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NOMBRE DEL ESTUDIANTE: Abril Viloria Muñoz GRADO: 102

TÍTULO DE LA OBRA: Semana Santa de mi boca AUTOR DE LA OBRA: Miguel Iriarte
DÍA FECHA DESCRIPCIÓN CON MIS PROPIAS PALABRAS DEL FRAGMENTO LEÍDO PÁGINAS
N° DE LEÍDAS
LECTURA
1 El poema "El mar que todo significa, pero no puedo ver su rostro" es una reflexión sobre la naturaleza y la relación entre el hombre y el mar. 48
El título "La cara del mar: un juego de gestos que vuelve a contar una historia real" sugiere que el mar tiene una historia profunda y
significativa que se puede leer a través de sus gestos y movimientos.
El poema comienza con una descripción de la experiencia del escritor frente al mar. El autor siente la presencia del mar a través de sus pies,
pero no puede ver su rostro. La dualidad de emociones que el autor experimenta al mirar el mar -"belleza oscilante entre el intenso dolor y el
terror"- evoca la complejidad de la relación entre el hombre y la naturaleza. El autor presenta el mar vivo y elocuente movido por la luz del
sol. La imagen de ser atrapado por los cuernos de las olas es una poderosa metáfora de la lucha constante entre el hombre y la naturaleza.
El poema también habla de un fantasma que parece tentar a la casa para que se atreva a lavar sus entrañas en el mar. La casa duda, pero el
fantasma pone toda su espuma para animarlo a tomar la loca decisión de navegar hacia otras tierras con aguas diferentes. Esta imagen sugiere
que el mar es un lugar desconocido y peligroso para el hombre, pero también tiene una atracción irresistible. El poema termina con un verso
sobre el amor que ha volado desde anoche como un pájaro que reconoce cada hoja donde la estación puede anidar. La presencia del amor en
este poema sugiere que, a pesar de la complejidad de la relación entre el hombre y la naturaleza, existe un vínculo que los une y los hace
sentir parte de algo más grande.

2 El poema de Miguel Iriarte "Informe del desamar" presenta una imagen poderosa y conmovedora de amor y pérdida. El poema utiliza la 50
metáfora del mar para explorar los misterios y sorpresas del amor. El poema comienza comparando el mar con el amor, diciendo que nadie
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sabe en qué movimiento del mar se pierde la fe, así como nadie duda en qué profundidad de oscuridad el amor pierde el contacto con el
fondo. El poema va seguido de una poderosa descripción de la pérdida del amor, representada por las manchas de aceite que contaminan el
mar y ahogan a los peces. La imagen es una metáfora de cómo una relación tóxica o descarriada puede destruir el amor verdadero y dejar a
una persona con un corazón solitario. El poema también introduce la idea de la ilusión y la decepción en el amor, como creer que el amor
está cerca de la orilla, solo para encontrarlo en una torre abandonada rodeada de excrementos de pájaros. La imagen es una metáfora de cómo
el amor a veces puede parecer cercano y accesible, pero en realidad está rodeado de peligros y obstáculos.
Al final del poema, la poesía se confirma como una fuerza que mantiene al poeta en el camino de la vida, aunque se siente somnoliento por
la inundación del dolor. El poema es un retrato conmovedor del dolor y la incertidumbre asociados con el amor y sugiere que la poesía puede
ser una forma de encontrar consuelo y significado en la vida.

3 Oración de la sal” es un poema sobre la importancia y el valor de la sal y su conexión con el mar. El poema comienza describiendo cómo la 52
sal ha sido cultivada durante siglos, superada por las tormentas del alma y los misterios del mar. fondo marino El hablante lleva sal a su casa
para calmar la pobreza y la niebla circundante.
El orador advierte a sus hijos que no pierdan su sal en la confusión de la tierra y que no dejen que sus sueños la arruinen. La sal es un recurso
precioso que debe usarse sabia y correctamente, no solo para nutrir el cuerpo, sino también para mantener la claridad y pureza del alma. El
poema también alude a la importancia de la sal en la vida cotidiana, la comida y el amor, y cómo su sabor y presencia pueden ser fuente de
recuerdos y sabores que perduren en el tiempo.
La última estrofa del poema pide al Señor que quite la sal de los alumnos del orador, permitiéndole ver el mar desde sus orillas y salvar la sal
de los que tienen mala suerte. En definitiva, el poema parece celebrar la sal y su relación con el mar como un recurso valioso y necesario en
la vida del hablante y de toda la humanidad.

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4 El poema de Miguel Iriarte "Semana Santa de mi boca" es una reflexión poética sobre el dolor de la ausencia y la búsqueda del amor perdido. 54
El poema comienza con el hablante sobre la ausencia de su amada, que desaparece como el viento en el aliso que sacude las ramas. El
hablante se da cuenta de que la ausencia es todo lo que queda de su amado, y que sueña con enfrentarse a la realidad de su ausencia.
El poema aboga por un amor perdido, y el hablante describe vívidamente su amor por su amada, como si estuviera viendo una imagen en su
mente. El hablante se imagina a sí mismo y a su amada como una "pareja intocable" que observa el antiguo mar de Taganga desde un punto
alto, mientras que los "elfos de los deseos" los observan desde detrás de la cortina del tiempo. A pesar de esta intensa imaginería poética, el
hablante admite que son de una "extraña ceremonia del olvido", lo que sugiere que su amor se perdió en algún lugar del pasado.
En la última parte del poema, el hablante insta al amado a dejarse encontrar, describiéndolo como "la medicina perdida de mi ahogamiento".
El orador se dirige a ella como "la doncella gemela", lo que implica que su amante es un reflejo de sí misma, una parte de sí misma que se ha
perdido. El poema termina cuando el hablante describe a su amada como "miel de ciruela/Semana Santa de mi boca", lo que sugiere que su
amor es una fuente de alimento espiritual y que la presencia de ella alivia su dolor.
En general, "Semana Santa de mi boca" es un poema sobre el dolor de la ausencia y la búsqueda del amor perdido. El hablante describe su
amor por su amada en intensas imágenes poéticas, y el poema termina con una invitación a la amada para que se deje encontrar.

5 El poema "Magdalena en el río" de Miguel Iriarte narra la historia de un joven que llega a la corriente del San Jorge en busca de agua y pastos 56
para sus animales. Allí encuentra a un grupo de muchachas, entre ellas Magdalena, quien le pide que le cante dos rancheras nuevas. A partir
de ese momento, Magdalena y el joven entablan una relación cercana, que se manifiesta en los momentos que pasan juntos en la canoa de
Ceiba, río abajo. El poema evoca el paisaje y la atmósfera de la región, donde la pobreza, la pasión y la alegría conviven en un mismo
espacio.

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El poema se caracteriza por una fuerte carga sensual y erótica. Se describe con detalle el cuerpo de Magdalena, y cómo su presencia afecta al
joven. También se mencionan elementos de la naturaleza que sugieren un ambiente erótico, como el agua turbia, los remolinos, la gritería de
los loros y las nubes de pájaros espantados. El lenguaje utilizado en el poema es sencillo y cercano al habla popular de la región. El autor
utiliza numerosos términos regionales y expresiones coloquiales, lo que contribuye a crear una atmósfera de autenticidad y naturalidad. En
definitiva, "Magdalena en el río" es un poema que describe con sensibilidad y realismo la vida en una región rural de Colombia, y que evoca
la pasión y la sensualidad de la juventud en un contexto de pobreza y precariedad.

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LECTURA
6 El poema "Geografía de la aldea" de Miguel Iriarte es una imagen poética de un pueblo y su entorno natural. En primer lugar, el poema habla 58
del deseo del poeta de un río rojo en el pueblo, que sería fuente de agua, riqueza y mitos para los habitantes.
El poema comienza con una referencia a las películas del Oeste que se proyectaban en los cines del pueblo del escritor. La imagen del río
rojo que anhela el poeta es un elemento característico de este género cinematográfico y crea una imagen de una zona salvaje y peligrosa. Sin
embargo, el poeta no busca un río peligroso, sino un río que les dé agua y riqueza. El deseo del poeta es que el río se convierta en un
elemento que enriquezca la vida de los habitantes del pueblo, apague el polvo ardiente de las calles y brinde la oportunidad de jugar con el
futuro del lugar. La ciudad, en cambio, se describe en palabras del escritor Cesare Pavese como un lugar donde se encuentra lo
verdaderamente universal.
Por lo tanto, el pueblo es un lugar definido por la naturaleza y los elementos que lo rodean, como el río, los árboles y los animales. En este
sentido, el poema da a entender que la vida del pueblo está en armonía con la naturaleza, y el río es un factor clave en esa armonía.
En resumen, "Villageography" es un poema que celebra la vida del pueblo y la conexión de sus habitantes con la naturaleza. El deseo del
poeta de un río rojo en el pueblo es una metáfora de su deseo de que la naturaleza sea el elemento principal en la vida de los aldeanos.
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7 El poema "Pescado seco" de Miguel Iriarte es un relato en prosa que cuenta la historia de un almuerzo de Semana Santa, en el que el 60
protagonista espera con ansias el salpicón de bagre ahumado que su padre ha traído desde las ciénagas del San Jorge. Sin embargo, su
atención es desviada por la llegada de su prima Beatriz, quien le provoca una fuerte atracción sexual y le hace perder el interés en el pescado
seco y en todo lo demás. El poema se caracteriza por su lenguaje coloquial y por el uso de una narrativa realista, que describe con detalle las
sensaciones y pensamientos del protagonista. A través de la historia, se exploran temas como la religiosidad, la sexualidad y la familia, y se
muestra cómo estos pueden entrar en conflicto y generar tensiones. El título del poema, "Pescado seco", se utiliza como una metáfora para
representar la rutina y la monotonía de la vida cotidiana, que se rompe con la llegada de la prima Beatriz y su sensualidad. Además, el
pescado seco también simboliza la tradición y la cultura de la región, que se mantienen vivas a pesar de los cambios y las influencias
externas. En general, "Pescado seco" es un poema que reflexiona sobre la naturaleza humana y sus impulsos, y cómo estos pueden afectar a
nuestras relaciones y decisiones. La descripción detallada de los personajes y sus acciones crea una sensación de realismo y cercanía, lo que
hace que el poema sea fácil de relacionar y comprender para el lector.

8 El poema de Miguel Iriarte "Es jueves y ella canta” describe una escena de silencio y misterio en la ciudad en una calurosa tarde. El autor 62
crea un ambiente opresivo y una sensación de muerte en el aire utilizando imágenes sensuales. La tensión se suma al poema por el contraste
entre el silencio de la iglesia y la actividad de los niños jugando en la plaza.
La presencia de una mujer cantando en el coro del pueblo parece ser la única fuente de esperanza y consuelo en este ambiente cargado de
muerte y miedo. Se describe que su voz evoca el dolor del mundo entero, lo que sugiere que su canción es una forma de resistencia contra las
fuerzas oscuras que acechan en la ciudad. El poema también alude al contraste entre la aparente religiosidad de la gente del pueblo y el
mundo secretamente pecaminoso que se esconde debajo de sus ropas. La presencia de la mujer parece simbolizar la posibilidad de redención
y gracia en medio de esta tensión entre pureza y tentación.
En general, el poema de Miguel Iriarte explora temas como la muerte, la religión y la redención con una sensibilidad poética que captura la
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emoción y el misterio de la vida rural urbana.

9 El poema de Miguel Iriarte "La fruta del viernes” describe la experiencia sensual y erótica de la fruta, personificada como una figura 64
femenina que viene por las calles de la ciudad con voz de gritón. La fruta se convierte en un objeto de deseo, un placer que derrite su carne en
la boca del narrador y se desborda con una leche áspera y picante con olor vegetal.
El poema está lleno de imágenes y metáforas, como el gallo negro que llena las calles de África, la carretera estrecha de las Cayenas y los
temblores donde el mundo vuelve a oscurecerse. Además, se representa la presencia de niños y jóvenes que miran el fruto con miedo,
asombro y deseo, sugiriendo el carácter prohibido y peligroso de esta experiencia.
En la estrofa final, el narrador echa una larga mirada al mundo en la fruta entreabierta de este viernes por la tarde, sugiriendo una
experiencia profundamente satisfactoria y plena. En general, el poema es un estudio de la sensualidad, el deseo y la tentación, y cómo estas
emociones pueden ser evocadas por objetos aparentemente inocentes como la fruta.

10 Sábado de gloria” es un poema que se enfoca en la idea del amor y la pasión en medio de una festividad religiosa como es la Semana Santa. 67
El poema presenta a Gloria, quien busca en el patio trasero hojas para la sopa familiar, pero también tiene una cita con el narrador en un lugar
secreto. La imagen del jardín y la sopa de la abuela evoca sentimientos de hogar y familia, mientras que la cita secreta de Gloria representa
pasión y emoción.
La tensión entre lo sagrado y lo profano es un tema recurrente en el poema. La Semana Santa es un tiempo de reflexión religiosa y penitencia,
pero la presencia de Gloria y su encuentro secreto con el narrador hace tambalear esa idea. El poema sugiere que el amor y la pasión también
son parte de la vida y pueden existir en cualquier momento, incluso en medio de una celebración religiosa.
La imagen familiar de las hojas de sopa se usa como metáfora para representar la búsqueda de algo importante y valioso. En este caso, Gloria
busca las mejores hojas para la sopa, pero también busca algo más profundo: el amor y la conexión con el narrador. El poema sugiere que
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encontrar lo que es verdaderamente importante puede llevar tiempo y esfuerzo, pero vale la pena cuando lo encuentras.
El beso entre Gloria y el narrador es el clímax de la tensión sexual que estuvo presente a lo largo del poema. El poema sugiere que este beso
no es solo una expresión física de amor y pasión, sino también una forma de revivir y renovar la vida del narrador.
En general, "Glory Sabbath" es un poema que explora la tensión entre lo sagrado y lo profano, y cómo el amor y la pasión pueden coexistir en
cualquier momento y en cualquier lugar. La imagen de buscar las hojas de una sopa familiar se utiliza como metáfora de la búsqueda de algo
más profundo y significativo. El poema presenta la idea de la Semana Santa como un tiempo de reflexión y arrepentimiento, pero también
sugiere que el amor y la pasión son parte de la vida y pueden existir en cualquier momento.

11 "La Santa es ella" es un poema sobre la fe y la sensualidad y muestra una mezcla de elementos religiosos y eróticos. El poeta parece tener un 69
conflicto interno entre su fe y su deseo sexual por la mujer que describe.
Al comienzo del poema, el hablante menciona la cruz y la fe, pero también admite que no ha experimentado lo que otros han experimentado
en términos de creencias religiosas. El hablante luego describe a la mujer que lo llevó a la casa de Dios como una mulata casi desnuda. El
poeta describe la sensualidad de su cuerpo y su efecto sobre él, dando a entender que su deseo por ella es tan fuerte que incluso puede vencer
a la fe. Al final del poema, el hablante anticipa un momento en que lo invita a su casa a tomar sopa de palma y vino dulce de corozo, donde él
reflexiona sobre su relación con Dios. Pero al final, ella admite que él es un verdadero santo porque puede confesar sus pecados y luego
entregarse a ella en una sexualidad sin restricciones.
En conclusión, "La Santa es ella" es un poema que explora la tensión entre la fe y el deseo sexual, presentando a la mujer como una figura
sagrada que el poeta admira y desea. El poema sugiere que la religión y la sexualidad pueden coexistir y, a menudo, están entrelazadas en la
experiencia humana.

12 El poema "Detalle del deseo" es un reflejo de la espera y el desengaño a través de una iglesia vacía y un deseo infeliz. El narrador espera en 71
la iglesia a que su amada, a la que califica de santa, aparezca para cumplir su deseo, pero no llega. El poema juega con la imagen de la iglesia,
la virgen y la luz de las velas, creando una atmósfera de misterio y anticipación.
El lenguaje del poema es directo y sensual, describiendo las expectativas y deseos del narrador en metáforas. Destaca la descripción de los
detalles físicos de la amada, como labios y pies, y la alusión a la virgen como confidente silenciosa. La ausencia de la amada al final del
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poema sugiere que el deseo del narrador no se hará realidad, lo que añade melancolía y frustración al poema. En general, "Detal of Desire" es
un poema que explora la tensión entre el deseo y la realidad, y cómo la expectativa y la expectativa pueden llevar a la decepción.
13 El poema "Confesionario" muestra la reflexión del sujeto lírico que confiesa su ignorancia y sus errores. El hablante está confundido, sin 72
saber qué hacer con sus pensamientos y sentimientos internos, lo que lo lleva a confesar sus errores en las Escrituras.
El poema representa un ambiente religioso, porque el hablante está en un confesionario, un espacio católico. El poema hace referencia a la
Semana Santa, un tiempo religioso muy importante para los católicos, durante el cual se realizan diversas actividades litúrgicas y procesiones
para conmemorar el sufrimiento, muerte y resurrección de Jesucristo.
El poema también hace referencia al bagaje emocional y mental que el hablante ha estado cargando durante mucho tiempo, lo que lo ha
dejado perdido y confundido. El hablante admite que ha llevado cruces invisibles y se pierde entre las luces mundanas que le impiden ver con
claridad el camino que debe seguir.
En definitiva, “Confesión” es un poema que muestra la reflexión del hablante sobre sus errores, desconocimiento y confusión en un contexto
religioso que se enmarca en la Semana Santa. El poema nos invita a considerar la necesidad de hacer una pausa en nuestra vida para
reflexionar y encontrar nuestro camino hacia la luz.

14 "Letanías para salvar el goce" es un poema que utiliza un lenguaje religioso y sacramental para describir una experiencia erótica y sensual. El 73
hablante del poema está preocupado por perder la oportunidad de disfrutar de esta experiencia debido a la culpa y la vergüenza asociadas con
su deseo. apela a la "Reina Virgen" y otras figuras religiosas, el hablante intenta liberarse de estas limitaciones y permitirse disfrutar
plenamente del placer.
El poema utiliza la estructura de una letanía, una forma de oración en la que se repiten una serie de súplicas y respuestas. Esta estructura
refuerza el carácter ritual y sacramental de la experiencia descrita por el hablante. A medida que avanza el poema, las súplicas del hablante se
vuelven más intensas y desesperadas, reflejando su creciente temor de dejar atrás la culpa y la vergüenza que le impedían disfrutar del placer
sexual.
El uso de un lenguaje religioso en el poema es particularmente significativo porque indica la tensión entre la moralidad tradicional y la libre
expresión sexual. Invocando figuras religiosas como la "Reina de las Vírgenes" y el "Cordero de Dios", el orador sugiere que está buscando
la forma de reconciliar estas dos fuerzas opuestas. Al mismo tiempo, el poema sugiere que la experiencia erótica es una forma de trascender
la moralidad convencional y experimentar una especie de éxtasis espiritual.
En general, "Letanías para salvar el goce" es un poema poderoso y provocativo que desafía las nociones tradicionales de moralidad y placer
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sexual. Usando lenguaje religioso para describir una experiencia erótica, el poema sugiere que estas dos fuerzas aparentemente opuestas
pueden coexistir y enriquecerse mutuamente.
15 El poema de Escribe tu dolor “Escribe tu dolor" explora el dolor y el sufrimiento de un hombre que se siente sexualmente abandonado y duda 75
de la paternidad de sus hijos. El poema comienza describiendo la impotencia de un hombre que no puede satisfacer a las mujeres y por lo
tanto siente que su masculinidad y autoestima están amenazadas. A medida que se desarrolla el poema, se profundiza el dolor y la depresión
de una persona que se siente atrapada en la pobreza, incapaz de encontrar la felicidad en el hogar o en el trabajo.
El uso de imágenes gráficas y violentas como "cuchillo en la cara" y "escopeta mojada" enfatizan el dolor del hombre y la sensación de estar
atrapado en un mundo hostil e injusto. El poema también alude a la naturaleza fugaz de la vida y la muerte con imágenes como "cielos que
caen" y "agua podrida".
La última línea del poema "¡Escribe tu dolor!" es un llamado a la acción para este hombre y para todos nosotros. Es un recordatorio de que a
veces la única forma de escapar del dolor y el sufrimiento es a través de la expresión creativa. A través de la poesía, uno puede aprender sobre
el dolor y el sufrimiento y compartir sus experiencias con el mundo.

16 El poema de Jaime Sabines "De la noche" es una exploración lírica del sexo y el deseo y los sentimientos y sensaciones asociados con estas 76
fuerzas humanas. El poema comienza con las imágenes del pan de mujer y la leche celestial, creando un vínculo entre la naturaleza y lo
divino. El agua negra sagrada y el poder oscuro del deseo refuerzan la idea de que el sexo es una fuerza profunda y misteriosa.
La segunda estrofa habla de la sed y la necesidad de beber de la tierra húmeda del cuerpo de la amada, que se convierte en fuente de música y
palabras para calmar la soledad del poeta. La máscara del sueño es una metáfora del aislamiento emocional del poeta y de su necesidad de
refugiarse en el cuerpo de una mujer.
En la tercera estrofa, el poeta describe el vientre de la mujer como una ciudad de duendes llenos de pasión y trabajo, dispuestos a divertirse.
La idea de una prostituta muestra que una mujer no es solo un objeto de deseo, sino una persona completa con sentimientos y miedos. El
poema termina con la idea de que el poeta cambia cada vez que sale del contacto sexual, lo que sugiere que el sexo es una fuerza
transformadora y en constante cambio.

17 el típico salgar del poeta colombiano Miguel Iriarte está dividido en tres partes y escrito en primera persona. El texto describe la vida 77-82
cotidiana en el pequeño pueblo de Salgara en la costa caribeña de Colombia, y refleja la relación entre las personas y el mar. La primera parte

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se centra en un tipo de pescado llamado pomfret y cómo el autor lo cocina y lo prueba. Los autores describen la palometa como un pez
misterioso y delicado, más parecido a un "pan de masa" que a un alimento de mesa. La segunda parte describe un paseo por la playa de Salga
en un día tranquilo y cómo el autor y su perro buscan pequeños pececillos de plata atrapados en la playa después de surfear. El autor
reflexiona sobre cómo el océano retribuye los derroches de la sociedad y cómo debemos pensar al respecto. La tercera parte se centra en los
pelícanos que sobrevuelan Salga todas las tardes, y cómo el poeta de la ciudad los aclama como si fueran una fuerza aérea. El autor reflexiona
sobre la relación entre la naturaleza y el hombre y cómo debemos tratar a todos los seres que nos rodean. En general, el ensayo tiene un
estado de ánimo tranquilo y contemplativo. El autor reflexiona sobre cuestiones tan profundas como la vida y la muerte, la relación del
hombre con el medio ambiente y el sentido de la vida. El texto utiliza varias técnicas literarias, como el antropomorfismo ("El espíritu del pez
que mira"), la metáfora ("Pez en la Biblia") y la repetición ("Semana Santa en mi boca").

18 El poema "El ritual de almíbar" es un poema que refleja la cultura caribeña donde la comida y la música son elementos integrales. El poema 83
abre con la descripción de una mesa llena de deliciosos colores que evocan imágenes visuales y sensuales que reflejan la alegría y la vitalidad
de la cultura caribeña. A medida que avanza el poema, Gillen describe varios dulces y sabores, y también se refiere a varios ingredientes y
sabores de la cocina caribeña.
El uso de la melaza como tema central del poema es interesante porque la melaza, una técnica culinaria utilizada para endulzar y conservar
los alimentos, sugiere una conexión con la idea de conservar y difundir la cultura caribeña. Además, el uso del jarabe puede interpretarse
como una metáfora de la dulzura de la vida en contraste con la amargura de los tiempos difíciles.
El poema también contiene imágenes que evocan sensualidad y erotismo, como cuando el narrador pasa sus dedos ansiosos por el jarabe
negro y lo coloca en la boca de su amante. Además, la imagen de las cerezas en la piel de los labios y las huellas dolorosas de los besos de las
costuras indican la conexión entre la comida y el amor.
En general, "The Syrup Ritual" es un poema que celebra la cultura caribeña a través de la comida y el sabor mientras refleja temas más
profundos de amor y dolor. La poesía de Guillén se caracteriza por el lenguaje musical y la capacidad de evocar imágenes y emociones
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vívidas, y este poema no es una excepción.

19 El poema "Informe al tercer día" adquiere un tono oscuro y desolado, y el compositor expresa desesperación y desesperación por no saber 85
nada de su amada. La estructura poética consta de varias metáforas y símiles diseñados para representar el dolor del hablante. El poema
comienza con una reflexión sobre el estado emocional del hablante, quien está vivo, pero no sabe si sus seres queridos están de acuerdo con
sus sentimientos. Sus dulces palabras lo hirieron, picaron como la sal. El hablante se niega a ser revivido, sintiéndose atrapado en una corona
de espinas, lo que sugiere que su sufrimiento es eterno, sin fin.
Las metáforas y símiles que utiliza el hablante para expresar su dolor son muy poderosas y evocadoras. En la memoria del alambre de púas,
la rueda afilada de la mente, una aguja tatuada con el nombre de un ser querido en un sueño, y un puñado de clavos arrojados alrededor de la
cara indican un dolor profundo y la sensación de estar atrapado.
En la segunda mitad del poema, el hablante expresa su frustración y desesperación por la falta de cartas de sus seres queridos. Nada en su
cocina o boca, nada en su lengua o dedos. El hombre que habla espera a su amante como la comida, y su boca espera sus palabras. Sin
embargo, el poema termina con una nota pesimista, el hablante sugiere que comienza una nueva muerte cada lunes.
En resumen, "Informe del tercer día" es un poema que expresa el dolor y la impotencia del amor no correspondido. Mediante el uso de
metáforas y símiles, el hablante evoca una profunda sensación de dolor y sufrimiento, mientras que el tono sombrío sugiere que el
sufrimiento es eterno e interminable.

20 El poema "Del adiós" es una emotiva carta de despedida dedicada a Miriam de Flores, persona cuyo autor ya no está. El poema comienza con 87
el autor imaginándose en el último vagón de un triste tren que siempre vuelve tras la ausencia y el vacío, hacia la estación de la nostalgia.
Este tren es un viaje de vida, lleno de experiencias dolorosas y despedidas dolorosas.
El autor usa "humo, smog y ojos sombríos" para describir su estado emocional, lo que sugiere sentimientos de depresión y desesperación. "El
grito de despedida de la muerte" agrega dramatismo a la imagen y enfatiza el dolor de la separación.
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Pero a pesar del dolor y la tristeza, el autor todavía ama a Miriam y siente la necesidad de expresar este amor. El poema termina con la
afirmación de que el autor seguirá diciéndole a Miriam que la ama después de cada noche y cada mañana como si cada día fuera el último. El
sol, símbolo de la vida, se convierte en metáfora del amor eterno que trasciende la muerte y la separación. En conclusión, "Adiós" es un
poema que explora los temas del dolor, la nostalgia y el amor eterno. El autor utiliza imágenes vívidas y emotivas para transmitir su mensaje
y recordar a Miriam de Flores.

21 El poema "Morena luna" es un poema romántico que describe la fascinación del poeta por la figura femenina personificada por la luna llena. 88-89
El poema se divide en dos partes, en la primera parte el poeta expresa su pasión por la mujer encarnada por la luna, y en la segunda parte se la
describe como la fuente de su anhelo y luz. En la primera parte del poema, el poeta utiliza imágenes poéticas para describir a la mujer
antropomórfica en la luna. Él la llama "Morena Luna", la "luna perdida" que espera su saludo. El poeta se pregunta cómo la luna "pasa con
luz mi mirada desesperada" y le pide que muestre su belleza. La luna se describe como una "boca marrón" y una "herida de primavera que
humedece mis sueños eternamente cálidos". La luna llena es fuente de inspiración, y el poeta siente su corazón, ante el cual inclina la cabeza,
y vuelve a mirar al cielo.
En la segunda parte, el poeta describe a la mujer encarnada por la luna como su sed, que bebe agua en cada sueño y lo limpia internamente. El
poeta describe la imagen de la luna como un haz de luz desnuda que camina por un camino pavimentado en la noche oscura, salpicada con un
toque de luz acuosa que nutre el alma. La mujer en la luna es la fuente de vida y tentación del poeta. Por lo general, este poema utiliza la
imagen de la luna para expresar la fascinación del poeta por las mujeres. La luna se describe como un símbolo de belleza, inspiración, luz,
deseo y fuente de vida. El poema está escrito en lenguaje poético y utiliza imágenes y metáforas para describir la fascinación del poeta.

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22 El poema de Miguel Iriarte "Somos una palabra" explora la relación entre el amor y las palabras y cómo las palabras pueden ser instrumentos 90
para expresar el amor. Todo el poema está escrito en primera persona para que los lectores puedan adentrarse en lo más profundo del corazón
del poeta. En la primera estrofa, el poeta describe cómo se conectan el amor y las palabras y cómo su amada regresa a él en un sueño. La
palabra se convirtió en la casa del poeta, donde vivía todo lo que amaba. El nombre de su ser querido se convierte en un nombre que le da
sentido y significado a su vida. En la segunda estrofa, el poeta llama a su amada y le pide que diga su nombre para sentir su presencia en los
momentos de silencio. También expresó su deseo de estar a solas con su amante para poder mirarlo a los ojos y desaparecer en sus llamas.
El último verso del poema “Somos una palabra porque hemos estado juntos. Si yo lo digo, vives. Si lo callas, estaré muerto. resume la idea
principal del poema. Esta palabra se convierte en símbolo de una relación amorosa, el poeta siente que su amada vive a través de él. La
palabra se convierte también en la única forma de sentir el misterio del amor, sin el cual el poeta se siente incompleto y perdido.
23 El poema de Miguel Iriarte "Nada está bien" es una reflexión sobre el amor y la obsesión. El hablante lírico está abrumado por sus 92
sentimientos y pensamientos, que preocupan a sus seres queridos, pero también causan dolor y tormento. El poema comienza con la frase
contundente: "Nada se ha logrado", creando una atmósfera pesimista y desolada.
El locutor describió cómo su corazón "vagaba", no podía dejar de extrañar a su amada y "la asfixiaba en medio de sus sueños con llamas".
Los familiares son descritos como jóvenes y de buen corazón, lo que sugiere que son personas que el hablante considera inocentes e
inofensivas, pero que, sin embargo, ejercen una gran influencia sobre él. Las obsesiones del hablante se describen con gran detalle, incluida la
forma en que su amada se integra en varios aspectos de su vida, desde sus pasiones y amoríos hasta sus tratos mundanos y la medicina para la
enfermedad. El hablante también menciona su tristeza por no poder abrazar a la persona que ama, lo que sugiere que la relación no fue
rentable o fue incompleta. Sin embargo, hay un elemento de alegría en la obsesión, que se refleja en la descripción de cómo la sonrisa de un
amante le hace "comerse la mitad del mundo". El hablante también admite que su obsesión no va a ninguna parte, lo que sugiere una
sensación de desesperanza.
El poema termina con una nota melancólica cuando el hablante dice: "Nada es verdad excepto la memoria". Esto sugiere que, aunque los
hablantes no puedan estar con sus seres queridos, al menos pueden retener los recuerdos y sentimientos que les traen. En general, "Nothing
Gets Done" es un poema con una sensación de tristeza y desesperanza, pero también con una belleza lírica que hace que los sentimientos del
hablante sean muy palpables.

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24 “la balada del mar que no te ha visto” es un poema que evoca la imagen del mar como elemento natural y simbólico que contrasta con la 94
rutina y la pesadez de la vida cotidiana. El poeta utiliza una variedad de imágenes para describir la belleza y el poder del mar, desde la luz del
sol iluminando un castillo hasta los troncos de los ríos flotando en el agua. A través de estas imágenes, el poema sugiere que el mar tiene una
vida propia, dinámica y en constante cambio que puede inspirar y renovar nuestro ser. El poema también sugiere que el mar tiene una
dimensión espiritual y mística que puede ayudarte a comprender tus emociones y sentimientos. En este sentido, el poema sugiere que el mar
puede ser una metáfora de la vida, llena de altibajos y cambios inesperados, pero también bella y misteriosa. En general, La balada del mar
invisible es un poema que celebra la naturaleza y la vida, sugiriendo que la belleza del mundo natural puede ser una fuente de inspiración y
esperanza en medio de la complejidad y el caos de la vida. “Canción del mar que nunca te ha visto” es un poema que evoca la imagen del mar
como elemento natural y simbólico que contrasta con la rutina y la pesadez de la vida cotidiana. El poeta utiliza una variedad de imágenes
para describir la belleza y el poder del mar, desde la luz del sol iluminando un castillo hasta los troncos de los ríos flotando en el agua. A
través de estas imágenes, el poema sugiere que el mar tiene vida propia, llena de movimiento y cambio constante que puede inspirar y
renovar nuestro ser. El poema también sugiere que el mar tiene una dimensión espiritual y mística que puede ayudarte a comprender tus
emociones y sentimientos. En este sentido, el poema sugiere que el mar puede ser una metáfora de la vida, llena de altibajos y cambios
inesperados, pero también bella y misteriosa. En general, La balada del mar invisible es un poema que celebra la naturaleza y la vida,
sugiriendo que la belleza del mundo natural puede ser una fuente de inspiración y esperanza en medio de la complejidad y el caos de la vida. .
25 "No hables de tu boca" es un poema de Miguel Iliates que expresa los intensos sentimientos de amor, deseo y dolor del narrador por su 96
amada. El poema se divide en tres estrofas, cada una de las cuales comienza con la misma frase "No hables de tu boca..." y desarrolla una
serie de imágenes que muestran la intensidad de los sentimientos del narrador. En la primera estrofa, el narrador describe el temblor de sus
manos al pensar en el cuerpo de su amada y su sorpresa al ver su tatuaje. Esto también se aplica a los ojos tristes de un ser querido, por alguna
razón siempre duele el corazón. "Evita hablar de tu boca..." La repetición de la frase sugiere que la boca de su amante es la fuente de todos
estos sentimientos. En la segunda estrofa, el narrador habla de sus recuerdos y preocupaciones y de cómo el amor por su amada le ha
enseñado mucho sobre el amor mismo. Describió cómo era ser libre y atado al mismo tiempo y amar sus recuerdos y los cuerpos de los
demás. La imagen de las ramas del cuerpo y el árbol del apetito sugiere la idea de dos cuerpos unidos en un acto sexual. En la tercera estrofa,
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el narrador vuelve a la boca del amante y describe al devorador, sacándole las palabras de la boca, mordiéndole los huesos y besando sus
sueños. La boca como imagen de "Pascua" apunta simultáneamente a las ideas de fe religiosa y pasión erótica. "Deja de hablar de tu boca..."
La última repetición de la línea sugiere que el narrador podría seguir y seguir sobre la boca del amante, pero hace una pausa para dejar que su
poder emocional hable por sí mismo.
En resumen, "Para no hablar de tu boca" es un poema intenso y apasionado que utiliza imágenes vívidas para expresar los fuertes
sentimientos del narrador por su amante, centrándose en la boca.

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