Urbanizacio N y Arquitectura Durante Los

Máster en Estudios Hispánicos - Scamardo
Urbanización y arquitectura durante los siglos XIX y XX.

La evolución urbana hacia tiempos modernos

La ciudad industrial nació del capitalismo industrial durante el siglo XIX. El papel de
estas ciudades apoyó al sistema capitalista que dominó todos los aspectos de la vida
cotidiana. La ciudad era el centro del proceso de producción donde la mayoría de las
fábricas estaban ubicadas y donde vivían los trabajadores. Los otros servicios
necesarios (como bancos, infraestructura de transporte y el comercio minorista)
están desarrollados de modo que las fabricas y sus comunidades de trabajadores
podían crecer al mismo tiempo. En tales situaciones se ve que hay una diferencia
que está marcada entre el proletariado y los ciudadanos que desarrollan los
ambientes para trabajar. Este grupo de la sociedad es una especie del motor de la
ciudad causando la expansión y crecimiento de las zonas urbanas.

El sector de la sociedad responsable del desarrollo de la ciudad industrial es la
burguesía. Este grupo se abrió más a lo largo de la historia pero no es una asociación
que tiene una presencia oficial para excluir a alguien o permitirles ser socios. Es la
clase social que desarrolló el sistema capitalista en que vivimos actualmente. Debido
a la presencia de la burguesía, existe el espíritu del empresario y la mentalidad
económica que mueve el mundo contemporáneo. Puesto que están constantemente
preocupados con la economía, los empresarios que dominan ésta clase social
enfocan mucho en la proyección del orden, criterios de comportamiento y un futuro
estable. La planificación de un futuro estable requiere el ahorro de capital y la
afirmación de la seguridad de su propio grupo familiar.

Los valores y las preocupaciones de la burguesía marcaron una diferencia
fundamental con los trabajadores el proletariado. La burguesía y el poder que tenía
durante la Revolución Industrial crecieron con los centros urbanos. Al crecer las
ciudades en numero y poder económico, la burguesía también creció en importancia
para la sociedad. Los valores de la burguesía reflejan los valores urbanos y los
burgueses dependen de la ciudad y sus habitantes para mantener sus negocios. Los
otros trabajadores de las industrias urbanas dependen de productores, agricultores
y mercantiles para conseguir los productos y servicios que precisan. Sin los servicios
y productos proporcionados por la burguesía, la vida en las ciudades se complica.
Por lo tanto, existen otros valores complementarios que los grupos comparten.

Con esta interdependencia más o menos en balance para el benéfico de los dos
sectores de la población, el número de habitantes crece debido a la inmigración de la
gente del campo a la ciudad donde buscan empleo. El crecimiento de este tipo es una
característica importante para el desarrollo de las ciudades industriales. Otro
aspecto importante para el crecimiento de las ciudades son los barrios. Los barrios
tienen personalidades tal como sus habitantes. Las zonas urbanas cerca de las
fábricas representan la clase trabajadora y muchas veces tienen diferencias de
culturas entre sus miembros. Esta mezcla de culturas es una situación de
intercambio, tensión y evolución de la sociedad urbana. Los familiares de un grupo
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cultural llegan a los barrios y ayudan a poblar unos barrios formando centros
étnicos o culturales dentro de la clase del proletariado. Estos barrios experimentan
muchos conflictos desde dentro y desde fuera. Esta situación de conflicto con otras
clases sociales y gente de otras culturas causan la necesidad de organizar la
población. Esta población densa es presente en los centros urbanos para ganar
dinero con su labor y debido a esta meta, tienen que asociarse con miembros de
culturas y razas diversas.

El crecimiento de la población en los barrios corresponde con el crecimiento del
poder económico de la burguesía y les exige patrocinar proyectos para mejorar la
ciudad. Proyectos de infraestructura facilitados por los burgueses sirven al público y
también funcionan como motores económicos para sus negocios. La infraestructura
patrocinada por una familia burguesa también les proporciona prestigio. Los
proyectos que la burguesía puede desarrollar frecuentemente son para mejorar una
ciudad. Otros proyectos que enfocan exclusivamente en el beneficio económico de la
burguesía, pueden causar resultados negativos; tales consecuencias se pueden
encontrar en la Revolución Industrial en ciudades como Londres. Es ventajosa que
las clases más poderosas evitan esta manera de explotación total de la población
urbana porque es la población que les da el poder para influir a las decisiones de los
más poderosos.

Las condiciones laborales pueden llegar a un nivel deplorable en los trabajos
industriales. Debido a eso los proletariados se organizan para mejorar estas
condiciones. Las condiciones laborales pueden incluir cosas como el pago, el horario
y la seguridad laboral. Para evitar conflicto con los trabajadores, los comerciantes
tienen que invertir dinero en las necesidades de ellos dentro del ámbito en los
barrios y las ciudades. Tales acciones mejoran la vida de todos los ciudadanos y
evitan conflictos entre las clases sociales. Para evitar los conflictos culturales que
ocurren en el mundo urbano otro tipo de inversión es necesaria, una inversión en la
educación de la población. Es necesario educarles y facilitar actividades de ocio en
los espacios públicos, no solo alojar a la gente en las ciudades. La realización que
existían de estas necesidades a lo largo de la historia produjo cambios en el
desarrollo y planificación de las ciudades.

En la urbanización tradicional los miembros de las clases poderosas no habían
tomado en cuenta los cambios que llegarían con la explosión del capitalismo. Este
nuevo sistema económico causó crecimiento masivo de las zonas urbanas y abrió el
camino para una nueva estructura de clases en la sociedad. La evolución de la
sociedad continuó y las necesidades de los ciudadanos cambiaron. Las ciudades, las
sociedades, los individuos, las culturas y la civilización en general empezaron a
evolucionar rápidamente durante los siglos XVIII y XIX. Europa y Norteamérica
experimentaron cambios significantes en la producción, la agricultura, el transporte
y otras industrias durante este tiempo. Este periodo es la Revolución Industrial y no
solo corresponde con el crecimiento rápido de las ciudades, lo causó. Durante esta
época los productos elaborados en las fábricas y las industrias evolucionaron. Esta
causo cambios en las artes y en la planificación de las ciudades. Ciudades como París
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cambiaron drásticamente durante este periodo. Un ejemplo claro es cuando París
fue la sede de la Feria Universal por lo cual construyeron la Torre Eiffel. La ruptura
con lo que está considerado tradicional siempre causa controversia y esta estructura
icónica para la ciudad también lo causó en su momento.

Debido a la evolución de la sociedad, el crecimiento de las ciudades industriales y el
desarrollo del capitalismo industrial nuevos estilos de arte y arquitectura nacieron.
Los estilos en todas las artes evolucionaron rápidamente y muchas veces los
cambios causaron un choque sin presidentes con la gente que estaba acostumbrada
a las antiguas maneras de ver el mundo. Los cambios en las artes plásticas fueron
dramáticos e históricos. Influyeron a otros aspectos de la vida cotidiana como la
moda y la arquitectura. Los cambios en la vida urbana causaron la necesidad para el
diseño industrial, otra influencia que causó algunas variaciones en la arquitectura.
Siempre en la arquitectura hay un elemento artístico y esta expresión también
estaba en evolución durante la Revolución Industrial.

La influencia del urbanismo en las artes plásticas

Como la mayoría de los cambios drásticos, la Revolución Industrial tuvo efectos
positivos y negativos para los ciudadanos de todas las sociedades. Lo más
importante quizás, es la formación de una clase media en la sociedad. Así los artistas
tenían en el mercado unos nuevos clientes. El nuevo sistema económico causó una
nueva conciencia en las personas que, gracias a la época de la máquina, podían
permitirse el tiempo y el dinero para coleccionar el arte. Habían artistas quienes
dedicaron toda su vida profesional para retratar a los miembros de la nueva clase
media y la burguesía. Ésta es una de las causas que durante la Revolución Industrial
el arte se transformó. El arte se volvió más realista en algunos sentidos porque
mostró sentimientos existentes. Otra razón por la cual el arte cambió durante la
Revolución Industrial fue porque ayudó a la gente a escapar de una sensación de
depresión del nuevo mundo urbano de las fábricas. Con el arte se podían ver cosas
más hermosas. El arte era accesible para más personas y las casas de la clase media
tenían espacios para los lienzos en sus interiores.

Uno de los estilos del arte más importantes durante este período de la historia fue el
Impresionismo. Este estilo de arte es suave, y muestra la naturaleza que todas las
personas de los grandes centros urbanos ya habían perdido. El impresionismo fue
más abstracto que los estilos anteriores y enfocó en los jardines, la vida en el campo
y la naturaleza. Trataba de temas como paisajes identificables en la vida real y los
elementos humildes de la vida cotidiana. Muchas de las personas durante la
Revolución Industrial perdieron una manera de vida más sencilla en armonía con la
naturaleza para adoptar un cambio en el mundo industrial. Muchos artistas
populares desarrollaron en este período de tiempo; como Cézanne, Monet y Renoir.
Su arte ayuda a la gente a distraerse de los momentos difíciles. La forma de arte de
los impresionistas como Monet era dominada más por sus colores y la luz en sus
cuadros, lo cual dio paso al cubismo (Benevolo, 1982: 176‐186).

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Aunque el cubismo como un movimiento artístico no duró mucho tiempo, casi
terminó al empezar la Primera Guerra Mundial, tuvo una influencia perpetua en las
artes decorativas. En la moda y el diseño de interiores, se puede ver la influencia
cubista a lo largo de las décadas 1920 y 1930. El cubismo nació con una exposición
de Cézanne en París en 1907 y el cuadro famoso Demoiselles d'Avignon (inspirado en
las máscaras africanas) de Picasso del mismo año (Fusco, 1986: 220‐223). Cézanne
enfocó su atención tanto en la luz como en los objetos representados que reflejaban
en sus cuadros, la naturaleza parece reducirse a formas geométricas como cubos,
cilindros, esferas y conos. Con este estilo, el artista había desarrollado una nueva
visión plana de las normas de la edad, dejando atrás la perspectiva tradicional.
Tiempo, espacio y movimiento tenían más importancia para los artistas de este
estilo revolucionario (Benevolo 1977: 393‐395). Querían representar muchos
puntos de vista diferentes de la misma forma al mismo tiempo. Esta idea de enseñar
las tres dimensiones con un estilo geométrico es la base del arte de los cubistas. Las
ideas del cubismo se filtraban por el diseño del Art Déco, el diseño de interiores y la
arquitectura. Las formas geométricas fueron usadas por los diseñadores en objetos
útiles para la casa, objetos de decoración, muebles y arquitectura. El diseño de todos
los tipos de objetos, anuncios en las revistas y los carteles de publicidad también
reflejaban a la influencia de las formas geométricas del cubismo.

La tendencia hacia la mezcla de las artes

Desde los finales del siglo XIX la influencia del diseño industrial en la arquitectura
progresó continuamente. Una moda entre los arquitectos fue el diseño de muebles,
específicamente sillas. Al principio del siglo XX, la práctica del diseño de sillas estaba
interpretada como un tipo de prueba para los arquitectos debido a la influencia de
los artesanos alemanes (Collins, 1998: 265). El diseño de muebles demuestra una
tendencia hacia la mezcla del arte y la arquitectura con el diseño industrial, como
resultado del período de la Revolución Industrial. Es durante este período cuando
nació la arquitectura moderna. El diseño industrial y la arquitectura comparten
algunas ideas y tienen funciones similares, esa es la razón para esta mezcla. Este
fusionó todavía más el arte, la arquitectura y la artesanía. Se puede encontrar
numerosas ilustraciones del diseño de muebles, una forma de artesanía, unido con
la arquitectura durante los principios del siglo pasado (Collins, 1998: 248).

Una de las ideas principales que el diseño y la arquitectura comparten es la idea que
form follows function, la forma se deriva de la función. Ésta es una frase que recalcó
Louis Sullivan en 1896 con un articulo titulado “The Tall Office Building Artistically
Considered” (“El alto edificio de oficinas considerado artísticamente”). Este lema
significa que la forma de un objeto o un edificio debe estar basado en la función que
pretenden realizar. Hoy en día la teoría es una fuente de debate fuerte. Sullivan es
uno de los arquitectos principales que desarrollaron la forma arquitectónica
innovadora del rascacielos. Aprovechó de nuevas tecnologías y materiales como el
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hormigón en el estilo Chicago. Esta variación pasó en el momento cuando las
necesidades de las sociedades capitalistas y la tecnología se juntaron. De esta unión
nació la preferencia de abandonar estilos de construcción, arquitectura y diseño
previamente establecidos.

Louis Sullivan es considerado uno de los arquitectos más importantes e innovadores
del período de desarrollo moderno. En lugar de colocar la ornamentación típica de
su época, usó con gran originalidad detalles orgánicos inspirados por la naturaleza.
Una de las contribuciones más notables de Sullivan fue la creación de una nueva
forma para el edificio de oficinas comerciales, como rascacielos. En lugar de dar
importancia a las líneas horizontales de cada planta, hizo énfasis en el aumento
vertical de los edificios que diseñó. La atención en las líneas verticales de sus
diseños fue posible gracias al hormigón y el uso de nuevos materiales ligeros, como
la terracota. Los nuevos materiales tenían una flexibilidad adecuada para llevar a
cabo sus nuevas ideas. Sullivan, con su compañero Dankmar Adler, diseñó el Edificio
de Transporte para la Exposición Mundial 1893 en Chicago dos años antes de
romper la asociación (Benevolo, 1982: 278). El punto central del edificio fue la
“Puerta de Oro”, un portal impresionante formado por varios arcos que están
decoradas con adornos de oro. El efecto de la ornamentación era casi una sensación
de movimiento del edificio. El Edificio de Transporte ocupó un espacio grande e
importante. Era admirado por muchas personas, antes de estar desmontado, a pesar
de la falta de referencias a los estilos de la arquitectura clásica.

Durante este período, había un debate sobre “la forma sigue a la función”, instigado
por Sullivan. Se basa en la cuestión de la necesidad del adorno o la decoración de la
arquitectura. En la primera década del siglo XX en su ensayo, “¿Que es el base de la
arquitectura moderna?”, Aldof Loos argumentó que “la ornamentación es un delito”.
Este argumento propuesto por Loos fue el antecedente al racionalismo dentro de la
arquitectura. Un razonamiento en contra de la posición de este arquitecto austriaco‐
checo es que la ornamentación de un edifico expresa su identidad. La decoración
puede expresar la identidad y la personalidad de una ciudad a través de una
estructura. Se encuentran ejemplos de esto en Bilbao, Barcelona, Florencia y Pisa.

Al discutir los cambios en la arquitectura Aldof Loos explicó, que al comienzo del
siglo XX, se abandonó la tradición y en ese momento tuvo la intención de renovarla.
Según Loos, el presente se basa en el pasado, al igual que el pasado fue basado en los
tiempos que pasaron antes. Lo que pasó en el estilo internacional de la arquitectura
fue otra cosa. La arquitectura iba en otra dirección, un nuevo camino dejó aspectos
de ornamentación y añadiendo nuevos materiales. Algunas modificaciones eran
quizás inevitables. Lo que Loos explica es la ruptura con el urbanismo tradicional y
la arquitectura tradicional. Es el nacimiento de los nuevos modelos del arte y la
arquitectura. En su ensayo “Arquitectura” del 1910, Loos comenta:

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La casa debe agradar a todos, a diferencia de la

obra de arte que no tiene por qué gustar a nadie.
La obra de arte es un asunto privado del artista.
La casa no lo es. La obra de arte se sitúa en el
mundo sin que exista exigencia alguna que la
obligase a nacer. La casa cubre una exigencia.

Al contrario de esta idea, en el ensayo de Loos se ve que esta filosofía de la
arquitectura está más preocupada con la función de la estructura que la estética.
Especula que las estructuras arquitectónicas son como máquinas que deben
funcionar de tal manera. Una manifestación opuesta a la filosofía, de que “la
decoración es un delito”, es que este estilo racional solo era una moda o una
preferencia de unos arquitectos de la edad de las maquinas. La edad de las maquinas
fue un periodo que duró unos setenta años a finales del siglo XIX y en la primera
mitad del siglo XX. Un argumento a favor de la decoración de las estructuras
arquitectónicas es; si tenemos que vivir en un ámbito que creamos, porque no
intentamos a alcanzar un nivel estético que apoya el bien estar de la sociedad. Los
que apoyan el punto de vista de Adolfo Loos responderían que la decoración de la
arquitectura no es necesaria y puede causar problemas con el mantenimiento o el
diseño inicial de la estructura (Benevolo 1989, 298‐301).

Así el estilo moderno en la arquitectura empezó, como un esfuerzo y una disciplina
que pretendían cultivar, sobre todo, la función y la organización del espacio de una
estructura para realizar su forma. De esta manera, el arquitecto determina cuales
son los requisitos funcionales y fundamentales (Kristof 195, 700‐701). Los diseños
del estilo racionalista o moderno estaban frecuentemente basados en la simplicidad
de la función; como se puede imaginar el diseño de un barco, una bicicleta o una
silla. De tal manera, las sillas de hoy se han convertido en manifestaciones de la
identidad personal como los coches y las casas. Todos los muebles, no solo las sillas,
han sido influenciados por diferentes disciplinas artísticas como el Art Nouveau, el
Art Déco, el cubismo y el surrealismo.

Aunque el lema que Sullivan inventó, “la forma sigue a la función”, era de moda con
unos profesionales en el ámbito de la arquitectura moderna, él mismo no abandonó
por completo la decoración de sus propios proyectos arquitectónicos. Se ve en su
arquitectura varios ejemplos del Art Nouveau y decoración celta, realizados por
diseñadores que trabajaron para el arquitecto. Esta ornamentación distingue sus
edificios de los de otros arquitectos del mismo estilo (Benevolo, 1989: 234‐239).
Muchos de los trabajos colaborativos de Sullivan y Adler en Chicago, como el
Auditorium de 1887, son buenos ejemplos donde se ve que no pudo abandonar por
completo la ornamentación (Benevolo, 1982: 247). Los diseñadores industriales
también tenían que encontrar un equilibro entre esta filosofía del diseño y los
deseos de los consumidores, porque los deseos de los consumadores no seguían el
racionalismo de manera excesivamente rígida.

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Los nuevos materiales revolucionaron la arquitectura y los arquitectos

aprovecharon de estas nuevas matearles para construir edificios modernos. Eso no
quiere decir que el cristal y el hierro eran materiales completamente nuevos, solo
significa que los arquitectos los podían aprovechar de un modo nuevo debido a las
nuevas tecnologías. Los rascacielos empezaron a dominar los horizontes urbanos
porque tenían la capacidad de alojar a los trabajadores en sus nuevos oficios nacidos
del dominante sistema capitalista. Invernaderos fueron construidos con estos
materiales para permitir avances en la agricultura. Anteriormente, la agricultura
estaba completamente pendiente del tiempo y las estaciones del año para producir
su cosecha. Estas construcciones permitían a los agricultores recoger los alimentos
de primera necesidad durante todo el año y aumentó su capacidad de ganar dinero.
Así la arquitectura organizó nuevos espacios en función del sistema capitalista
aumentando la capacidad de producción y consumo. Tal como el racionalismo, la
influencia de las artes plásticas también comparte unas metas con la arquitectura,
quizás algunas contrarias a las de la filosofía “la forma sigue a la función”. Uno de los
ejemplos más claros se encuentra en el arte decorativo llamado modernismo. Este
movimiento pretendía introducir formas naturales en todos los aspectos del arte y
la arquitectura. También conocido como Art Nouveau, la influencia de este estilo
marca un periodo determinado en la historia.

La arquitectura en cambio y el estilo del Modernismo

El estilo del Art Nouveau se encontró en lámparas, entradas del metro y carteles
publicitarios durante los finales del siglo XIX y los principios del siglo XX. El Museo
Modernista en Salamanca tiene ejemplos espectaculares de este estilo de diseño y
arte. También en España se puede encontrar ejemplos del estilo de arquitectura en
Barcelona, Bilbao y Cádiz. Art Nouveau, el modernismo en español, es un
movimiento internacional del arte, diseño, estilo de la decoración y la arquitectura.
Se caracteriza sobre todo por la forma curvada con partes orgánicas como las de
hojas, flores y también adopta formas de enredaderas. El modernismo tiene formas
foliadas, con líneas torcidas, no geométricos (Fusco, 1986: 101‐104). Gustav Klimt,
Aubrey Beardsley y Antonio Gaudí fueron algunos de los artistas más destacados
relacionados con este estilo. Las raíces del modernismo vienen del Romanticismo. El
nombre viene de La Maison de l'Art Nouveau, una galería de diseño interior que se
abrió al público en París en 1896. Art Nouveau se denomina también el estilo del fin
de siglo. Luego a la cima de su popularidad, al inicio del siglo XX, fue superado por el
Art Déco y otros estilos modernos en el arte y en la arquitectura.

La figura dominante del movimiento del modernismo, en España, es el catalán
Antonio Gaudí. La mayoría de sus obras se encuentra en Barcelona y son
responsables en gran parte para la industria potente turística de la ciudad. La
mayoría de las obras de Gaudí están consideradas patrimonio de la humanidad por
UNESCO. España es el país más visitado del mundo después de Francia y Barcelona
es la ciudad más visitada del país. Más de dos millones de personas visitan La
Sagrada Familia cada año, según Tourist Guide Barcelona. Esta catedral, diseñada
por Gaudí, es el lugar más visitado de la ciudad. Mucha de la arquitectura
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modernista en Barcelona está ignorada por los visitantes debido a la
espectacularidad de las obras de este arquitecto. La capital catalana tiene diez obras
del arquitecto incluyendo las Bodegas Güell en Garraf (entre Casteldefelds y Sitges).
También tiene obras en el País Vasco y Castilla y León que son menos conocidas.
Antoni Gaudí i Cornet estudió y practicó la arquitectura en Barcelona. Fue
influenciado por el movimiento romántico llamado La Renaixença catalán Este
arquitecto produjo Modernisme, la versión en catalán del Art Nouveau, Jugendstil en
alemán.

Uno de sus primeros encargos fue la gestión del proyecto y la construcción en 1883
de la catedral de la Sagrada Familia en L’Eixample District de la ciudad. Comenzó
esta obra en el estilo gótico, la estructura fue diseñada y construida más tarde con
una libertad artística importante dando una apariencia orgánica a la catedral. Gaudí
era muy religioso e hizo este trabajo durante toda su vida, pero la catedral quedó sin
terminar después de su muerte (Benevolo, 1982: 257‐264). Murió en 1926. El
proyecto está en obras todavía pero como explicó el arquitecto, “Mi cliente no tiene
prisa”. La catedral tiene aspectos góticos y barrocos como otras catedrales
españolas importantes pero está considerada una obra de arquitectura en el estilo
del modernismo. Sus edificios modernistas, muebles y objetos de artesanía son
fascinantes por su forma fuera de lo normal y estructura curiosa, están muchas
veces cubiertas con mosaicos multicolores. Sus obras fueron símbolos de una
renovación artística y una experimentación por parte del artista con muchos
detalles ornamentales. Sus obras son muy populares hoy en día y el estilo de Gaudí
era bastante diferente de las otras obras de la época, este provocó mucha
incomprensión hacia su trabajo durante su vida por parte de otros arquitectos y sus
clientes.

La Casa Milá es mejor conocido por el nombre “La Pedrera” por la gente de
Barcelona. Está en el Paseo de Gracia a pocos minutos caminando hacia arriba de
otra obra de Gaudí, Casa Batilló. La Pedrera adquirió este sobrenombre por la
cantidad de piedras que usaron durante la construcción del edificio. Pedrera
significa cantera en catalán. El edificio está abierto en el centro y las formas de la
construcción están fluidas y curvadas, muy típica del modernismo. La estructura
tiene casas, oficinas y espacios públicos (Fusco 1986: 149‐153). El tejado del edifico
está usado como un espacio para el público. Hay conciertos allí durante el verano y
en el ático hay un museo que explica las técnicas que Gaudí empleó para diseñar sus
obras. En este museo patrocinado por la Caixa Cataluña, los propietarios del edifico,
hay un modelo de la Sagrada Familia que el arquitecto tardó diez años en finalizar.

El modelo está hecho a la escala y está dibujado en una madera que Gaudí sujetó al
tejado donde trabajaba. En la madera colgó cuerdas donde los pillares de la iglesia
están situados en la base de la estructura. De las cuerdas están colgadas unas pesas
que son una fracción precisa del peso que los arcos tienen que apoyar. Al sacar fotos
del modelo invertido el arquitecto consiguió la curvatura exacta que necesitaba para
soportar el peso de la iglesia. Sobre su tarea dijo “Mis ideas son de una lógica
indiscutible; lo único que me hace dudar es que no hayan sido aplicadas
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anteriormente.” Vale la pena visitar la Pedrera antes que la Sagrada Familia. Así se
puede ver estas formas arquitectónicas en el modelo, los arcos y las columnas,
dentro de la basílica.

En la casa Batlló, también en el Paseo de Gracia, se puede encontrar las formas
fluidas y naturales representativas de las obras de Gaudí y habituales en el
movimiento del modernismo en general. Este edificio es de interés particular debido
a la temática del edifico, parece tener un tema acuático. Las puertas, paredes y
ventanas tienen la apariencia de ser líquidos. Los colores y materiales que utilizó
aportan al edificio la apariencia de un pez, la explicación oficial sobre la apariencia
del edificio revela que es simbólico del dragón y el patrón de Cataluña, Sant Jordi.
Numerosas turistas visitan esta obra cada año. Los patrones, una impresa de
caramelos famosos en Europa, lo abrieron al público en 2002. A veces se alquila el
edifico para eventos y congresos. El Parque Güell, también designado patrimonio de
la humanidad por UNESCO, es otra de las atracciones turísticas principales.

Durante la revolución industrial, el lugar estaba proyectado como una urbanización
lejos de la polución del crecimiento rápido de las industrias y fabricas en Barcelona.
Cuando la urbanización lujosa no tenía el éxito calculado, los Güell la convirtieron en
un parque. Aquí como en las otras obras mencionadas, Gaudí quería realizar una
utopía más substancial que describió como una arquitectura sin ángulos cuadrados.
Este espacio público estaba diseñado por el arquitecto antes de la Casa Batlló. El
parque está ubicado en lo alto de la ciudad donde se puede ver Barcelona entero. Un
socio de Gaudí era el dueño de una fábrica de platos de porcelana y el arquitecto le
pidió todos los trozos rotos para usar en la decoración de su parque. El parque está
ubicado en una zona rocosa pero queda verde todo el año. En una terraza elevada en
pilares todas las superficies están decoradas con fragmentos colorados rotos de los
platos de la fábrica de su amigo por arriba y por debajo. La terraza descansa sobre
unas columnas huecas donde el agua que cae sobre la terraza filtra por las columnas
hasta que llega a una cisterna debajo del patio inferior. El agua está canalizada por
las fuentes decorativas debajo que diseñó Gaudí. El agua de la cisterna también está
aprovechada para regar las plantas del parque, una función elemental para este
espacio público.

Se ve que en las obras de Gaudí, la belleza tiene la función de motor turístico, lo cual
es una industria importantísima para la ciudad, España y Europa. Las tres obras de
Gaudí mencionadas tienen un valor que va más allá que la utilidad estructural o el
uso del espacio dentro de la estructura. El argumento que la forma se deriva de la
función es aceptada, pero es necesario evaluar la función a un nivel más allá de la
simple utilidad estructural. La idea de que “la ornamentación es un delito” frente las
obras de Gaudí parece un concepto delincuente. Posiblemente, Aldof Loos nunca
visitó Barcelona. Los proyectos de este tipo, que la burguesía catalana financiaron
para mejorar esta ciudad, facilitaron el bienestar de la ciudad durante cien años y la
van a seguir haciendo durante la vida de este centro de la industria turística
europea. Sobre la próxima arquitectura Gaudí dijo: “El arquitecto del futuro se
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basará en la imitación de la naturaleza, porque es la forma más racional, duradera y
económica de todos los métodos”.

Güell, Batlló y Milá fueron familias importantes en la burguesía catalana y sus
nombres están todavía reconocidos a través de las obras que comisionaron. Pere
Milà fue abogado, empresario y político importante en Barcelona. Josep Batlló era
empresario en la importante industria de los textiles. Esta industria fue
posiblemente la más substancial de Cataluña. El conde Eusebí Güell ganó
muchísimo dinero durante la Revolución Industrial y fue el patrocinador más
importante para la obra del arquitecto. Los clientes de Gaudí en la burguesía
catalana fueron poderosos y a Gaudí le importaba mucho sus opiniones. La
integridad de su arte y la opinión de sus patrocinadores causaron conflictos, a veces,
con las demandas de estas familias (estaban acostumbrados a tener control de sus
proyectos). El resultado de la Pedrera no les gustó a la familia Milá y durante su
construcción tenía varias disputas con Gaudí, hasta amenazaron con no pagar al
arquitecto.

La evolución de la ciudad, la sociedad y el arte; causó la creación de los grandes
movimientos internacionales en la arquitectura, lo cual es complicado para asimilar.
Pocas veces esas modas en la arquitectura trajeron tanta belleza y decoración como
el modernismo en Barcelona. El racionalismo en el ámbito de la arquitectura no
suele preocuparse por adorno ni decoración. Para los arquitectos racionalistas la
belleza está en la sencillez y la “limpieza” de las estructuras que se conforman con
sus funciones. El racionalismo también da importancia a los materiales utilizados,
los costos de los materiales, la disponibilidad, el peso, etc. La influencia industrial y
la influencia de la ingeniería son más importantes en la arquitectura racionalista que
las influencias del arte. Tal como el mundo en que vivimos actualmente, el
racionalismo está influido más por la estadística que la estética. En esta arquitectura
se ve la influencia de ingenieros civiles y militares (Collins, 1998: 185). Para las
racionalistas, solo se puede justificar la arquitectura moderna con las leyes de la
ciencia moderna (Collins, 1998: 198).

Los arquitectos racionalistas y el estilo Internacional

El racionalismo en la arquitectura no produjo resultados extraordinariamente
distintos en las estructuras urbanas hasta la explotación comercial del acero y el
hormigón armado (Collins, 1998: 206). Debido a la importancia de la filosofía y la
ciencia en la arquitectura racionalista, había mucho debate teorético sobre lo que es
y no es racional. Más adelante había debates sobre cuales eran los aspectos más
racionales de la arquitectura. La tendencia de discutir los aspectos más teoréticos y
académicos del racionalismo creó discordias en el grupo racionalista. Lo que todos
los grupos dentro del racionalismo tenían en común fue que nacieron de una
subordinación a la selección de elementos estructurales demostrada por la lógica.
Debido a esta utilidad, el mundo que nos rodea en la ciudad diariamente está
dominado por este concepto.

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La sensibilidad dominante del racionalismo no quiere decir que no tiene ninguna
influencia de arte. La pintura y la escultura fueron las influencias dominantes en la
arquitectura durante las primeras décadas del siglo XX (Collins, 1998: 318). Este
movimiento nace por la influencia de artistas como Wassily Kandinsky, Piet
Mondrian y Paul Klee. El Bauhaus de Kandinsky y el Stijl de Klee fueron escuelas con
influencias importantes en la arquitectura del racionalismo. El arte de Klee es más
difícil de limitar con un solo estilo determinado, pero él (como Kandinsky) enseñó
clases en la escuela alemana. Esta escuela es famosa por su arte y diseño. El Bauhaus
promovió su filosofía y fue una de las influencias más potentes sobre la arquitectura
moderna. En principio la escuela no tenía departamento de arquitectura, pero luego
tenía unos arquitectos como directores. La ideología de los arquitectos causó
conflictos en la escuela bajo la dirección de Miles van der Rohe. Uno de los
fundadores de la escuela, Walter Gropuis, fue un arquitecto preocupado por lo que
denominó “la construcción completa” (Benevolo 1977: 414‐422).

La idea del Bauhaus, según Walter Gropius, era para crear una obra de arte total en
que todas las artes diferentes ocuparían el mismo espacio. A pesar de la idea
unificadora del fundador, esta tarea resultó complicada para la dirección y los
profesores de la escuela. El fundador mantuvo que Bauhaus era fuera de la política
mientras la influencia más grande en este movimiento fue un rechazo de los valores
conservadores del realismo, el movimiento modernista. Otra influencia
inmensamente significativa en Bauhaus fue la idea de que el arte debería alcanzar
las necesidades de la sociedad, eliminando cualquier distinción entre la función y la
forma (Fusco, 1986: 267‐270). Así el Bauhaus está señalado por la falta de
decoración u ornamentación y una armonía entre los aspectos de la forma y la
función. Estas características del Bauhaus justificó el espíritu artístico con la
producción de gran escala. El énfasis en este movimiento estaba en la objetividad
más que en la expresión del artista.

Antes de la fundación del Bauhaus, Walter Gropius trabajaba como arquitecto pero
no podía dibujar, por lo cual estaba invariablemente dependiente de la ayuda de sus
asistentes. Trabajaba con los otros fundadores del Bauhaus, Miles van der Rohe y Le
Corbusier, y también tenía su propia empresa de arquitectura. Gropius fue uno de
los directores de la Escuela del Bauhaus hasta 1928 cuando decido que quería tener
menos responsabilidades oficiales para ser más creativo (Benevolo, 1977: 428‐430).
También publicó un artículo importante para el movimiento moderno en la
arquitectura sobre el desarrollo de estructuras industriales donde incluyó fotos de
estructuras agrícolas, como elevador de granos. Después casi murió en la primera
guerra mundial donde estaba en el frente oeste de Alemania (BBC, 2011). Según
Gropius, el diseño no es ni un asunto intelectual ni material. El diseño es
simplemente una parte importante de los objetos de la vida cotidiana. Creyó que el
diseño era necesario para la sociedad civilizada y con estas ideas estableció la
escuela del Bauhaus. Según él:
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La arquitectura se está convirtiendo de nuevo en
parte integral de nuestra existencia en algo
dinámico y no estático. Vive, cambia, expresa lo
intangible a través de lo tangible. Da vida a
materiales inertes al relacionarlos con el ser
humano. Concebida así, su creación es un acto de
amor.

La arquitectura del Bauhaus también está señalada como el Estilo Internacional. Se
desarrolló en las décadas de los años 1920 y 1930. Este periodo es elemental para el
movimiento de la arquitectura moderna, distinto del modernismo. La historia del
Estilo Internacional está marcada por una exposición en el Museo de Arte Moderna
(MOMA) de Nueva York sobre la arquitectura. Esta exhibición identificó, desarrolló
y catalogó características comunes del movimiento moderno en todo el mundo para
encontrar aspectos estilísticos parecidos. Así Henry Russell Hitchcock y Philip
Johnson lograron delinear un estilo de la época para encabezar la arquitectura
moderna en un libro que escribieron sobre la exhibición del año 1932 en el MOMA.

Henry Russell Hitchcock fue profesor de arquitectura que enseñó en muchas
universidades norteamericanas como Yale, MIT (Instituto de tecnología de
Massachusetts) y Cambridge pero la gran parte de su carera como docente pasó en
Smith College donde también dirigió el Museo de Arte de la universidad. Es una
universidad privada en el norte de Massachusetts en una ciudad que se llama
Northhampton. Smith College es una universidad privada para mujeres donde
estudiaban Barbra Bush y Nancy Regan. En adición al libro tan importante que
escribió con Johnson, Hitchcock escribió una docena más de libros conocidos por
muchos estudiantes de la arquitectura en todos los países del mundo.

Para Philip Johnson la arquitectura era “básicamente el diseño de interiores, [es] el
arte de organizar el espacio interior”. Este lema es conforme a las ideas del estilo
que él ayudó a definir con Henry Russell Hitchcock. En adición de hacer la tarea de
colaborar con Hitchcock para cumplir el libro importante para la arquitectura
moderna, Johnson también fue el fundador del Departamento de Arquitectura y
Diseño en el MOMA en el año 1930. Fue un portavoz a lo largo de su vida (en sus
obras de arquitectura, libros y charlas) para temas importantes para el estilo
internacional. Johnson murió en enero de 2005 con 101 años de edad, en una obra
que hizo en Connecticut en el año 1949. Dijo "Todos los arquitectos quieren vivir
más allá de sus muertes."

La casa donde murió le permite vivir más allá de la muerte porque es un ejemplo de
cómo se puede aprovechar los materiales, en particular el vidrio. La casa se llama la
Casa de Vidrio y está abierta al público para visitas turísticas. Está protegido por una
organización formada en el mismo año que terminó esta casa y apoyada
económicamente por sus propios socios, el National Trust for Historic Preservation
(el fondo nacional para la preservación histórica). Otros materiales usados en la
12
Casa de Vidrio son ladrillos en el suelo, madera de arce para los armarios y
hormigón pintado color gris. La casa está elevada del suelo unos quince centímetros.

El primer tema importante que afirmó a lo largo de su vida profesional fue la
importancia del volumen. Para Johnson, el espacio dentro de una estructura tenía
una importancia encima de la masa de la construcción. De esta manera un edificio
puede aprovechar mejor el espacio que tienen que organizar en el interior para sus
ocupantes. Otro de sus argumentos fue un rechazo de la decoración de las
estructuras. Los valores estéticos para los que apoyan este argumento vienen del
diseño mismo. Esta sencillez representa una especie de pureza al no usar
ornamentación en los edificios. La última idea, también revelada en el libro que
escribió con Hitchcock para la exposición del MOMA, fue el rechazo de la decoración.
Argumentó que no hacia falta la simetría en el diseño de estructuras arquitectónicas.
Al rechazar la simetría en la arquitectura está afirmando una arquitectura
radicalmente diferente de lo que había a lo largo de la historia. Las ideas causaron
cambios más allá del estilo. La fama de estas ideas tenía consecuencias sociales en la
vida cotidiana de la gente, quien vive dentro del ambiente de estas nuevas
estructuras.

Las características comunes del movimiento moderno son la simplificación drástica
de formas, el uso de nuevos materiales (cristal, hormigón y cemento), la falta de
ornamentación y las técnicas de producción de gran escala. En este movimiento la
lógica aplicada a la función domina las técnicas del diseño. El movimiento tiene unas
cuantas figuras dominantes como Le Corbusier, Gropius y Ludwig Mies van der
Rohe. Miles van der Rohe es uno de los arquitectos más conocidos de la arquitectura
moderna. Una de sus obras más representativas está en España y se encuentra en
Barcelona, el Pabellón Alemán. Este edificio se construyó para la exposición
internacional de 1929 y fue el lugar de inauguración de la exhibición de los
alemanes. Es un ejemplo perfecto de su lema famoso "menos es más". El arquitecto
consiguió la comisión el año anterior, después de un éxito profesional en Alemania.

Su carrera profesional empezó sin formación en arquitectura, Mies van der Rohe se
convirtió en un practicante en la oficina de un diseñador de muebles e interiores. En
1907, Mies van der Rohe construyó su primera casa como arquitecto independiente.
Era una casa de madera del estilo inglés del siglo XVIII. Luego estaba empleado
como dibujante y diseñador en otra oficina, al mismo tiempo que Gropius era un
ayudante allí. Miles van der Rohe permaneció en el puesto hasta 1911. Empezó de
nuevo su práctica como arquitecto independiente en Berlín en 1912 y Mies van der
Rohe permaneció en la ciudad hasta 1914. Durante un año entero hizo el servicio
militar. Después de la guerra practicó la arquitectura otra vez en Berlín hasta 1937
(Benevelo, 1977: 389‐391).

El Pabellón Alemán está reconocido por los materiales originales y la sencillez
extrema de forma que demuestra. En el año 1930 estaba destruido y lo
reconstruyeron de nuevo durante los años 80. Miles van der Rohe utilizó piedra
13
caliza y mármol para las paredes con mucho cristal y el marco de acero. Esta
construcción utiliza los ángulos rectos con superficies simples sin cualquier
aplicación ornamental. Debido al efecto visual del edificio y la composición espacial,
está considerado como un ejemplo perfecto del estilo Internacional, para entonces
algo completamente nuevo. En este edificio se puede ver hasta donde llegó la
evolución de la industrialización y la filosofía en la arquitectura. Parece un modelo
de gran escala para comprobar nuevos materiales y técnicas de ingeniería de la
época. La industrialización acelerada y el racionalismo del periodo están reflejados
plenamente en el pabellón con técnicas y materiales conformes con el estilo de la
época. Las nuevas construcciones de la época eran rascacielos que están llenos de
oficinas, fábricas modernas, o incluso bloques de apartamientos que hoy en día son
comunes en todas las ciudades.

Miles van der Rohe diseñó unos muebles para su pabellón, en 1929 (Fusco, 1986:
244). Conocidos como la silla y otomana de Barcelona estos muebles hechos de
acero cromado y cuero blanco de cerdo (originalmente), reflejaron el estilo de
diseño limpio y simple sin decoraciones que encabezaban la nueva disciplina de
arquitectura moderna y el estilo Internacional. La silla original fue construida con
tornillos pero después de una revisión del diseño en 1950 la silla no tenía tornillos y
el cuero utilizado era de vaca. Los patentes en los Estados Unidos y Alemania del
arquitecto caducaron y una empresa de muebles fabricó las sillas y las otomanas
para distribución masiva, aumentando la popularidad de los muebles. La silla de
Barcelona estaba diseñada para que los Reyes españoles pudieran observar las
ceremonias de la Exhibición Internacional. No las usaron pero todavía se
manufacturan los muebles debido a su éxito comercial (Time, 1957).

La mayoría de los diseños de muebles del arquitecto se produjo en sus años
viviendo en Alemania. Sus sillas, mesas y otros muebles son muy bien conocidos
porque se han vendido por una empresa grande en los Estados Unidos y en todo el
mundo. La silla Barcelona de 1929 es la más conocida. Muchas otras sillas, sofás y
mesas que diseñó entre los años 1925 y 1930 están usadas actualmente por gente
en todo el mundo. Otros muebles que Mies van der Rohe diseñó fueron mesas
simples basadas más en la selección de materiales que en los nuevos estilos. En
1930, Miles van der Rohe empezó su trabajo como sucesor de Hans Emil "Hannes"
Meyer (1889‐1954) como director de la escuela Bauhaus en Dessau, Alemania
(Benevolo 1982: 469‐473).

Le Corbusier, Tal como Miles van der Rohe, es una de las personas importantes para
el estilo Internacional y la arquitectura moderna en general. Le Corbusier, su
nombre adoptado que significa “el cuervo”, tiene obras en América del Sur, América
del Norte, Rusia, Europa e India. Sus contribuciones a la arquitectura moderna
ayudaron a mejorar la vida urbana para personas en todo el mundo. Trabajó y
estudió en Viena, París y Berlín donde también estaban trabajando otras figuras
importantes de la arquitectura moderna. Su libro Vers une architecture es una
recopilación de artículos y ensayos que tuvo mucho impacto en el estilo
Internacional.
14

Publicado en 1923, el libro causó un efecto controversial. Para unos arquitectos, el
libro sirvió como una descripción útil de su estilo mientras otros rechazaron
fuertemente sus ideas. Los siete ensayos contenidos en el libro pretenden cambiar
como los seres humanos interactúan con su entorno urbano (Benevolo, 1977: 437‐
438). De acuerdo con la costumbre de la arquitectura moderna, los ensayos también
rechazan la decoración con la finalidad de captar el espíritu de la nueva época
industrial. Los artículos contenidos en el libro están basados en conversaciones
sobre las teorías del Adolf Loos y Auguste Perret. Al explicar su filosofía de la
arquitectura, Le Corbusier dijo lo siguiente en Hacia una Nueva Arquitectura:

Su significado y su tarea no es sólo reflejar la
construcción y absorber una función, si por
función se entiende la de la utilidad pura y
simple, la del confort y la elegancia práctica. La
arquitectura es arte en su sentido más elevado,
es orden matemático, es teoría pura, armonía
completa gracias a la exacta proporción de todas
las relaciones: ésta es la "función" de la
arquitectura.

El texto trata de varios temas de la arquitectura moderna y recibió revisiones del
orden de los artículos contenidos. El libro empieza con la aserción que justifica las
filosofías de Le Corbusier sobre la arquitectura moderna, la arquitectura del pasado
está desconectada y perdida. Además, explica que los ingenieros de la actualidad
entonces estaban empezando a hacer construcciones efectivas y “honestas”. Para
que los arquitectos pudieran recuperar su importancia, hacía falta incorporar la
nueva estética de la arquitectura moderna. En la nueva realidad había nuevos
elementos necesarios para la vida y el espíritu moderno que los profesionales
podían desarrollar de forma racional y emocional.

En el segundo artículo contenido, el libro pretende explicar una filosofía sobre los
planos, las superficies y la masa de las estructuras arquitectónicas. El tercer ensayo
trata de líneas reguladoras de los elementos arquitectónicos. Cita varios ejemplos en
su propia obra y otras estructuras más conocidas, como Notre‐Dame de París. Este
ensayo es un argumento a favor de las estéticas de Le Corbusier y es
extraordinariamente teórico. En el siguiente apartado el autor habla de las
necesidades en la Edad de las Máquinas y cómo se debe interpretarlas. El ensayo
trata de máquinas de transporte, como aviones y automóviles. Le Corbusier
contempla las obras de arquitectura como máquinas donde vivimos y trabajamos
(Benevolo, 1982: 477‐480). Los últimos ensayos tratan de lo que el arquitecto puede
aprender de la ciudad de Roma, creatividad mental, producción masiva de
alojamientos y la revolución de la arquitectura.

15
La arquitectura del estilo Internacional en América latina y España

Un político chileno, Ortúzar Matias Errazuris, pidió que Le Corbusier diseñara una
residencia para él y su mujer en la ciudad de Zapallar, en la costa de Chile. La casa
estaba diseñada para estar situada en un campo con una cuesta. Tenía una
chimenea, dos baños, una cocina y la sala de estar en la primera planta. El proyecto
pretendía usar mucho cemento y hormigón armado, tener techos altos, un sótano y
un ático; también usó materiales de la zona como piedra y madera (Benevolo 1982:
648‐649). El proyecto de la casa Errázuris nunca fue realizado en el lugar
originalmente propuesto, pero hay una casa que usó el mismo plan de Le Corbusier
en Japón, realizada por un arquitecto checo.

Unos ejemplos importantes de la arquitectura del estilo Internacional se pueden
encontrar en México y Venezuela. En la Ciudad de México está la Ciudad
Universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y en
Venezuela está la Ciudad Universitaria de Caracas. Los dos son patrimonio de la
humanidad, reconocidos por UNESCO. Uno de los arquitectos del UNAM se llama
Teodoro González de León y fue estudiante cuando realizó el diseño. Luego trabajó
como dibujante para el famoso Charles‐Édouard Jeannere, “Le Corbusier”. Un
arquitecto de la Ciudad Universitaria de Caracas es Carlos Raúl Villanueva de padres
Valencianos, nacido en Londres con nacionalidad venezolana.

En la UNAM, la universidad principal de México, hay murales de Diego Rivera un
estadio olímpico, también es la universidad donde tres ganadores del premio Nobel
estudiaron. Este ejemplo del estilo Internacional es un verdadero lugar de
importancia para la historia contemporánea de México. González de León, miembro
de la Academia Internacional de Arquitectura, estudió en la universidad durante los
años cuarenta y también trabajó en Francia durante este periodo. Es el arquitecto
del edificio emblemático la Torre Manhattan en México D.F. (Benevolo 1982: 948).
Es durante este periodo que desarrolló su plan para la UNAM. Cuando trabajaba con
Le Corbusier, como becario, ayudó con el proyecto de Unité d'Habitation, un
conjunto de trabajos que el arquitecto suizo‐francés hizo. El proyecto contiene unas
de las obras más famosas de Le Corbisier.

Los edificios que Carlos Raúl Villanueva diseñó para la Ciudad Universitaria de
Caracas están considerados los más importantes de su obra. La Ciudad Universitaria
de Caracas está ubicada en terrenos que pertenecían a la familia de Simón Bolívar.
Los veinte edificios ocupan aproximadamente dos kilómetros cuadrados. Villanueva
trabajaba en el proyecto durante veinticinco años pero tenía que dejar unas cuantas
construcciones antes de acabarlas, debido a problemas de salud. Para Villanueva la
integración de las artes fue muy importante en este proyecto y por eso, en la Ciudad
Universitaria de Caracas, se puede encontrar obras de arte por muchos artistas
como Jean Arp y Jesús Huerta de Soto (Benevolo, 1982: 940‐944).

16
El racionalismo de la arquitectura de Le Corbusier fue difundido por un grupo que
formó, Congrès internationaux d'architecture modern (CIAM). Como resultado en
España se formaron el Grupo de Artistas y Técnicos Españoles Para la Arquitectura
Contemporánea (GATEPAC), una rama del grupo CIAM. El grupo se formó
originalmente en Cataluña con el nombre Grup d'Arquitectes i Tècnics Catalans per al
Progrés de l'Arquitectura Contemporània. Fue un grupo de arquitectos, dividido en
tres partes geográficas que realizó proyectos para el gobierno durante la Segunda
República. También publicaron una revista que se llamó Actividad Contemporánea.
Esta revista fue una referencia importante para el movimiento de arquitectura
moderna en España durante el franquismo aunque la mayoría de los miembros
fueron Republicanos (Benevolo, 1982: 687‐690).

Antoni Bonet se exilió en Argentina y fundó el GATEPAC de allí. Empezó su carrera
como arquitecto en París trabajando para Le Corbusier y como otros arquitectos el
también hizo unos trabajos de diseño de muebles. Bonet es uno de los diseñadores
de la silla famosa BKF (Bonet, Kurchan, Ferrari) que realizó durante sus años en
Buenos Aires. La silla, hecha de hiero y cuero, está reconocido en todo el mundo, es
un icono del diseño argentino y la obra más importante del Grupo Astral; también
fundado por Bonet. La silla estaba diseñada específicamente para otra obra bastante
conocida por el Grupo Astral, la Casa de Estudios para Artistas en Buenos Aires
(Benevolo 1982: 920‐922).

Otro arquitecto que pertenecía al GATEPAC que también trabajó en el estudio del Le
Corbusier es Josep Lluís Sert. Este arquitecto pertenecía al Grupo Este del GATEPAC
(Benevolo 1982: 688). En el año 1974 terminó la construcción del Museo Miro en
Barcelona, cerca del Pabellón Alemán de Miles van der Rohe en Montjuic. Este
edificio recibió el Premio del Instituto de los arquitectos americanos (AIA). El
premio AIA es para estructuras, de entre 25 y 35 años de edad, que son ejemplos de
arquitectura de importancia continuada. El museo es también un centro para los
estudios del arte contemporáneo y los espacios luminosos de la estructura son de
tamaño variado conforme con las obras alojadas allí. Según el critico Robert
Campbell, el edificio del Museo Miró representa la arquitectura del estilo
Internacional unida con las influencias de la cultura mediterránea de Sert.

Durante su exilio, Josep Lluis Sert trabajo en los Estados Unidos en la Universidad de
Harvard para el departamento de diseño. En Harvard el arquitecto catalán fundó el
programa de Diseño Urbano de la universidad, el primero de este tipo en el país.
Mientras en los Estados Unidos, organizó una impresa de arquitectura llamado Sert
Jackson and Assosiates en Cambridge, Massachusetts. Dos años antes de su muerte
en Barcelona (1983), recibió la Medalla de oro de la AIA. Una de sus obras más
significativas es el Pabellón de la República Española. Fue el lugar de la inauguración
de La Guernica, junto con otras obras de arte con el objetivo de conseguir apoyo
para la República, durante La Exposición Mundial en París de 1937.

17
Una división en los estilos de la arquitectura moderna interesante es el Brutalismo,
un término acuñado por un par de arquitectos británicos, Alison y Peter Smithson.
El estilo representa el racionalismo en su punto más exagerado. En los años 50 hasta
1970 obras en este estilo surgieron del estilo Internacional. El primer edificio de
este estilo estaba diseñado por los dos arquitectos mencionados en 1954, la escuela
de Hunstanton en la ciudad de Norfolk, Reino Unido. Edificios de este estilo, por lo
general, se identifican con formas geométricas, angulares y repetitivas. Aunque el
concreto es el material que más se asocia con la arquitectura brutalista, no todos los
edificios están creados de hormigón. En lugar de cemento o concreto, un edificio
puede alcanzar el estilo brutalista a través de una apariencia áspera de otros
materiales. Por ejemplo, muchas de las casas de este estilo están construidas de
ladrillo, vidrio, y piedra (Fusco, 1981: 418‐424).

Por el contrario, no todos los edificios que exhiben un exterior de cemento se puede
considerar Brutalistas. Estos pueden pertenecer a otros estilos arquitectónicos
como el estilo Internacional, el Expresionismo, el Posmodernismo o el
Deconstructivismo. Otro tema común en el diseño Brutalista es la exposición de la
construcción y las funciones de la estructura o en los servicios para las personas.
Estos objetos están en el exterior del edificio en lugar de estar escondidos de la
vista. El diseño puede mostrar una colocación exterior de tanques de agua, tubería o
instalaciones de electricidad. Por lo general son funciones ocultas, pero en este
estilo son prominentes, o por los menos visibles. Este estilo representa un extremo
del racionalismo en la sociedad postmoderna.

La evolución rápida de las ciudades producida por la Revolución Industrial trajo
cambios drásticos para la población urbana. El crecimiento de la población, la
migración y nuevas clases sociales causaron la necesidad de una nueva organización
de las ciudades con nuevas estructuras. El nuevo orden urbano con sus nuevos
estilos de arte y arquitectura es un reflejo indiscutible de los cambios sociales. Sin
embargo, no se puede señalar precisamente hasta donde cada factor está influido
por la proyección del otro. No se ve hasta que punto las artes tienen influencia uno
sobre el otro, pero el intercambio es indiscutible.

La escala más reducida de la cultura urbana está representada por las artes
plásticas, la expresión del individuo y la artesanía. Conforme con la evolución del
nuevo sistema social y económico, el arte adelantó las manifestaciones de la
expresión humana con una velocidad cada vez más vigorosa. Los avances
industriales y tecnológicos están representados en el arte y la artesanía. Esto tiene
influencia elemental en la vida de los ciudadanos. Temas y estilos de pintura
demuestran claramente el choque que la Revolución Industrial trajo a la sociedad.
Durante los últimos años del siglo XIX, la abstracción de la naturaleza está
representada por el impresionismo y se ven los cambios dinámicos en otros estilos
como el cubismo, durante los primeros años del siglo XX.

18
Los cambios que efectuaban en la arquitectura fueron un producto de las nuevas
necesidades de la sociedad capitalista más que una manifestación artística de la
nueva realidad, esta consecuencia surgiría después. En este contexto, las fotos de
estructuras agrícolas, como elevadores de granos de Walter Gropius, tienen un
sentido apreciable. La arquitectura y el diseño industrial crearon el ambiente donde
vivimos y estableció las máquinas que hacían posible la nueva realidad industrial. El
aumento en la densidad de la población urbana motivó nuevas estructuras, una vez
permitida por las nuevas tecnologías y materiales. Rascacielos de hiero y vidrio
alojaron a la gente en sus nuevos oficios y hogares mientras las actividades
realizadas determinaron las formas de las nuevas estructuras. Nuevas filosofías
sobre la arquitectura causaron nuevas formas de expresión individual.

En la escala más amplia, la planificación de los espacios urbanos cambió de acuerdo
con las nuevas estructuras arquitectónicas, de modo que el sistema capitalista causó
una explosión en la población urbana. El motor de transformación en cada uno de
estos niveles de creación es el pueblo y sus necesidades. Todo esto estaba
influenciado por unas cuantas figuras del arte y la arquitectura con mayor o menor
éxito. Entre Europa y las Américas las artes experimentaron una serie de cambios
durante la ida y vuelta, cambiando la historia en una escala global mientras la vida
diaria se transformaba. Así el urbanismo, la nueva realidad de los seres humanos, es
el resultado producido por los ambientes artificiales de los arquitectos y
diseñadores.

19
Fuentes

Aranda Pérez. 2003, Francisco José. Burgueses o ciudadanos en la España moderna,
Universidad de Casstilla‐La Mancha

Benevolo, Leonardo. 1982, Historia de la Arquitectura Moderna, 5ª edición ampliada,
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Terán, Fernando de. 1999, Historia del urbanismo en España: Siglos XIX y XX, Cátedra,
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Sica, Paolo. 1977, La imagen de la ciudad: de Esparta a las Vegas, Gustavo Gili,
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20

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