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Apuntes Pintura Del Siglo XIX
Apuntes Pintura Del Siglo XIX
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Sara González Mata
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Sara González Mata
1870
• Se mantiene la crinolina, pero se vuelve un poco más estrecha
• Tendencia del polisón
1880
• La falda se estrecha gracias a la desaparición de la crinolina
• En cambio, se abulta en la parte trasera gracias al polisón
• Aparecen varias capas de tela superpuestas
• La manga son más ceñidas
1890
• El vestido se vuelve estrecho y cómodo
• Se busca lo aparatoso mediante los adornos más que la forma
1900
• El vestido se vuelve más estrecho y cómodo
• Se busca lo aparatoso mediante los adornos más que la forma
• Vuelve un poco la manga abullonada
1910
• Se mantiene la firma estrecha y suelta, pero la cintura vuelve a subir
• Se juega con encajes, gasas y transparencias
• Adiós polisón
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Tema 2: Neoclasicismo
Como indica su nombre este estilo propone un regreso a los ideales clásicos de Grecia y
Ros como reacción ante los excesos ornamentales, compositivos y de colorido que se
habían dado en el Barroco y Rococó. Ahora todo eso es sustituido por la calma, la
contención, el equilibrio… Un arte racional en vez de pasional. En escultura se producen
cambios temáticos, pero también en la purea de las líneas, desaparecen las composiciones
en aspa, ahora en el Neoclasicismo son composiciones mucho más tranquilas. En pintura
el rococó muestra composiciones galantes, de temática amorosa… frente a la Neoclásica
que intenta remover la conciencia del que ve las obras.
Cronológicamente el Neoclasicismo se extiende desde 1760 hasta 1830. Pese a inspirarse
en Grecia y Roma, surgió en Francia debido a las circunstancias que estaban dándose en
ella, extendiéndose posteriormente desde allí a otras naciones como España, Inglaterra o
Alemania. Las circunstancias que se dan en Francia son:
• Triunfo de las ideas de la Ilustración y el enciclopedismo
• En el contexto político de la Revolución Francesa en que se desarrollaron ambas
corrientes, el estilo neoclásico pasó a encarnar la mentalidad moderna de la
burguesía mientras que el rococó hacía lo propio con la tradicional de la
aristocracia
• Según esas ideas, el arte clásico era un modelo a seguir porque poseía un
componente ético que formaba la sociedad. Esta preocupación por los ciudadanos
se encuentra presente en muchos proyectos como hospitales, museos,
cementerios…
• Las academias de BBAA fundadas en el siglo XVIII poseían la misma mentalidad,
proponiendo un regreso a los ideales grecorromanos
Solían representarse modelos de virtud extraídos de episodios de Grecia y Roma, sobre
todo de Homero (Ilíada y Odisea), Tito Livio (Ab urbe Condita) y Plutarco (Vidas
paralelas). Con el tiempo este campo se amplió con Ossian, Shakespeare y Dante. Todas
estas obras tienen en común el hecho de los sentimientos exaltados y las tragedias.
En cuanto a sus características formales: el dibujo predomina sobre el color. En la paleta
abundan los tonos ácidos en vez de los crema. Se emplea una iluminación clara, fría y
equilibrada. La pincelada es impecable, es una superficie totalmente lisa. Al igual que en
la escultura, los personajes no muestran pasiones violentas sino una gran contención y
serenidad, las composiciones se organizan en una sucesión de planos horizontales y
verticales, a menudo con perspectiva cerrada. Por ese afán moralizador, el género más
valorado es la pintura de historia ambientada en la Antigüedad clásica.
Jacques-Louis David (1748-1825) – es el principal pintor del Neoclasicismo. Su obra
muestra tanto las características formales de esta corriente como la implicación política
que se perseguía en un principio. Esta implicación política se debe a que David estuvo
muy involucrado en la Revolución Francesa, tanto en la época de la republica como en la
del imperio. Se le considera el líder de las artes francesas en los últimos años del siglo
XVIII y los primeros del XIX. Sentó las bases de la pintura neoclásica y fue maestro de
numerosos pintores que, ya avanzado el XIX, continuaron con la evolución.
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Sus cuadros poseen un mensaje moralizante o ideológico y con el tiempo también acaba
representando héroes contemporáneos, excelente recreación histórica en ropajes,
mobiliario, etc. Realiza composiciones en friso, con los personajes situados de izquierda
a derecha y una clara separación entre planos, sus personajes gesticulan mucho, muy
teatral y emplea una paleta simple y austera, con ocres, negros, rojos, etc., que recuerda
a Caravaggio.
El juramento de los Horacios (1784) se basa en un
episodio de la Antigua Roma. La ciudad es más
importante que cualquier cosa. A la izquierda los
hombres jurando y a la derecha las mujeres desoladas.
Firmeza contra dolor. Es un símbolo de la Revolución
Francesa.
Es un encargo del Estado, aquí ya empezaba a haber
malestar social. En este cuadro se intentaba reflejar la
fidelidad a la patria, patria entendida como Estado, como
el rey vaya. Tiene un fin pedagógico. Aquí tenemos un
tema clásico, de los inicios de la historia romana. La
inspiración le viene de ad urbe Condita de Tito Livio, pero también de Cogneil que tiene
una obra dedicada a la tragedia de los Horacios. Esto significaba muy bien la idea de
sacrificio de la patria. En el cuadro se nos presenta un hecho histórico, roma estaba
enfrentada con alba longa y en ambas ciudades había un grupo de trillizos, los Horacios
y los Curiacios, estas familias estaban relacionadas porque las hermanas de estas familias
estaban casadas con alguno de los hermanos de las otras. La cosa es que para resolver el
conflicto entre ciudades se manda a estos trillizos a luchar entre ellos. Lo que se muestra
aquí es que el interés personal no es nada en comparación con los intereses de la nación.
Aquí están los hermanos jurando que van a luchar por su patria. Las mujeres que aparecen
son la Curiacia con velo casada con el Horacio y la otra es la hermana del Horacio que se
va a casar con el Curiacio. La de atrás es una criada que cuida a los niños. Hay un gran
drama porque van a perder a sus hermanos o sus maridos. El niño intenta ver lo que pasa
mientras que la niña no quiere y eso es algo muy neoclásico. Está todo muy depurado,
con composición de friso de izquierda a derecha. Tenemos el plano de los personajes y al
fondo la escena que no es importante. Los hombres están representados con líneas rectas
mientras que las mujeres son la curva. Lo importante de la composición es la espada. Idea
de sacrificio. Luego hubo muchos relojes que representaron el tema de los Horacios, es
algo que gustó muchísimo.
Sócrates bebiendo la cicuta (1787) Otra vez tema antiguo y
en este caso histórico, está en el Fedón. Vuelve a ser un
cuadro anterior a la revolución. Sócrates comprende cuál es
su destino por haber sido acusado de corromper a la juventud
y entonces se da cuenta de que es injusto lo que le está
pasando y cree que su muerte hace bien a la ciudadanía y
aparece en este cuadro Sócrates dando un discurso sobre la
inmortalidad del alma, los discípulos le rodean con
reacciones diferentes, hay pasión y gesticulación, el de los
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pies de la cama es Platón pero es una incorrección porque Platón no estuvo presente. Aquí
de nuevo se ve muy bien la composición horizontal, de izquierda a derecha, dos planos
muy marcados, el primero con las figuras y el fondo, con una pared lisa y un arco que se
proyecta en el espacio hacia el fondo. La paleta es muy similar a la que hemos visto antes,
con tonos ácidos y una paleta con más color que la barroca, una luz bastante dirigida
podemos suponer que hay una ventana a la izquierda que proyecta la luz sobre el
protagonista.
Los lictores llevando a Bruto (1789) Es de la fecha en la
que estalla la revolución francesa, la temática sigue siendo
este tipo de sacrificio, una historia de la roma antigua, siglo
VI a.C, donde Bruto decide mandar matar a sus propios
hijos porque estaban conspirando contra la republica
romana. Foco de luz, a diferencia del neoclasicismo
posterior, todavía está muy dirigido. David nos está
engañando, parece que lo más importante son las mujeres,
lo más dramático del cuadro, mientras que bruto está a la
izquierda en las sombras. El contorno está muy marcado, los
rojos contrastan mucho con los azules que aparecen a
derecha e izquierda. Es todo más estable que en el barroco, en la pintura neoclásica se
utiliza la composición en friso debido a la influencia clásica (mosaicos, vasijas, frisos…),
el fondo con recreación histórica, aunque no es de manera fidedigna.
La muerte de Marat (1793) se produce un cambio porque el mensaje
político es el mismo, pero ya no tiene que irse a Grecia y Roma, sino que
utiliza héroes contemporáneos. Es unos de sus cuadros más importantes,
viene a la cabeza los hechos: inauguración del museo del Louvre y la época
del Terror. Marat pertenecía a los Jacobinos (radicales), desempeñaba un
papel muy importante como periodista y se le veía como una persona a
liquidar. Se representa su muerte, trabajando en su casa y vino una chica
girondina, con un cuchillo se cuela en su casa y lo apuñala. Representa la
imagen exacta de su muerte, lo crea a modo de homenaje. Llama la
atención el tema de la bañera y esto se debe a que tenía una afección de la
piel por la cual tenía que estar bañándose constantemente.
Dependiendo de la época en la que se vea tiene varias vistas, buenas y
malas. Se han hecho varias representaciones por lo que cambia el punto de vista ya que
se representa a la asesina.
La técnica sigue siendo neoclásica y otras que se alejan. Siguen siendo una vista serena y
se marca el dibujo. Dos planos distintos: Marat y el fondo. La composición cambia, no
hay lectura de izquierda a derecha, es más vertical y moderna. La iluminación es muy
teatral y no es realista, se centra en el héroe. Rigor histórico muy detallado. Como no han
podido corromperme me han asesinado. Referencia la Piedad del Vaticano, en la figura
de Cristo en los brazos de su madre.
Napoleón cruzando los Alpes (1801-1805) – hay un gran cambio en la pintura del autor.
Sigue con la idea de los héroes contemporáneos. Napoleón se hace un hueco debido a las
victorias militares y se impone ante el gobierno y crea un imperio. Contribuyo a la
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• Erotismo, exotismo
• Expresividad de los retratos
La bañista de Valpinçon (1808) es un desnudo femenino. Tiene una
manera muy personal muy íntima, evoca la perfección física que se aleja
de los cánones realistas: tiene la espalda larga, piernas muy delgadas, los
pies.
La mujer desnuda a ingres le viene también muy bien para representar su
ideal de belleza, los rostros de sus retratos son muy realistas pero el resto
de la anatomía no. Esto era una elección deliberada, esto lo vamos a ver
muchas veces en su producción, estas deformidades se ven muy bien en
las espaldas de las mujeres. Ingres es hiperrealista con los tejidos.
La curvatura de su espalda no tiene sentido, es una espalda larguísima, los muslos son
muy delgados, pero es que a él no le importa.
La Gran Odalisca (1814) Se
expuso por primera vez en
1819. Fue un encargo de
Carolina Bonaparte, hermana
del emperador. Carolina había
encargado dos cuadros para
hacer Pendant, es decir para
que se cree un efecto espejado
entre estos dos cuadros al
estar enfrentados en dos
paredes. Había otro desnudo
femenino que es el que haría
Pendant con este, pero no
gustó tanto. Aquí vemos la idea de erotismo + exotismo. Llamaba mucho la atención el
tema del harén oriental. Esto está en la línea de todos estos desnudos femeninos. Hay una
evolución muy marcada de esta iconografía desde el Renacimiento hasta la Olympia de
Manet. En este caso no tenemos una diosa ni una prostituta como la Olympia sino una
idea de belleza oriental, solo que esta orientalidad se expresa a través de los
complementos: cortinajes, turbante, pipa, abanico… Son los complementos los que
implican la orientalidad. Anatómicamente tenemos lo mismo que hemos visto con la
bañista es decir una espalda larga, tiene 3 vértebras de más, el cuello, el inicio de las
nalgas, piernas muy extrañas.
El baño turco (1863) En estos años ya tenemos al primer Manet,
rompiendo con la tradición. Aquí lo que tenemos es otra vez esta
dualidad erotismo + exotismo encarnada en la odalisca oriental.
En este caso no tenemos un desnudo femenino sino un conjunto
de desnudos, lo que nos está representado es el interior de un
harén. Es un tondo y con esto nos quiere enseñar que estamos
observando el harén a partir de un óculo, un toque voyeur a esta
escena. Esto no es realista es solo una fantasía sexual oriental.
Muy distinto a mujeres en argel de Delacroix, que es
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Tema 3: Romanticismo
Se denomina de este modo por su carácter novelesco, este movimiento surgió a finales
del siglo XVIII, pero no se extendió por completo en Europa hasta 1830, perdurando hasta
aproximadamente 1850. Consistió en un cambio radical con respecto al Neoclasicismo
basado en el paso de la mentalidad racional a la sentimental. Empieza en Gran Bretaña y
Alemania, se va extendiendo a otros países como Francia. El principal cambio cultural
fue la quiebra del pensamiento racionalista característico de la Ilustración. Las verdades
universales entran en crisis y surgen nuevos valores e inquebrantables. Lo que significa
que se produce un cambio estético, se pasa de lo bello a lo sublime y lo pintoresco.
Pese a las diferencias existentes entre los países, el Romanticismo se caracterizó por:
• Búsqueda del yo personal por parte de los artistas, lo que da lugar a una mayor
importancia de la personalidad y originalidad
• Ensalzamiento de aquello que escapa a la razón: el sentimiento, la fantasía, la
locura, los sueños…
• Obsesión con el dramatismo, los amores imposibles, la muerte, la oscuridad, las
ruinas, el mal…
• Fascinación por Eros-Thanatos
• Fascinación por la naturaleza, a la que los románticos consideran una fuerza
indomable y, por tanto, una plasmación de sus propios sentimientos apasionados
• Al mismo tiempo, fascinación por una Edad Media idealizada debido a que se
consideraba la época espiritualmente pura
• Y por encima de todo, un espíritu nacionalista que llevó a los países a rastrear en
sus raíces, leyendas y tradiciones en in intento oír encontrar su esencia
Lo que está presente en toda la pintura romántica es el afán por retratar lo sublime, aunque
cada país lo hace a su manera. En el caso de los franceses apelas a los sentimientos
humanos: patriotismo, violencia, patetismo. En el caso de los ingleses y los alemanes,
desarrollan una pintura paisajística que reflexiona sobre el poder d la naturaleza:
sentimientos, destrucción, espiritualidad, cosmogonía.
En el transito del siglo XVIII al XIX comenzamos a encontrar artistas que tienden un
puente entre el Neoclasicismo y el Romanticismo, Dan un paso adelante sobre todo en
cuanto a la temática, mientras que en la técnica siguen con la tradición. Al surgir el
Romanticismo en Alemania y en Inglaterra, los principales nombres de esta generación
fueron: Johann Henrich Füssli y William Blake.
Al pertenecer todavía a los inicio del Romanticismo, Füssli es muy exagerado y
grandilocuente en las expresiones y actitudes. Se ve en el tratamiento de los ojos, casi se
salen de las cuencas, marca la locura. William Blake es casi incomparable a otros artistas.
Johann Henrich Füssli (1741-1825) – se dedico a la literatura además de la pintura, de
ahí que muchos de sus temas sean literarios. Sentía predilección por Shakespeare, cuya
obra ilustró. Formalmente sigue siendo fiel al Neoclasicismo, pero da un paso adelante
en cuanto a la plasmación de pasiones. Lo que tiene de Romanticismo es el tratamiento
oscuro de las escenas, la inspiración en temas alejados de los clásico y, sobre todo, su
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gusto por lo macabeo, erótico y lo irracional. Al pertenecer todavía a los inicios del
Romanticismo, Füssli es muy exagerado y grandilocuente en las expresiones y actitudes.
La Pesadilla (1781) También llamada el incubo. Nos muestra
a una mujer teniendo una pesadilla, en un momento de tensión
y miedo. Aparece un demonio encima de su pecho que le lleva
a la sensación de angustia. Nos representa un íncubo pero
también hay súcubos, están relacionados con la potencia
sexual, esto representa una violación, cuando es masculino es
íncubo, cuando es femenino es súcubo. Durante este acto
sexual se absorbe toda la energía del ser humano. Es neoclásico
la presencia de las líneas y la ropa que lleva, pero la paleta de
color es tremendamente diferente, nos muestra el mundo de la
noche, de los peligros de la oscuridad. Aparece una cabeza de
caballo con los ojos en blanco que también hace referencia a la potencia sexual.
Tiene dos versiones, en la otra cambia en ángulo, pero aparecen los mismos personajes,
el demonio característico de este momento. También empieza a interesar mucho en este
momento el mundo de las hadas
Titania y Botón (1790) Extraído de Sueño de una noche de verano, se pierden dos parejas
en el bosque y las hadas les empiezan a hacer trastadas. Los reyes del mundo de las hadas
están enfadados y entonces se hacen putaditas entre ellos, estos reyes son Titania y Botón.
Tenemos una gran cantidad de negro, las figuras tienen una luz muy contrastada, una luz
dorada que incide sobre los personajes. Tiene también más cuadros de obras de
Shakespeare: Gertrudis, Hamlet y el fantasma del padre de Hamlet (1789), Lady Macbeth
sonámbula (1784) y Lady Macbeth con los puñales (1812).
William Blake (1757-1823) – es un artista completo: se dedico a la pintura, el grabado y
la poesía, por lo que hay que estudiar las tres cosas en conjunto. Poseía ideas muy
revolucionarias para la época, defendía la liberación de la mujer, su independencia sexual,
el derecho a casarse por amor, a labrarse su propio futuro…. Tuvo varias visiones
religiosas desde pequeño, lo que condicionó su producción. Su arte es muy personal.
Recibe influencias de los artistas del Renacimiento italiano: de los quattrocentistas el
tratamiento fluido de la línea y de los cinquecentista la musculatura de Miguel Ángel.
Como prerromántico, Blake se adelanta a algo que será una constante en los románticos
plenos: la insatisfacción ante el sistema de valores existentes por entonces que les conduce
a una búsqueda de la espiritualidad. Blake la lleva a cabo creando su propia cosmogonía,
una interpretación muy personal de la religión cristiana influida por sus propias visiones,
lectura de la Biblia, filósofos clásicos, mitología… esta es la razón de que sus obras hayan
sido un simbolismo muy difícil de entender. No posean un acabado perfecto ni cuidadoso.
Lo que prima en ella es la creación, el afán de plasmar la visión. Blake se adelanta también
a los románticos al sostener que los niños eran criaturas maravillosas cuyo mundo estaba
cerca de Dios.
La mayor parte de su producción son grabados. Se trata de agua fuertes realizados
mediante la técnica de la impresión iluminada, con la que ilustraba sus libros de poemas.
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Consiste en grabarlo todo en una plancha metálica de la que salen estampas, que
posteriormente coloreaba con acuarelas.
El anciano de los días (1794) Ilustración para Europa, una profecía. Lo
hace en el año del terror en Francia, él estaba sobrecogido ante lo que
estaba ocurriendo en Francia. Aquí ha creado una figura mitológica
llamada el anciano de los días, que será quien construirá el mundo, es
Urizen. El anciano de los días tiene un compás en su mano, relacionado
a veces incluso con la masonería, con este compas está midiendo el
mundo, está poniendo límites al ser humano, así el ser humano pierde
la fantasía la imaginación…. Está haciendo un mundo racional. Los
científicos eran el mal porque intentaban comprenderlo todo y él creía
que no todo se puede comprender, es por eso por lo que para él es
negativo. En la línea del retrato de Isaac newton que hace. Tiene algunas
cosas de contacto con Füssli por el trazo tan nítido y el fondo oscuro,
con nubes muy características de Blake, parecen casi telones que
enmarcan al personaje. Pureza de la línea del quattrocento y
musculatura del cinquecento.
Elohim creando a Adán (1795) Se presenta la creación de
Adán, mucho más angustiosa. Elohim es una imagen de dios y
pasa super rápido sobre la tierra, del propio barro de la tierra
agitado por este personaje surge el ser humano, parece que el ser
humano es un accidente de la naturaleza, está creado por error,
totalmente diferente a lo que se conocía. Nubes casi como
cortinas, rayos del sol al fondo. Se aprecian mucho los músculos
y tiene algo muy presente en las obras de Blake. Pone a los
personajes en suelos casi submarinos con líquenes y musgos
Nabucodonosor (1795) A Nabucodonosor lo usa para ver lo que
pasa si sigues las pasiones. Esto no quiere decir que todo tiene que
ser racional, que podemos dejarnos llevar por las pasiones pero no
siempre, porque el hombre si cae ante las pasiones irracionales
puede acabar siendo una fiera, como representa a Nabucodonosor,
no hay más que ver las uñas que parecen garras. También está
presente el tema de los suelos que ya hemos dicho, le da al suelo
una apariencia acuática con musgo y liquen, esta es su manera de
interpretar los suelos y sus composiciones.
Newton (1795)
El dragón rojo y la mujer revestida de sol (1805)
El Romanticismo pleno – Inglaterra
La gran aportación de la Inglaterra victoriana a la pintura romántica fue la nueva
concepción del paisaje. Frente a los avances tecnológicos derivados de la Revolución
Industrial, el concepto de la naturaleza propio del Romanticismo poseía una
subjetividad acorde a los estados de ánimo del artista que hizo que este género tuviera
gran importante. No obstante, los paisajistas principales la interpretaron de manera muy
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muchos cuadros a lo largo de la HDA como en el trigal con cuervos de Van Gogh.
Mañana de Pascua (1828-1835) Está en el Thyssen. Aquí nos muestra muchos
elementos ya visto: árboles, personajes de espaldas, gradación de cielo…. Esto suele ser
sobre finales de marzo abril, cuando las temperaturas suben, surgen los primeros brotes,
idea de renacer, personajes de espaldas, experimentan lo mismo que ellos.
Monje a la orilla del mar (1810) Uno de los cuadros más
famosos de Friedrich, otra vez con figuras de espaldas,
comparación entre humano y naturaleza. Paisaje marino,
cambios en la composición muy presentes. Cuando se
representaba una marina se escogía un lugar y un enfoque
para meter perspectiva y tal aquí no. El cuadro parece un
enorme vacío. Introduce un elemento vertical para acabar
con la horizontalidad, la naturaleza es enorme, sentimos la
insignificancia ante la naturaleza. El ser humano no es
poderoso. La antítesis de este cuadro es Napoleón cruzando los Alpes de David. El ser
humano reducido a su mínima expresión. Se ha intentado ver una conexión con Rothko.
Caminante ante el mar de niebla (1818) Mismos elementos, personaje
de espaldas, pero con un tamaño mayor, una diferencia muy marcada con
lo que hemos visto hasta ahora, el horizonte está invadido por unas nubes
bajas, lo único que se ve son picos de montañas de gran tamaño. Son
montañas de la zona de Sajonia, se corresponde con la realidad, aunque le
da ese toque imaginario. La idea que nos transmite es la de no tener claro
a dónde nos dirigimos. Lo que se extiende ante él es que no sabe dónde
dirigirse. El mundo de la vida y el de la muerte. Nosotros estamos aquí
situados y es el mundo terrenal ese promontorio, pero lo que se extiende
más alla de lo terrenal es un misterio, esa es la duda del ser humano tras
cruzar el umbral de la muerte. Menor gradación de colores.
Philipp Otto Runge (1777-1810) – al igual que Friedrich, se dedica al
paisaje pero dotándolo de un misticismo que se aparta de lo religioso entendido a la
manera tradicional. Aunque su técnica es muy dibujística, da una enorme importancia a
la elección de los colores, interesándose mucho en la colorimétrica.
Sus cuadros muestran también un interés por la botánica y la
infancia. Hablamos de un panteísmo similar al de Friedrich, un afán
por plasmar las espiritualidad mezclando la naturaleza, matemáticas,
formas y colores. Persigue algo muy alemán: la gesamtkunstwerk,
una obra de arte total. De ahí que creara sus obras para ser colocadas
en un espacio donde se escucharan poemas, música… concibe las
composiciones de manera simétrica como si fuese un jeroglíficos,
incorporando alegorías que remitieran a las fuerzas de la naturaleza.
La mañana (1808) Forma parte de un ciclo que no llegó a terminar.
Muy moderno, composición rectangular con uno dentro de otro
formando así una especie de marco, corresponde a la mañana y se ve
como asciende la luz del sol. El movimiento que hace nuestra vista
y el sol es el mismo, miramos desde abajo donde está el sol
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flaqueado por unos niños y vamos ascendiendo. El recién nacido es la idea del sol y a su
vez la idea de Jesucristo, abajo la luz es muy de amanecer. Si subimos aparece una figura
femenina que recuerda a las venus clásicas y sube hasta el azul del celaje donde hay una
estrella que sube hasta arriba con los rayos donde hay cabezas de ángeles.
Si nos vamos al marco de la composición vemos algo parecido, la unión entre la flor y el
niño. En la parte inferior el sol oculto con amorcillos clásicos, hacia los lados están los
niños dentro de las raíces de una planta y a medida que vamos subiendo por el marco
aparecen brotes de plantas y se convierte en una planta niño y arriba otro niño en otra flor
con alas que es como un cupido o querubín clásico. El niño entendido como el brote de
la vida y la flor como el brote de la naturaleza. Un contorno super definido, unas veladuras
muy muy finas, una superficie muy lisa. Un mensaje difícil de entender, no es un pintor
al uso, ni fue un pintor reconocido en su época no era una pintura popular. Hay un eje
vertical que divide esto, es todo espejado
Boceto para El día (1805) obra incompleta
Boceto para La noche (1805) es un obra que está incompleta
Los niños de Hulsenbeck (1805) Esto nos está mostrando cosas
interesantes, unión de naturaleza y niños, las niños son el brote de
los humanos y las plantas el brote de la naturaleza. Aparecen
cultivos, flores, y los tres niños que son los hijos del matrimonio
este. Crea paralelismo entre naturaleza que florece y niños que
están creciendo, de hecho, las plantas tienen el mismo color que los
niños. Aquí hay una serie de cosas bastante extrañas, están
desproporcionados, las cabezas grandes, la valla es muy pequeña,
los representa como si fuesen adultos. Dignifica aquí a los niños,
empieza a ver al niño como algo admirable porque tiene mucha
fantasía y es lo que interesa en el romanticismo.
El Romanticismo en Francia
Tardó unos años más en despegar en el panorama pictórico francés debido a lo arraigado
que estaban los presupuestos del Neoclasicismo. No obstante, los vaivenes y dudas del
mal du siècle determinaron su evolución: entre 1800 y 1820 encontramos a los discípulos
de Davis que, aunque siguen siendo fieles a lo neoclásico, introducen cambios en la
temática, el color, etc. Después, entre 1820 y 1850, surge la auténtica pintura romántica
gracias a dos artistas: Géricault y Delacroix. Ambos trabajan en los mismos años en que
Ingres seguían siendo neoclásico.
La principal diferencia con respecto a la pintura romántica de otros países es que la
francesa alcanza lo sublime a través de la representación de las pasiones humanas como
el dolor, la angustia, la ira…
Theodore Gèricault (1791-1824) – Se formo con los sucesores de Davis, per se aparta
drásticamente del Neoclasicismo tanto en temática como en técnica. En Francia fue
considerado uno de los pintores románticos por excelencia gracias a su representación del
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que no tiene esperanza sino que espera la muerte. Mucho conocimiento de la anatomía,
se le da genial la representación de la anatomía, en el caso de Géricault hay estudios de
restos humanos datados en algunas obras, le interesaba también estudiar el tema de la
putrefacción de los cuerpos. Tonalidad ocre que da una sensación de desesperanza, el
único estallido de color es el rojo que vemos en el anciano. Impactó mucho en su
momento.
Retratos de dementes del asilo de Salpêtrière (1821-1824) A partir de las expresiones
de las personas se puede reflejar su mal. No eran modelos nada gloriosos, eran los parias
de la sociedad, pero resulta que en el romanticismo eran importantes. Estos retratos
consisten en personas con diferentes enfermedades, representados de una manera nada
edulcorado, toda la atención está puesta en el rostro de los personajes, no hay ni fondos…
Se aprecia mucho respeto a su vez, no quiere hacer escarnio ni mostrar una parte
deplorable de los personajes.
Eugène Delacroix (1798-1867) – es uno des más importantes artistas del Romanticismo.
Su personalidad era la de auténtico romántico: bohemio, rebelde, independiente, sensible,
viajero… Su ambición era ser pintor de historia, pero sigue los pasos de Géricault
rompiendo con los presupuestos clasicistas. Estuvo muy implicado en su juventud con la
política liberal, de ahí que realizara cuadros dedicados a las luchas sociales. Tuvo muchas
rivalidad con Ingres por defender posiciones antitéticas: uno era neoclásico y el otro
romántico.
Sus características son: los sentimientos: el alma humana en sus momentos de dolor y
desesperación. Los temas son políticos, exóticos, literarios… la composición, al igual que
Géricault, tiene influencias de pintores barrocos como Rubens que pudo estudiar en el
museo de Louvre. Los personajes también se parecen a Géricault en que no pone el acento
en los héroes sino en los perdedores. El color gana protaginismo frente al dibujo, combina
colores complementarios y la pincelada es cada vez más suelta y vigorosa.
La barca de Dante (1822) Encontramos temas
literarios y este es un ejemplo, basado en obras literarias
que no llamaban tanto la atención durante el
neoclasicismo, les interesa mucho la divina comedia por
el tema del infierno, ya los nazarenos habían utilizado
el tema de la divina comedia. Los personajes son muy
reconocibles, Dante con el gorro rojo y Virgilio con la
corona de laurel. Se ven algunas reminiscencias clásicas
como el personaje de Caronte que es el barquero de la
laguna estigia, el acento se posa sobre dante y Virgilio.
Al cruzar la laguna están los condenados agarrándose,
otra referencia más a lo clásico. Demostración de las
pasiones humanas, hay una serie de condenados que no pueden escapar de la laguna y por
ello se agarran para cruzar o para tirarlos a ellos al agua, mucha influencia de Miguel
Ángel y el juicio final. Tenemos una escena de tensión, preocupación, horrores, muy
romántico. En cuanto a la composición vemos los fondos con humareda ya presentes en
Géricault. Se retoma el tema de que representa mucho humo y no sabemos qué es un
incendio y qué son nubes.
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Tema 4: Realismo
La evolución hacia el realismo se dejó sentir sobre todo en Francia e Inglaterra. Esto se
debió a tres importantes motivos. La Revolución Francesa había cambiado la manera de
entender el Gobierno, concienciando a la gente durante las revoluciones de que había
luchado por lo derechos; la Revolución Industrial había causado las diferencias de clase,
con numerosas voces alzándose para denunciarlos. Además era los países más avanzados
en cuanto a la censura, los periódicos tuvieron un gran empuje.
Aunque comparten un mismo interés por denunciar los males sufridos por las clases
desfavorecidas, existen una importante diferencias entre franceses e ingleses: el realismo
francés a menudo poseía un mayor compromiso con la política de izquierda,
posicionándose de una manera muy clara en composiciones satíricas y el inglés se centra
en la búsqueda de la belleza pese a mostrar la realidad del mundo. En algunos casos, ese
esteticismo acababa apartando a los artistas de la órbita realista. Debido a esa relación los
países que protagonizaron el pase al Realismo pictórico fueron Francia e Inglaterra.
Realismo en Francia
Gustave Courbet (1819-1877) – fue uno de los primeros artistas realistas implicados con
la política de izquierdas. Creía en la capacidad del arte para reformar y culturizar a la
sociedad. Por ese afán de democratización rechazaba tanto el Neoclasicismo como el
Romanticismo, pues consideraba que su arte era falso por ni mostrar la situación de la
gente real. Por ello se dedicó a tomar como modelos a personas reales y sencillas, al igual
que haría Millet con sus campesinos. Creía que un artistas era incapaz de representar una
época pasada. Fue un precursor de los impresionistas tanto en la técnica como en el hecho
de montar su propia exposición al ser rechazado en uno de los salones oficiales de Paris.
Su obra es provocadora debido a que desacralizaba el arte al emplear formatos
grandilocuentes propios de la pintura de historia para escena cotidianas. Trataba temas
extraídos de la realidad, sin que hubiera en ellos un intento moralizante grandilocuente
(como en el Neoclasicismo) ni una reflexión sobre el destino del ser humano, la muerte,
la oscuridad (como el Romanticismo). Empleaba a modelos corrientes, con un aspecto
vulgar. Apostaba por una pincelada más suelta y expresiva, colores terrosos, iluminación
tenue…
Los picapedreros (1849) representa a dos hombres haciendo su
trabajo. No están individualizados, no interesa su identidad, solo
que es parte de un colectivo invisible al que se quiere dar
importancia, por ello no se muestra sus caras.
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campo. Tuvo que esperar a las décadas de 1860 y sobre todo 1870 para que su arte fuera
reconocido, aunque la revaloración económica de sus cuadros solo benefició a sus
herederos.
Su estilo se caracteriza por: su representación de tipos populares se centra en los
campesinos de la región de Barbizon. Muestra tanto hombres como a mujeres, aunque no
los individualiza en sus rasgos. Gran realismo tanto en los personajes como en la
naturaleza que conocía de primera mano, trata de dar una dimensión divina y eterna de
las actividades cotidianas. Para conseguir esa apariencia mística de las escenas emplea
una iluminación cálida con las que crea luces y sombras. Tiene una paleta de colores con
tonos terrosos y dorados, adecuada para el campo y una pincelada suelta.
Los recolectores de patatas (1855) Podemos ver los
colores terrosos, luz dorada, no se pueden ver los rostros.
Cielos nublados pero con zonas de luz. Suma de luces y
sombras, el sol entra entre algunas nubes, la parte que
aparece hacia abajo podría ser un paisaje veraniego pero el
resto está nublado. El tema de la pincelada cada vez más
suelta se aprecia muy bien en las nubes, con contornos
desdibujados.
Las espigadoras (1857) Un
trabajo muy duro, de nuevo
se puede ver las texturas
sobre todo al tenerlo cerca, las espigas no son más que
líneas de un solo trazo y aun así es capaz de mostrarnos lo
sensorial, no interesan las caras, ropa característica de la
zona. Paleta de colores dorados, no muestra tanto
claroscuro.
El Ángelus (1857-1859) Claroscuros, cielo irregular. Se
nos representa la labor de los campesinos, nos muestra un
tema que está más cerca de la temática religiosa que de la campesina, están horado el
ángelus, al fondo vemos una iglesia para que nos quede claro el
hecho de que ellos están rezando, no es gente que simplemente
está en el campo, sino que han estado trabajando, se ve gracias
a los utensilios utilizados y al carro. Es una pintura con unos
contrastes más marcados. Se recortan las figuras en un contraluz
muy marcado. No vemos detalles porque no interesan. Si
analizamos la parte inferior es de los más interesante para
analizar el tema de la técnica, el cómo representa la tierra, el
suelo. Este cuadro cambió su temática, en un principio era un
entierro.
Honoré Daumier (1808-1879) – se adscribe a la corriente realista, haciendo hincapié en
su caso en temas como la corrupción políticas, la pobreza de la sociedad parisina, los
movimientos revolucionarios… se hizo muy conocido por sus colaboraciones satíricas
con los periódicos. Su producción presenta los siguientes rasgos realistas:
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por culpa de su esposa. Con el paso del tiempo, el estilo de Millais experimentó un
aburguesamiento que hizo volverse más clasicista debido a la presión de tener que
mantener su numerosa familia.
Las principales características de su estilo en los años en los que fue auténticamente
prerrafaelita, aproximadamente desde 1848 hasta 1860, vendría a ser las siguientes: Gran
realismo en la plasmación de fisionomías. Lo mismo puede decirse del mobiliario,
representado con gran rigor histórico, y sobre todo de la naturaleza, pintada tan
minuciosamente que se ha llegado a hablar de “ecosistema pictórico”. Inspiración en los
temas preferidos por los prerrafaelitas: obras de Shakespeare, las escenas de la biblia…
Admiración por lo medieval apreciable en el formato de sus cuadros, a menudo con el
marco superior redondeado. Enorme virtuosismo en la representación de niños. Empleo
de colores saturados y vivos.
Cristo en casa de sus padres (1850)
Ofelia (1851) Uno de sus cuadros más conocidos y
relevantes, tiene una gran riqueza pictórica y aparece
todo un despliegue de conocimientos de botánica.
Muchos detalles. Se inspira en un lugar y hace apuntes
del natural. Historia de Elisabeth Siddal, en una bañera
que se calienta con velas.
Retrato de John Ruskin (1853)
Retrato de Beatrix Caird (1876)
Mi primer sermón (1862)
Mi segundo sermón (1864)
William Holman Hunt (1827-1910) – es el pintor prerrafaelita que se mantuvo más fiel
a sus ideales, siguiendo los presupuestos de la Hermandad toda la vida. Tenía una
personalidad atormenta: trataba de mantener a raya las tentaciones a través de la religión
y el esfuerzo físico, de ahí que gran parte de su obra girara en torno a la moral y que
decidiera emprender varios viajes a Tierra Santa. Esa profunda religiosidad le llevó a
realizar numerosas obras temáticas cristiana, algunas de las cuales resultaron
escandalosas en su momento, pero acabaron siendo muy difundidas por aparecer en
ediciones posteriores de la Biblia.
Su pintura se caracteriza por: es el más realista. Se interesa mucho por la religión, creía
que el arte tenia que ser una herramienta de adoctrinamiento. Encontramos un gran
exotismo en su obras, pero mucho más fiel a la realidad que en el caso de los románticos.
Su técnica también acusó esos viajes: colores más arenosos, luz más intensa y cálida,
minuciosidad en los ropajes… Emplea un simbolismo que resulta difícil de entender,
El pastor distraído (1851)
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Vemos diferentes escenas, el tema de la vegetación y las ruinas son temas muy
románticos. Diferentes personajes muy claramente representados. Realizó diferentes
variantes de este mismo ciclo.
La Bella Durmiente (1890)
El ultimo sueño de Arturo en Avalon (1898) Lo realizó
poco antes de morir. Se nos representa el momento en el
que el rey Arturo está muerto y rodeado de las doncellas
que velan su cuerpo. El tipo femenino es el mismo. Las
caras de las mujeres de los cuadros de Waterhouse van a
ser deudoras de las de Burne-Jones.
William Morris (1834-1896) – a diferencia de la mayoría de los prerrafaelitas, además
de pintor era escritor, traductor, artesano y político. Era un entusiasta de lo medieval.
Consideraba que había sido una época de rectitud moral, idealizando a los caballeros de
las leyendas del ciclo artúrico con los que se identifica mucho. Fundó en 1861 la firma
Morris & Co. con artistas del circulo como Burne-Jones y Rossetti. Esta empresa se
dedicaba a las artes aplicadas siguiendo los postulados del prerrafaelismo tardío, de ahí
su inspiración en la Edad Media. También toman de lo medieval el sistema de gremios y
la fabricación artesanal delas piezas. Morris, como socialista, creía que todo el mundo
debía tener acceso al arte. Sin embargo, el problema era que esta elaboración tradicional
que rechazaba lo industrial acabó convirtiendo las obras en objetos caros.
Los cuadros de Morris comparten putos de contactos con los de Burne-Jones,
especialmente por la pasión que ambos amigos sentían por la Edad Media. En cuanto a
las artes aplicadas destacaron: obras impresas, mobiliario, vidrieras, papel pintado y
tapices.
La bella Isolda (1858) Obras impresas, eran impresiones
impresionantes con una estética muy medieval. Quería que
estuvieran a mano para todo el mundo, algo que con el tiempo
vio inviable. Se caracterizan por una gran orla florar alrededor
del texto y grandes letras capitales con la que empiezan los
capítulos. Muchos artistas de la hermandad colaboraron con la
empresa haciendo dibujos que se trasladaban a planchas y se
utilizaban en las ilustraciones.
También se dedicó al mobiliario, no podía ser una fabricación
industrial, lo consideraban una obra de arte también. Se inspiran
en muebles medievales, pero después utilizan un tapizado típico
de la marca. Su aportación a las vidrieras también es importante,
se vuelve más pictórica. Se pintan en el propio cristal. El papel
pintado se populariza en el siglo XIX, él realiza un gran
repertorio de hojas y flores. Su proceso creativo partía de una
cuadricula en la que realizaba flores de gran y pequeño tamaño,
las más grandes ponían el nombre a la obra y se les dotaba de más detalle. Creaba un
diseño que se multiplicaba las veces necesarias por lo que son muy simétricas. Trato el
tema de los tapices, con influencia medieval, la composición se aprecian contacto con el
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papel pintado y la imprenta ya que también tienen una orla alrededor y el diseño de las
hojas es similar a las del papel pintado. También son diseñados por los integrantes de la
Hermandad Prerrafaelita.
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y se compra una casa. Presta una especial atención a la colocación de las plantas y la
decoración de sus jardines. El estanque de la misma lo representa una y otra vez donde
ya vemos los nenúfares. En el mismo estanque, había un puente muy representado en sus
cuadros como en El estanque de los nenúfares (1899) y tiene estilo japonés. El hecho de
que se represente nenúfares en muy impresionista ya que es el
efecto de la luz en el agua y la forma de moverse de la propia
agua.
Otra obra es Ninfeas (1916-1919) Vemos ese efecto de lo que hay
sobre el agua y dejado de ella. Realmente son las mismas plantas
una y otra vez por lo que temáticamente nada es diferente pero lo
que cambia es la manera en que plasma la luz de cada momento
del día por lo que también forman parte de una serie, dentro de la
cual tenemos Ninfeas azules (1916-1919).
Camille Pissarro (1830-1903) – Se le considera uno de los fundadores del
Impresionismo, muy involucrado en la política anarquista. Esto le llevó a plasmar escenas
populares exaltando el trabajo del campesinado. Aunque siempre se dedicó al paisaje,
experimentó una gran evolución dado que al principio era mucho más académico y con
el tiempo adoptó los mismos presupuestos que Monet, aunque la pintura de este último
era mucho más colorida. A esto se sumó la poderosa influencia de Turner, cuya
pintura conoció durante su exilio en la guerra franco-prusiana. Destacó por
pintar la realidad al aire libre, tanto en el campo como, y esto le diferencia de
Monet, en París. Se centró sobre todo en el barrio de Montmartre debido a su
bohemia.
Paisaje tropical con casas rurales y palmeras (1856) En las primeras obras
no hay pincelada tan suelta por lo que las obras son más academicistas.
Además, no es su tema predilecto, París.
En el jardín de Les Mathurins en Pontoise (1877) El tema de la pincelada es
lo que más sobresale ya que se ha vuelto mucho más suelta. El tema es muy
típico, de señoritas junto a sus institutrices.
Jardín con árboles en flor, primavera, Pontoise (1877) Cada flor es una mancha
independiente y el contorno cada vez tiene menos importancia.
Avenida de la Ópera con efecto de lluvia (1898) Aquí ya vemos la época del París
moderno. Ya no vemos las calles estrechas, sino que se nos introduce la avenida con
efecto de lluvia donde vemos las construcciones
típicas de la ciudad. al fondo vemos la Ópera
Garnier.
Lo que más llama la atención es que el pintor no
quiso hacer una representación de la ciudad sin más,
sino que con un efecto que ya menciona en el título.
Esta en la línea de Monet en el sentido de que
muestra lugares bajo efectos meteorológicos.
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parecidas, pero son diferentes, viendo claramente quien es la mujer joven y la mayor.
Ojos ligeramente achinados. Tendencia al cabello castaño claro con flequillo. Pincelada
suelta tendiendo al difuminado. Tratamiento de la luz muy destacado, muy natural, con
la ropa mostrando diferentes colores según les dé la sombra o no. Sensación de que hemos
captado un momento y de que casi podemos apreciar el movimiento de las ramas y de la
luz. Tendencia de los bordes cortados, no concentrando todo en el centro.
El almuerzo de los remeros (1880) Muy similar en técnica,
pincelada suelta pero más difuminada y parecida a la de sus
compañeros en las plantas. Un grupo merendando. Elemento
acuático muy importante en la pintura impresionista por su
carácter bucólico. Se representan a personajes conocidos: un
marchante, la novia de Renoir, su hermana, un amigo, Elena
André (actriz de teatro), el hijo del dueño del local en el que
están comiendo, etc. El sombrero de paja, tanto masculino
como femenino, adornado con una cinta, es muy típico en los
momentos de agua. La luz es muy distinta, puesto que hay un
toldo; pero los juegos que vemos al fondo son muy
importantes.
Muchachas tocando el piano (1892) Se lo compró la Academia. Es un tema sobre el que
regresa varias veces. Le gustaba regresar a los temas intrascendentes con detalles rococó,
que tenía muchos temas galantes, de coqueteo; aquellos que rechazaba el neoclasicismo.
Encontramos el regreso de los temas delicados y cursis que siguen la tendencia de los
temas intrascendentes. Tenemos a dos chicas tocando el piano en un interior doméstico,
la pincelada ha cambiado, ya no es suelta y tiene apariencia de pastel. El color beige
parece que preside la paleta. En el caso de esta pintura, ha sido una de las más criticadas
de Renoir por ser considerada una cursilada.
Gabrielle con una rosa (1911) Gabrielle es una prima de su esposa, que
tras la muerte de esta cuidó de su hijo. Plantea algo muy interesante,
porque se parece a las mujeres de la última etapa de Rossetti; concepto
muy simbolista de la mujer flor. Es algo parecido, pero totalmente
distinto, porque todo ese carácter de femme fatal de Rossetti no está
presente aquí, sino que la alegría de vivir se impone; tenemos entonces
una escena de relax en la que la mujer no amenaza en absoluto. Gabrielle
se está poniendo una rosa en el pelo, otra rosa en la mano, pecho desnudo
sensual pero realista y no de femme fatal. Carácter difuminado de la
pintura, pero la pincelada suelta se aprecia a la perfección en las flores.
Fondo neutro con pinceladas en diferentes sentidos.
Edgar Degas (1834-1917) – es otro de los artistas que apuesta por la figura humana. De
orígenes acomodados, mantuvo toda su vida una mentalidad conservadora que le hacía
rechazar las modernidades. En relación con esto también se mantuvo apegado a la
tradición pictórica, formándose en el Louvre como copista de los grandes maestros y
dejándose influir por Ingres en la línea. Aunque rechazaba el Impresionismo, sus obras
se adscribe a este movimiento por plasmar la vida cotidiana parisina, por las
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El postimpresionismo
Este termino fue acuñado por el critico Roger Fry en la exposición de q910 sobre
Cézanne, Van Gogh y Gauguin. Se refiere al conjunto de estilos practicados por pintores
que desarrollaron su labor en Francia en las ultimas décadas del siglo XIX. Aunque se
formaron en el Impresionismo, se acabaron decantando hacia opciones más personales:
¿En qué se mantienen fieles a la tradición? Afán por representar la realidad, trabajar el
plein-air, pincelada suelta, colores vivos. ¿En qué innovan? Creen que el Impresionismo
está en un callejón sin salida del que solo puede sacarlo la plasmación de la emoción y la
subjetividad. También dan un paso adelante en cuanto a sus técnicas pictóricas.
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“Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender
a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se
quiera.”
Una moderna Olimpia (1873) la pincelada todavía en más suelta
Los jugadores de cartas (1892) inicio de esa etapa geometrizante
La montaña Sainte-Victoire (1903) vista desde su ventana. Vemos la reducción de lo
que se representa a elementos básicos, lo suficiente para saber que es lo que vemos.
Las grandes bañistas (1906) tema de desnudo femenino.
Vincent Van Gogh (1853-1890) – de origen neerlandés, desarrollo su carrera pictórica
en Francia de una manera completamente autodidacta. Poseía un carácter complicado y
desequilibrado, probablemente por padecer Porfiria Aguda Intermitente. Se diferencia de
los demás impresionistas en que no sentía el deseo de crear un estilo nuevo. Lo que hace
es personal, una fuerza creativa incontrolable que le llevaba a pintar sin parar. Fue un
idealista que soñaba con crear una comuna de artistas en Arlés, comenzando con la
compañía de su amigo Gauguin. La fortuna critica de Van Gogh es posterior a su muerte.
No vendió ningún cuadro en vida, subsistió gracias a su hermano Theo y falleció creyendo
que había sido un fracaso.
Van Gogh se caracteriza por: su pincelada es completamente suelta. Emplea grandes
manchas de pintura muy empastada en distintas direcciones. En su paleta abundan los
colores vivos. Trabaja con tonos complementarios que se unen en distintas direcciones.
Sus obras son muy luminosas, especialmente cuando comienza a pintar los paisajes
soleados del sur de Francia. En el caso de los nocturnos, también se centra en la luz de
los astros. Su representación de las formas es muy personal, la realidad aparece
deformada, por su enfermedad o por decisión suya. Muestra una gran fascinación por las
xilografías japonesas.
Los comedores de patatas (1885) Parte de una formación clásica,
entendiendo que ya era clásico en 1880 la pintura de Millet, tiene una
temática de campesinos similar a la de éste. Retoma la idea de los tipos
campesinos mostrando un ambiente realista comprometido con los
personajes pasando por penurias. Aquí vemos una familia reunida,
cansados, cenando esas patatas. Hay una diferencia muy marcada
respecto a lo que vimos en Millet, aparte de la técnica, puesto que en
Millet no interesaba ver los rostros, mientras que en Van Gogh lo que
más llama la atención son los rostros. Nos recuerda a Domier, que sí se interesaba por los
rostros, aunque este hacía retratos para burlarse de los poderosos, mientras que aquí hace
hincapié en los problemas. Tiene una pincelada suelta, aunque no tanto como veremos
después, y también vemos una paleta muy distinta en cuanto al Van Gogh de plenitud.
Aquí hay tintes tierra (influencia de Millet: dorados, etc.).
Autorretrato (1889) Lo realizó en el momento en el que se encontraba ya en el sanatorio.
Aquí se encontraba en una comuna de artistas con su amigo Gauguin, pero sus
personalidades chocaban mucho. Entonces fue la movida de la oreja y Van Gogh se fue
a un sanatorio. Tiene varios autorretratos, pero este es el más conocido y tiene cosas
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interesantes. Vemos los colores propios de Van Gogh, azules claros, se mete en los
colores gélidos, y a la vez naranjas y rojos. Crea contraste entre los colores cálidos y los
gélidos, de manera que la figura destaca sobre el fondo. Emplea otras cosas que no
permiten destacar tanto, como su traje, que lo hace con el mismo color, parecido a lo que
vimos en Manet. La pincelada en remolino está presente en la composición, lo cual le da
un carácter onírico. No hay sombras, no interesa. Enorme sinceridad en la representación
de su rostro. La presencia de las curvas de algún modo tal vez tendría que ver con el caos
en su cabeza.
El dormitorio en Arlés (1888) Un poco anterior, se trata cuando huye de París para estar
en un entorno más tranquilo. Aquí fue cuando hace lo de la comuna de artistas y va a
venir Gauguin, se nota que está emocionado. Muestra el acondicionamiento de este
dormitorio con una mesa, una silla, una ventana, etc. Hay contraste entre colores alegres,
felices y vibrantes y la inestabilidad en cuanto a los ángulos y las perspectivas de los
distintos objetos (esquina de la izquierda, muebles…)
Girasoles (1889) Empezó trabajando con el girasol como una naturaleza muerta. Él había
retratado a una mujer en una mecedora, y era un cuadro que iba a estar rodeado de dos
jarrones de girasoles, y este es el que estaría en la derecha. Para él estos jarrones con
girasoles deberían de ser como una especie de candelabros. Se nota el tema de la textura,
la pintura empastada. Hay ausencia de perspectiva. Es una pintura muy plana.
Almendro en flor (1890) Aquí llama la atención el tema del contorno.
La rama sí está perfilada, y es algo NO habitual en Van Gogh, en
cambio las flores sí tienen más pincelada suelta. Esto se produce
porque es una de las obras que se influyen de las ukiyo-e y del
japonísmo. Es bastante diferente al resto de su producción. Lo pintó en
sus últimos años de vida, cuando nació un sobrino suyo, hijo de Theo,
y llamado Vincent, y lo hizo para que estuviera en la habitación del
niño, por eso es un cuadro que da más paz.
Terraza de café por la noche (1888) La pintura de Van Gogh está llena de
luz y color. Importancia de la noche. Van Gogh tiene bastantes escenas
nocturnas y están llenas de luz y de color, y llama la atención que un artista
tan atormentado encontrase esa luz, quizá porque era lo que él estaba
buscando. Tiene una importancia grande la luz artificial, hay mucho amarillo
concentrado, que es la impresión que nos produce que la luz sea derramada
por el farolillo haciendo una isla de luz. Juega con el tema de los adoquines,
que los realiza a base de pinceladas en forma de coma y realizados con colores
ocres. Tenemos la presencia de las estrellas características de Van Gogh, no
son realistas, son muy grandes y dan la sensación de una noche húmeda que
hace que el halo de la luz se propague. Esto de cerca se ve que está formado
por cuadro puntos de luz rodeados por los cercos con la típica pincelada de surco de Van
Gogh.
Noche estrellada sobre el Ródano (1888) Se ve lo mismo que el anterior. Vemos azul
prusiano y amarillo, los junta una y otra vez. Elemento acuático, impresionista y
postimpresionista. Tenemos una pareja sin mucho detallismo, nos dan la espalda y están
mirando el cielo. Vemos los barcos, y en ellos rompen las olas. Pretende mostrar como la
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luz se refleja en el agua. Hay una línea de farolas, que son las que reflejan en el agua, y
se generan líneas formadas con una pincelada horizontal sobre otra, pero somos capaces
de ver como rielan los focos de luz. Aparte se suma la luz de las estrellas. Vemos el verde
que se da con el azul del agua y la luz de las estrellas. Este cuadro es uno de los mejores
ejemplos de la pincelada suelta de Van Gogh, una pintura contrapuesta entre sí.
Cromáticamente es de lo más bonito de Van Gogh.
La noche estrellada (1889) Tiene un carácter más delirante. De este cuadro habló poco,
en las cartas a Theo le hablaba de los cuadros, pero de este no mucho. Es un paisaje que
nosotros no nos creemos, nos muestra su impresión, nos muestra su “yo”. Es uno de los
cuadros que realiza entrado ya en ese sanatorio. Esto lo pintó desde su habitación, en el
piso de arriba. Tenemos una representación del paisaje que rodea el sanatorio. Se
reconocen elementos como el ciprés. El pueblo que está abajo no se veía desde la ventana
de Van Gogh, pero lo introduce por el elemento simbólico; nos muestra el ciprés
apuntando al cielo y la aguja de la iglesia.
Lo que nos quiere contar con este cuadro, es que, en este momento Van Gogh estaba en
una crisis psicológica y existencial: él sentía un contraste en cuanto a las dudas sobre la
religión, pero quería creer en la vida después de la muerte, es decir, que nos habla de una
trascendencia hacia las estrellas, es decir, de algún modo se ha querido ver ese anhelo de
trascendencia, de querer encontrar que hay algo después de la muerte. El ciprés tiene
connotaciones funerarias, y al mismo tiempo con el paralelismo de la torre de la iglesia.
De ahí el doble juego de cuál es la vía para alcanzar la vida después de la muerte. Las
estrellas no son realistas, son enormes. Vemos la luna, que está repintado, puesto que la
luna iba a ser menguante y al final fue creciente. Vemos estrellas enormes con surcos
circulares con pincelada suelta. No se sabe si también representa la vía láctea o una visión
personal de Van Gogh, su desequilibrio… En los tejados vemos pinceladas paralelas en
diagonal.
Trigal con cuervos (1890) Se creía que era el último
que realizó porque estaba en su caballete cuando murió.
Pero por cosas que escribió es probable que haya más
cuadros posteriores. Vemos amarillos intensos, verdes,
azules, pero aun así es un cuadro pesimista, lleno de
oscuridad, aunque no la vemos. Lo consigue mediante
el cielo oscuro de la parte superior y la aparición de los
cuervos, que se relacionan con el mundo de ultratumba. Os cuervos son dos pinceladas,
volando de manera caótica, cambiando el rumbo, que nos da sensación de desequilibrio.
Vemos un camino que aparece que estamos en él, pero no vemos hacia dónde conduce.
La gran angustia de este cuadro es lo que se pintó después, apareció muerto en este
camino, disparado, y se ha pensado que se disparó él o que lo dispararon unos muchachos
que tenían una pistola. Estuvo muy grave en su cama, y al final murió. [Buscar bien esta
historia]. Llama la atención que los cuervos son un elemento muy fúnebre.
Iglesia de Auvers-sur-Oise (1890) Una de sus últimas obras. Representación de una
arquitectura desequilibrada. Tenemos la sensación de que es inestable. Es uno de los
cuadros que nos ha hecho pensar que era como Van Gogh veía el mundo y mostrarnos su
inestabilidad. De nuevo esa pincelada muy individualizada como surcos paralelos.
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Cartel para Jardín de Paris (1893) Se representa a Jane Avril. El marco lo convierte en
la cara de un músico, es un músico tocando un instrumento y aparece la partitura. Esto es
muy moderno en términos compositivos.
Baile en el Moulin Rouge (1890) Aparecen los mismos personajes, La Goulue, Valentín,
y personajes de visita al Moulin Rouge. En este ambiente era en el que Toulouse-Lautrec
se sentía querido. Se quiere mostrar el desenfreno de la noche parisina. Al ser lugares
bohemios se juntaban todo tipo de personas, de diferentes rangos sociales.
La Goulue llegando al Moulin Rouge (1892) No embellece los rostros, por eso es tan
popular, la gente quería identificar a los personajes. La ropa nos habla de que es un mundo
nocturno presidido por bailarinas, actrices, prostitutas… Esto era escandaloso para quién
había visto crecer a Toulouse-Lautrec en los ambientes ricos y donde se ha metido. Vemos
los bordes cortados, algo muy japonísta, moderno.
Mujer quitándose una media (1894) Pertenece a unas acuarelas y gouache con
bailarinas de cancán, prostitutas… En este caso el lenguaje es más sincero, ya que carece
de afán publicitario. Son un tipo de obras donde se acerca emocionalmente muchísimo
más.
Sola (1896) contorno muy definido, aunque distinto a otros trabajos.
Paul Gauguin (1848-1903) – De temperamento colérico, tuvo una vida azarosa
cambiando continuamente de trabajo y alejándose por ello de su familia. Su vida se
encuentra marcada por los viajes, de ahí el carácter exótico de su arte. pueden apreciarse
tres etapas en su pintura, coincidiendo con los principales avatares que marcaron su
biografía:
• Los inicios en Paris (1873-1885): Realiza paisajes por inspiración de amigos
como Pissarro y Cézanne.
• La etapa bretona (1885.1887): Se instala en la colonia de artistas de Pont-Aven,
pintando el mundo campestre que le rodeaba y evolucionando hacia el
cloisonismo.
• Las etapas tahitianas (1890-1893 y 1895-1900): Se sumerge en el mundo sensual
y ancestral en plena naturaleza.
Entre las características de su estilo están: Se dedicó sobre todo al óleo mediante la técnica
de la peinture à l’essence; se drena el aglutinante y se mezcla con trementina para dar una
apariencia más diluida a los colores. También se dedicó a la acuarela, el grabado, la
escultura en madera y la cerámica, tanto en Pont-Aven como en Tahití. Evoluciona desde
el paisaje de herencia impresionista a la representación de personajes en una naturaleza
simbolista. No posee una pincelada impresionista: apuesta por las grandes superficies de
colores vivos rodeadas por líneas gruesas. Su paleta pasa de los tonos grisáceos
característicos de la etapa bretona a los brillantes coloridos Tahití y la Polinesia.
El estilo de Gauguin ejerció una enorme influencia en corrientes artísticas simultáneas y
posteriores:
• Cloisonismo: Colores planos y vivos rodeados por contornos oscuros
perfectamente silueteados.
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