesar de la
exposición a la radio y los éxitos cero, exigió que sus músicos se familiarizaran con
todo su catálogo. Al final del álbum, siguiendo sus comentarios sobre la pizza, Zappa
hizo que el guitarrista Warren Cucurullo rindiera homenaje a una lista de "grandes
italianos". Los nombres incluían a Conlon Nancarrow, que no era italiano en absoluto,
pero cuyas composiciones vanguardistas para pianistas inspiraban a Zappa para
buscar la xenocronía en aguas desconocidas. Tinsel Town Rebellion fue el alarde de
un líder de banda que se negó a permitir que la viabilidad comercial se convirtiera en
un freno para la innovación musical.
Cállate y toca tu guitarra
Lanzamiento original: mayo de 1981; Edición de CD Rykodisc/RCD
10533/34/35
LA APARICIÓN DE APPA COMO GUITAR HERO PARECÍA SER UN SECRETO
COMPARTIDO por Z quienes asistían a sus conciertos. Periódicos musicales
que habían visto disminuir su circulación revividos por Punk New Musical
Express y Sounds malditos solos de guitarra como 'autoindulgencia
hippie' (escritores que no creían que la revolución punk significaba denunciar
la música que no se ajustaba a los formatos pop, en particular Richard Cook y
Graham Lock en NME, se separaron para unirse a The Wire, que se convirtió en la
revista interna del 'renacimiento del jazz' de los años 80 en el Reino Unido).
Mientras tanto, la prensa de rock estadounidense elogió una serie absurda
de héroes de la guitarra de Heavy Metal en spandex y tacones altos. Shut Up 'N'
Play Yer Guitar fue diseñado para dar una lección a los periodistas. La caja
original incluía estas palabras de lucha en la parte posterior:
“Hasta el lanzamiento de este álbum, solo unas pocas personas se dieron
cuenta de lo que los fanáticos del hardcore sabían todo el tiempo… que FZ
puede tocar la guitarra. Mientras los periódicos y revistas gritaban las
alabanzas de todos los demás estranguladores de guitarra de moda y
condenaban a Zappa por tener las agallas de cantar letras que pensaban
que eran repugnantes, en silencio continuó diciendo cosas en su instrumento
que eran mucho más blasfemas de lo que cualquier palabra podría transmitir.
En la prisa por ofenderse por lo que dijo, la prensa musical se olvidó de
escuchar de qué hablaba su guitarra. Los solos de guitarra de Zappa, tal
como se capturan en este álbum, dicen muchas cosas que podrían resultar
vergonzosas para los escritores que se olvidaron de escuchar”.
La edición Rykodisc, por lo demás, una réplica en miniatura de la caja de
vinilo, lo que lleva a tiempos de reproducción cortos en cada CD, reemplazó
este texto con la reseña de John Swenson de Guitar World (noviembre de
1981). Swenson hizo comentarios acertados sobre la relación de la forma de
tocar la guitarra de Zappa con la continuidad conceptual y dio una exposición
detallada de la xenocronía. Sin embargo, esta técnica no se usó en Shut Up;
todos estos son documentos de solos con acompañamiento en tiempo real,
aunque separados del contexto. Los zappólogos se divierten averiguando de
qué melodías provienen (la mejor exposición fue en Le Pingouin Libéré,
órgano de Fils de l'Invention, con sede en París, una revista en color de 44
páginas que apareció en 2004: detalles de ‹ leslsdelinvention@free.fr›;
también cubrió las fuentes para Guitar).
Las tres canciones que dan título a 'Shut Up' y 'Vaya, me gustan tus
pantalones' provienen de 'Inca Roads'; 'veveCINCO' de 'Conehead'; 'Hog
Heaven' de 'Easy Meat'; 'Sopa y ropa vieja' de 'The Illinois Enema Bandit';
'Variaciones sobre la progresión de acordes secretos de Carlos Santana' de
'City Of Tiny Lites'; 'Ship Ahoy' (la conclusión de 'A Little Green Rosetta' en
Läther) de 'Zoot Allures'; 'Pink Servilletas' de 'Black Servilletas'; 'Muebles de
Pinocho' de 'Chunga's Revenge'; 'Por qué Johnny no puede leer' de 'A Pound
for A Brown'.
Para aliviar la locura de la guitarra, Zappa dividió las pistas con fragmentos
de palabras habladas y "ruidos de boca" de Läther, además de
algunos trabajos de estudio íntimos: 'While You Were Out', 'Stucco Homes' y 'Canard Du
Jour'. Esta última es una encantadora 'falsificación etnológica' grabada por Kerry McNabb
en Paramount Studios a mediados de los años 70, con JeanLuc Ponty en un violín
barítono entrecortado y Zappa tocando bouzouki.
Por extraño que parezca, Zappa informó que Shut Up 'N' Play Yer Guitar,
originalmente solo un artículo de pedido por correo, en realidad se vendió mejor que
Tinsel Town Rebellion y el subsiguiente You Are What You Is.
Situado en un lugar extraño en la cultura, después del punk, el rock estaba destinado a
ser un lugar para canciones y declaraciones en lugar de musicalidad, Shut Up 'N'Play
Yer Guitar elevó el estatus de guitarra de Zappa al panteón selecto de los originales de
los 80, que incluye Blood. Ulmer, Eugene Chadbourne, Joe Morris y Derek Bailey.
Eres lo que eres
Lanzamiento original: septiembre de 1981; Edición de CD Rykodisc/RCD 10536
LA PUBLICIDAD DE CALABAZA LADRADORA PRODUCIDA PARA USTEDES ERES LO QUE ERES
T
rebosaba confianza: "Contiene 20 de las grabaciones de estudio más emocionantes
desde siempre... en un álbum estilísticamente en la región de We're Only In It For The
Money a través de Sheik Yerbouti y eso significa que este será EL GRANDE". …”
Aún más que Tinsel Town Rebellion, este disco estaba dirigido a la audiencia de rock,
con canciones impactantes, letras completas y continuidades conceptuales diseñadas
para fascinar al consumidor adolescente. Al igual que Tinsel Town, los DJ de radio lo
ignoraron debido a su vulgaridad y política. Y el hecho de que Zappa no se rebajaría
a payola.
Siempre consciente de los límites de la disidencia en una sociedad dedicada a la
búsqueda de ganancias, Zappa aprovechó la oportunidad para ventilar un artículo que había
escrito para la revista Newsweek, pero que había sido rechazado como
"demasiado idiosincrásico". En el lanzamiento de doble vinilo, estaba
impreso en color dentro de la carátula desplegable, la palabra 'queso'
resaltada en amarillo, y la acuñación de Zappa para el resultado final de
prot, 'el caniche de la tarifa preferencial', resaltada en rojo (en 1981, antes
de que Desk Top Publishing permitiera a las revistas tomar decisiones
deliberadas sobre la fuente y el color, esto parecía bastante extravagante).
'Sí, Virginia… hay ALMUERZO GRATIS', resumía la complacencia de una
clase gerencial que vive del trabajo de otros.
De acuerdo con su ética antagónica, Zappa comenzó con una canción
que abusaba directamente de su público objetivo: ¡ Freak Out!'s
'Probablemente te estés preguntando por qué estoy aquí' reequipado para
los años 80.'Teen age Wind' tuvo un coro interminable, “queremos ser
libres/libres como el viento”. Las repeticiones de la canción fueron diseñadas
para mostrar cuán poco libres son en realidad las aspiraciones de los
adolescentes. Jimmy Carl Black fue el invitado, recitando líneas clave de
200 Motels y cantando Country & Western en 'Harder Than Your Husband'.
'Doreen' fue una súplica doowop bombeada en la pompa de la arena.
'Goblin Girl' celebró a las chicas que pueden 'engullirlo todo' con una
melodía que era una extensión de 'Jewish Princess' y 'Catholic Girls'.
Apartes sobre el color de la piel y la piel sh predijo ThingFish. 'Theme
From The 3rd Movement Of Sinister Footwear' parecía un título extraño
para un solo de guitarra, hasta que te enteras de que era el tercer
movimiento de uno de los 'ballets' de Zappa (dirigido por Kent Nagano en el Auditorio Ze
Aunque Zappa llamó a You Are What You Is una "grabación de estudio",
siguió su hábito de sobregrabar pistas que se grabaron en vivo.
La secuencia 'Society Pages' hasta 'Conehead' (cara dos del vinilo original)
se tocaba con frecuencia en vivo como una suite. 'You Are What You Is',
un título que usa mala gramática para plantear preguntas sobre la identidad
social, se burló de las inseguridades raciales; 'Mudd Clubb', como 'The Blue
Light' de Tinsel Town , sacó conclusiones políticas de los absurdos que la
América contemporánea requería para la gratificación sexual (en su nota
de manga a Läther, Simon Prentis explica la palabra 'espuma' en referencia
a la 'boquilla amarilla jabonosa de su espumosa eyaculación nocturna... en
'Mudd Club').
'The Meek Shall Inherit Nothing' y 'Heavenly Bank Account' atacaron la
religión, mientras que 'Dumb All Over' expresó temores sobre el
fundamentalismo cristiano y la histeria estadounidense sobre el Islam.
'Drafted Again', una nueva versión del sencillo suprimido 'I Don't Wanna Get
Drafted', vio a dónde podría conducir todo esto. El programa de la gira
mundial de Zappa de 1980 recicló el gráfico contra la guerra de Schenkel de
la parte posterior del sencillo. El águila americana y el oso ruso se enfrentan
sobre un hongo atómico. En la parte superior, preguntó: "¿Es realmente
necesario este viaje?" (Este eslogan de la época de la guerra se imprimió
originalmente sobre la imagen de una familia en un automóvil, propaganda
doméstica diseñada para reducir el consumo doméstico de gasolina). La
canción termina con una voz de munchkin acelerada que grita "déjame en
paz, por favor". El zappólogo Jonathan Jones señala que esto recuerda los
tratamientos infantiles de Zappa para los problemas de los senos paranasales,
que consistían en "pinchar radio en las cavidades de los senos paranasales"
en el extremo de "un trozo de alambre de un pie de longitud". Al igual que con
la silla del dentista que se muestra en la portada del Tío Carne , Zappa
intentaba impresionar a su audiencia para que reconociera las realidades de
la guerra recordándoles sus propias experiencias personales de dolor, por triviales que fuera
El barco llega demasiado tarde para salvar un
Bruja ahogada
Lanzamiento original: mayo de 1982; Edición de CD Rykodisc/RCD 10537
O VER LA PRIMERA Y ÚLTIMA LETRAS DEL NOMBRE DE ZAPPA EN LAS LETRAS INICIALES
La
T de Zoot Allures puede parecer exagerada, pero Drowning Witch
demostró que Zappa tenía la fascinación de un cabalista por la posición de
su nombre en el alfabeto. La portada mostraba uno de los 'droodles' de
Roger Price (un libro del cual se publicó en Los Ángeles en 1953): al
imprimir 'Zappa' arriba usando triángulos para 'a', Zappa mostró cómo
había visto la primera y la última letra de su nombre, 'ZA', en la imagen del
rompecabezas de Price de un "barco que llega demasiado tarde para salvar a una bruja
que se ahoga" (o, alternativamente, "una pirámide madre alimentando a su hijo").
En 200 Motels, Rance Muhammitz le pidió al Señor que tuviera misericordia de la
'mente del hombre de la calle'; los gráficos de Joe's Garage mostraban los sueños de
limpiadores de baños, amas de casa, técnicos de laboratorio y botones; la apertura de
Drowning Witch, 'No Not Now', retrata los dilemas sexuales de un camionero. 'Valley Girl',
una novedad sorpresa, presentaba a la hija de Zappa, Moon, imitando las tonterías de las
niñas ricas del Valle de San Fernando. 'I Come From Nowhere' tenía a Roy Estrada,
bajista de los Mothers, Beefheart y Little Feat originales, cantando en un falsete espantoso,
mientras Zappa representaba las muecas de personalidades y políticos fraudulentos,
siempre sonrientes, orientados a la televisión.
La canción principal extendió la frase memorable de Price en una asombrosa
composición de doce minutos. Comenzó con lo que Zappa llamaba "fusión": letras
recitadas en un tono indeterminado.
Zappa se deshizo del tema de La consagración de la primavera de Stravinsky (muy
apropiadamente, un ballet sobre el sacrificio ritual), y luego se lanzó a su propia prueba
de que "el compositor actual se niega a morir". El despliegue de Zappa de la guitarra de
rock de arena y la percusión de vanguardia intrincadamente detallada es único en la
historia dividida de la música del siglo XX. 'Envelopes' fue una composición aún más
perversa, mientras que 'Teenage Prostitute', cantada por la cantante de ópera Lisa Popiel
(también responsable de 'Lisa's Life Story' en You Can't Do That On Stage Anymore
Vol.6 ), es una explosión de frenético rock'n'roll, chillando de histeria: el otro lado de la
vida de Hollywood de Valley girl vacancy (que, en el sencillo de 7”, era literalmente).
El hombre de la utopía
SOBRE EL HOMBRE DE LA UTOPÍA, POR CONSENTIMIENTO GENERAL, LA CAPACIDAD DE ZAPPA para
fomentar el factor molestia llegó a su clímax. Sin embargo, como con
todos los grotescos de Zappa, encuentra sus partidarios. El remix
digital del ingeniero Spencer Chrislu de 1992 mejoró
considerablemente un sonido algo discreto y seco y lo hizo más exuberante y más grande.
A 'Cocaine Decisions' se le dio un minuto extra, lo que permitió que las
felicidades de la pista de fondo emergieran detrás de la voz principal
de Zappa. Una pista inédita, 'Luigi And The Wise Guys', permitió que el
'pachuco falsetto' de Roy Estrada disfrutara de estilos de doowop de
garaje de una manera que no se había escuchado desde el Mothers
Of Invention original ("doble idiota en el trasero" reemplazando al “bupbup
showahdoowah” del concepto del período de Andrew Lloyd Webber).
La vocalización patentada de 'fusión' de Zappa se hizo omnipresente:
"Empecé a hablar en un tono de voz cantarín, y luego Tommy Mars cortó los
cambios detrás de eso". 'Dangerous Kitchen' tenía letras preescritas, pero se
interpretó con "tonos variables y ritmos variables". Su descripción del bizcocho
“apestoso y maloliente” y la ensalada “espantosa” tiene una cualidad lasciva
y ridícula que solo Zappa podría lograr. 'The Jazz Discharge Party Hats', el
relato improvisado de Zappa sobre las proezas de burlarse de las bragas de
los miembros de la banda, provocó que el habitualmente imperturbable Neil
Slaven pronunciara "probablemente la canción de peor gusto de todo el
catálogo de Frank". El hecho de que cada nota de su línea vocal tambaleante
esté doblada por Steve Vai en la guitarra agrega un toque ridículo, como si
alguien delineara una mancha de hoja en pan de oro. 'The Radio Is Broken'
volvió al tema de las películas económicas (ver 'Cheepnis' en Roxy And
Elsewhere y 'Debra Kadabra' en Bongo Fury), un tejido de voces tontas que
no se escuchaba desde 'Be In My Video' en Them Or Us.
'SEXO' es una crítica de glamour ofensiva, ya que Zappa explica que el
énfasis en una existencia sin grasa es estúpido porque "cuanto más grande
es el cojín, mejor es empujar... ¿quién quiere montar en una tabla de
planchar?" 'Tink Walks Amok' fue una característica instrumental del bajista
Art Barrow, con líneas melódicas intrincadas y métricas perversas que son la
marca registrada de Zappa. 'We Are Not Alone', impulsada por el saxofón
barítono de Marty Krystall, es una joya, alternando como lo hace
entre el movimiento hacia adelante del saxo y el dgeting, secciones
completas de marimba y guitarra. 'Moggio', llamado así por el sueño
de la bebé Diva sobre un padre diminuto que vivía debajo de su
almohada, nuevamente demostró el dominio compositivo de tensión y
liberación de Zappa. Si puedes escuchar a través del 'humor' de The
Man From Utopia hasta sus ingredientes materiales, uno comienza a
comprender cuán verdaderamente extraño es. La confrontación de
accidente y rigor de Zappa se compara con John Cage y Jackson
Pollock y su fascinación por el 'azar'. Sin embargo, aunque a los
neodadaístas de Fluxus les gustaba decir que estaban demoliendo
valores del 'arte elevado', el discurso que los rodeaba los elevaba a un
plano al que Zappa no podía aspirar. De ahí la relevancia, en el mismo
momento en que perpetraba tropelías como 'The Jazz Discharge Party
Hats', de la música 'clásica' que componía Zappa (ver Capítulo 7).
7. PROYECTOS “CLÁSICOS”
T entendido como un todo. Su arte era tan múltiple y subversivo de
LA TESIS DE ESTA COMPLETA GUÍA ES QUE EL TRABAJO DE ZAPPA NECESITA SER
El género que intenta aislar los discos "buenos" de los "malos" invariablemente
nos dice más sobre los límites del crítico que sobre las fallas de Zappa como
artista. Sin embargo, por razones de pulcritud (y para darle algo de forma a la
narrativa), este capítulo analiza los proyectos 'clásicos' que Zappa logró entre
1983 y 1993.
No obstante, hay que tener en cuenta que durante este período, los lanzamientos
'rockeros' y las giras mundiales de Zappa fueron implacables. Un título memorable,
Them Or Us , expresó la división que vio Zappa entre los fundamentalistas cristianos,
ansiosos por censurar los discos de rock, soul y rap, y el electorado opuesto. Quería
demostrar que alguien que no era un snob podía escribir música orquestal, pero
nunca dudó de su posición: con aquellos que los poderes fácticos consideraban oiks,
freaks y fracasos. La experiencia de rechazo social de Zappa en la escuela secundaria
fue profunda. . Como cantó en 'Cocaine Decisions', "eres una persona de clase alta" /
"eres una persona que no está en mi clase". A diferencia de muchos seducidos por
las formas de arte ascendentes, Zappa nunca descartó sus principios delincuentes.
Orquesta Sinfónica de Londres Vols.12
(Lanzamientos originales: junio de 1983 y septiembre de 1987; lanzamiento en CD
Rykodisc/RCD 10540/41)
L Nombre de ZAPPA y de la orquesta grabado en la cartulina. En el
ORQUESTA SINFÓNICA DE ONDÓN VOL. 1 LLEGÓ EN UNA CUBIERTA GRIS,
interior, una funda interior negra brillante impartía información importante en letras
blancas: el currículum académico del director Kent Nagano y una lista de la
antigüedad de cada instrumento de cuerda de la orquesta. Todo esto aseguró al
comprador que se trataba de un disco clásico adecuado . Tan apropiado, de
hecho, que parecía falso (un toque típico de Zappa). El problema fue que, en los
años 80, la música clásica ya no era una tradición 'apropiada'.
En los años de la posguerra, Boulez y Stockhausen habían tratado de reinventar la
tradición europea, pero sus innovaciones fueron rechazadas por la audiencia de "música
seria" por ser ruidosas e inaudibles (en The Real Frank Zappa Book, Zappa cuenta que
quería gritar "siéntense, pendejos " . , este es uno de los chicos de verdad” mientras la
mitad del Lincoln Center salía de un concierto en Boulez). El minimalismo de Steve
Reich y Philip Glass, caracterizado por Zappa como 'monocromonotonía', eliminó toda
la 'dicultad' de la música moderna y no ofreció mucho en su lugar (aparte de la
confirmación del estatus cultural del asistente al concierto). Desde el principio, Zappa
insistió en que había algo fantástico en Varèse y Stravinsky que no tenía nada que ver
con los valores snob. La visión de Zappa nunca fue a los años 80, cuando el relativismo
posmoderno y el cinismo comercial eran las 'nuevas' ideas brillantes. Su música 'clásica'
fue un asalto al corazón del esnobismo.
London Symphony Orchestra Vol.1 y su sucesor, lanzado cinco años después, son
experiencias extrañas. El oyente se sumerge en una sopa orquestal desprovista de la
feroz angulosidad de la otra música de Zappa. Cualquiera que espere la claridad, la
violencia y la abstracción de Edgard Varèse quedará decepcionado. En el número doble
de Rykodisc, 'Bob In Dacron', originalmente relegado al Vol.2 , está programado en
primer lugar.
Es un comienzo emocionante, ya que carece de coherencia o brillo.
Sin embargo, el mundo orquestal según Frank Zappa merece cierta
perseverancia. 'Sad Jane' es escalofriante, ya que los instrumentos de viento
de madera presentan el tema inquietante sobre cuerdas punteadas. Incluso
en medio de las fanfarronadas de guitarra más arrogantes, Zappa siempre
mantuvo una cierta conmoción claustrofóbica, y aquí esa emoción se
presenta en su forma pura.
En The Real Frank Zappa Book, Zappa se burla de las reglas académicas
en cualquier forma, en serie o minimalista, y declara su lealtad al timbre
(sonido puro) como portador del significado musical. Así es como organiza
su música orquestal: equilibrando pequeños giros de clarinete contra
ronquidos de metales, pasajes de percusión que dan paso a cuerdas
inundantes. A diferencia de Varèse, no evita la melodía, la armonía o las
secciones de 'creación de melodías' expresivas, pero nunca se 'desarrollan'
ni de forma clásica ni en serie. Los sonidos salen al aire para contrastarlos
y sopesarlos junto a otros sonidos, un equivalente auditivo de Kurt Schwitters
y su Merzbau , un arte abstracto construido a partir de basura y escombros.
Es como si Zappa estuviera reflexionando sobre el significado de los 'iconos'
sonoros que ha recopilado.
Al menos, eso es cierto para el disco uno ('Bob In Dacron', 'Sad Jane' y
'Mo 'N Herb's Vacation'). El disco dos es menos fragmentario y meditativo.
'Envelopes' debe contrastarse con la versión rock de Drowning Witch;
'Pedro's Dowry' suelda motivos vulgares en su narrativa de seducción sexual.
'Bogus Pomp' concatena melodías de 200 moteles. Para cualquiera que
esté familiarizado con esa música, proporciona un ejemplo delirante de la
habilidad de Zappa para hacer que el timbre instrumental recuerde frases
verbales. 'Strictly Genteel' es un resumen perfecto de los absurdos de la alta
cultura en una era industrial.
Como ha señalado el compositor David Aldridge, la técnica de Zappa
depende en gran medida de los clichés cinematográficos, y rara vez logra
las transformaciones mágicas de compositores espectrales como Gerard
Grisey, Tristan Murail o James Dillon. Zappa lo admite en una nota de
manga. Sin embargo, Aldridge elogia con razón las melodías crecientes de
Zappa y los hilarantes contrastes de ruido y armonía como aspectos que
faltan en la mayoría de las composiciones "serias" europeas (o incluso en
los compositores estadounidenses "populistas" que llegaron a raíz de
minimalismo). A lo mismo apuntaba Pierre Boulez cuando comentaba la
“vitalidad” de las partituras de Zappa.
el perfecto extraño
Lanzamiento original: agosto de 1984; Edición de CD Rykodisc/RCD 10542
ENFERMO COMO 'BOULEZ DIRIGE ZAPPA', EL PERFECTO DESCONOCIDO NO FUE
B
solo la realización de una de las ambiciones de Zappa: el compositor
de vanguardia Pierre Boulez figuraba entre las muchas influencias de
Freak Out! – también es una fuerte declaración musical. A diferencia de la
Orquesta Sinfónica de Londres, el Ensemble InterContemporain de Pierre
Boulez era un conjunto más bien pequeño dedicado a tocar música
innovadora. En The Real Frank Zappa, Zappa da una mirada cínica a
la escena clásica moderna: sus estrenos únicos que no están ensayados,
sus sonrisas falsas y la hipocresía de las relaciones públicas. Da a entender
que las actuaciones de 'The Perfect Stranger', 'Naval Aviation In
Art?' y 'Dupree's Paradise' eran inadecuados. Sin embargo, en el
registro, Zappa agradece a Boulez por “tener la paciencia de exigir la
interpretación precisa de los trillizos asesinos en la página ocho. “La
verdadera prueba tiene que ser cómo suena esta música, y para estos
oídos, suena bien. The Perfect Stranger no tiene las vacilaciones
ni los aturdimiento que caracterizan el juego sin compromiso.
Zappa escribió historias humorísticas para acompañar sus piezas
(declarando, tal vez a la defensiva en presencia del gran M.
Boulez, que eran "ridículamente no modernos" y "solo con fines de
entretenimiento"). 'The Perfect Stranger' tiene a un vendedor de aspiradoras
rociando "suciedad de demostración" en la alfombra para un ama de casa
desaliñada, todo observado por Patricia, "el perro en la silla alta” (esto se
refería a la pintura de la portada de Donald Roller Wilson, cuya estética
enfermiza/surrealista – y títulos – inspiraron 'Evelyn, A
Modied Dog' en talla única ). La narrativa de dibujos animados de Zappa
descarta la seriedad del arte elevado, pero la música resultó ser un desafío
para los músicos de Boulez (Boulez dijo más tarde que la misma dificultad de
estas partituras era buena para sus músicos).
'¿La aviación naval en el arte?' es una pieza corta sobre tensión y sustain.
Los músicos de cuerdas del Ensemble lo interpretan maravillosamente.
'Dupree's Paradise' es una composición de la era Roxy que la banda interpretó
como un jazz burlesque (ver Ya no puedes hacer eso en el escenario Vol.2).
The Ensemble lo convierte en un mecanismo inquietante y brillante lleno de
suspiros persistentes y transiciones tristes.
El resto de las piezas de The Perfect Stranger muestran lo que un
compositor actual podría hacer con un Synclavier (una suite de edición de
música digital). Zappa se basa en lo que ha aprendido al trabajar con músicos:
'The Girl In The Magnesium Dress' está construida a partir de muestras de
xilófono y marimba que recuerdan a Art Tripp y Ruth Underwood, gotea y
corre entrando y saliendo de ambientes imposibles. 'Love Story' pretendía
mostrar a una “pareja de ancianos republicanos intentando tener relaciones
sexuales mientras bailaban breakdance”: cincuenta y cinco segundos de
boings y bedsprings. 'Outside Now Again' es un escenario de la melodía
pentatónica de Joe's Garage, que muestra el lirismo pastoral que vincula a
Zappa con Canterbury Rock.
Algo espléndido y oriental acecha también en la melodía.
'Jonestown', llamado así por el sitio de un suicidio en masa por parte de
fanáticos religiosos, no es más corto en el CD que el lanzamiento en vinilo,
como se cree ampliamente (el LP lo enumera como 7:07 en lugar de 5:27
erróneamente). Es una de las declaraciones más siniestras de Zappa. Su
mensaje antirreligioso se expresa en cuerdas siniestras, "espeluznantes" de
películas de los años 50 y cánticos religiosos sombríos. Contra este lavado
monótono, gris verdoso, hay 'eventos' metálicos y estruendosos que se
asemejan a procesos en serie en Messiaen y Boulez: su música valiente e
ilustrada sigue viva en el Synclavier de Zappa, pero lanzada de manera más
directa contra el enemigo ignorante.
francesco zappa
Lanzamiento original: noviembre de 1984; Edición de CD Rykodisc/RCD
10546
F RANK ZAPPA ESTABA IMPACIENTE CON EL SUBLÍMITE 'ATEMPORAL'
burguesía profesa encontrarla en Bach y Beethoven. La
interpretación de la música del 'compositor muerto' no se trata de
una experiencia musical, sino de la hora del espectáculo, un ritual
social: “La música del período clásico me parece aburrida porque
me recuerda a la pintura por números”, declaró Zappa. “Todas las normas,
tal como se practicaban en los viejos tiempos, surgieron porque los tipos que
pagaban las cuentas querían que las melodías que compraban 'sonaran de
cierta manera'. ¿Por qué es mejor que un grupo de chicos en una banda de
bar tocando 'Louie Louie'?
Cuando Gail Zappa encontró una entrada en el diccionario de música de
Grove para un tal 'Francesco Zappa' de Milán que 'floreció' entre 1763 y 1788,
la imaginación no lineal de Zappa estaba roja. La música de Francesco Zappa
fue desenterrada de la Biblioteca Bancroft en Berkeley y la Biblioteca del
Congreso, y se introdujo en el Synclavier de Zappa.
Francesco Zappa es el resultado. Suena como una tarjeta de Navidad musical.
Francesco Zappa es definitivamente un lanzamiento de Zappa cuyo valor
pertenece al, um, dominio conceptual . Tal como está escrito, la música barroca
es bastante formulada (existen debates sobre cuánto improvisaron, o
'embellecieron', estas partituras los músicos). Introducida en una computadora,
la música suena tan mecánica como las campanadas de una caja de música.
David
Ocker proporcionó divertidas notas de portada que se burlaban de la forma
en que el establecimiento fetichiza la música del pasado. Aunque no se
expresaron en el lenguaje de Marx y Freud, estas fueron sustancialmente las
mismas críticas que Theodor Adorno y Walter Benjamin dirigieron al arte
'atemporal' y 'edificante' exigido por Adolf Hitler.
Como de costumbre, las 'bromas' de Zappa fueron más perspicaces sobre el
conflicto entre tradición y creatividad que las piedades pronunciadas rutinariamente
por los defensores de la 'música seria'.
Francesco Zappa también se convirtió en un personaje del absurdo de Zappa.
libro antitiempo Them Or Us (ver la bibliografía en el capítulo 12).
el tiburon amarillo
Lanzamiento original: noviembre de 1993; Lanzamiento de CD Rykodisc/
RCD 10560
EL TIBURÓN AMARILLO SURGIÓ CUANDO EL ENSEMBLE MODERNO, UN
T
orquesta de música contemporánea con sede en Frankfurt, pidió a Zappa que
trabajar con ellos durante una temporada. Los músicos volaron a Los
Ángeles para ensayar. Los probó para el Synclavier y luego usó los resultados
para escribir partituras. La colaboración condujo a una serie de conciertos
en Alemania en septiembre de 1992: tres en la Alte Oper de Frankfurt, dos en la
Philharmonie de Berlín, tres en el Konzerthaus de Viena, que fueron
un éxito rotundo (Zappa incluyó con orgullo aplausos prolongados entre los
números, una decisión lamentada por algunos oyentes). El álbum fue
publicado por primera vez por Barking Pumpkin, el sello de Zappa. Cuando el
autor estaba en Laurel Canyon leyendo extractos de Zappa de mi libro The
Negative Dialectics Of Poodle Play a fines de octubre de 1993, Zappa estaba
inspeccionando el producto terminado ("¿demasiado oscuro?"), y Gail
Zappa me dio una copia.
Rykodisc reproduce el paquete original: CD en digipack, folleto repleto de
fotografías y notas, todo en un estuche marrón.
'Dog Breath Variations' y 'Uncle Meat' repiten las melodías de Uncle Meat,
convirtiéndolas en travesuras orquestales. 'Outrage At Valdez' fue escrita para un
documental de Jacques Cousteau sobre el derrame de petróleo de Exxon en
Alaska; una melodía triste se cierne sobre metros engañosos,
produciendo una mezcla de sentimiento lúgubre e inquietud. 'Times Beach'
también se refirió a la contaminación, un notorio desastre de dioxina en
los EE. UU., y comenzó su vida como el movimiento "injugable" en una
pieza encargada por el Aspen Wind Quintet. En las notas, el director Peter
Rundel explica cómo las direcciones cantadas de Zappa sacaron a relucir
el carácter “animado” de una partitura aparentemente difícil y abstracta.
'None Of The Above' y 'III Revised' derivan de una obra que Zappa escribió
para el Kronos String Quartet. 'The Girl In The Magnesium Dress' era una
versión musicalizada de la pieza de Synclavier de The Perfect Stranger,
el Ensemble estaba completamente en la cima de sus ritmos irracionales
y Nancarrowish (de hecho, el músculo de su interpretación le da una
velocidad y equilibrio que faltan en el versión anterior): campanadas, piano
y marimba se acumulan en métricas asombrosamente intrincadas. 'Bebop
Tango' (de Roxy And Elsewhere) suena más como un circo frente a esta
audiencia sin aliento, el ritmo del tango introduce las secciones 'difíciles'
como un trombón podría marcar el comienzo de un acróbata de circo.
'Food Gathering In Post Industrial America, 1992' y 'Welcome To The
United States' fueron eventos improvisados diseñados para fomentar la
anarquía Zappaesca (aunque los aplausos por la declaración proabortista
de Zappa tuvieron que ser doblados). "Tarde del Pentágono" fue, según
Zappa, "un poema sinfónico: solo tienes que imaginarte a estos tipos,
estos traficantes muertos, sentados alrededor de una mesa por la tarde
en el Pentágono, averiguando qué van a hacer estallar ahora". , a quién
van a subyugar y qué herramientas usarán”. Termina con una salva de
pistolas de rayos de plástico que acaban con el cuarteto.
Zappa había estado interpretando 'Pound For A Brown' durante años,
pero esta fue la primera vez que reveló que comenzó como parte de un
cuarteto de cuerdas que escribió en la escuela secundaria, "en 1957 o
'58". 'GSpot Tornado', un arreglo de la pieza Synclavier de Jazz From Hell
hecho a pedido del Ensemble, ofrece un final desenfrenado y pateador de
cosacos. Por fin habían llegado los concertistas con aires rítmicos para
atender las demandas del compositor actual.
8. CALABAZA QUE LADRA
serpientes bebé
LANZADO RIGINALMENTE COMO UN PICTURE DISC DE 12” PEDIDO POR CORREO EN UN
Con funda de celofán, Baby Snakes anunciaba la última película de Zappa:
“una película sobre gente que hace cosas que no son normales. “La canción
principal era la versión de Sheik Yerbouti de 'Baby Snakes', mientras
que el resto – 'Titties And Beer', 'The Black Page #2', 'Jones Crusher',
'Disco Boy', 'DinahMoe Humm' y 'Punky's Whips': proviene de un
concierto en el Palladium de Nueva York el 31 de octubre de 1977. Los
detalles del personal, omitidos en el disco de imágenes, se imprimieron
en el lanzamiento del CD Rykodisc, aunque sin los instrumentos: FZ
guitarra / voz; Terry Bozzio – batería/voz diabólica; Adrian Belew –
guitarra/voz de 'Tiny Lites'; Ed Mann – percusión; Patrick O'Hearn bajo;
Tommy Mars teclados; Peter Wolf: teclados.
La calidad de grabación es indiferente, y aunque es un buen ejemplo del
sonido y la furia de la banda de 1977, Baby Snakes fue más una señal de
vida que un álbum completo. Los fanáticos que quieran descifrar las
insinuaciones murmuradas de 'Disco Boy' en Zoot Allures deben saber que
la edición Rykodisc de Baby Snakes es el único lugar donde podrán
encontrar una hoja de letras.
ellos o nosotros
Lanzamiento original: diciembre de 1984; Edición de CD Rykodisc/RCD 10543
I F BABY SNAKES FUE SOLO UN MOMENTO DE LA PELÍCULA DE ZAPPA CON ESE NOMBRE,
Them Or Us fue un álbum completo. El doble pliegue de vinilo original se
imprimió en cartulina de alto brillo; Patricia, la perra de Donald Roller Wilson, con
su botella de ketchup y su botella de leche para bebés, se veía a la vez genial y
enloquecida (la presencia de Patricia conectaba a Them Or Us con Francesco y
The Perfect Stranger; Zappa también usaba las naturalezas muertas de Wilson
para decorar sus cajas de Viejos Maestros ).
La música en el interior fue un ataque devastador, con escandalosas
composiciones modernistas que se empujaban junto a una guitarra escabrosa,
insinuaciones difamatorias y simplemente locura.
'The Closer You Are' fue una versión de un éxito de la Costa Este de The
Channels. En enero de 1980, Zappa reprodujo el original en BBC Radio One,
convirtiéndolo en 'Hyperprism' de Varèse. Una vez que aceptas la idea de que el
doowop puede ser tan abstracto como la vanguardia más extrema, y que Varèse
puede ser tan visceral y conmovedor como el rock'n'roll, entonces la música de
Them Or Us (de hecho, toda la música de Zappa) tiene mucho sentido. 'In France'
demostró que la estancia de Zappa en París para que el Ensemble InterContemporain
interpretara sus composiciones no había atenuado su humor canalla y fue
particularmente picante escuchar a su héroe original, Johnny 'Guitar 'Watson, cantar
la línea: "No podemos esperar hasta que volver”/ “Se vuelve tan emocionante
cuando los caniches reaccionan” en 'In France' (esto del hombre cuyas propias
obras maestras incluyen 'Ain't That A Bitch' y 'Bow Wow').
'Ya Hozna' usó 'enmascaramiento hacia atrás' para toda la pista vocal, una
práctica que TV Evangelists afirmaba que era una prueba de que el grupo de heavy
metal Judas Priest había firmado un pacto con el Diablo. 'Sharleena' revivió la
canción de Chunga's Revenge e hizo que el hijo de Frank, Dweezil, mostrara cuánto
había aprendido del guitarrista Eddie Van
Halen. 'Sinister Footwear II' y 'Marqueson's Chicken' colocaron una guitarra
gigantesca y discordante en medio de pasajes de conjunto
extraordinariamente detallados; 'Truck Driver Divorce' continuó con los
dilemas proletarios de 'No Not Now' (Drowning Witch) y luego llevó al
oyente a una zona de batalla en solitario de Zappa. 'Stevie's Spanking'
relató las hazañas de Laurel Fishman, fan de Mothers desde hace mucho
tiempo, y le dio a la futura estrella del metal Steve Vai y Dweezil la
oportunidad de sonar como colchones estilo Halen. 'Baby, Take Your Teeth
Out' prosiguió la discusión sobre la vagina dentata presentada con 'Jones
Crusher' (Sheik Yerbouti, Baby Snakes) proponiendo sexo oral gomoso.
'Planet Of My Dreams' fue otra canción del musical Hunchentoot (ver Sleep
Dirt), y 'Be In My Video' se burló de los clichés de los videos pop
(especialmente 'Let's Dance' de David Bowie) con una plétora de voces
tontas para rivalizar con 'Brown Shoes'. Don't Make It' (Absolutamente
gratis) y 'The Radio Is Broken' (The Man From Utopia). Para registrar el
desdén de Zappa por los valores de MTV, se grabó en 4/4 en clave de do mayor.
'Them Or Us' es un monstruo de solo de guitarra, lo que demuestra la
afirmación de Zappa de que se pueden maldecir mejor con la guitarra que
con las palabras (un truco aprendido de Johnny 'Guitar' Watson: a Zappa le
gustaba señalar que Watson podía hacer que la guitarra dijera "¡Hijo de
puta!"). 'Frogs With Dirty Little Lips' pone palabras inventadas por el bebé
Ahmet Zappa en una ridícula melodía de marcha. 'Whippin' Post' la cuarta
cara del álbum doble Live At The Fillmore de los Allman Brothers fue una
oportunidad para que el teclista Bobby Martin hiciera vibrar sus amígdalas
y sus bíceps: un contraataque rockero a las tardes pasadas viendo a Pierre
Boulez perfeccionar el ' trillizos asesinos' de 'El perfecto desconocido'.
cosapez
Lanzamiento original: diciembre de 1984; Edición de CD Rykodisc/
RCD 10544/45
RANK ZAPPA PARECIÓ CON LA INTENCIÓN DE LLEVAR A LA BANCARROTA A SUS FANÁTICOS. Aquí
F
fue una caja de tres discos lanzada el mismo día que el doble de Them Or Us .
Hubo mucha consternación sobre ThingFish entre los fieles: ¡Zappa estaba
reutilizando viejas pistas de acompañamiento! ¡Los lados eran
lamentablemente cortos! ¡Todo era conversación y casi nada de música! Terry y
Dale Bozzio aparecían en todo el disco, sin tocar la batería ni cantar, sino
interpretando los papeles de 'Harry y Rhonda', dos yuppies asistentes al teatro
atrapados en un monstruoso musical sobre mamitas monjas con cabeza de
patata, príncipes malvados que preparan pociones, juguetes de goma. ayudas
sexuales con cabeza de cangrejo, bebés de hierba de cangrejo en cuadros de
natividad y un personaje llamado 'Brown Moses' interpretado por Johnny
'Guitar' Watson. En retrospectiva, Harry y Rhonda estaban proporcionando un
comentario que se hizo eco de la respuesta del oyente, un dispositivo devastador
que desarmaba (prediciendo, dicho sea de paso, la estrategia de Beavis & Butthead, un favorito po
En cuanto a las palabras pronunciadas por Ike Willis, como el epónimo compère
ThingFish, "... wuz Strick'ly InCroyable!" Zappa lo llamó un "dialecto negro", y dijo
que lo derivó del personaje Kingsh de Tim Moore en la versión televisiva de Amos
& Andy. Con su habitual aire de polémica, Zappa había tocado un tema diseñado
para sacar al moralista PC de un sarpullido (o tal vez de un ataque de epilepsia).
La Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color había atacado el
carácter de Moore como racista; Zappa simplemente se deleitaba con las
'invenciones' lingüísticas dadaístas de Moore.
Para Ike Willis, el juego de palabras de Zappa evocó recuerdos de la infancia:
"en mi familia, bromeamos con los dialectos, y lo que me sonaba era Paul Laurence
Dunbar, un poeta negro de finales del siglo XIX que solía escribir poemas. en
dialectos como ese... Empecé a darle copias del trabajo de Dunbar, y eventualmente
eso terminó siendo una gran influencia en el dialecto ThingFish ". El zappólogo Ian
Stonehouse conecta esta fascinación por la jerga saboteada con una tradición
suprimida de artgotique, o burla de la autoridad; de hecho, las acusaciones de
racismo provienen más de los propios sistemas de valores esnobs de las personas
que de los de Zappa. Es difícil pensar que los oyentes puedan encontrar una
canción cantada por Johnny 'Guitar' Watson, Ike Willis, Napoleon Murphy Brock y
Ray White 'racista', todos cantantes.
ser negro y muy sensible a estos problemas, pero muchos fanáticos simplemente
"no querían saber". Ahora se puede decir la verdad: ThingFish es una sátira
antirracista de vanguardia, que vilipendia la 'corrección política' que expresa la
condescendencia de los ricos y poderosos.
Ike Willis merecía un Grammy por su actuación (o quizás al menos un 'Mammie',
la sugerencia de Miles Davis para un premio musical no orientado a los blancos). Sin
embargo, ThingFish sigue siendo un territorio desconocido para todos, excepto para
los fanáticos más duros. Es una lástima, porque como descubrió el zapólogo Danny
Houston cuando tocó 'The Mammy Nuns' en Auckland Radio, esta es música de una
belleza y un poder impresionantes. El despliegue radical de ThingFish de temas
tabú nunca deja de generar cambios en la perspectiva de los expuestos, lo que es
prácticamente una definición del papel del arte moderno real y vivo, amigos. Como
dice Rhonda al final, “¡Simbolismo! Simbolismo de Broadway realmente profundo,
intenso y estimulante. Realmente moderno, Harry...
"Asombroso.
Conoce a las Madres de la Prevención
10547
I FINE,
' EL INICIO DE DON'T I CARE' SE ENCUENTRA CON LAS MADRES DE LA PREVENCIÓN EN
estilo furioso mientras Johnny 'Guitar' Watson ofrece algunos
Letras de protesta características: "de pie en la línea del pan" /
"todo el mundo línea a línea" / "no hay nadie que lo haga ... no me da ningún
incentivo", sobre un coro suplicante cantado por Ike Willis y Ray White. A
diferencia de One Size Fits All, Watson también se estresa con las cuerdas
de su guitarra. 'One Man, One Vote' demostró las complejidades que Zappa
podía lograr en su Synclavier, logrando un tono humorístico y lírico que
recuerda a Soft Machine. El título de 'Little Beige Sambo' criticaba a
la nueva clase media estadounidense negra por perder el contacto con sus
raíces (un punto que solo alguien capaz de desplegar un héroe
underground negro como 'Guitar' Watson podría lograr). La música es una
fantasía elaborada. , proyectando la metodología de pianola de Conlon
Nancarrow en asombrosas perversiones. El título de 'Aerobics In Bondage'
fue una respuesta típica de Zappa a la estupidez californiana. La música
también: un ciclo de notas pseudoétnico y neominimalista que se sumerge
en callejones sin salida armónicos y en interrogantes melódicos.
Solo una canción del siempre ofendido guitarrista de Zappa, Steve Vai:
'We're Turning Again'. Su vitriolo debe entenderse como una protesta de
alguien que ha sido relegado para siempre a 'los años 60' por periodistas
ignorantes. 'Alien Orice' hace honor a su título (aquellos que aprecian el
ilusionismo Monkish de la melodía querrán escuchar la versión de big band en
Make A Jazz Noise Here). 'Yo Cats' fue dirigida
en la sesión de Hollywood maa, y 'HR 2911' se refería a una Resolución de la
Cámara ante el Congreso en la que la industria discográfica proponía aceptar la
censura a cambio de un impuesto a los casetes vírgenes.
La pista épica de Meets The Mothers es 'Porn Wars', que usó fragmentos de
sonido del testimonio de Zappa en una audiencia del comité del Congreso sobre
la 'obscenidad' del rock. Zappa estaba utilizando la última tecnología para hacer
puntos extremadamente acertados sobre el poder, la represión y la caza de
brujas en beneficio propio. Al escuchar con auriculares a las cinco de la mañana,
el compositor Simon H. Fell admitió estar asustado; mediante el uso de muestras
de los propios senadores (todos nombrados en el folleto del CD), Zappa trajo a
casa la realidad del poder de Washington (al igual que los fragmentos de sonido
en We're Only In It For The Money revelaron las confusiones y idioteces de los
años 60) .La crítica social seguía sonando a toda máquina.
¿Pertenece el humor a la música?
Lanzamiento original: enero de 1986; Lanzamiento de CD Rykodisc/
RCD 10548
SEGÚN FRANK ZAPPA – UN DOCUMENTAL VISUAL DE BARRY
A
MILES, ¿Tiene Humor? fue lanzado en Alemania y Gran Bretaña como un
CD "sin el permiso de Zappa". Se eliminó en 1989. Zappa mezcló y secuenció
una selección de pistas de la gira de finales de 1984, pero no se lanzó en los
EE. UU. hasta 1995, con una nueva versión de Cal Schenkel (una nota en el
interior nos asegura: ' remix y remaster aprobado, 1993'). La banda en ese
momento estaba formada por Ike Willis y Ray White (guitarra rítmica y voz),
Bobby Martin y Alan Zavod (teclados), Scott Thunes (bajo) y Chad Wackerman
(batería).
Dweezil Zappa tocó un solo en 'Whippin' Post'.
Al igual que con la serie Ya no puedes hacer eso en el escenario , ¿el
humor? es una oportunidad de ver cómo evolucionaron las melodías cuando
las tocaba una banda de gira. 'Tinsel Town Rebellion', por ejemplo, tiene
innumerables adornos musicales, además de todo tipo de improvisaciones y
'transmutaciones' líricas. Las actuaciones son contundentes y ordenadas, por
lo general avanzan a un ritmo más rápido que sus interpretaciones iniciales. El
formalismo se ha apoderado. La ligereza con la que los cantantes tratan las
palabras indicaba que estas canciones se habían convertido en vehículos para
la maestría musical: 'Trouble Every Day' y 'What's New In Baltimore?' realmente
existen para los solos de guitarra de Zappa. Está soberbio en esta última,
tocada el 23 de diciembre en el Anfiteatro Universal de Los Ángeles, su última
aparición en vivo hasta la gira de 1988. La inclusión de 'Let's Move To
Cleveland' de 16 minutos es desconcertante: el solo de guitarra de Zappa,
grabado en Amherst, comienza desafinado y enfermizo, aunque desarrolla
cierto impulso expresivo; Alan Zavod y Chad Wackerman contribuyen con
indescriptibles ideas de jazz/fusión.
Para los que disfrutaron de la banda del '84, ¿Humor? es un recuerdo útil,
pero no puedes evitar sentir que mientras Zappa estaba en el escenario, en
realidad estaba pensando en el último proyecto orquestal, o simplemente
esperando su próxima función de guitarra, u otra oportunidad para coleccionar
ropa interior femenina, o cualquier cosa 'al azar'. cortesía de los lunáticos del
público. Pero, como le dijo a Rick Davies en la revista Music Technology :
“Para la audiencia de hoy, no puedes salir y hacer toda una noche de
comportamiento aleatorio, no lo van a tolerar, quieren ver un espectáculo
estructurado. La mayoría de la gente quiere que cualquier banda suba al
escenario como una máquina de discos humana y simplemente vomite lo que
haya puesto en un disco”. Aunque usó "comportamiento aleatorio" y un vasto
"libro" de material para evitar el embrutecimiento, la evidencia de ¿Humor? es
que los espectáculos de rock de los 80 no eran necesariamente el mejor lugar
para ponerse al día con los aspectos inconformistas del arte de Zappa. Quizás
por eso dejó de hacer giras y recurrió al Synclavier.
jazz del infierno
Lanzamiento original: noviembre de 1986; Edición de CD Rykodisc/RCD
10549
A PARTE DEL PISTA 'ST ETIENNE', TODA LA MÚSICA DEL JAZZ DEL INFIERNO
fue programado en el Synclavier, su suite de edición de música
digital. Zappa había comprado más RAM (memoria de acceso aleatorio):
la pureza de campana de pistas como 'Outside Now Again' en The
Perfect Stranger ha dado paso a timbres más complejos, lo que permite
un sonido Zappa más sucio. Dado su modo de realización, es
posible concentrarse en las predilecciones compositivas de Zappa sin
distraerse con consideraciones sobre la personalidad del músico y las
expectativas del público. Zappa usa dispositivos armónicos
tradicionales para establecer tensiones, pero las resuelve en acertijos
chinos que se basan en repeticiones burlonas y cambios extraños del
entorno armónico alrededor de la 'línea' del solo. La revista de música
nueva The Wire quedó impresionada: "Con Jazz From Hell, Zappa
salta a la cima de la lista de futuros compositores de clase mundial".
El biógrafo de Zappa, Michael Gray, encontró exagerado el "chorro" de
The Wire , argumentando que Jazz From Hell "suena sorprendentemente
como un grupo de músicos de Zappa que tienen un día normal, en realidad
un día bastante triste, en el que estamos agradecidos por la ausencia de un
empujón vocal". abriéndose paso a través de las letras para satisfacer las
necesidades espirituales de un niño imaginario de 13 años”. Esto no logra
registrar la peculiar claustrofobia y el patetismo del registro. 'St Etienne', una
salida de guitarra lírica de Zappa tocada en tiempo real con la banda de gira
de 1981, hizo que el resto del disco sonara aún más metálico y mecánico. Al
igual que el Tutu contemporáneo de Miles Davis , también realizado en
Synclavier, el disco tiene una sensación sucedánea que era posible pasar
por alto cuando la tecnología era completamente nueva.
Aunque Gray sin duda objetará, fue precisamente la habilidad de Zappa
para lidiar con el sucedáneo lo que era su fuerte. De lo “trivial
caca” de 'Motherly Love' (Freak Out!) a 'Bogus Pomp' (London
Symphony Orchestra), el arte de Zappa prospera en la ambivalencia.
Escuchado de esta manera, la cualidad de 'sucedáneo' de Jazz From
Hell se convierte en una notable meditación sobre la naturaleza de la
'libre' expresión. Zappa anunció que el Synclavier lo liberaría de la
dependencia de los músicos, pero cuando se trata de expresar su
alma personal pura, es un compendio de recuerdos nostálgicos: el
tono de violín de JeanLuc Ponty ('Night School'), la percusión de Art
Tripp (' The Beltway Bandits'), la marimba de Ruth Underwood ('While
You Were Out II'), el bajo sincopado de Art Barrow ('GSpot Tornado').
En una entrevista, Zappa mencionó que una máquina no lo haría reír
a carcajadas improvisando 'Hi Ho Silver'; una muestra de la interjección
en el escenario favorita de Ike Willis nada a través de la mezcla de
'Massaggio Galore', como un espíritu atrapado parloteando en el
torbellino de un efecto de terror de Hollywood. A pesar de la retórica
antimúsico y antisindical de Zappa, era un artista demasiado
concienzudo para no expresar la verdad de sus materiales, y el tono
melancólico, punzante y restringido de estas piezas de Synclavier dice
mucho sobre la diferencia entre la libertad individual y la colectiva.
Guitarra
Lanzamiento original: abril de 1988; Edición de CD Rykodisc/RCD 1050/51
Oadvirtió
N CÁLLATE Y TOCA TU GUITARRA , SLEEVENOTE DE JOHN SWENSON
que el disco no era más que “la punta del iceberg”; en abril de 1988,
Zappa lanzó 19 solos de guitarra en un álbum de 2 discos en su propio sello Barking
Pumpkin, mientras que Rykodisc publicó un álbum de 2 CD que contenía
32 solos. Se hizo evidente que Zappa, con su famoso tesoro de material inédito,
esperaba un futuro CD.
Los valores de producción habían mejorado: aunque algunos extrañaron la
empatía rítmica de Vinnie Colaiuta, otros quedaron impresionados por la
majestuosidad escultórica de la mezcla.
Una de las cosas más extrañas de Guitar fue el tema de apertura, 'Sexual
Harassment In The Workplace', un blues directo, que Zappa siempre decía que lo
constreñía, como "usar zapatos apretados".
Sin embargo, después de esta declaración perversa de 'normalidad', las cosas se
vuelven más rítmicamente extrañas y rigurosas cuando Zappa enfrenta sus anomalías
solistas contra el equipo de bajo/batería más compacto que jamás haya empleado
(aparte de 'Outside Now (Original Solo)' y 'Systems Of Edges' de 1979, todas las pistas
provienen de conjuntos de los 80 con la sección rítmica de Scott Thunes/Chad
Wackermann). Zappa dijo una vez de Elmore James que para el oído inexperto "todo
suena igual", pero que una vez que entras en su sonido, hay un mundo allí. Lo mismo
ocurre con la guitarra. La combinación de poder y melancolía de Zappa, la sensación
de un gran evento respaldado por una inquietud anhelante, establece un 'tono'
emocional bastante invariable (los 'blips' vocales que separaban las pistas de Shut Up
están ausentes ) . Sin embargo, si la música es
abordado 'estadísticamente', en lugar de simplemente por cómo suena,
hay detalles concienzudos y una invención sorprendente.
Broadway de la manera difícil
Lanzamiento original: octubre de 1988; Lanzamiento del CD Rykodisc/RCD 1052
I N 1988, ZAPPA SURGIÓ DETRÁS DE SU SYNCLAVIER. DESPUÉS DE LAS CUATRO
meses de ensayo, una banda de 12 piezas estaba lista para una gira mundial.
Broadway The Hard Way presentó las nuevas canciones, un intrincado tejido
de estudio de grabaciones realizadas durante un total de 85 funciones.
El registro es una gran declaración sobre el estado de la América moderna.
Zappa posó en una maqueta de la suite presidencial, con el cabello erizado y la
notoria cita de Ronald Reagan: "los hechos son cosas estúpidas", rociada en
la pared. Los zappólogos con ojos de águila notaron que el eslogan en la parte
posterior de su copia de Soldier Of Fortune decía "se acabó la fiesta". Zappa vio
al fundamentalismo cristiano de derecha como el nuevo fascismo, y su gira fue
una oposición.
Superficialmente, 'Elvis acaba de salir del edificio' es un típico desprecio de
Zappa, pero en realidad era Zappa despidiéndose del rock'n'roll. La música de
Broadway The Hard Way se remonta al jazz, al cabaret, a los temas musicales de la
televisión, a los himnos, al razzamatazz electoralista, pero no hay nada que se pueda
llamar 'rock'. 'Planet Of The Baritone Women', insistió Zappa, se trataba de yuppies
de la bolsa de valores, es decir, hombres , pero es difícil cuadrar eso con la letra.
'Any Kind Of Pain' expresa los pensamientos de Zappa mientras ve la televisión,
mirando fijamente a las tontas de relaciones públicas que venden políticas de grandes
empresas al pueblo estadounidense . oscuro recordatorio de Richard Nixon y las
fallas del proceso electoral estadounidense: "Solo hay una cosa que quiero saber:
¿cómo logró entrar ese imbécil?"
Hay una desesperación en 'When The Lie's So Big', como si el compromiso de
Zappa con la honestidad y la razón no pudiera acreditar la corrupción de la política
estadounidense moderna. 'Rhymin' Man' muestra que Zappa tampoco tenía mucha
fe en los demócratas. 'Stolen Moments' del clásico Blues And The Abstract Truth
de Oliver Nelson de 1961 (con Eric Dolphy) presenta un hermoso solo de trompeta
de Walt Fowler. 'Murder By Numbers' llevó a Sting al escenario para quejarse de
los evangelistas de televisión que afirmaban que el diablo había escrito la melodía.
(“¡Yo escribí la maldita canción!”); A&M permitió que Sting apareciera en el registro
siempre que la publicidad de Zappa no lo mencionara. 'Jezebel Boy' es una historia
al estilo Chandler sobre la hipocresía sexual de la clase dominante, una continuación
de 'Idiot Bastard Son' (Solo lo hacemos por el dinero) y 'Teenage Prostitute' (Drowning
Witch). 'Jesus Thinks You're A Jerk' fue una diatriba contra Jimmy Swaggart,
evangelista de la televisión y primo de Jerry Lee Lewis. rock, con urinarios
rebosantes y sin desmayos en el intermedio). Broadway The Hard Way fue la última
'declaración' pública de Zappa: tan inconciliable como siempre con el establishment
estadounidense.
La mejor banda que nunca escuchaste en tu
Vida
Lanzamiento original: marzo de 1991; Edición de CD Rykodisc/RCD
1053/54
COMO MUCHOS LÍDERES VETERANOS, AUTORIDAD DELEGADA ZAPPA. EN EL 1988
La
banda L , el bajista Scott Thunes estuvo a cargo de los ensayos. Los
miembros de la banda se opusieron a la manera de Thunes ("abrasiva,
contundente y grosera", según Barry Miles). En junio, Zappa le dijo a un equipo amotinado
que tenía diez semanas de reservas en Estados Unidos y les preguntó si continuarían
con Thunes; todos ellos (a excepción de Mike Keneally, un fanático de Zappa
desde hace mucho tiempo antes de graduarse como miembro de la banda) se negaron.
En lugar de reemplazar a Thunes y ceder ante los músicos, Zappa canceló la gira y
sufrió una gran pérdida. Nunca alguien que protegiera a su audiencia de las
sombrías realidades de la producción musical, Zappa nombró el álbum para los
fanáticos privados de sus conciertos. Lanzado por primera vez como un CD
doble en Zappa Records, Rykodisc reemplazó la portada original (una fotografía
aburrida y sin acreditar de la banda en el escenario) con ingeniosas ilustraciones de
Cal Schenkel.
Best Band comprende canciones antiguas y versiones de canciones de rock famosas.
Todo se beneficia de la sección de vientos de cinco hombres de Walt Fowler (trompeta),
Bruce Fowler (trombón), Paul Carman, Albert Wing y Kurt McGettrick (saxos), una jugosa
efervescencia sin precedentes desde que los hermanos Brecker tocaron en Zappa In New
York . Bolero' es musculoso y bien organizado, comprimiendo a Ravel en un trozo brillante
de reggae de saxofón. Discone concluye con 'Mr Green Genes' y una suite de One Size
Fits All. Aunque estas versiones carecen de los contrastes de textura de los originales de
estudio, la interpretación en vivo les da un impulso especial.
El disco dos comienza con 'Purple Haze' en estilo Devo, uno de los ritmos genéricos:
ska, reggae, heavy metal, Weather Report, Zappa con señales de mano. 'A Few Moments
With Brother A. West' tiene al diseñador gráfico de The Real Frank Zappa Book y
Broadway The Hard Way pronunciando un satírico discurso derechista; lo hizo con tal
convicción que Zappa tuvo que asegurarle a su audiencia que él no era de verdad para
garantizar su seguridad después del espectáculo. El álbum termina con una serie de
canciones alteradas para vilipendiar a Jimmy Swaggart. Este tipo de tonterías es típico
del instinto perverso de Zappa: pasó cuatro meses ensayando con esta banda para tocar
una selección extravagantemente amplia de sus canciones con una precisión infalible, y
luego lanza tomas que incluyen cambios en el momento. 'The Eric Dolphy Memorial
Barbecue' explota la sordidez jazzística de los cuernos: Paul Carman revive algunos de
los licks de contralto de Eric Dolphy, mientras que Walt Fowler interpreta maravillosamente
elegante y bruñido. La aparición de 'The Blue Danube' fue un
saludo a Viena, uno de los lugares de su grabación.
Haz un ruido de jazz aquí
Lanzamiento original: mayo de 1991; Edición de CD Rykodisc/RCD 1055/56
M AKE UN RUIDO DE JAZZ AQUÍ RECOGIDOS LOS MÁS EXTRAÑAS
instrumentales de la gira de 1988. Aunque sólo tres pistas
fueron grabaciones de estreno , abundantes solos e
improvisaciones colectivas hacen de este mucho más que un álbum en
vivo de versiones. El título fue explicado por Zappa a Den Simms: “¿Alguna
vez has oído hablar de Erroll Garner, pianista de jazz, que murmura junto
con lo que toca? '¡Sí! ¡Sí! Es todo el concepto de los músicos de jazz que
hacen ruidos de jazz mientras tocan”.
'When Yuppies Go To Hell' es un collage de forma libre que recuerda a
Weasels. Las secciones van desde muestras de eructos (cortesía del sobrino
de Zappa, Jade) hasta la pureza de Webern, desde el bajo funk hasta el arpa
judía y el órgano Hammond: Dada cabaret. 'Fire And Chains' es un solo de
guitarra: bucles de guitarra muestreados que logran una textura más densa
que los de Guitar. La banda galopa a través de algunos temas de Money,
Weasels y Lumpy Gravy, mostrando cuán lejos del rock y cuán cerca de
Broadway estaban en realidad estas melodías. La evocación de Mike Keneally
de la introducción funky de George Duke a 'Eat That Question' es
hermosamente sin presiones y conmovedora. El trompetista Walt Fowler se
toma su tiempo, aportando un especial lirismo reluciente que no deja de
llamar la atención con la banda del 88.
En el arreglo de 1988, 'Big Swifty' combina el magnífico sonido de big
band de la banda Wazoo con el impulso rockero de los años 80; los solos
citan pops clásicos como Lohengrin de Wagner y
La obertura de 1812 de Tchaikovsky , mientras que una multitud completamente arreglada complació
tiene toda la sección de metales tocando música de Carmen de Bizet. Lo
refrescante de la música de Jazz Noise es que puede saquear el jazz en busca
de flexibilidad y respuesta sin adoptar el vacuo virtuosismo de la fusión. Las
extenuantes repeticiones de las giras de Zappa en los años 80, las tristes
repeticiones del antirock y el pop culdesac, de repente se evaporan en música
tan creativamente interactiva como divertida y sin pretensiones.
El disco dos de Jazz Noise comienza con una versión 'New Age' de 'The
Black Page'. Originalmente escrita para sacar la histeria creativa de Terry
Bozzio, en manos de estos músicos se convierte en una tierna balada.
'Dupree's Paradise' podría haber sido escrita para esta rica formación de
trompetas y cuenta con la maravillosa trompeta de Fowler. 'City Of Tiny Lites'
gana un bajo crujiente cortesía del saxo barítono de Kurt McGettrick. Contra un
ritmo constante de clave, la guitarra de Zappa suena peculiarmente robusta y
resistente. En la gira, el mezclador Harry Andronis (que había asistido a todas
las giras de Zappa desde 1973 y siempre objetaba lo que consideraba
cantidades excesivas de efectos de mesa de mezclas) mantuvo el sonido
natural.
La repentina erupción de 'Stevie's Spanking' en toda esta complejidad es
un recordatorio de la incongruencia que hace que la música de Zappa sea
estimulante. 'Alien Orice' vuelve a beneficiarse de la sección de metales; La
percusión de Chad Wackerman es particularmente sensible en el solo, lleno de
extraños huecos y repentinos entusiasmos de platillos. 'Cruisin' For Burgers' ve
a Zappa desplegar una de sus grandes piezas de lirismo claustrofóbico, un
solo de guitarra que consiste en una larga melodía.
La portada de Jazz Noise muestra un club nocturno llamado 'Zappa's'
construido sobre desechos industriales aún en combustión. Un cartel dice:
"Última oportunidad para música en vivo". Jazz Noise documenta la música
más salvaje y especulativa que se había escuchado en las arenas de rock
desde los días de Cream, Hendrix y The Mothers Of Invention.
Frank posa en calzoncillos de piel de leopardo y luce su
exuberante vello púbico. Otra foto de esta infame sesión mostraba
a Zappa siendo cargado por ocho mujeres núbiles, seis de ellas
con los senos desnudos... (LFI)
Zappa en el estudio de su casa en Woodrow Wilson Drive, 1982, con
bongós, calaveras, bloques de madera y cencerros: ¡todo lo que necesita el
compositor actual! (Chris Walter/Alambrado)
Frank y la guitarra: inseparables hasta que el Synclavier se hizo cargo después
de la gira de 1988. (LFI)
Rebelión de Tinseltown (1981). La espeluznante visión de Cal Schenkel de
una década decadente: mientras la arquitectura se derrumba a su alrededor,
Frank se pregunta por qué está aquí.
Portada de Donald Roller Wilson para Them Or Us (1984).
Un Frank de pelo corto, 1982. (Stills Press Agency/Rex Features)
Zappa dirige el Ensemble Modern para los conciertos de The Yellow
Shark . (Stefano Archetti/Características de Rex)
Frank y Dweezil Zappa en el escenario... (Brian Rasic/Rex Features)
…y en casa en Laurel Canyon en 1986. (Neal Preston/Corbis)
Frank Zappa entretiene a las masas británicas en el Brighton
Centre frente al mar, 16 de abril de 1988. (LFI)
En la mesa de mezclas 1988. (Lynn Goldsmith/Corbis)
Frank Zappa defiende la Constitución estadounidense frente a
Tipper Gore y otras esposas de Washington. Foto de campaña, 1988.
(Lynn Goldsmith/Corbis)
Frank Zappa y Pierre Boulez en Los Ángeles, 27 de mayo de 1989. (Betty
Freeman/Lebrecht)
Ike Willis y Frank Zappa se pusieron unas cejas. (Lynn Goldsmith/
Corbis)
Portada de Uri Balashov para Civilization Phaze III (1994), la última
obra maestra de Zappa.
Representación del viejo mundo de Cal Schenkel de las
Madres de la invención para Ahead Of Their Time, el CD del
espectáculo del Royal Festival Hall de 1968 emitido en 1994.
Cuando se desdobló el inserto del CD, el retrato grupal resultó ser una
pintura al óleo en la pared del fondo. del castillo señorial de Zappa.
Frank Zappa fumando con ganas, como lo hizo hasta el final.
(Nancy R Schi/Colaborador/Getty Images)
9. EXCAVANDO EL ARCHIVO
Psicóticos en el patio de recreo
Lanzamiento original: octubre de 1992; Rykodisc/RCD 10557/58
Un SEGÚN ZAPPA, LOS PSICÓTICOS DE JUEGO FUERON “MÁS ALLÁ
rock and roll en el peligroso reino de la antropología social”. Su
El hábito de grabar a los jugadores como otage era notorio y
proporcionó una escena memorable en 200 Motels , donde Mark
Volman y Howard Kaylan explican que Zappa escucha a la banda
para robar material y devolvérselo para actuar en la película. 'The London
Cabtape' crea un vertiginoso salón de espejos cuando escuchamos
a Zappa, Aynsley Dunbar y Volman escuchando la propia
grabación de Kaylan, Simmons y Underwood planeando una revuelta
contra el gobierno de Zappa. "Es bueno que nos paguen por hacer
esto" es la grabación "pirata" de Volman de un ensayo; Los miembros
de la banda se encontraron leyendo guiones que Zappa ha transcrito
de sus propias declaraciones grabadas, ¡quejándose de cómo hace exactamente eso!
Además de estos juegos paranoicoscríticos con grabadoras, hay
música excelente: canciones de We're Only In It For The Money y Uncle
Meat interpretadas por la banda de Fillmore East , y una versión
claramente mezclada de la jam de Fillmore East con John y Yoko lanzaron
previamente en el álbum Some Time In New York City de Lennon. Hay
una interpretación alternativa de treinta minutos de 'Billy Mountain' de Just
Another Band From LA, y selecciones de
diálogo del video La verdadera historia de 200 moteles. Playground
Psychotics es un paraíso para los obsesivos de Zappa y cualquier persona
interesada en la especulación sobre la representación, el poder y el estado
de 'lo real', y probablemente el infierno para todos los demás (aunque este
autor hace mucho que no cuestiona las respuestas de este último electorado).
Por delante de su tiempo
Primera versión: marzo de 1993 Rykodisc/RCD 10559
A CABEZA DE SU TIEMPO ES EL CONCIERTO DE LAS MADRES DE
Invention en el Royal Albert Hall el 28 de octubre de 1968.
Proporcionó algunos compases para 'Prelude To The Afternoon Of A
Sexually Aroused Gas Mask' y 'The Orange County Lumber Truck'
en Weasels Ripped My Flesh, pero es principalmente material
inédito. . Fue algo así como un concierto de lujo, con catorce miembros
de la Orquesta Sinfónica de la BBC tocando las partituras de Zappa, y un
diálogo con guión de las Madres: un boceto de las confrontaciones 'rock
versus clásico'/ 'vida versus arte' que impulsan 200 Motels . ¡Hay que
escuchar las súplicas mexicanas de Roy Estrada para creerlas!
En su nota, Zappa se queja del silbido proporcionado por la configuración
del teclado de Don Preston, pero el sonido es sólido y claro. 'King Kong',
'Transylvania Boogie' y un ejercicio de diez minutos en 'The Orange County
Lumber Truck'; aunque este conjunto carece de la suave ferocidad de las
bandas posteriores de Zappa, tiene una franqueza que nunca deja de
encantar. La portada de Cal Schenkel, que se deforma en el tiempo y data
del siglo XVII , como el sofá cósmico de One Size Fits All , se despliega en
una magnífica panoplia de motivos de continuidad conceptual.
Los episodios perdidos
Primera versión: febrero de 1996 Rykodisc/RCD 40573
SECCIONES DE TUDIO, DE LOS APAGONES : UNA COMBINACIÓN DE R&B ADOLESCENTE EN
S
que Zappa tocaba la batería, y que apoyaba a Earl Bostic y
Louis Armstrong en el Shrine Auditorium para un beneficio de la NAACP
a finales de los años 50, hasta la versión de 'I Don't Wanna Get Drafted' que
se publicó como sencillo contra la guerra en 1980. Según el ingeniero Spence
Chrislu, The Lost Episodes fue un "tributo a sus fanáticos, una especie de
dejar caer el velo y simplemente decir: 'esto es lo que sucedió detrás de
escena, y aquí hay algunas explicaciones, aquí hay algunas cosas
divertidas que nunca llegaron a ningún otro lado, y esto es para ustedes'."
'Lost In A Whirlpool' es Captain Beefheart en 1959, cantando sobre ser
arrojado por el inodoro, con Zappa al frente y su hermano Bobby en la guitarra
rítmica. Ronnie y Kenny cuentan la historia de las excavaciones nasales
descritas en 'Hagamos que el agua se vuelva negra' en We're Only In It For
The Money. 'Mount St. Mary's Concert' (1963) son dos minutos del período
anterior al rock de Zappa: música clásica vanguardista con risas. 'Take Your
Clothes O When You Dance' es una melodía de Zappa interpretada por
profesionales del jazz en el estudio de Paul Bu en 1961. .
'Handsome Cabin Boy' es una chabola marina de Ewan MacColl/AL Lloyd
interpretada por The Mothers. Ricky Lancelotti canta 'Wonderful Wino';
Sugarcane Harris canta 'Sharleena' y toca el violín en un instrumental llamado
'Lil' Clanton Shue'. En otros lugares, hay una versión instrumental temprana
de 'Inca Roads' de la banda Overnite Sensation , el comercial Luden's Cough
Drop de Zappa de 1967, Captain Beefheart lee el 'Wazoo' original respaldado
por una pista de Synclavier, y Zappa toca con la magia de la era de Trout
Mask. Banda.
Todo esto y notas minuciosas y detalladas de Rip Rense con citas de
Zappa, Captain Beefheart, Ruth Underwood y Terry Bozzio.
Si aún no te apresuras a comprarlo, no te molestes: no eres fanático de
Zappa (todavía).
¿He ofendido a alguien?
Primera versión: abril de 1997 Rykodisc/RCD 10577
LA IDEA DE UNA COLECCIÓN DE TODO EL MATERIAL MÁS 'OFENSIVO' DE ZAPPA
Difícilmente parecía la forma correcta de preservar su legado.
Sin embargo, a diferencia de las colecciones de Rykodisc Strictly
Commercial y Strictly Genteel, ¿He ofendido a alguien? fue compilado y
seguido por Zappa. En medio de las adulaciones que estaba recibiendo
del establecimiento ( The Yellow Shark, los documentales de arte
The Late Show de la BBC ), quería recordar cómo se negaba a someterse
a las reglas de la PC. Sus remixes hacen que los ritmos sean más
suculentos y compatibles: 'Goblin Girl', por ejemplo, está ralentizado y
'Dinah Moe Humm' tiene todo tipo de adornos sudorosos, con los
teclados funky de George Duke en primer plano durante un orgasmo
cronometrado más realista (el aparición de algunas líneas de 'Montana'
en un punto crucial hizo que los estudiosos del caniche se
apresuraran a buscar sus máquinas de escribir). Bueno, ¿era Zappa
antisemita, antigay y sexista como argumentaban algunos obituarios? No. Todo lo contrario
Señala la naturaleza conformista y cobarde de las políticas de identidad
que alguien tan resueltamente crítico con el establishment como Zappa sea
ridiculizado en nombre de las ideas progresistas. El estatus de forastero de
Zappa en una cultura diseñada para aplicar un brillo liberal a las necesidades
del todopoderoso dólar significaba desafiar al oyente a superar la mezquina
corrección. Esta es una banda sonora para los ilustrados: para aquellos que
pueden ver que los fascistas son fundamentalistas de la derecha cristiana
censora, no aquellos que se ríen cuando la lujuria y la angustia que hierven
bajo la superficie de la respetabilidad escupen en espeluznantes cancioncillas
satíricas.
Como señala Ed Sanders de The Fugs en su ensayo en el folleto adjunto:
“¿Qué da si he ofendido a alguien? su único poder para excitar e incluso
ofender es la fuerza y la precisión compleja de las interpretaciones, la
edición y la mezcla, y la brillantez de las composiciones... Zappa era un
rapsoda brillante, en el sentido griego antiguo: un cantante que "cose juntos".
fragmentos de una variedad de fuentes para formar una obra”.
A pesar de las quejas de sectores predecibles, la impresión final
de ¿He ofendido a alguien? es la habilidad y la flexibilidad del arte
de Zappa: incluso en sus 'estúpidas' canciones, la variedad y lo
inesperado de sus yuxtaposiciones musicales aún asombran.
Ya no puedes hacer eso en el escenario
Vol.1
Lanzamiento original: abril de 1988; Rykodisc/RCD10561/62
F SIGUIENDO SU PERCEPCIÓN DE QUE EL TIEMPO LINEAL ES UNA “AFLICCIÓN”, ZAPPA
no publicó su archivo de grabaciones en vivo en ningún tipo de
orden cronológico. Matt Groening informa que Zappa parecía horrorizado
ante la sugerencia de Groening de lanzar conciertos completos de bandas en
particular: "¡Ese es el tipo de cosas que hacen los contrabandistas!"
Entonces, la serie Stage sigue actuaciones de diferentes épocas, y en
una edición de bravura, utilizando un nuevo dispositivo digital llamado Sonic
Solutions, Zappa fusionó una versión de 'Lonesome Cowboy Burt' de 1971 con
una de 1988. Estos doce CD presentan un 'ideal' Concierto de Zappa que se
basa en dos décadas de material: 1968 a 1988.
Vol.1 comienza con bromas de la banda en el aeropuerto de Florida,
mientras Volman y Kaylan intercambian bromas sobre vomitar en el escenario.
“Lo guardó porque podría tener hambre más tarde”, dice Zappa. Es difícil no
interpretar esto como un comentario de Zappa sobre su propia costumbre de
acumular tantas actuaciones antiguas en cintas. “¡Consigue las piezas grandes!” dice Volman.
La serie Stage incluye algunas piezas muy importantes.
El volumen 1 está intercalado entre dos versiones de 'Sofa' e incluye la
famosa actuación matinal en Hammersmith Odeon, donde 'Don't Eat The Yellow
Snow' se convirtió en la ocasión para la recitación masiva de poesía (y para que
Zappa mostrara su conocimiento de Under Milk) . Madera). Hay tres canciones
de un concierto especial de MTV: after the
Al prohibir su video 'You Are What You Is', Zappa pensó que era "poco
probable que alguna vez nos dejen salirnos con la nuestra".
Vol.2
Lanzamiento original: octubre de 1988; Rykodisc/RCD10563/64
OL.2 ES EL ÚNICO DE LA SERIE STAGE EN ACCEDER A MATT
Petición de V Groening para un concierto completo. Consagra a una
banda a la que Zappa era especialmente aficionado, generalmente
conocida como la banda Roxy: Napoleon Murphy Brock en el saxo y la
voz, George Duke en los teclados, Ruth Underwood en la percusión, Tom
Fowler en el bajo y Chester Thompson en la batería. Fue grabado en
Helsinki, Finlandia, el 22 de septiembre de 1974. ¡Es genial!
Vol.3
Lanzamiento original: noviembre de 1989; Rykodisc/RCD10565/66
ISC ONE ESTÁ DEDICADO A LAS ACTUACIONES DE LA GIRA DE 1984 DE ZAPPA .
D
'Drowning Witch' se fusiona con una versión de 1982 porque,
según Zappa, "la banda de 1984 nunca la tocó correctamente durante su
gira de 6 meses, y la banda de 1982 solo logró acercarse en una ocasión".
El disco dos incluye 'Dickie's Such An Asshole', la canción
para Richard Nixon, la demostración de Terry Bozzio de las
virtudes de la batería 'real', la fusión de dos versiones de 'Zoot
Allures', de Japón y Francia, una secuencia de canciones de You Are
What You Is emitida en MTV y una maratón de ' King Kong' juntando
versiones de 1971 y 1982.
Vol.4
Lanzamiento original: mayo de 1991; Rykodisc/RCD10567/68
ISC ONE TIENE SIETE CANCIONES DE LA GIRA DE 1984 , DOS DE 1988 y
Hecho uno cada uno de 1969, 1976, 1978, 1979, 1980 y 1982.
Las pistas más destacadas son un collage de 1973/1984 de 'Montana' y el
'original' 'The Torture Never Stops', donde la voz de Captain Beefheart y un
'Smokestack Lightnin' pisando fuerte hacen que suene completamente diferente
de su forma final en Zoot Allures . El disco dos tiene siete canciones de 1984
y seis de 1982. Para este oyente, el vol. El énfasis de 4 en el material de
rock en vivo de los años 80 es una desventaja, porque los músicos son muy
competentes y disciplinados, las versiones no son sustancialmente diferentes:
'Advance Romance', un ejercicio de blues arrogante en Bongo Fury, lleno de
carácter y humor, se ha convertido una pieza tan fija que las versiones en Vol.3
(banda de 1984) y Vol.5 (banda de 1982) registran con solo tres segundos de
diferencia. Para una melodía de siete minutos grabada con dos años de
diferencia, el control es impresionante, pero la mera hermeticidad no hace
necesariamente que la escucha sea inspiradora.
Vol.5
Lanzamiento original: agosto de 1992; Rykodisc/RCD10569/70
D ISC ONE CUBRE LOS AÑOS 1965 A 1969 ESPECÍFICAMENTE PARA EL
diversión de esos coleccionistas que todavía creen que el único
El material "bueno" fue interpretado por esas primeras formaciones y es una
colección de melodías vanguardistas y grabaciones de "autobús" que harán las delicias
de los fans de los Mothers originales. El disco dos es la banda de 1982, seleccionada
de Ginebra, Munich, Balzano y Frankfurt y hará las delicias de las personas a las que
les gustó esa época.
Ya no puedes hacer eso en el escenario Vol.6
Lanzamiento original: agosto de 1992; Rykodisc/RCD10571/72
ISC ONE RECOPILA LAS CANCIONES DE ZAPPA 'TRATADAS EN GENERAL CON
D
el tema del sexo' y tiene variedad, conmoción y esperma en abundancia
(en 'Wind Up Workin' In A Gas Station', hay una rara oportunidad de
escuchar a la cantante Bianca Thornton). El segundo disco tiene muchas
melodías de los espectáculos de Halloween de Zappa en el Palladium de
Nueva York, donde la histeria de la multitud crea una atmósfera especial. Todo
termina con un magnífico 'Strictly Genteel' de 1981, la bendición secular de
Zappa dando un final adecuado a todo su monstruoso proyecto.
Disco misterioso
Lanzamiento original: 1991/1992; Lanzamiento del CD: Rykodisc/RCD10580
ORGANIZADO RIGINALMENTE POR ZAPPA COMO DOS LPS PARA INCLUIR EN
La
serie de relanzamiento de O Barking Pumpkin , The Old Masters, Mystery
Disc, es una encantadora selección de fragmentos, tomas alternativas y otras
gemas que quedan en el piso de la sala de montaje. En un folleto
informativo elaborado por Rykodisc e ilustrado por Cal Schenkel, se incluyen
las propias notas de Zappa para el disco uno, así como información sobre el
pistas para el disco dos. La propia estimación de Rykodisc es que 25
de las 35 pistas nunca antes habían estado en CD, mientras que 10 son
ediciones o mezclas alternativas. Si no ha escuchado el tema de
Run Home Slow, la banda sonora de Western Zappa en 1963, o Beefheart
cantando 'Metal Man Has Won His Wings', o 'Bossa Nova Pervertamento'
tocada en Studio Z en Cucamonga, o 'Speed Freak Boogie ', o
Annie Zannas y Cynthia Dobson contando la anécdota que se
convirtió en 'Willie The Pimp', necesitas comprar este álbum. La
superposición con Lost Episodes y Ahead Of They Time es considerable,
pero suele haber variaciones menores.
10. LA OBRA MAESTRA FINAL
Fase de civilización III
Primer lanzamiento: diciembre de 1994 Zappa Records CDDZAP 56
EL ARTE DE RANK ZAPPA RECHAZA NICHOS SEGUROS. PROCEDE PEDIENDO
preguntas F. Para medir algo tan poderoso como el Phaze III de dos CD ,
necesita retroceder un poco, tomar una perspectiva histórica.
Después de todo, Zappa estaba lidiando con la civilización a gran escala aquí
(aunque, por supuesto, siendo estadounidense, lo deletreaba con una 'z'...).
Después de la Segunda Guerra Mundial, el serialismo (el vuelco de Schoenberg,
Berg y Webern de todo el edificio de la música occidental convertido en un sistema
por Messiaen, Stockhausen y Boulez) se convirtió en una ortodoxia: mientras los
compositores aceptaran el nicho del arte financiado por el estado, la "innovación"
serialista ' y 'experimento' estaban bien. El arte moderno de la posguerra fue la
insignia de un orden mundial nuevo, racional y aprobado por las Naciones Unidas,
supuestamente totalmente diferente de los regímenes de Hitler y Stalin.
Stockhausen y Boulez eran los equivalentes musicales de los técnicos con batas
de laboratorio que estaban dividiendo el átomo para crear un futuro de electricidad
barata, cromo, caucho y limpieza del hogar.
En Estados Unidos, Milton Babbitt fundó una escuela de lo que Zappa llamó "boop
bip". Aunque la música de Babbitt en sí misma es deslumbrante, la academia aisló
la composición de vanguardia del público, evitando que hiciera preguntas
incómodas sobre los límites de la libertad y la disidencia en una sociedad de
consumo.
La obra de Zappa fue una larga interrogación sobre qué constituye el "valor"
musical y qué constituye la "libertad". Siempre en el filo de la navaja entre la
excelencia técnica y la falta de seriedad, su música ofende a los apologistas
del rock debido a su actitud escéptica hacia el pop (ver Lester Bangs, Chuck
Eddy, Joe Carducci, Ian Penman). Sin embargo, si eliminas los mitos, la política
y la palabrería y analizas detenidamente su contenido musical , el pop y el rock
emergen como increíblemente limitados. Cualquiera que haya entendido y
amado la música de, digamos, Stravinsky y Nono, Mingus y Dolphy, debe
encontrar absurda una dieta de 'Louie Louie'.
El absurdo de Zappa le permitió disfrutar de las alegrías de lo absolutamente
grosero (fue sincero cuando llamó a 'Iron Man' de Black Sabbath un clásico)
tanto como le permitió desligar a la música avanzada del esnobismo y la
intimidación intelectualista. Algunos oyentes lamentan la transición de 'Black
Page #2' a 'Big Leg Emma' en Zappa In New York, pero ese es el punto: en
lugar de pretender curar las divisiones en la psique social a través de un
compromiso a mitad de camino, Zappa los dramatiza persiguiéndolos hasta los
extremos.
Civilization Phaze III fue el último gran trabajo de Zappa, diseñado
conscientemente como tal cuando sucumbió al cáncer de próstata. El Synclavier
y el trabajo con el Ensemble Modern le dieron acceso a una paleta orquestal
fantástica. Sus ideas rítmicas perversas ahora podían llevarse a cabo sin fallas;
los sonidos instrumentales eran brillantemente reales. Dado todo este poder y
libertad, se podría suponer que Zappa crearía una obra maestra imponente y
sustancial. Sin embargo, era demasiado consciente de las implicaciones
sociales de la música 'art' para hacer algo tan positivista. También era
demasiado consciente de los problemas técnicos de la música moderna como
para creer que un nuevo vocabulario puede simplemente ser arrancado del aire.
El credo musical de Zappa era "Si te suena bien, es una putada y si te
suena mal, es una mierda". Ese es el "principio" organizativo detrás de la
música en Civilization Phaze III . La melancolía de la madera y los agudos
sonidos de las cuerdas son prominentes, lo opuesto a la impetuosidad de la
guitarra y los metales que caracteriza al rock y al soul.
Sin embargo, estas sonoridades clásicas nunca se solidifican en un estilo. Ellos
se dispersan continuamente en la incertidumbre y el dilema. Hay
progresiones rítmicas que se desprenden del concepto de Conlon
Nancarrow de firmas de tiempo 'xenócronas' superpuestas, pero la técnica
nunca se convierte en dogma. Zappa escucha el efecto emocional de sus
experimentos y luego responde con pausas, bromas y cambios intuitivos.
Estos serán tan incomprensibles para el análisis literal ('schenkeriano')
como las transgresiones improvisadas del Beethoven tardío o la atonalidad
'libre' del Schoenberg temprano.
Phaze III tiene interludios de palabras habladas entre cada pieza
musical. Cuando Zappa me puso el disco dos de Civilization Phaze III en
su sala de estar, con frecuencia nos desviaba a la conversación, pero
cada vez que comenzaban las voces, me hacía callar para que escuchara.
Estos extraños diálogos fueron de gran importancia para él. Algunos
sostienen que Phaze III sería mejor sin las voces, pero esto malinterpreta
las intenciones de Zappa tan groseramente como los DJs que deseaban
que simplemente produjera "rock'n'roll viable" y dejara de "sabotear" sus
propios esfuerzos. Como le dijo a Dan Forte, "tal vez el sabotaje sea la
información real de la canción".
Los interludios de palabras habladas unen grabaciones realizadas en
1967 con grabaciones realizadas en 1991. En ambas sesiones, las
personas se colocaron dentro de un piano y se las animó a especular
sobre la música y la sociedad. Con presciencia característica, Zappa
seleccionó a Hermann Kretzschmar del Ensemble Modern para
representar la tierra de Mozart y la tecnología de grabación: fueron las
conferencias de Wendell Kretschmar sobre Beethoven las que impulsaron
al héroe del Doctor Fausto de Thomas Mann a convertirse en compositor
(esta novela, con sus discusiones sobre dientes, el nazismo y la
posibilidad de una vanguardia populista podría haber sido el anteproyecto
de la obra de Zappa). ¡Observe la adición espeluznantemente apropiada
de la 'z' al nombre de Kretschmar! Mientras tanto, el actor Michael
Rappaport elogia el rap (Niggaz With Attitude, Public Enemy, Brand
Nubians) y Ali Asken habla en turco (lo que molesta a Rappaport). Como
es habitual, la música de Zappa es el terreno de encuentro entre diferentes
culturas, y plantea el sueño utópico de un lenguaje humano universal (el
canto de garganta tuvano frecuenta 'Beat The Reaper'). 'Dio Fa' es un estudio orquesta
predice el drum'n'bass de, por ejemplo, Roni Size Reprazent. El ímpetu rítmico
de Zappa es americano, y por tanto arraigado en África.
Civilization Phaze III es un diálogo complejo y vívido sobre la música
moderna. Sus dilemas son el motor de sus composiciones. Spider concluye
diciendo que “nuestra fuerza proviene de nuestra incertidumbre, si
entendiéramos la música nos aburriríamos”. Esto va con el “el universo
funciona lo entendamos o no” de Zappa: para él, el consuelo no se encuentra
en las ideas, la filosofía o la fe, sino en la curiosidad inquieta por el mundo
material real. Zappa era un materialista antiautoritario en la tradición de
Giordano Bruno y Josef Dietzgen. Phaze III termina con 'Waenspiel'('juego de
armas' en alemán), una grabación de propietarios en el Valle de San Fernando
disparando sus armas automáticas hacia el cielo en el Año Nuevo de 1987. Lo
que deberían ser reelaboraciones de celebración se ha convertido en una
manifestación de la paranoia de los propietarios. y agresión. La expresión de
dolor en el rostro de Zappa mientras me describía a estos "imbéciles" me
decía todo sobre la relación de su arte con la sociedad: su música siempre fue
una investigación objetiva, un relato de verdades caseras.
11. EXISTENCIA POSTUMA
Frank Zappa toca la música de Frank
Zappa:
Un homenaje conmemorativo
Lanzamiento: 1996 UMRK 02
En A TRES AÑOS DE LA MUERTE DE FRANK ZAPPA POR CÁNCER DE PRÓSTATA EL 4
diciembre de 1993, Zappa Family Trust publicó un memorial.
Las selecciones y las notas de portada fueron de Dweezil Zappa. Un CD
digipack envuelto en cartón negro texturizado, tenía un bigote peludo
en la portada ("guía de desplazamiento del cabello: Ahmet Zappa") y
letras plateadas dibujadas por Matt Groening. Más como un
recuerdo de la asistencia a una morgue que como un lanzamiento
comercial, el disco conmemoró los tres solos de guitarra característicos
de Zappa: 'Black Napkins' y 'Zoot Allures' de Zoot Allures, y 'Watermelon
In Easter Hay' de Joe's Garage. Se incluyeron las versiones
publicadas, además de una versión anterior de 'Black Napkins' de
Ljubliana (22 de noviembre de 1975), una versión de 'Zoot Allures' de
Tokio (5 de febrero de 1976) y una versión en vivo de
'Watermelon In Easter Hay ' grabado en algún lugar al final de la gira
de 1978. También estaba 'Merely A Blues In A', grabado en París el
27 de septiembre de 1974 cuando la banda se quedó sin material para un bis.
Al final de su vida, Zappa encontró muy impactante el impacto de la
melodía pura. A pedido suyo, en su funeral se tocó 'The Green Fields Of
America' de The Celtic Harp de The Chieftains, con la voz plañidera de Kevin
Conne. Frank escuchaba su propia interpretación en 'Watermelon In Easter
Hay' y lloraba. En su contribución a Academy Zappa: Proceedings of the First
International Conference of Esemplastic Zappology (ver la bibliografía en el
Apéndice), THF Drenching discrepó con esta capitulación al sentimiento,
afirmando que la personalidad musical de Zappa estaba ausente de la
reverberación al estilo Pink Floyd. El éxtasis empapado de 'Watermelon In
Easter Hay', que la música era anónima y aburrida, prueba de la vacuidad de
los conceptos burgueses de individualidad. ¿Quién es heredero de la verdad?
¿Los parientes consanguíneos o adeptos de la estética dadaísta? Los legados
artísticos no son propiedad privada, sino actos sociales al alcance de todos.
Tales desacuerdos no son una cuestión de faltarle el respeto a los muertos,
sino más bien una señal de la continua relevancia de la música de Zappa
como un sitio para el debate real. Donde hay contradicción, hay vida. De lo
que no se puede dudar es de la sinceridad y conmovedora del tributo de oído
por guitarra de Dweezil (ni tampoco de la sinceridad de la crítica de Drenching,
que podría tomarse como una defensa del resto de la obra de Zappa) .
Todo está sanando bien
Lanzamiento: 1999 UMRK 03
E PENGOUIN LIGOTÉ, ÓRGANO DE LES FILS DE L'INVENTION, la
organización ZAPPA fan L con sede en París, no fue amable con
Everything Is Healing Nicely, un álbum de grabaciones realizadas durante
los ensayos del Ensemble Modern para The Yellow Shark. En comparación
con las versiones ya publicadas, el escritor se quejó, 'None Of The Above'
es "demasiado larga", 'Amnerika' es "lenta y coja", mientras que la
recitación de Hermann Kretzschmar de las cartas de los lectores a un cuerpo perforador
revista ("todo está sanando muy bien" fue una conclusión
conmovedora) con el acompañamiento improvisado de un Ensemble
dirigido por Zappa rápidamente "pierde su atractivo". Como dice Ali
Askin en el folleto que acompaña a Healing: “si buscas música refinada,
este CD no es para ti”. Pero, ¿es la 'música refinada' lo único que
buscan los fans de Zappa?
Es cierto que EIHN no tiene el aspecto de collage de los discos que
editaba el propio Frank Zappa, ni la sorpresa genérica que generaba
cada lanzamiento en vida. Healing no es un álbum 'real' de Zappa (¿cómo
podría serlo? ¡Frank está muerto!). Fue editado y secuenciado por
Spencer Chrislu, uno de los colaboradores más cercanos de Zappa
durante sus últimos años. El trabajo de Chrislu es hábil y discreto.
Naturalmente, no puede incluir la especie de transiciones y contrastes
abruptos que fueron las marcas registradas de Zappa. Se sentirían como
intervenciones irrespetuosas de un espíritu alienígena. So Healing carece
de los cambios de registro (del barroco al heavy metal, de la electroacústica
al surf rock, de la palabra hablada íntima a la orquesta completa, de lo
sublime a lo banal) que hacen que un verdadero álbum de Zappa sea tan estimulante
Sin embargo, ¿qué pasa si EIHN no se compara con el resto de la
obra de Zappa, sino con otros CD lanzados en 1999? Para aquellos
interesados en los dilemas que enfrenta el compositor actual (improvisación
versus composición, cómo hacer que los músicos habiten una partitura,
cómo grabar instrumentos acústicos), Everything Is Healing Nicely es
muy instructivo. Debería ser obligatorio escucharlo para cualquiera que
haga arreglos para improvisadores de jazz o grabe música orquestal. En
otras palabras, merece una audiencia fuera del círculo de obsesivos que
reclaman a Zappa como propia.
El compromiso del Ensemble Modern con la música de Zappa fue
especial. Algunos de los 24 músicos aportaron su propio dinero para ir a
ensayar a Hollywood. Algunos pospusieron sus vuelos por cuenta propia
para poder disfrutar de unos días más. La mayoría del Ensemble aparecía
regularmente horas antes todos los días para practicar las solicitudes
finales de Zappa (los dosillos 23/24 en 'T'Mershi Duween', llamado así
por el camello en una historia de Moon Unit Zappa, eran uno de los
favoritos). Zappa decidió trabajar con el Ensemble después de escuchar
sus actuaciones de Kurt Weill y Helmut Lachenmann, cuyas composiciones
requieren que los intérpretes vayan más allá de la legitimidad del conservatorio.
La entonación musical no reprimida funciona como la voz humana: la sinceridad
no se puede fingir. Desde el primer clúster tipo Richard Strauss que abre EIHN,
puedes sentir esta cualidad comprometida.
Mucho de Healing fue grabado por Marqueson Coy en el estudio de ensayo
de Zappa en Los Ángeles, Joe's Garage Act I, usando micrófonos cruzados
tradicionales colgados en el aire frente a la orquesta, complementados con
micrófonos individuales para cada instrumento, varios para el piano y
micrófonos restantes. y justo en la parte de atrás. Si los improvisadores se
graban con micrófonos individuales, existe el peligro de que jueguen con el
micrófono, deseosos de sonar bien, en lugar del aire compartido que es el
espacio real de la ocasión musical. Esto perjudica el espíritu colectivo y
fragmenta el sonido total. El estatus legendario y la dirección ingeniosa de
Frank Zappa hicieron que los músicos olvidaran su vanidad individual: incluso
durante las improvisaciones más anárquicas, hay una resonancia colectiva
deliciosa que realmente brilla. La mezcla de Zappa y Chrislu equilibra la
sonoridad individual y el sonido total, lo que demuestra que las grabaciones
con múltiples micrófonos mezcladas con oídos musicales pueden sonar
realmente bien, y con mayor detalle y mejor equilibrio que un par de micrófonos cruzados.
Para dirigir a sus músicos, Zappa utilizaba técnicas desarrolladas por Duke
Ellington, Charles Mingus y Sun Ra. Claro, hubo partituras, ni la melodía
dolorosa de 'Amnerika', unida a diferentes instrumentos, ni el drama atonal de
'None Of The Above' podrían haberse logrado de otra manera, pero Zappa
también creó objetos, motivos, vampiros, estructuras de acordes y gestos
(musicales o teatrales) que podían ser señalados espontáneamente por gestos
con las manos, muecas e incluso movimientos de cejas, eventos que podían
desencadenarse en cualquier momento (el eslogan en ese momento era:
'Cualquier cosa, en cualquier momento, en cualquier lugar, sin motivo alguno').
').
Los sonidos instrumentales completos que recuerdan a la costosa
educación musical se mezclan con los balidos y mugidos de los juguetes de
los niños, un didgeridoo burbujeando en una escupidera llena de agua,
extraños gruñidos de la percusión y eyaculaciones vocales. Pero esto no es
un truco posmoderno: porque estos sonidos resuenan en la realidad
tiempo, establecen relaciones musicales genuinas entre sí. En un
momento, Zappa tomó su guitarra para tocar a dúo con el violinista
indio L. Shankar ('Strat Vindaloo' fue el título otorgado por Dweezil), y
puedes escuchar a los músicos de respaldo pensar en la métrica del
vampiro que están tocando. estoy jugando
Everything Is Healing Nicely puede derivar de improvisaciones y
ensayos ad hoc, pero el filo y la vitalidad de la interpretación son
palpables. Viene en un digipack cubierto de terciopelo granate. La
grabación es igualmente exuberante y llamativa.
ZF: OZ
Lanzamiento: 2002 Vaulternative Records VR20021
N SEPTIEMBRE DE 1975, ZAPPA FORMA UNA BANDA DE CINCO INTEGRANTES QUE
Estuve de gira hasta marzo de 1976, con él mismo en guitarra y
voz, Napoleon Murphy Brock en saxo y voz, André Lewis en
sintetizador, Roy Estrada en bajo y Terry Bozzio en batería. Era una
unidad eficiente y flexible que, debido al hecho de que Zoot Allures fue
en gran parte un esfuerzo en solitario (solo 'Black Napkins' presentaba
a la banda, y en realidad era un vehículo para un solo de
guitarra de Zappa), no ha sido muy apreciado. el lanzamiento de
FZ:OZ , grabado en Sydney, Australia, el 20 de enero de 1976, fue
muy bienvenido. No fue la mejor fecha de la gira. Por ejemplo,
Osaka el 3 de febrero de 1976 (que proporcionó 'Black Servilletas'
para Zoot Allures) comenzó con mucha más coherencia y velocidad.
Sin embargo, FZ:OZ sí incluyó 'Kaiser Rolls' (en dos versiones, en
vivo y en ensayo), una canción inédita de la misma zona
desconocida de lth, sleaze y mendicancy como 'Find Her Finer', 'Wino
Man' y ' Termine trabajando en una gasolinera.
Las reinterpretaciones de Napoleon Murphy Brock de 'Lonely Little
Girl', 'Take Your Clothes O When You Dance' y '¿Cuál es la parte más
fea de tu cuerpo?' de We're Only In It For The Money fueron realmente
asombrosos (algo de lo que todavía es capaz hoy en día, como
atestiguan sus actuaciones recientes con Project/Object y The
Grandmothers), al igual que los solos de sintetizador de André Lewis.
Lewis firmó con Motown en ese momento como el misterioso Mandré y
grabó una versión fantástica de 'Dirty Love' en el estilo cyberfunk que tocó la canción
con Zappa. Animado por este entorno altamente amplificado pero abierto,
Zappa hizo que los comentarios hicieran cosas que nunca antes había hecho
('Ship Ahoy'on Shut Up 'N Play Yer Guitar surgió de esta gira). Los vacíos en la
música creados por los carretes de cinta de 1” que se cambiaron se llenaron
tomando prestado de bootlegs y una grabación de múltiples pistas de la banda
en Japón. El presentador de programas de televisión y comediante Norman
Gunston tocó la armónica en 'The Torture Never Stops'. Como era de esperar,
la sección rítmica de Roy Estrada/Terry Bozzio era furtiva y apestosa, y todos
suenan muy bien.
En comparación con el exceso furry anterior, el empaque de The Zappa
Family Trust era mínimo: una funda de cartón blanco para los dos discos, con
una lista desplegable con los nombres de los seguidores cuyos pedidos
anticipados habían patrocinado el lanzamiento y, un toque de conciencia
ecológica: las de ora y fauna extintas y en peligro de extinción.
Halloween: Vive en Nueva York 1978
Lanzamiento: 2003 Vaulternative DTS Entertainment 692860110199
ALLOWEEN PRESENTÓ ZAPPA AL MUNDO DEL DVD AUDIO Y 5.1
Mezclas de audio del canal H en sonido envolvente. Carl Baugher proporcionó
notas entusiastas para llevar al oyente al Palladium de Nueva York
alrededor de Halloween de 1978 (27, 28 y 31 de octubre). Los músicos
eran FZ y Denny Walley (guitarra, voz), Tommy Mars y Peter Wolf (teclados),
Arthur Barrow y Patrick O. 'Hearn (bajo), Vinnie Colaiuta (batería) y Ed
Mann (percusión). El violinista L. Shankar participó como invitado en 'The
Deathless Horsie' (otro nombre para 'Black Servilletas'). El programa
incluyó favoritos como 'Dancin' Fool', 'Don't Eat The Yellow Snow' y la
familiar secuencia bis de 'DinahMoe Humm', 'Camarillo Brillo' y 'Mun Man'.
Como dijo Zappa en las notas de portada de Zappa In New York, le
gustó especialmente la atmósfera desenfrenada que proporcionaba el público de
Nueva York. En Halloween se volvieron excepcionalmente locos, como
atestiguan estas grabaciones.
Ramillete de Joe
SEGÚN EL SISTEMA DEL FIDEICOMISO FAMILIAR ZAPPA , ESTE COMUNICADO FUE
A
anunciado como 'Comunicado oficial n.º 72'. Consiste en grabaciones de The
Mothers of Invention de alrededor de 1965, con FZ a la guitarra y voz, Ray
Collins a la voz, pandereta y armónica, Roy Estrada al bajo y Jimmy Carl
Black a la batería: 'Motherly Love', 'Plastic People', etc. Henry Vestine, the
guitarrista de blues que luego formó Canned Heat, toca en cuatro números.
Su estilo ocupado no coincidía con el sonido decisivo y cuadrangular del grupo,
pero es bueno obtener una confirmación de audio del rumor de larga data
de que Vestine tocó en una encarnación temprana de The Mothers. 'My Babe' y
Marvin Gaye's ' Hitch Hike son excelentes ejemplos de la música que la banda
(anteriormente anunciada como The Soul Giants) tocaba en los bares antes de
comenzar a tocar los originales de Zappa. De hecho, es fascinante escuchar la
melodía de 'Take Your Clothes O When You Dance' con una letra de amor directo
('I'm So Happy I Could Cry'), aunque imaginas que Zappa no estaría muy
interesado en que los oyentes profundicen en la cursi procedencia de el más
subversivo y utópico de los himnos de los 60. En otras palabras, Joe's
Corsage constituye 35 minutos de felicidad para los fanáticos de Mothers
Of Invention; incluso los coleccionistas de rarezas y contrabando empedernidos no
habrán escuchado estas grabaciones antes.
Después de contactar a Simon Prentis, quien luego contactó a un tal Ben
Watson, quien desenterró una copia de International Times no 115 (21
octubre7 de noviembre de 1971), Gail Zappa se hizo con el famoso
texto sobre el Proyecto/Objeto y la Continuidad Conceptual que Zappa
escribió para Circular, 'un dispositivo de noticias semanal de Warner/
Reprise' (20 de septiembre de 1971) poco después del lanzamiento de
Fillmore Este: junio de 1971 (se incluyó en el dossier de prensa de 200
Motels, y también aparece en el folleto con Beat The Boots #2, pero el
negocio de reeditar los bootlegs de Zappa (ver 'Coleccionables/Rarezas'
en el Apéndice) estuvo a cargo de Rhino Records exclusivamente). Los
extractos aparecen en el inserto del CD de Joe's Corsage. Es una de
las cosas más extraordinarias que escribió Zappa, con un extraño
parecido con el trabajo de principios de los 70 de poetas influenciados
por Olson como Ed Dorn, JH Prynne e Iain Sinclair.
El CD concluye con una entrevista donde Zappa habla sucintamente
sobre sus influencias musicales y su tiempo con los anteriores a Freak
Out! madres
Daño de Joe
Oamor excesivo por la música, donde, para los simples civiles, la
' COMUNICADO OFICIAL #73'... EL MUNDO DE FRANK ZAPPA ES UNO DE
devoción al detalle puede parecer una locura y una obsesión. Aquí hay
un caso en cuestión. Cualquier zappólogo que tropiece con estas
grabaciones (las tablas de lectura a primera vista de los músicos de
Waka/Jawaka en 1972) estará muy interesado. En sus líneas, Gail
Zappa escribe con su estilo humorístico habitual sobre las circunstancias
que rodean la música. Por otro lado, cualquiera que haya sufrido ensayos
de música durante el horario escolar puede no querer que le recuerden
esas paradas y arranques endémicos de la tarea. Combine eso con
el sonido distorsionado y en rojo de la grabación y la naturaleza fragmentada
de la cosa (no hay improvisaciones ni solos extendidos para aliviar la
agonía de la lectura de partituras), y no se encontrará con una experiencia especialmente
El inserto del CD incluye la letra de 'Think It Over', la canción de
Hunchentoot que proporcionó el tema musical de 'The Grand Wazoo'.
cuaudiófilo
Lanzamiento: 2004 Vaulternative DTS Entertainment 692860112599
' COMUNICADO OFICIAL #74'…. DVD AUDIO Y AUDIO DE 5.1 CANALES, CON
O
sus seis altavoces que proporcionan sonido envolvente, aproximado
a Quadrophonic, el paso de cuatro vías más allá del estéreo que la
industria discográfica propuso en 1973, pero que nunca se llevó a cabo.
(Algunas copias de OverNite Sensation se lanzaron en Quad.)
Entonces, cuando Dweezil Zappa encontró una caja de cinta magnética
escocesa con la inscripción 'Frank Zappa: "Dweezil" 4 Track Stereo',
naturalmente se emocionó. Contenía una versión de 'Chunga's Revenge'
del 1 de marzo de 1970 con la misma formación que aparecía en el
álbum homónimo, aunque sin Sugarcane Harris en el órgano. Resulta
ser un atasco de 11 minutos muy agradable, aunque no tan salvaje como
sus eventuales seis minutos en Chunga's Revenge. El resto del DVD nos
brinda versiones de 5.1 canales de otras mezclas de 4 canales de
Zappa descubiertas por Dweezil y ' El maestro de la bóveda Joe Travers
al rastrear el vasto archivo de Zappa, muchos de ellos realizados en
1978 con Joe Chicarelli en el estudio The Village Recorders. Cinco pistas
(Orchestral Favorites' 'Naval Aviation In Art'; 'Wild Love' de Sheik Yerbouti ;
'Ship Ahoy' de Shut Up 'N Play Yer Guitar ; la canción principal de
Waka/Jawaka ; Baby Snakes, 'Basement Music #2' de The Movie) han
aparecido antes (aunque no en formato DVD y mezcla de 5.1 canales).
Otros: 'Lumpy Gravy' (interpretada bajo la batuta de Michael Zearott
en el Royce Hall, septiembre de 1975); 'Rollo' (también, pero mezclado por
FZ en mayo de 1978); 'Drooling Midrange Accountants On Easter
Hay' (Zappa se queja de la naturaleza venal de los actos orientados a
MTV sobre las improvisaciones de Tommy Mars y Ed Mann); 'Venusian
Time Bandits' (una formación reducida de Roxy) son inéditos hasta ahora .
Las notas de portada de Gail Zappa mencionan el descubrimiento de
Varèse por parte de Zappa, y la referencia es pertinente. En 1958, Le
Corbusier invitó a Edgard Varèse a crear una composición electromagnética
en cinta para el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas. El
sonido se distribuyó a través de cientos de parlantes montados en las
paredes. Al igual que Kandinsky, Varèse explotó la perspectiva de un solo
punto y propuso un universo postEinstein, oworld, sin altibajos. Zappa
tampoco vio ninguna razón para mantener la ilusión de una orquesta 'real'
o banda en sus discos terminados. Quería música como la escuchaba el
director de orquesta clásico: envolvente, embriagadora, alucinante.
Sin embargo, es imposible decir cómo habría utilizado él mismo el audio
de 5.1 canales. Seguro que le hubiera interesado. En el sótano de escucha
de su casa en Woodrow Wilson Drive, Zappa solía escuchar grabaciones
de sus cintas orquestales y de la gira en un sistema de seis altavoces. La
cuestión de cómo pasar de mezclas multicanal a los dos canales del estéreo
doméstico era una que lo preocupó toda su vida. En la portada de One Size
Fits All, hay un diagrama que hace referencia a mono, estéreo y quad como
enfoques sucesivos del “mysterium magnum”. Sin embargo, en Joe's
Garage tuvo una visión irónica de su 'progreso': "Ahora verás, en algunos
lugares del Tercer Mundo puede ser difícil bailar esto porque el tocadiscos
de queroseno no es un dispositivo muy eficiente... Sugerimos que en
lugares como el Cuarto Mundo, donde las cosas son realmente difíciles,
mantienes el registro frotando dos palos. Y si todo lo demás falla, tira el
disco...
“
5.1 se inventó para los centros de entretenimiento en el hogar una sala
de cine en la privacidad y seguridad de su propia casa y, si bien Zappa
quería que la gente escuchara su música con la atención que le daban al
cine ("esta película para tus oídos fue producida y dirigida por Frank Zappa”,
decía el eslogan en la portada de Hot Rats ), no era parte de la corriente
principal corporativa de Monsters Inc./Lord Of The Rings . Su arte hizo que
la gente se sentara y escuchara, creó un escándalo, ofendió a los estúpidos.
El hecho de que nos quedemos preguntándonos "¿qué habría hecho
Frank?" cuando nos enfrentamos a un nuevo formato demuestra que Zappa
fue nuestro subversivo más inspirador dentro de la industria de la cultura
de masas. Como lo extrañamos.
APÉNDICE
Coleccionables/rarezas
I A FINALES DE LOS 80 Y PRINCIPIOS DE LOS 90, CUANDO EL CATÁLOGO ANTERIOR DE ZAPPA ESTABA DISPONIBLE
de copias impresas de segunda mano de los álbumes de The Mothers of Invention
se disparó a la marca de £ 50. Ahora que Rykodisc ha hecho que toda la
obra esté disponible en CD cuidadosamente reempaquetados, a menudo con
pistas adicionales e ilustraciones adicionales, los precios del vinilo original se
han estabilizado y, en algunos casos, han bajado.
Los sencillos de vinilo de 7” de Zappa son muy apreciados. Los sencillos
novedosos editados con Paul Bu y Ray Collins en PAL Studios (luego Studio Z)
en el sello Original Sound ahora son tan raros como los proverbiales dientes de
gallina, al igual que 'How Could I Be Such A Fool?', 'Who Are The Brain Police'. ?'
y 'Big Leg Emma' b / w '¿Por qué no me haces bien?' en Verve.
A lo largo de la carrera de Zappa, generalmente se emitía un sencillo para
acompañar un álbum, pero en las raras ocasiones en que se escuchaban sencillos
en la radio, la respuesta de la audiencia era comprar el álbum en lugar del sencillo.
La popularidad de Sheik Yerbouti en Europa continental generó algunos éxitos,
por lo que 'Bobby Brown' y 'Stick It Out' pueden obtenerse como sencillos en
Escandinavia y Alemania. Debido a que se publicó como single con un 'mensaje'
urgente (y una gran portada de Cal Schenkel), vale la pena obtener 'I Don't Wanna
Get Drafted'. 'Valley Girl' fue un auténtico éxito, por lo que las copias tienen algún
significado más allá del fetichismo completista.
Algunos coleccionistas optan por sencillos de vinilo de 12”. Los que
hay que tener en cuenta: 'Dancin' Fool', con un magnífico retrato al estilo
de Sheik Yerbouti, con un Zappa cubierto de alquitrán fumando un
Winston a través de una boquilla, y algunos ritmos extra (¿es una
aspiradora colgada y golpeada como Donna Summer?) editado para
hacer que la canción sea 'longitud disco'; True Glove, con Zappa picando
un guante de cocina, contenía una versión al revés de 'No Not Now'
llamada 'Won Ton On' con la eyección verbal de Johnny 'Guitar'Watson
(en lugar de la de Harry y Rhonda, como en ThingFish) ; el disco de
imagen de la entrevista de Zappa de Talking Pictures; 'Valley Girl' con una
conmovedora foto de padre e hija en la portada; y, finalmente, 'Stairway
To Heaven'/ 'Bolero' de 1991, con su satírica y antitranscendente foto de
portada de escapes de hierro que conducen a ninguna parte (un
complemento visual de la apertura de Broadway The Hard Way, el álbum
de originales de Zappa interpretado por los misma banda en la gira de
1988: “Elvis acaba de salir del edificio”/ “Para subir esa escalera celestial”).
En 1969, Zappa y Herbie Cohen fundaron dos sellos, Straight y Bizarre.
Resultaron algunos álbumes fascinantes. Trout Mask Replica [Warner/
Reprise 2027] de Captain Beefheart and the Magic Band es reconocido
como un clásico (poco antes de su prematura muerte en 2004, John Peel
lo nombró su disco de rock favorito de todos los tiempos). Zappa (y anti
Beefheart) gimiendo de los miembros de las Madres originales (y la Banda
Mágica), pero nadie parece capaz de explicar por qué Zappa debería
haber producido la obra maestra del Capitán. Quizás porque, a diferencia
de otros productores, vio que la música de Van Vliet era única, la grabó
con claridad y dejó que hablara por sí misma. Zappa no intentó doblarlo
hacia formatos soul o pop. De todos modos, ningún Zappaphile que se
precie debería persistir sin una copia. Por suerte está disponible en CD
(con una transcripción de las palabras en el libreto, un lujo negado a los
compradores originales, aunque los fans discuten muchos detalles). An
Evening With Wild Man Fischer (1969) fue un álbum doble que
'documentaba' a un lunático certificado que vendía canciones por un
centavo en las calles de Hollywood: a veces divertido, perspicaz y
aterrador. Una versión en CD de Daño permanente (1970) de The GTO
apareció brevemente, pero ahora es casi tan rara como el vinilo:
esta colección de canciones y declaraciones de un grupo de groupies de Los
Ángeles (con contribuciones de Lowell George, Don Preston, Rod Stewart y
Je Beck) es una de las favoritas entre los conocedores de Zappa (a pesar de
los principios punk, el caricaturista Savage Pencil admite que no puede
escucharla sin sollozar). lágrimas enfermas de nostalgia). Si ve el vinilo de
Daño permanente, asegúrese de que se incluye el folleto de lujo de fotos y
letras.
Al mismo tiempo, se lanzó la colaboración del bajista Je Simmons con el
guitarrista Craig Tarwater, Lucille Has Messed My Mind Up (1969). Zappa
'salvó' el álbum, donando la canción principal y produciendo esta colección de
psicodelia de jazz impulsada por acordes potentes. Otros lanzamientos en
Straight (con una participación menos activa por parte de Zappa, pero
ciertamente interesante) incluyen la palabra hablada de Lord Buckley (A Most
Immaculately Hip Aristocrat) y Lenny Bruce (The Berkeley Concert); folkrock
medieval de Judy Henske y Jerry Yester (Farewell Aldebaran); shock rock de
Alice Cooper (Easy Action); extensiones folclóricas modales de Tim Buckley
(Blue Afternoon); y reflexiones dylanescas de Tim Dawe (Penrod). Todos estos
actos se pudieron escuchar, junto con 'Holiday In Berlin' y 'Willie The Pimp' de
The Mothers, en Zappéd, un LP de muestra económico publicado por Warner
Brothers.
Cuando Zappa y Herbie Cohen formaron DiscReet Records, publicaron
álbumes de Ted Nugent & The Amboy Dukes (Call Of The Wild; Tooth, Fang
And Claw) y Kathy Dalton (Boogie Bands And One Night Stands). Estos no
eran nada especiales; incluso la presencia de ex alumnos de Little Feat en
este último no logró que fuera algo extraordinario.
Otras fechas de producción de Zappa incluyeron Good Singin' Good Playin' de
Grand Funk Railroad para EMI en 1976, a la que Zappa contribuyó con un solo
de guitarra (algo que lamentó, ya que los críticos solían usar su solo para
maldecir la interpretación en el resto del disco). y le gustaba mucho Grand
Funk), y Touch Me There del violinista L. Shankar para Zappa Records. Zappa
e Ike Willis fueron invitados en este último para 'Dead Girls Of London' de
Zappa, cantando juntos bajo el alias Stucco Homes. Zappa actuó bajo otro
alias , Obdewl'l X, en dos pistas de Feel for MPS de George Duke en 1974.
Aún más difícil de encontrar es el CD de Prazsky Vyber llamado Adieu CA [AP
00012311], con Zappa tocando la guitarra en el concierto de Michael Kocáb para
celebrar la evacuación de las tropas rusas de Praga el 24 de junio de 1991 (Zappa
solo toca en un tema, 'Blaznivy Reggae', y se moría porque no había tocado la
guitarra en años).
Quizás la aparición especial más sublimemente loca de Zappa es su versión
de la composición 'silenciosa' de John's Cage '4'33”', contribuida a A Chance
Operation: The John Cage Tribute [Koch 37238] comisariada para Koch
International Classics por Gary Davis en 1993, con ensayos de folletos de David
Revill y Richard Kostelanetz. Por extraño que parezca, la pista es genial: ¡puedes
escuchar a Frank 'mantenerse en silencio'!
Zappa ha sido pirateado a lo largo de su carrera, una práctica que detestaba.
En julio de 1991, Zappa obtuvo la licencia de Rhino Records para 'piratear a sus
contrabandistas' y lanzar una caja de reproducciones de sus ocho álbumes
ilegales más famosos. El sonido estaba ligeramente alterado, pero se derivaba de
lo que fuera que habían publicado los contrabandistas, a menudo de calidad
bastante dudosa (Zappa no buscó en su archivo ni encontró sus maestros de
mesa de mezclas para estos elementos; de hecho, todo el proyecto estuvo a
cargo de Rhino). El primer set de Beat The Boots se publicó tanto en vinilo como
en CD: As An Am Zappa (31 de octubre de 1981), The Ark: Mothers Of Invention
(julio de 1968), Freaks & Motherfu*%!!@# (11 de mayo de 1981). 70), Audacia sin
paliativos (12 de mayo de 1974), De todos modos, el viento sopla (24 de febrero
de 1979), 'Tis The Season To Be Jelly (30 de septiembre de 1967), Saarbrucken
1979 (3 de septiembre de 1978) y Piquantique (21 de agosto de 1970). '73). La
caja incluía una representación de dibujos animados de OverNite Sensation
Mothers en concierto: la banda estaba retratada en la tapa interior, con una
audiencia 'emergente' que incluía el logo de Rhino Records: rinoceronte cortando
alegremente el cable del micrófono de un contrabandista travieso.
Los fanáticos compraron estos "turds bruñidos" (como los llamó Zappa), por
lo que se emitió una segunda caja en 1992: Disconnected Synapses (70), Tengo
Na Minchia Tanta (junio de '71), Electric Aunt Jemima ('68), At The Circus (78/70),
Queso suizo/¡Fuego! (12 de abril de '71), Our Man In Nirvana (8 de noviembre de
'68), Continuidad conceptual (19 de noviembre de '77). La caja dos venía con una
boina de 'Beat The Boots' y una insignia esmaltada, además de un lujoso folleto
ensamblado por Cal Schenkel. Este no era exactamente el que había diseñado
para La historia recopilada y las improvisaciones de las madres de la invención (un
Un anticipo de esto fue publicado ilícitamente a mediados de los años 70
por Babylon Books en Manchester, Inglaterra, e incluía la carta de 1957 de
Edgard Varèse a Frank, la que ahora está enmarcada y colgada en la sala
de escucha de su sótano, y una carta de rechazo de Milt. Rogers en Dot
Records, el de la música de Zappa que carece de “potencial comercial”),
pero aún incluye mucho material fascinante. Algunas tiendas de discos
dividieron los sets, por lo que estos 'bootlegs piratas' se pueden encontrar
por separado. En las páginas de la sociedad del fanzine, Zappa recomendó
buscar material de escucha adicional intercambiando cintas en vivo
(siempre que no cambie de manos el dinero, esto no es ilegal). Ahora los
fanáticos pueden crear vastas colecciones de grabaciones en vivo de alta
calidad de forma gratuita descargándolas de Internet.
Una vez que Zappa recuperó sus cintas maestras de PolyGram y
Warner Brothers, las reeditó en conjuntos llamados The Old Masters.
Los contenedores eran de cartón plateado y cada uno lucía una naturaleza
muerta diferente de Donald Roller Wilson. En el interior había reproducciones
de los álbumes originales, con portadas plegables y gráficos idénticos
(excepto que las marcas registradas originales del sello discográfico fueron
reemplazadas por el logotipo de Barking Pumpkin). The Old Masters Box
One se publicó el 19 de abril de 1985 y contenía siete discos de vinilo:
Freak Out! (un doble), Absolutely Free, Lumpy Gravy, We're Only In It For
The Money, Cruising With Ruben And The Jets y Mystery Disc con
maravillas como Captain Beefheart cantando 'Metal Man Has Won His
Wings' en Studio Z en Cucamonga, un primer intento de ópera rock llamado
'I Was A Teenage Malt Shop', una guitarra acústica 'Bossa Nova
Pervertamento', el acelerado 'SpeedFreak Boogie' (que Mike Keneally
insiste en que no es 'acelerado', pero una grabación ralentizada reproducida
a velocidad normal (bienvenidos a la zona de twiglet hardcore...) y un
extracto de The Uncle Frankie Show donde Zappa mostró a los oyentes de
radio cómo tocar el acompañamiento de "oh, un total de 15,000 canciones
de rock'n'". canciones de rollo” ('Run Home Slow Theme' y 'Charva' se
incluyeron más tarde en Lost Episodes; 'Why Don't You Do Me Right?' y
'Big Leg Emma' en la edición de Rykodisc de Absolutely Free).
The Old Masters Box Two fue lanzado el 25 de noviembre de 1986 e
incluía Uncle Meat (un doble), Hot Rats, Burnt Weeny
Sandwich, Weasels Ripped My Flesh, Chunga's Revenge, Fillmore East
junio de 1971 y Just Another Band From LA. El cuadernillo de Uncle Meat
venía en una funda de cartulina negra que lucía otro bodegón espeluznante
de Donald Roller Wilson, además de una reimpresión del Manifiesto de
Continuidad Conceptual de Zappa de Circular, 'un dispositivo de noticias
semanal de Warner/Reprise', 20 de septiembre de 1971. También hubo otro
disco misterioso con 22 minutos de The Mothers Of Invention en el Royal
Festival Hall de Londres en 1968, una grabación de estudio del 'Agency
Man' antiCIA y otros fragmentos, incluida la historia original de 'Willie The
Pimp'. 'Wedding Dress Song'/ 'Handsome Cabin Boy' apareció más tarde en
Lost Episodes.
The Old Masters Box Three apareció el 30 de diciembre de 1987 y
comprendía: Hot Rats, Waka/Jawaka, The Grand Wazoo, OverNite
Sensation, Apostrophe ('), Roxy And Elsewhere (un doble), One Size Fits
All, Bongo Fury y Zoot Allures. No había Disco Misterioso en la Caja Tres:
quizás Zappa ya estaba pensando que haría falta el formato CD para emitir
todo el material que atesoraba en cinta. En septiembre de 1998, Rykodisc
publicó los Discos Misteriosos en un solo CD (ver el Capítulo 11), aunque
por razones de espacio, "Big Leg Emma" y "¿Por qué no me haces bien?"
fueron omitidos.
Los fanáticos de Zappa son famosos por su locura, por lo que es seguro
decir que alguien quiere cualquier cosa que tenga 'Zappa' en algún lugar
(incluso los calendarios de ZappoausKöln). Ahora que está muerto, la idea
del producto Zappa 'ocial' se vuelve cada vez más tenue (a pesar de los
valientes esfuerzos de The Zappa Family Trust detallados en el capítulo anterior).
El universo de bandas de versiones de Zappa, tributos y lanzamientos
relacionados con Zappa se ha expandido con un impulso inexorable. En
2004, el Zappanale en Bad Doberan, MecklenburgVorpommern celebró su
decimosexto año, con un fin de semana de música y eventos teatrales, y
una audiencia de más de dos mil. Si tienes la oportunidad de ver a
Grandmothers, Ensemble Modern, Mun Men, Project/Object, Nasal Retentive
Orchestra, The Wrong Object… aprovéchalo, sus conciertos te cuentan
cosas sobre la música de Zappa que no puedes adivinar a partir de los
discos, por muy buenos que sean. . Quizás el CD tributo más llamativo
hasta ahora apareció en 2004: Zappostrophe de Marc Guillermont de Niza,
France, que escribe y arregla todo su propio trabajo, pero captura con éxito la
atmósfera de los discos de Zappa, hasta el sonido de los que interrumpen
durante los solos de guitarra de rockarena ‹www.virtualist.net› .
Mientras tanto, el acto doble de Eugene Chadbourne y Jimmy Carl Black (The
Jack & Jim Show) ha brindado la interpretación más consistentemente creativa
y espontánea del legado de Zappa/Beefheart.
Rykodisc ha mantenido vivo el interés en Zappa mediante la publicación de
varias recopilaciones de su propio diseño. Strictly Commercial fue un valiente
intento de seleccionar pistas representativas que probablemente no complacieron
a nadie excepto a sus compiladores; Strictly Genteel fue una introducción clásica
que recopiló la música orquestal de Zappa. Kill Ugly Radio, The Return Of The
Son Of Kill Ugly Radio y Ditties And Beer fueron valientes intentos de interesar
a los programadores de radio en canciones que seguramente los meterían en
problemas. He visto Frank Zappa: Clean American Version, un CD solo de
promoción, a un precio inflado, pero es difícil ver quién está comprando, ya que
todo el material está disponible en otros lugares.
Apostrophe(') y One Size Fits All existen como lanzamientos de audiófilos
'Au20' en CD de oro de 24k, mientras que Omnibus volverá a publicar este
mismo volumen en el año 2013 como una edición conmemorativa de Phaze III
en muñequera chion con aroma a rosas, encuadernado en piel de caniche de
angora teñida de rosa con herramientas de pan de oro (siempre que haya
suficientes incondicionales que muestren interés...)
BIBLIOGRAFÍA
PAMELA DES BARRAS
Estoy con la banda: confesiones de una groupie (NY: Jove, 1988).
ISS PAMELA de The GTO's ofrece una visión desde dentro de la
freakdom en M Los Ángeles; hilarante y conmovedor.
REJEAN BEAUCAGE (REDACTOR)
Circuito: Música Contemporánea Vol.14, No.3 (2004) Frank Zappa: 10 Años
Después.
¡ POR FIN, la academia siente que ya no puede ignorar al hombre! Número
especial de 120 páginas de la revista canadiense de nueva
música, con ilustraciones de Cal Schenkel y contribuciones del editor,
Nathalie Gatti, Nicolas Masino, Michel F. Côté (en francés); Ben Watson
sobre aspiradoras y algo de patafísica deliciosa sobre el significado de 'Zappa'
en inglés, italiano, español, francés y alemán de John Rea (en inglés). El
análisis en profundidad de Louise Morand de 'Dio Fa' de Civilization Phaze III
es impresionante y muestra que, siempre que hable de música donde el
experimento trata la forma como un contenido sedimentario y
sórdido, la musicología puede alcanzar grandes alturas.
KEVIN MENSAJERO
Cocina peligrosa: el mundo subversivo de Frank Zappa (Toronto:
Prensa ECW, 2002)
Una publicación de 554 PÁGINAS que recopila, ordena, interpreta y juzga todo lo
que se ha publicado sobre Zappa en forma impresa o registrada.
Desafortunadamente, toda esta sabiduría crítica madura hizo que este lector
se adormeciera.
GUY DAROL Y DOMINIQUE JEUNOT Zappa
from Z to A (París: Le Castor Astral, 2000).
A N
ELEGANTE, guía alfabética en orden inverso para el francés
Zappaholic, con discusión inteligente, útiles listados completos
y un menú, Gourmet Diner , que incluye 'Peaches in Regalia', 'Mud Shark'
y 'Things that look like meat'. Solo en Francia. El coautor Jeunot, presidente de
Les Fils de l'Invention, el club de fans surrealista de Zappa en Francia,
murió inesperadamente de un derrame cerebral en diciembre de 2004, a los 45
años, y lo extrañaremos mucho.
MICHAEL GREY
¡Madre! La historia de Frank Zappa (1985; Londres: Plexus, 1993).
C ONTIENE algunas observaciones refrescantes de Pamela Zarubica (la Suzy
Creamcheese original); la última mitad está asombrada por la política
sexual moralista de Gray y la incomprensión total de las necesidades del metal
adolescente.
BILLY JAMES
La necesidad es... Los primeros años de Frank Zappa y las madres de la
invención (2001; Londres: SAF, 2004).
Una lectura apasionante y castigadora en la que Bunk Gardner, Don
Preston, Jimmy Carl Black y Richard Kunc le cuentan a James sobre los
viejos tiempos.
JAMES JOYCE
Finnegans Wake (Londres: Faber, 1939).
EL ÚNICO libro tan bueno como un disco de Zappa, y estudiado con T
continuidad conceptual.
franz kafka
'En la colonia penal' (1919) Metamorfosis y otras historias (Londres:
Penguin, 1961).
S I vas a complementar la escucha de Zappa con literatura, esta es la indicada:
la semilla del demonio para la monstruosidad que es We're Only In It For The
Money. Espantoso.
RICHARD KOSTELANETZ
El compañero de Frank Zappa: cuatro décadas de comentarios (NY:
Schirmer, 1997).
RITMOS DE gente como Dave Marsh, Barry Miles, Bill Milkowski
W y
Art Lange, además de entrevistas a Zappa y su testimonio a
Congreso sobre rock porno en 1985. Variados puntos de vista salvan al libro de
las longueurs de la 'biografía sin fisuras'. La reimpresión de un artículo del autor
de Contemporary Music Review le da a la música de Zappa la atención que
rara vez recibe; también hay una obra situacionista/collage sobre 200 moteles de
Out To Lunch, y una nota de Václav Havel.
NIGEY LENNON
Ser franco: mi tiempo con Frank Zappa (LA: California Classics, 1995).
ENRITTEN por un guitarrista y arreglista que estuvo de gira con The Mothers
y tuvo una aventura con Frank, estas memorias tienen una cantidad
inusual de perspicacia musical . Una cuenta en movimiento.
TOMÁS MANN
Doctor Fausto (1947).
T ¡honesto!
HE BLUEPRINT para el Proyecto/Objeto. Presciencia a toda marcha…
Carlos Marx
La Capital (1867).
EL OTRO libro que es tan bueno como un disco de Zappa.
BARRY MILLAS
Frank Zappa (Londres: Atlantic, 2004).
DEBERÍA estar subtitulado 'un fan de Paul McCartney escribe...'. Hay
evocaciones de Laurel Canyon y algunas citas e historias nuevas, pero
mucho déjà vu tedioso. Las fallas morales de Zappa (¡demasiado sexo!
¡No hay suficiente respeto por sus compañeros!) son reprobados por alguien
que, fuera de admirar unas cuantas 'hermosas composiciones', no
soporta la obra de Zappa. Algunas bonitas fotos inéditas (si te interesa
lo que Zappa llamó 'trivia biográfica').
CARLLUDWIG REICHERT
Frank Zappa (Múnich: Deutscher Taschenbuch Verlag, 2000).
¡ Y los títulos imaginativos de los libros siguen apareciendo! Una
práctica introducción para el Zappanalytiker alemán, con lindas
observaciones, ligero plagio y una bonita línea en fotos inusuales, a
menudo en color.
NEIL SLAVEN
Zappa: Electric Don Quixote (Londres: Omnibus, 1996).
Una biografía de SCLSSORS y pasta, basada en la mayoría de las
fuentes periodísticas, pero con una notable falta de visión personal
cegadora. Distintamente antiZappaesco, pero una obra de referencia útil
para ese hecho difícil de alcanzar.
DAVID WALLEY
Sin potencial comercial: la saga de Frank Zappa (1972; edición actualizada,
Nueva York: Da Capo, 1996).
LA PRIMERA biografía, una que comenzó como 'ocial' antes de
que todo saliera mal. La primera mitad es una lectura esencial, pero
la evaluación de Walley de Zappa posterior degenera en un viejo pedo.
gimotear (cf. Michael Gray, Barry Miles).
ben watson
Frank Zappa: The Negative Dialectics Of Poodle Play (1994; cuarta
edición con enmiendas y postx, Londres: Quartet, 1996).
M Y HUMILDE intento de poner a Zappa junto a Diogenes, Philip K. Dick y Kenny
Process Team. Ignorado por los académicos, ridiculizado por los periodistas de
rock y vilipendiado por los 'fanáticos incondicionales'.
BEN WATSON Y ESTHER LESLIE (EDITORES)
Academia Zappa: Actas de la Primera Conferencia Internacional de
Zappología Esemplástica (Londres: SAF, 2005).
TRECE Zappologists obsesionados y trastornados (incluido el
legendario Gamma T ) abordan las ramificaciones de la obra.
Completamente absurdo y escandaloso y poco académico y poco
social, no debería haber visto la luz del día.
También disponible en ‹www.militantesthetix.co.uk›.
FRANK ZAPPA
Ellos o nosotros (El libro) (LA: Barking Pumpkin, 1984).
CON El 'remix' de APPA de 351 páginas al estilo de tratamiento de películas de temas de
'Billy the Mountain', Hunchentoot, Joe's Garage, Francesco Zappa
y ThingFish , a mediados de los 80, impresión de computadora estacionaria de
alimentación continua al estilo de la rueda de margaritas. Imprescindible para todo conceptual
fanáticos de la continuidad y "no para intelectuales u otros
muertos". Mozart está escrito como un imbécil. Salvaje.
FRANK ZAPPA, CON PETER
OCCHIOGROSSO The Real Frank Zappa Book (NY: Poseidon, 1989).
la El propio relato de APPA sobre los primeros años, más sus opiniones sobre
música Z y la política. Mordaz pero no tan magistral como los discos.

Kelly Fisher Lowe The Words and Music of Frank Zappa

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