Temporada

22/23

Ayuntamiento de Sevilla
Instituto de la Cultura
y las Artes de Sevilla
Muy 1929.
Muy 2022.
Hace tres años emprendimos desde este Ayuntamiento el camino para convertir al Lope de
Vega en un modelo de teatro público del siglo XXI. Un trayecto que tuvo su primera parada
la temporada pasada a través de una oferta cultural que, sin perder la esencia de teatro de
texto intrínseca del coliseo, reforzó con éxito las líneas de programación adicionales, dando
mayor cabida a la danza, el circo, las músicas actuales o las artes vivas, de acuerdo con la
pluralidad de estéticas y sensibilidades de la ciudadanía y los nuevos hábitos de consumo
cultural. Una programación plural, abierta y basada en la excelencia, que conformó y atrajo
a un público variado y exigente que encontró en el Lope un espacio de participación
ciudadana.

El Lope es hoy ya un teatro para todos, donde la cultura se practica a diario, abierto a todos
los géneros, que es reflejo y expresión de la diversidad de públicos a los que se dirige. Por
ello, se persigue el equilibrio entre las propuestas más generalistas y las más independientes,
entre lo local, lo estatal y lo internacional, desde el respeto por la tradición y con una apuesta
decidida por la innovación. De esta forma, se da un paso más en la voluntad de garantizar
la existencia de un espacio y un tiempo para la expresión libre de la fuerza creativa. En el
contexto único de la municipalidad, ahondamos en los conceptos actuales de mediación
cultural y artística con el establecimiento de lazos de creación hacia la comunidad artística
a la que pertenece el Lope. En este sentido, el teatro acogerá el estreno absoluto de hasta
ocho creaciones de otros tantos artistas o colectivos de la ciudad de todos los ámbitos
disciplinares. Intérpretes de la realidad que presentarán por vez primera su obra nacida
del compromiso con lo contemporáneo, propuestas que aspiran a fabricar un nuevo futuro
posible.

De igual forma, se ha querido profundizar en la visión de una institución que conecta los
diferentes actores culturales de la ciudad. Así, se amplían vínculos con espacios, iniciativas
y entidades de la ciudad –como la Universidad de Sevilla, la Sinfónica de Sevilla o el
Maestranza–, así como las complicidades con otras instituciones culturales del resto del
Estado como el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el
Festival de Teatro Iberoamericano de Cádiz, el de Temporada Alta o el de Otoño de Madrid.

Por último, queremos poner en valor el potencial retorno social de la programación que
aquí les presentamos. Nos enorgullece que la nueva programación del Lope haya sido
capaz de articular una serie de propuestas que dan visibilidad a la diversidad, la igualdad
de género, las relaciones intergeneracionales o la inclusión de personas o colectivos en
situación de vulnerabilidad. El objetivo es crear un espacio que ‘emplee’ las artes escénicas
como herramienta útil para la cohesión de una sociedad, que con sus propuestas permitan
‘ver al otro’, aprender de él y transformar nuestra mirada. Les invitamos a disfrutar de los
espectáculos que aquí se presentan para convertir a nuestro Teatro municipal en un espacio
para el disfrute pero, también, para la reflexión, que fomente la inteligencia colectiva y cree
pensamiento.

Antonio Muñoz
Alcalde del Ayuntamiento de Sevilla
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 Un teatro es todavía una asamblea democrática, un lugar donde
viene exaltada la vida, un lugar que se opone a la muerte de las
pasiones, de los sentimientos, de la participación. Es un acuerdo
entre el intérprete y el público para sentirse vivo.

Toni Servillo, actor y director

La ‘asamblea democrática donde viene exaltada la vida’ de la que nos habla Servillo es la
casa de todos a que aspira convertirse el Lope. Un refugio desde donde vencer a la incerteza
a través de propuestas que, ahora más que nunca, nos reconforten, nos inviten a entender
al otro. Ante el ruido de la crispación general y la intolerancia imperante, es necesario abrir
debates que generen diálogo y nos ayuden a ordenar las decepciones, a no darnos por
vencidos. Frente al desaliento apostamos por la belleza, la palabra y la emoción, frente a la
rutina, por la curiosidad y la capacidad de asombro.
Esta temporada revalidamos nuestro compromiso con la idea de teatro público a través
de una selección de espectáculos que quiere reflejar y dar voz a una ciudadanía plural.
Una programación que pretende huir de fórmulas ya transitadas para seguir ensanchando
los límites de las líneas artísticas de este Teatro, que entiende el arte como un motor para
vencer la crisis de las ilusiones sociales. Las historias justas también construyen el mundo
que está por venir y ayudan a equilibrar el discurso del caos, la codicia o el olvido.

Mirada internacional
Inauguramos nuestra programación con un nuevo hito para esta casa, el estreno absoluto de
La vida es sueño dirigida por Declan Donnellan al frente de la Compañía Nacional de Teatro
Clásico, con la que el Lope retoma el estrecho vínculo iniciado hace más de tres décadas.
La presencia teatral internacional se verá ampliada con la visita de dos representantes
del mejor teatro iberoamericano actual: el colectivo de mujeres argentino Piel de Lava
presentando su satírica lectura desmitificadora de la masculinidad en Petróleo, y Ana contra
la muerte del uruguayo Gabriel Calderón, uno de los principales fenómenos del nuevo
panorama dramático del cono sur y autor de un furioso y vibrante ejercicio interpretativo
sobre la pérdida y la impotencia protagonizado por tres actrices excepcionales.
También en el terreno textual volvemos a convocar a una serie de autores que propician la
libertad de pensamiento a través de historias de calado social, que dirigen nuestra mirada
a ‘otra actualidad’, como el poderoso montaje de teatro-documento La infamia, que narra
el secuestro de la periodista mexicana Lydia Cacho; la adaptación de Laila Ripoll de Tea
Rooms, en la que Luisa Carnés retrata a aquellas mujeres humildes y trabajadoras de los
años treinta; el amargo alegato a favor de la gente sencilla de Los santos inocentes de
Delibes; o la miserable codicia representada en el Torquemada de Pérez Galdós en manos
de un inmenso Pedro Casablanc; pasando por el canto a una España que pudo ser en el
encuentro que propone En tierra extraña entre García Lorca y Concha Piquer.
Contaremos también con los últimos trabajos de figuras de la escena actual: Juan Mayorga
convierte su discurso de ingreso en la Real Academia Española en Silencio, un deslumbrante
monólogo de Blanca Portillo; mientras que Andrés Lima se sirve de los versos del Paraíso
perdido de John Milton para hablarnos de la pérdida y de la desobediencia de quienes se
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oponen al poder. Por su parte, Alfredo Sanzol homenajea a nuestras mayores en Delicadas,
una generación de mujeres capaces de sobrevivir a la guerra y aguantar sin alzar la voz las
embestidas de una posguerra que las puso a prueba.
Comedia y juventud
Varios jóvenes creadores se darán cita en nuestro teatro para abordar desde el humor
cuestiones que nos interpelan como sociedad: Fernando Delgado-Hierro crea una
autoficción en Cluster sobre una generación enfrentada al espejo de la ilusión y la
desesperanza; Lucía Carballal, junto a Israel Elejalde, propone una reflexión en Los pálidos
sobre el feminismo y los movimientos surgidos del #MeToo; mientras que Las niñas de
Cádiz, lideradas por José Troncoso, y La Calòrica de Joan Yago, contraponen en Las
bingueras y en Las aves a Eurípides, rey de la tragedia, con Aristófanes, rey de la comedia,
para cuestionar con desinhibida ironía los límites del feroz liberalismo o el ansia de libertad
de las mujeres.
Estrenos y memoria
Cuatro estrenos absolutos servirán para celebrar el actual panorama dramático sevillano:
Teatro Resistente adapta en El gallinero (Un Strindberg andaluz) la novela La habitación roja
de Ibsen a la realidad de la Andalucía de los años 70. Órgia de La Rara, se adentrará en el
vasto universo de la salud mental con perspectiva de género, a través de lo vivido en el
Hospital de Miraflores. Mientras que Rafael R. Villalobos presentará la pieza Según José.
De Sevilla a Saramago, un homenaje multidisciplinar de la ciudad en el centenario del autor
portugués. Por su parte, David Montero reúne en Dramawalker, y en coproducción con
el Centro Dramático Nacional, a cinco dramaturgos de la ciudad para construir ficciones
sonoras con Sevilla y sus habitantes como protagonistas, a través de cuatro piezas
inspiradas en diferentes líneas de TUSSAM. Una nueva producción de circo verá la luz en
nuestro escenario, Circo de Sur a Sur en el que Truca Circus y La Grainerie de Toulouse se
hermanarán en un diálogo creativo entre los que vienen del sur.
Por último, el Lope de Vega se suma a la celebración de los 40 años de Atalaya con la
programación de tres de sus montajes más emblemáticos: Ricardo III, Marat/Sade y El
avaro. Junto a ellos, el Teatro Clásico de Sevilla nos brindará de nuevo la emocionante
peripecia de La Odisea de Magallanes-Elcano.
Danza de proximidad
La danza vuelve a ocupar un espacio fundamental dentro de nuestra programación propia.
En esta ocasión centramos nuestra mirada en la fecunda creación local a través de cuatro
aplaudidos montajes concebidos en Sevilla. Tras cinco años de éxitos acogeremos la
última función de La maldición de los hombres Malboro de Isabel Vázquez, mientras que
Las dependientas del colectivo La Ejecutora pondrán sus cuerpos y sus voces al servicio
de las mujeres anónimas. También rompiendo fronteras entre la danza y el teatro, Teatro
del Velador rendirá un homenaje a la diversidad de los ancianos en Les vieux. Por su
parte, Paula Comitre, en complicidad con la Bienal de Flamenco, nos traerá Alegorías, en
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la que su esencia flamenca se hermana con los nuevos lenguajes de Lorena Nogal, de La
Veronal. Teatro Anatómico y Juan Luis Matilla presentarán en estreno absoluto San Vito,
una exploración que indaga en las dinámicas de la danzamanía, enfermedad del baile, y su
relación con el presente.
Por último, contaremos con el trabajo de dos reconocidos artistas nacionales: Sol Picó
brindará en Malditas plumas su particular canto a la libertad de la madurez, mientras que
María Campos y Guy Nader nos ofrecerán la hipnótica belleza plástica y coreográfica de
Made of Space.
Del pop local a la ópera de cámara
En el apartado musical el Lope de Vega quiere ser reflejo de la pluralidad de gustos
actuales programando a un amplio abanico de estilos y tendencias. Del jazz exquisito y
contemporáneo de la vocalista Cécile McLorin, a la presentación por primera vez en Sevilla
de la aclamada cantante y trombonista Rita Payés que unirá su excepcional talento a la
Andalucía Big Band. Consolidamos nuestra complicidad con el Festival de Fado a través de
Camané y Cuca Roseta, dos artistas con la vista puesta en el futuro del género. El mejor pop
sevillano estará representado en la celebración de los 20 años de carrera y cierre de etapa
de Maga y la presentación del nuevo trabajo de Vera Fauna. Junto a estos ilustres artistas
locales, el vital sexteto sevillano de swing O Sister! mostrará un nuevo formato de concierto
escenificado de la mano de La Ejecutora, en lo que promete ser un punto y aparte en su
carrera. Anni B Sweet se unirá a Los Estanques para presentar su nuevo trabajo, una feliz
simbiosis entre el pop y el rock progresivo, entre la canción indie y la psicodelia.
Renovamos esta temporada la colaboración con el Teatro de la Maestranza y la Real
Orquesta Sinfónica de Sevilla con la puesta en escena de la ópera de cámara Je suis
narcissiste de Raquel García-Tomás y dirección de escena de Marta Pazos. Junto a la
ROSS, música y cine se darán la mano en dos citas: la proyección de El maquinista de La
General de Buster Keaton con música en directo, y una celebración musical alrededor de
las composiciones creadas en torno a la Exposición de 1929 con imágenes originales de la
cineasta Laura Hojman.
Por último, despediremos la temporada con el mejor flamenco electrónico convocando a
cuatro artistas singulares y visionarios: Perrate y Miguel Marín, acompañados de Almaclara,
se unirán a Yeli Yeli (Álvaro Romero y Pedro Dalinha) en una noche que servirá para celebrar
la conexión entre la cultura y la ciudadanía.
Desde el Lope de Vega, el Teatro de la ciudad, queremos agradecer la respuesta de los
miles de espectadores que esta última temporada, con su fidelidad, han vencido la inercia
del miedo y se han sumado a esa comunidad efímera que quiere celebrar la vida alrededor
del hecho escénico. Un público abierto al cambio, curioso y entusiasta que completa y da
sentido a nuestro trabajo. Esta es vuestra casa, adelante.
Carlos Forteza
Director del Teatro Lope de Vega
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Temporada 22/23 Teatro Música Danza Circo Nuevas miradas

OCT 22 FEB 23

V14, S15, D16 La vida es sueño Calderón de la Barca / Declan Donnellan / Compañía V3, S4 El maquinista de La General B. Keaton / ROSS / Timothy Brock 57
Nacional de Teatro Clásico /LaZona / Cheek by Jowl 17
V10 Rita Payés & Andalucía Big Band 59
J20 Según José. De Sevilla a Saramago Rafael R. Villalobos 19 Paraíso perdido John Milton / Helena Tornero / Andrés Lima
S11, D12 61
S22 Maga Cielo 21 El gallinero (Un Strindberg andaluz) José Luis de Blas / Teatro Resistente
S18, D19 63
M25 Cécile McLorin Salvant Ghost song 23 O Sister! Aftershow
S25 65
J27 Petróleo Piel de Lava / Laura Fernández 25 D26 Dramawalker Teatro Lope de Vega / Centro Dramático Nacional 67
S29, D30 La infamia Lydia Cacho / José Martret 27

MAR 23

V3 Vera Fauna & amigos 69

NOV 22
S4, D5 Andanzas y entremeses de Juan Rana Ron Lalá /
Compañía Nacional de Teatro Clásico / Yayo Cáceres 71
J17 La maldición de los hombres Malboro Isabel Vázquez 29
V10 Las dependientas La Ejecutora 73
S19, D20 Ana contra la muerte Gabriel Calderón 31
S11, D12 Delicadas T de Teatre / Alfredo Sanzol 75
X23 Concierto Conmemoración Exposición Iberoamericana 1929 Sevilla
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla / José Luis Temes / Laura Hojman 33 V17 Made of Space GN|MC Guy Nader | Maria Campos 77
S26, D27 Los santos inocentes Miguel Delibes / Javier Hernández-Simón
S18, D19 Las aves Aristófanes / Israel Solá / La Calòrica 79
35
S25, D26 Órgia La Rara / Julia Moyano y Rocío Hoces 81
X30 Camané Aqui está-se sossegado Festival de Fado 37 J30, V31 Las bingueras Las Niñas de Cádiz / José Troncoso 83

ABR 23

DIC 22
J13 Les vieux Teatro del Velador / Juan Dolores Caballero 85
S15, D16 Los pálidos Lucía Carballal / Centro Dramático Nacional 87
J01 Cuca Roseta Festival de Fado 39
S3, D4 Cluster La_Compañía exlímite / Fernando Delgado-Hierro / Juan Ceacero 41
J8 Torquemada Benito Pérez Galdós / Juan Carlos Pérez de la Fuente 43 MAY 23
V9 Los estanques & Anni B Sweet Burbuja cómoda y elefante inesperado 45
V5 Alegorías Paula Comitre / Lorena Nogal 89
V16 San Vito Teatro Anatómico / Ana Sánchez Acevedo / Juan Luis Matilla 47
S6, D7 Tea Rooms Luisa Carnés / Laila Ripoll 91
S17, D18 En tierra extraña José María Cámara / Juan Carlos Rubio 49
J22, V23 Circo de Sur a Sur La Grainerie / Truca Circus 51
X10, V12,D14 Ricardo III W. Shakespeare / Marat / Sade P. Weiss / El avaro Molière / 93
Ricardo Iniesta / Atalaya
S20, D21 Je suis narcissiste Raquel García-Tomás / Helena Tornero / Marta Pazos 95
V26, S27, D28 La odisea de Magallanes-Elcano Teatro Clásico de Sevilla / Alfonso Zurro 97

ENE 23

JUN 23
V27 Malditas plumas Sol Picó 53
S28, S29 Silencio Juan Mayorga 55 V2 Perrate & Miguel Marín (Arbol) & Almaclara / Yeli Yeli - Álvaro Romero y
Pedro Da Linha 99
Temporada
22/23
 La vida es sueño Teatro

Calderón de la Barca / Declan Donnellan OCT 22

Compañía Nacional de Teatro Clásico/
LAZONA / Cheek by Jowl
Vie
20h 14 Sáb
20h 15 Dom
19h 16
Duración 100 min (estimada)
Estreno absoluto Precio De 4 a 21 euros

Texto Calderón de la Barca Compositor y diseñador de sonido Fernando

Dirección Declan Donnellan Epelde

Adaptación Declan Donnellan y Nick Ormerod Ayudante de dirección Josete Corral

Intérpretes Ernesto Arias, Prince Ezeanyim, David
Luque, Rebeca Matellán, Manuel Moya, Alfredo
Noval, Goizalde Núñez, Antonio Prieto, Irene
Serrano
Espacio escénico y vestuario Nick Ormerod
Iluminación Ganecha Gil
Asesor de dramaturgia Pedro Villora
Asesora de movimiento Amaya Galeote
Coproducción Compañía Nacional de Teatro Clásico,
LAZONA y Cheek by Jowl
En colaboración con Barbican, Londres y Scène
Nationale d’Albi-Tarn, Francia

El Lope de Vega inaugura su temporada acogiendo el estreno absoluto del que está llamado
a ser uno de los hitos de la temporada escénica nacional: la primera producción en español
dirigida por Declan Donnellan, uno de los mejores directores vivos del teatro mundial. De la
mano de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con la que el Lope de Vega retoma una
relación que se remonta a 1988, LAZONA y Cheek by Jowl, esta nueva lectura de La vida es
sueño subraya la incertidumbre existencial del título más famoso de Calderón de la Barca.
No es de extrañar que la mano experta de Donnellan se haya fijado en este drama barroco.
Este montaje reúne lo mejor de dos tradiciones teatrales para las que los clásicos en
verso ofrecen la posibilidad de un viaje a la teatralidad más lúdica. Donnellan, habituado
a trabajar con repartos extranjeros y en idiomas diferentes a su inglés natal, ya había
montado Fuenteovejuna, ambas en 1989. La trayectoria del director inglés es la historia de
cuatro décadas y decenas de títulos que no se limitan al territorio de Shakespeare, su gran
especialidad. Aplaudidos montajes de Corneille, Middleton, Racine o Webster han definido
una manera de entender el teatro en la que la capacidad para el juego y la imaginación
escénica, siempre con la impronta de Nick Ormerod, son tan importantes como la excelencia
actoral. Un teatro esencial, puro, divertido, verdadero, ingenioso...

La pregunta “¿estoy aquí?” puede parecernos tonta o pretenciosa, pero

puede emboscar nuestra vida con creciente sorpresa y ferocidad. No es
un problema exclusivo de los intelectuales. Todos debemos afrontarlo. En
©JavierNaval

definitiva, Calderón no nos ofrece una respuesta fácil, sino algo que persiste
en nuestra memoria. Declan Donnellan y Nick Ormerod

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 Según José. Nuevas miradas

De Sevilla a Saramago OCT 22

Jue
20h 20
Rafael R. Villalobos
Duración 70 min
Estreno absoluto Precio de 4 a 21 euros

Pieza multidisciplinar con motivo del centenario del nacimiento de José Saramago

Dramaturgia, dirección e iluminación Rafael R. Villalobos

Escenografía Cachito Vallés y Rafael R. Villalobos
Sonido Javier Mora

Cantaora Rocío Márquez

Soprano Nicola Beller-Carbone
Bailaora Leonor Leal
Bailarín Pedro Berdayes
Actriz Celia Vioque
Set musical Dani Llamas
Percusión Antonio Moreno
Guitarra Pedro Rojas-Ogáyar

Es hora de mirar, de una vez, al Sur, respetar el Sur, pensar en el Sur

José Saramago

Premio Nobel de Literatura en 1998 y defensor a ultranza de los Deberes Humanos, esos
que él asociaba a los Derechos y con los que todos deberíamos comprometernos, este
portugués universal fue nombrado Hijo Predilecto de Andalucía en 2007 por su vínculo
con esta comunidad autónoma que él consideraba propia. Doctor Honoris Causa por la
Universidad de Sevilla en 1991, Saramago reivindicó como nadie la necesidad de orientar
la mirada al Sur.
Como nuestro propio casco histórico, Según José. De Sevilla a Saramago conforma una
especie de laberinto por el que perderse sin rumbo definido, abiertos a la sorpresa que el
requiebro de cada calle nos pueda deparar. En este deambular a través de las obras del
genial y prolífico autor —novelista, ensayista, poeta, dramaturgo...— numerosos artistas
vinculados a la ciudad harán su propia aproximación al corpus de quien encontraba
en la conciencia la alternativa a un mundo cada vez más deshumanizado. Un políptico
multidisciplinar que abarca desde el teatro a la música o la danza que se suma a los actos
del centenario del nacimiento de este andaluz nacido en Azinhaga —“es como si mi patria
se hubiese ensanchado”, expresaba— que ha inspirado con su lúcido pensamiento a todas
©R. Villalobos

las generaciones de artistas posteriores que ahora le devuelven su mirada sureña como
forma de homenaje.

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 MAGA Música

Cielo OCT 22
Sáb
20h 22
Duración 90 min
Celebración del 20º aniversario de su primer álbum y fin de etapa Precio de 4 a 21 euros

Voz y guitarra Miguel Rivera

Teclados, guitarra acústica y coros César Díaz
Bajo Javi Vega
Batería Pablo Cabra
Diseño escénico Benito Jiménez
Ilustraciones Wenceslao Robles
Fotografía Álvaro Soto
Sonido Agustín Piña
Backliner Jonatan Muñoz
Producción David Linde

Corría el año 2000 cuando la feliz unión de un día de piscina y el libro de Cortázar Rayuela,
que dos jóvenes músicos sevillanos estaban leyendo, cuajó en un nuevo grupo: Maga.
Han pasado 22 años de aquel encuentro y 20 de la publicación de su primer álbum. Dos
décadas de indie pop y atmósferas que combinan la melancolía y la introspección con
el sonido de guitarras en constante búsqueda y letras heridas de literatura. Cielo es una
noche única y un regreso a sus orígenes, a ese juego infantil dibujado sobre una acera.
Un concierto-celebración llamado a ser un momento para el recuerdo para la banda
y sus seguidores, una cita en el Teatro Lope de Vega en el que recorrerán su historia y
su repertorio, desvelan Javi Vega y Miguel Rivera, reunidos junto a César Díaz, en “una
celebración, o una despedida, o el cierre de una etapa, o todo a la vez”.

¿En qué casilla estábamos ahora? ¿En qué casilla está nuestra canción?
¿Cuánto nos queda si somos capaces de no rozar la raya y llegar hasta el
cielo? ¿Queremos seguir jugando? Como no supimos ni quisimos contestar
estas preguntas, decidimos buscar la respuesta donde más cómodos nos
sentimos: un escenario; de un teatro.
Así, en el escenario del Lope de Vega de Sevilla daremos, posiblemente, el concierto
más importante de nuestra historia. Porque en él cerramos una etapa. La última del
viaje en el que hemos recorrido la tierra y el cielo de nuestro universo, el origen y el
©Álvaro Soto
©álvaroSoto

destino de la música que llevamos veinte años componiendo, grabando y tocando

para cerrar el círculo perfecto que nos envuelve. Maga

23
 Cécile McLorin Salvant Música

Ghost song OCT 22

Mar
20h 25
Duración 70 min
Precio de 4 a 21 euros

Voz Cécile McLorin Salvant

Guitarra Marvin Sewell
Saxo alto Alexa Tarantino
Piano Glenn Zaleski
Percusión Keito Ogawa

Compositora, artista visual y, ante todo, voz privilegiada y con un mundo propio dentro
del jazz de novísima hornada, Cécile McLorin Salvant (Miami, 1989) toma el relevo en el
Teatro Lope de Vega de una nueva vocación de apertura al jazz exquisito y contemporáneo,
defendida en 2021 por José James. La vocalista estadounidense presenta su más reciente
trabajo, Ghost Song, un disco en el que explora las conexiones entre vodevil, blues, folk,
world music, teatro y música barroca. En esa capacidad para adoptar y hacer propios
desde una sensibilidad jazz universos tan alejados como el de Kurt Weill (ahí está The World
is Mean, de La Ópera de tres centavos) y el de Kate Bush (Wuthering Heights), es donde
McLorin Salvant brilla con intensidad, demostrando que no es solo una voz más de los
circuítos jazzísticos, sino una fuerza creativa capaz de emocionarnos a capella jugando con
el sean-nós irlandés, de reencontrarse con raíces americanas acompañada de un banjo y de
componer una colección de temas propios caleidoscópica.
De raíces francesas y haitianas, McLorin Salvant saltó a la fama en 2010 al ganar el concurso
Thelonius Monk Jazz Vocal Competition y ha triunfado en varias ediciones de los Grammy.
Es además una destacada recuperadora de viejas grabaciones. No extraña que Ghost Song
se alce como un gran viaje al pasado, algo que ya hizo en álbumes como For One To Love
©ShawnMichaelJones

(2015) o Dreams and Daggers (2017) y en propuestas escénicas como Ogresse, estrenada
en el MET en 2018.

En complicidad con el Festival de Jazz de la Universidad de Sevilla

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 Petróleo Teatro

Piel de Lava / Laura Fernández OCT 22

Jue
20h 27
Duración 100 min
Precio de 4 a 21 euros

Dramaturgia y dirección Piel de Lava y Laura Escenografía Rodrigo González Garrillo

Fernández Vestuario Gabriela A. Fernández
Intérpretes Elisa Carricajo, Valeria Correa, Iluminación Matías Sendón
Pilar Gamboa y Laura Paredes Música y diseño de sonido Zypce
Producción ejecutiva Mariana Mitre

Fruto de la colaboración que iniciamos la pasada temporada con el Festival Iberoamericano

de Teatro de Cádiz (FIT) pudimos disfrutar del montaje Tu amarás, de la compañía chilena
Bonobo. Revalidamos este curso esa complicidad -a la que se suman los Festivales
Temporada Alta (Gerona) y Otoño de Madrid- para traer a Sevilla Petróleo, montaje que
comenzó su andadura en 2018 en el Teatro Sarmiento de Buenos Aires y se consolidó en
las siguientes temporadas como un nuevo fenómeno teatral de la cartelera bonaerense,
siempre viva y atenta a los vasos comunicantes entre lo comercial y lo artesanal.
Piel de Lava, el colectivo argentino de actrices que firma esta atípica y sorprendente
comedia, había nacido en 2003 y tenía a sus espaldas cuatro montajes. En Petróleo,
las integrantes de la compañía se enfundan los cuerpos masculinos de un grupo de
trabajadores de una estación petrolífera en un lejano páramo de Patagonia. Fuera, el
pozo cada vez da menos oro negro. Dentro, en un tráiler en el que conviven, los hombres
comparten bromas, confesiones y dudas sobre la sexualidad, el tiempo o la libertad.
Petróleo, donde Piel de Lava vuelve a contar con la codirección de Laura Fernández,
nace de un proceso de creación colectiva para llegar a una mirada desmitificadora de
la masculinidad revestida del mono de trabajo de una divertida comedia de género. Un
formato, una historia y una forma de trabajo de los que extraen genuino petróleo teatral.
©CarlosFurman

En complicidad con el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz (FIT), Festival de

Otoño (Madrid), Festival Temporada Alta (Gerona) y Teatro López de Ayala (Badajoz)

27
 La infamia Teatro

Lydia Cacho / José Martret OCT 22

Sáb
20h 29 Dom
19h 30
Duración 75 min
Precio de 4 a 21 euros

Texto Lydia Cacho Sonido Sandra Vicente

Adaptación Lydia Cacho y José Martret
Dirección José Martret
Intérprete Marina Salas
Espacio escénico y vestuario Alessio Meloni
Iluminación David Picazo
Videoescena Emilio Valenzuela
Cámara Alicia Aguirre Polo
Ayudante de dirección Pedro Ayose
Coproducción Teatro Español y Producciones
Come y Calla

La infamia es la historia del secuestro de una periodista. Una mujer valiente que ha
denunciado a las redes de pederastia y ha fundado refugios para las víctimas de la
violencia de género en México. La infamia es, además, una historia real, la de Lydia Cacho,
una luchadora destacada desde hace décadas contra el status quo que ha convertido a
México en uno de los países más inseguros para las mujeres, con miles de asesinatos y
desapariciones cada año. La infamia habla del miedo y la impotencia: cuando el poder
secuestra, la vida nada vale.
Cacho publicó en 2003 un libro incómodo, Los demonios del Edén, en el que dio voz a las
víctimas de una trama de pederastia organizada por importantes políticos y empresarios.
En 2005, fue secuestrada “legalmente” por la Policía Militar de Puebla. Su cuerpo podría
haber terminado en el fondo del mar. Aquella traumática experiencia quedó plasmada
en Memorias de una infamia y ahora llega a los escenarios en esta producción española
dirigida por José Martret, director de montajes impactantes como un aplaudido Macbeth
y cofundador de los emblemáticos espacios alternativos La Casa de la Portera y La
Pensión de las Pulgas en Madrid.
©José Alberto Puertas

Un poderoso montaje de teatro-documento con Marina Salas en la piel de la autora y un

uso del audiovisual a medio camino entre lo periodístico y lo escénico. La infamia es una
pieza magnética y necesaria para que el olvido no gane y para que algún día mujeres como
Lydia Cacho puedan vivir sus vidas sin miedo en su país.

29
 La maldición de los Danza

hombres Malboro NOV 22

Isabel Vázquez
Jue
20h 17
Duración 70 min
Espectáculo fin de gira Precio de 4 a 21 euros

Idea original, dirección artística y coreografía
Isabel Vázquez
Dirección de producción Elena Carrascal
Dramaturgia Isabel Vázquez y Gregor Acuña-Pohl
Iluminación Carmen Mori
Espacio sonoro Santi Martínez
Textos Max Arel Rafael e Isabel Vázquez
Intérpretes y Coreografía Deivid Barrera, David
Novoa, Arturo Parrilla, Javier Pérez, Baldo Ruiz,
Indalecio Seura, Álvaro Copado
Producción ELENA CARRASCAL SLU, con la
colaboración de ITÁLICA, Festival Internacional
de Danza
Distribución Elena Carrascal I*D
(Impulso*Distribución)
Con la colaboración de INAEM, AAIICC y Área
de Cultura del Ayuntamiento de La Rinconada

Es posible que muchos de los espectadores más jóvenes no estén familiarizados con el
concepto de ‘Hombre Malboro’. Desde los años 50 y hasta casi el cambio de siglo, una
campaña de la marca de tabaco estableció un canon visual: el hombre de verdad debía ser
rudo, firme, seguro. Masculino, en resumen. Contra esta idea se alza La maldición de los
hombres Malboro, una propuesta de danza contemporánea creada por Isabel Vázquez,
que ahonda en conceptos como la masculinidad tóxica y la incapacidad emocional.
Los cuerpos de los seis bailarines atraviesan varias etapas, desde el hombre canónico
hasta la catarsis y el descubrimiento. El macho, grupal y social, atávico, cede paso a las
dudas y la reflexión sobre el género. Más allá del mensaje, La maldición de los hombres
Malboro, que cierra en el Lope de Vega una exitosa gira de cinco años, es, ante todo, un
espectáculo de danza contemporánea cargado de energía con un sexteto de bailarines
entregados en su viaje transformador.

El espectáculo no trata de la masculinidad como algo nocivo. Pero sí de un modelo

masculino tóxico que todavía es hegemónico y vigente. Tóxico porque genera ausencia
emocional, un mundo impiadoso, poco solidario y que prevalece a la hora de resolver
©Luis Castilla

conflictos. El modelo es masculino, se implanta sobre los hombres, pero también las
mujeres lo viven y lo transmiten. Isabel Vázquez

31
 Ana contra la muerte Teatro

Gabriel Calderón NOV 22

Sáb
20h 19 Dom
19h 20
Duración 75 min
Precio de 4 a 21 euros

Autoría y Dirección Gabriel Calderón Vestuario Virginia Sosa

Intérpretes Gabriela Iribarren, Marisa Bentancur y
María Mendive
Diseño y realización de escenografía e
iluminación Lucía Tayler, Matías Vizcaíno y Miguel
Robaina Mandl
Asistencia de dirección Elaine Lacey
Asistencia de producción Vladimir Bondiuk
Producción general y distribución Matilde López
Espasandin
Con la colaboración del Instituto Nacional de
Artes Escénicas (INAE) de Uruguay

Gabriel Calderón (Montevideo, 1982) es uno de los principales fenómenos del nuevo
panorama dramático de Uruguay y de Iberoamérica. Una voz libre y alejada de la
complacencia narrativa en una treintena de obras que le llevó a dirigir el Instituto Nacional
de Artes Escénicas de su país y, hoy, la Comedia Nacional. Ese camino, el de la búsqueda
sin concesiones, es el que recorre en Ana contra la muerte, un texto vibrante estructurado
en diálogos sobre la pérdida y la impotencia.
Calderón habla de la familia y de batallas imposibles de vencer. A partir de una dolorosa
vivencia personal, la muerte de su hermana, Calderón escribió y dirige un texto de una
fuerza inusual para tres actrices excepcionales, Gabriela Iribarren, Marisa Bentancur y
María Mendive. Un emocionante despliegue actoral de talento, furia y experiencia y un
vibrante ejercicio interpretativo que nos obliga a transitar de la angustia a la felicidad, la
añoranza o los límites del amor, imantados por el dolor de una madre desolada imposible
de olvidar.

Hace tiempo que sentía la necesidad de probar otro tipo de escritura. Venía sintiendo que
poco a poco estaba sobre exigiendo el músculo de la escritura con piezas anteriores y,
luego de estrenar mi último espectáculo en 2018, sentía la imperiosa necesidad de probar
con un nuevo tipo de escritura. Para ello, en vez de evolucionar o de arrojarme hacia lo
nuevo, recurrí a los orígenes y las tradiciones de la escritura teatral, encontrando en la
escritura de diálogos un buen lugar desde el cual pensar la escena. Es por esto que me
propuse imaginar y escribir todos los diálogos difíciles a los que una madre se tiene que
©Mauricio Rodríguez

enfrentar cuando es impulsada en legítimo derecho a hacer lo imposible para salvar la

vida de su hijo. Gabriel Calderón

En complicidad con el Festival de Otoño de Madrid

33
 Concierto conmemoración Música

Exposición Iberoamericana NOV 22

1929 Mié
20h 23
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla / Duración 60 min

José Luis Temes / Laura Hojman Precio de 4 a 21 euros

Proyección con música en directo

Real Orquesta Sinfónica de Sevilla

Director José Luis Temes

Pieza audiovisual Laura Hojman (Estreno absoluto)

Julio Gómez (1886-1973) / Canción árabe

Gustavo Pittaluga (1876-1956) / La Romería de los Cornudos
Rodolfo Halffter (1900-1987) / Don Lindo de Almería
María Rodrigo (1888 -1967) / Rimas Infantiles

Aunque todos tengamos en mente el año 92 al hablar de Exposición y de Sevilla, hubo

otra gran cita internacional que situó a la ciudad a la vista del mundo: la Exposición
Iberoamericana que entre mayo de 1929 y junio de 1930 insufló vida artística a la ciudad
y que desde años antes había modernizado sus barrios y unido el espacio ferial con el
corazón de la urbe. El Parque de María Luisa (1914), el Puente de Alfonso XIII (1921), que
duró hasta la Expo ‘92 y diferentes ensanches en Santa Cruz o Triana fueron el legado
urbanístico de una apuesta por la regeneración de la ciudad.
La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, dirigida por José Luis Temes, pone música a la
proyección de una nueva pieza audiovisual, creada por Laura Hojman, con composiciones
de Julio Gómez, Gustavo Pittaluga, Rodolfo Halffter y María Rodrigo, cuyas partituras
miraban a Europa y a las corrientes de vanguardia sin dar la espalda al acervo andaluz,
que asomaba en sus obras en forma de danzas, ritmos y canciones. La pieza de Hojman,
guionista y directora de documentales como Antonio Machado. Los días azules (2020) y
A las Mujeres de España. María Lejárraga (2022), evoca el impacto en la ciudad de aquella
Exposición Iberoamericana de 1929, dando espacio en pantalla a la fuerza del trabajo
©Miguel Jiménez

y la creación humanas, pero también a los fenómenos del mundo natural, creando una
alegoría de la primavera como metáfora del renacimiento.

35
 Los santos inocentes Teatro

Miguel Delibes / Javier Hernández-Simón NOV 22

Sáb
20h 26 Dom
19h 27
Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Dirección Javier Hernández-Simón Ayudante de dirección Daniel Alonso de Santos

Adaptación Fernando Marías y Javier Hernández-
Simón
Intérpretes por orden de intervención Javier
Gutiérrez, Pepa Pedroche, Fernando Huesca,
Yune Nogueiras, Marta Gómez, Luis Bermejo, José
Fernández, Raquel Valera y Jacobo Dicenta
Iluminación Juan Gómez-Cornejo e Ion Anibal
Escenografía Ricardo Sánchez Cuerda
Cartel y fotografías MarcosGpunto
Vestuario Elda Noriega (AAPEE)
Música y espacio sonoro Álvaro Renedo
Producción GG Producción escénica y Teatro del
Nómada
Coproducción Carallada!!, AJ Claqué, María Díaz
Comunicación, Mardo, Juan Carlos Castro, Saga
Producciones y Diodati se mueve
Con el apoyo de Comunidad de Madrid, Ministerio
de Educación Cultura y Deporte-INAEM, Centro
Cultural Paco Rabal, Ayuntamiento de Madrid-
Distrito Tetuán, Teatro Calderón Valladolid y CREA
SGR
Agradecimientos Fed. Madrileña de Caza

Cuatro décadas después de su escritura, el susurro de Azarías –“Milana bonita”– sigue

emocionándonos y encerrando en dos palabras una fotografía en blanco y negro de
una España anclada en el pasado. Miguel Delibes supo retratar la desgracia de los
desfavorecidos en Los santos inocentes, un amargo alegato a favor de la gente sencilla y
una crítica a los señoritos que hacían de ellos meros objetos de los que disponer.
Historia de una familia de guardeses casi analfabetos y miserables en la finca de una familia
noble, regresa a los escenarios en esta nueva producción dirigida por Javier Hernández-
Simón que acerca la historia a la España actual. Sus protagonistas son creaciones que
resisten el juicio de los años. Personajes trágicos y poderosos en los que Fernando Marías
y el propio Hernández-Simón, adaptadores de la pieza, intuyen el rostro de una sociedad
que se resiste a desaparecer. Seres que aquí tendrán las voces de Javier Gutiérrez, Luis
Bermejo, Pepa Pedroche o Jacobo Dicenta.
En palabras de Fernando Marías: “hemos visto en Azarías rastros de héroe anómalo, un
silencioso corazón grande y mucha lucidez en Régula, la maldad impune de Iván, que
todo lo daña y todo lo hiere y todo lo quiere matar como si disputara una carrera frenética
contra sí mismo... Paco, con su resignación férrea, es acaso el personaje de Los santos
©marcosGpunto

inocentes que más nos concierne. Paco, el Bajo es la pregunta y cada uno de nosotros es
la respuesta”.

37
 Camané Música

Aqui está-se sossegado NOV 22

Mié
20h 30
Duración 70 min
Precio de 9 a 25 euros

Voz Camané
Piano Mário Laginha

“No coração com a saudade / De não ver o mar sem fim / Quando não posso cantar /
Tenho saudades de mim”, cantaba Camané en Mar impossível, el tema con el que abrió en
2008 un disco, Sempre de mim, que confirmó lo que desde hacía más de una década venía
anunciando su voz: la irrupción en el panorama del fado de un artista único, enraizado en
los maestros pero con la mirada puesta en el futuro. “En el corazón con anhelo / De no
ver el mar sin fin / cuando no puedo cantar / me extraño”, confiesa la letra, que parece
adelantarse al lema del Festival de Fado que lo trae a Sevilla junto al Teatro Lope de Vega:
Fado y el mar. La historia de Portugal está escrita en sus costas y en las olas del Atlántico,
en sus navegantes y conquistadores, en sus comerciantes y en la tristeza del fado, que
miraba a África, a Asia y a América en el horizonte azul.
Camané llega a Sevilla junto con Mário Laginha, pianista con pilares jazzísticos con
el que el entendimiento viene de lejos: sus colaboraciones esporádicas han acabado
cristalizando en Aqui está-se sossegado, un nuevo proyecto en el que el fado de Camané
se mece en el oleaje del piano de Laginha, dibujando un paisaje sentimental que viaja por
Lisboa. Una geografía musical que homenajea a Amália Rodrigues y a Carlos Ramos, entre
otros gigantes del fado. Compañeros de viaje desde hace dos años, Camané y Mário
Laginha proponen un viaje de raigambre lisboeta. Una veintena de temas, algunos de
ellos extraídos del canon fadista tradicional y otros del repertorio del cantante, sin olvidar
©Kenton Thatcher

composiciones inéditas del pianista, con acercamientos a la poesía de Álvaro de Campos.

En complicidad con el Festival de Fado 2022

39
 Cuca Roseta Música

DIC 22
Jue
20h 01
Duración 70 min
Precio de 9 a 25 euros

Voz Cuca Roseta

Guitarra portuguesa Sandro Costa
Viola fado Francisco Sales
Bajo acústico Marino Freitas
Percusión Vicky Marques
Invitado Daniel Casares (guitarra)

Cuca Roseta igual le canta a Un amor de domingo que, en otro arrebato de luz, Amor ladrão,
le dedica su voz a una pasión algo canalla. El fado en ella es un juguete alegre que en más
de un momento se resiste a la melancolía de la saudade y nos invita a bailar a ritmo de
swing. Pero no se olvida la lisboeta de la esencia del fado. En uno de sus álbumes más
recientes, Amália por Cuca Roseta, recorre temas del gran icono de la canción portuguesa.
Y el raudal del sentimiento se desborda ahí, en Fado Malhoa, Com que voz, Ai Mouraria
o Vagamundo. Con siete discos publicados, Cuca Roseta ha conquistado a productores
como Gustavo Santaolalla y Nelson Motta, que han unido su música a la de Bryan Adams,
Jorge Drexler o Ivan Lins.
La claridad de su timbre, los colores de sus notas y frases, unidas a esa capacidad para
cantar al pasado pero mirar alegre al futuro, han convertido a Roseta en una de las voces
más destacadas del nuevo fado, una artista que no se limita a lo que de ella se espera sino
que aborda con corazón el terreno del pop o de la canción de autor en trabajos como Luz
(2017) o Meu (2020). El Festival de fado 2022 y el Teatro Lope de Vega acercan a Sevilla
a una artista que es además la mejor embajadora de la capital vecina: Santo Antonio,
Ourique, Ribeira están de moda, canta en Lisboa de agora, toda una invitación vitalista y
luminosa a perderse entre sus barrios y gentes.
©PedroFerreira
Castilla

En complicidad con el Festival de Fado 2022

©Luis

41
 Cluster, una autoficción Teatro

generacional DIC 22
Sáb
20h 03 Dom
19h 04
La_Compañía exlímite /
Fernando Delgado-Hierro / Duración 210 min (con descanso)
Juan Ceacero Precio de 4 a 21 euros

Textos originales , textos elaborados a partir Ayudante de dirección Leyre Morlán

de la creación del elenco y dramaturgia textual
Fernando Delgado-Hierro
Concepción, dramaturgia escénica y dirección
Juan Ceacero
Intérpretes Javier Ballesteros, Pablo Chaves, Leticia
Etala, Beatriz Jaén, Ángel Perabá, Néstor Roldán,
Belén de Santiago y Laura Santos.
Diseño plástico Paola de Diego
Iluminación Juan Ripoll
Coordinación técnica Álvaro Guisado
Ayudante de producción María Martínez-Rivas
Producción La_Compañía exlímite

La juventud, un territorio cuyas fronteras solo admiten ser cruzadas en un sentido, abunda
en instantes brillantes pero también en ocasos dolorosos. Cuando cae la cortina, no hay
vuelta atrás. Los protagonistas de Cluster se asoman a ese punto en sus vidas revisando el
viaje que les ha traído hasta hoy. “Cluster”, cúmulo o agrupamiento en inglés, es la palabra
que mejor define a este conglomerado de hombres y mujeres asomándose a la treintena.
Los jóvenes de este ejercicio de autoficción nacido en 2021 en el espacio Exlímite de
Madrid son hijos de los 80, criaturas vitales pero inseguras. Una generación enfrentada al
espejo de la ilusión y la desesperanza y a sus propias conquistas y derrotas, al amor, a la
precariedad, a la amistad, a la distancia.
Cluster es una construcción poderosa nacida de un proceso de investigación en el que
Fernando Delgado-Hierro y Juan Ceacero confrontaron a los ocho integrantes de La_
Compañía exlímite con sus propios recuerdos y vivencias, entroncando con una tendencia
imparable en las artes escénicas contemporáneas, la exploración del lugar de la memoria
unido a la creación. Esa barrera difusa entre realidad y ficción encuentra en Cluster un
lenguaje joven y novedoso en el que se dan la mano el teatro y la danza, la melancolía y el
humor.
Tras la aplaudida sorpresa que supuso Los Remedios, también con la firma de La_Compañía
exlímite, Cluster, supone la confirmación de una nueva e incuestionable presencia en la
©Luz Soria

creación escénica independiente actual.

43
 Torquemada Teatro

Benito Pérez Galdós / DIC 22

Juan Carlos Pérez de la Fuente Jue
20h 08
Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Autor original Benito Pérez Galdós Vestuario Almudena Rodríguez Huertas

Dirección y escenografía Juan Carlos Pérez
de la Fuente
Versión Ignacio García May
Intérprete Pedro Casablanc
Iluminación José Manuel Guerra
Composición musical Tuti Fernández
Ayudante de dirección Micaela Quesada
Agradecimientos Teatro del Colegio Mayor
Elías Ahuja
Producción Comunidad de Madrid

Avaro a la altura del Scrooge de Dickens o el Harpagón de Molière, Torquemada es una de las
criaturas más desconocidas y a la vez más fascinantes de la inmensa obra de Benito Pérez
Galdós. El dramaturgo y adaptador Ignacio García May, autor de una treintena de obras
como Alesio y Los vivos y los muertos, además de numerosas traducciones y versiones, y el
director Juan Carlos Pérez de la Fuente, que estuvo al frente del Centro Dramático Nacional
(CDN) y ha firmado montajes inolvidables de Arrabal, Buero Vallejo, Nieva, Aub o el propio
Pérez Galdós, formaron en 2020 un equipo pleno de talento y experiencia para celebrar el
centenario del escritor canario. Lo hicieron con este triple mortal, o más bien cuádruple: unir
en un montaje la tetralogía de Torquemada.
Pérez Galdós narra en las cuatro novelas que componen el ciclo el ascenso y caída de
Francisco Torquemada, usurero miserable que va medrando hasta llegar a marqués y
millonario. Un completo retrato social del Madrid isabelino en el que Pedro Casablanc,
todoterreno escénico, deja su sello personal para recordarnos que es uno de los grandes
actores de su generación.

Al hablar hoy del teatro de Galdós no debemos ceñirnos a la veintena de textos

dramáticos que escribió para la escena. Esto sería una labor reduccionista. Debemos
adentrarnos con valentía en su universo narrativo porque todo él está contaminado de
©Pedro Gato

teatro. Aceptada esta premisa, la responsabilidad de llevar a las tablas la palabra de

Galdós es completamente nuestra. Juan Carlos Pérez de la Fuente

45
 Los estanques & Música

Anni B Sweet DIC 22

Burbuja cómoda y elefante inesperado

Vie
20h 09
Duración 75 min
Precio de 4 a 21 euros

Voz Anni B Sweet

Voz, teclado y guitarra Anni B Sweet e Iñigo Bregel
Guitarra Germán Herrero
Bajo Daniel Pozo
Batería Andrea Conti

Hay uniones improbables de las que surgen la sorpresa y la belleza. La de Anni B. Sweet
y Los Estanques es una simbiosis entre el pop y el rock progresivo, entre la canción indie
y la psicodelia, que en mayo de 2022 eclosionó en una criatura de vivos colores titulada
Burbuja cómoda y elefante inesperado. La voz de la artista malagueña encontró acomodo
en la mirada retro de la banda madrileña. La cantante y el cuarteto comandado por Íñigo
Bregel se lanzan a un viaje espacial y temporal. En realidad, la colaboración parece un paso
natural para Anni B. Sweet tras Universo por estrenar (2019), un trabajo en el que rozaba
la psicodelia con guitarras setenteras y practicaba el viaje interior y el guiño cósmico. Por
su parte, Los Estanques supuso una revelación en el panorama musical con su creatividad
explosiva en álbumes como Contiene percal (2017) o IV (2022).
Del encuentro entre artistas con querencia por la experimentación ha surgido algo
diferente. Un vehículo espacial con forma de trece canciones que no dejan indiferente,
trece tragos de absenta en los que la lírica de lo irreal se alía con los juegos vocales. “Lo
que sea que hagas, hazlo sin rechistar”, sentencian en Brillabas, uno de los viajes más
redondos. La sorpresa asoma en tomas como la que abre el disco, He bebido tanto (que…),
en la sonoridad de guateque que define Tu pelo de flores o en los sonidos progresivos
de Caballitos de mar, la pista que sirve de tarjeta de presentación. “Cuando la terminas
de escuchar tienes más sensación de haber festejado que de haber sufrido una pérdida.
©Iris Benegas

Quizá más que un fracaso o una victoria, sea una canción de rabia por lo que pudo ser y
nunca fue”, cuentan de esta desconcertante explosión pop, una canción triste camuflada
en un estribillo lleno de energía y ritmo que recuerda a la Motown de los años 60.
47
 San Vito Danza

Teatro Anatómico / Ana Sánchez Acevedo / DIC 22

Juan Luis Matilla Vie
20h 16
Duración 90 min
Estreno absoluto Precio de 4 a 21 euros

Coreografía e interpretación Juan Luis Matilla Dirección musical Pedro Rojas-Ogáyar

Dirección de escena y dramaturgia Ana Sánchez
Acevedo
Acompañamiento artístico y coreográfico Luz Arcas
Iluminación Benito Jiménez Álvarez
Dirección artística, escenografía y vestuario Teatro
Anatómico
Música de la Mugre
Guitarra Pedro Rojas-Ogáyar
Bajo, armonio y sintetizadores Javier Mora
Batería y percusión Borja Díaz
Producción Teatro Lope de Vega

El baile de San Vito fue el nombre popular con el que se conoció a un fenómeno histórico
desconcertante: las epidemias de baile documentadas en diferentes países, sobre
todo en el centro de Europa, entre los siglos XIV y XVII. Grupos de personas bailaban y
bailaban juntas sin parar, unidas en un frenesí contagioso al que, en ocasiones, llegaban
a sumarse miles de individuos. Bailaban durante horas, a veces días, y algunos acababan
derrumbándose agotados y llegaban a morir.
Qué empujaba a ciudadanos desconocidos entre sí a esta vorágine física, a esta forma de
histeria colectiva, es algo que aún hoy no está claro: crisis, cultos religiosos, intoxicaciones
o afecciones psicógenas masivas son solo hipótesis. Queda la fascinación, impulso
creativo del que surge San Vito, una exploración que firma Teatro Anatómico, compañía
de danza contemporánea formada en 2021 por Ana Sánchez Acevedo, dramaturga y
directora, y Pedro Rojas-Ogáyar, director musical y guitarrista en el montaje.
Tras haber colaborado en la ópera experimental Chillar todo el día, con Proyecto OCNOS
(2021), San Vito es el primer montaje de su nueva formación, cuyo estreno absoluto
acoge el Teatro Lope de Vega. Juan Luis Matilla, coreógrafo e intérprete, con ayuda de
Luz Arcas (La Phármaco), da cuerpo en escena a una pieza que indaga en las relaciones
de las coreomanías con el presente: la corporalidad individual y colectiva, el orden y la
©AnaCayuela

regulación del movimiento, su productividad o improductividad y las dinámicas de

contagio o inmunidad masivas.

49
En tierra extraña Teatro

José María Cámara / Juan Carlos Rubio DIC 22

Sáb
20h 17 Dom
19h 18
Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Idea original José María Cámara y Juan Carlos
Rubio
Libreto y dirección Juan Carlos Rubio
Dirección musical Julio Awad
Intérpretes Alejandro Vera, Diana Navarro y
Avelino Piedad
Ayudante de dirección Marisa Pino
Iluminación Paloma Parra
Escenografía Estudiodedos, Curt Allen Wilmer
(AAPEE) y Leticia Gañán.
Vestuario Ana Llena
Caracterización Chema Noci
Coreógrafo José Antonio Torres
Productor asociado David Serrano
Producción SOM Produce, Teatro Español y EN
TIERRA EXTRAÑA 2021 AIE

En torno a la figura de Federico García Lorca han surgido durante décadas homenajes,
recitales y biografías. También ficciones. En tierra extraña propone un encuentro nunca
documentado, curioso, lúdico y no improbable. ¿Y si el poeta granadino y Concha Piquer
hubieran llegado a conocerse? Es 1936 y España se asoma a sus años más terribles. En un
teatro vacío, Lorca y Piquer se citan brevemente. Representan a dos realidades sociales y
dos formas de entender la vida y el arte. Con el ilustre letrista Rafael de León como testigo
y tercero en discordia, el escritor y la tonadillera, figuras de genio y talento, se tantearán y
se medirán ante un piano y ante la cuarta pared.
Idea de José María Cámara y Juan Carlos Rubio, a la que el propio dramaturgo y director ha
dado forma, esta propuesta teatral y musical ha recogido el aplauso del público y la crítica
allí donde se ha visto. En escena, lo teatral da paso a la voz exquisita de Diana Navarro.
Este duelo de gigantes es además un viaje inolvidable por lo mejor de la copla y la canción
popular. El Teatro Lope de Vega recibe con entusiasmo este montaje. Lo hace con toda su
programación, pero en este caso, no podía ser de otro modo. Es en su escenario donde
transcurre esta ficción. Qué mejor lugar para el hermoso encuentro que las tablas de este
teatro ya casi centenario, un espacio joven en aquel 1936 que, igual que hoy, miraba con
ilusión al futuro.

51
Circo de Sur a Sur Circo

La Grainerie / Truca Circus DIC 22

Jue
20h 22 Vie
20h 23
Duración 90 min
Estreno absoluto Precio de 4 a 21 euros

Dirección Ana Donoso Mora y Albin Warette
Intérpretes Andalucía: Eleni Anastasaki, Skye
Cerdá, Vinka Delgado, Rebeca Gallego y Joel
Martí. Toulouse: Ayelen Tejedor, Carla Carnerero,
Cèlia Marcé Oller, Cristóbal Bascur y Nicol Von
Marées Carvalho
Coordinación y producción Sevilla Gonzalo
Andino, Rocío Álvarez-Ossorio, Marta González
y Sara Spínola. Toulouse: Jean-Marc Broqua,
Hélène Métailié y Manon Larroque
Iluminación Manuel Colchero
Vídeo y fotografía Agustín Hurtado
Colaboran Teatro Lope de Vega, Teatro Alameda,
ICAS (Ayuntamiento de Sevilla), Institut Français
(delegación Andalucía y Francia), INAEM
(Ministerio de Cultura), DRACC Occitanie,
Département Haute-Garonne. Con el apoyo del
programa Erasmus+, Ayuntamiento de Toulouse y
Conseil Régional d’Occitanie
Coproducción La Grainerie (Toulouse) &
Truca Circus (Sevilla)

Circo de Sur a Sur es un espectáculo de circo de la compañía sevillana Truca Circus y del
centro de producción y gestión de Toulouse La Grainerie. Del Sur de España, pues, al Sur
de Francia, y dos ciudades hermanadas en algunas de sus señas de identidad. ¿Existe un
circo característico del sur? A esa pregunta trata de responder un proyecto conjunto en el
que cinco artistas andaluces comparten escenario con otros tantos tolosanos, dirigidos
por Ana Donoso Mora y Albin Warette.
Para Truca Circus, el circo es un lenguaje de asombro y poesía en el que las técnicas clásicas
van de la mano de propuestas musicales y estéticas jóvenes. Montajes como Sopla! y
Neón y, sobre todo, el fundacional y premiado Ludo Circus Show (2016), son la tarjeta de
presentación de la compañía. Por su parte, en La Grainierie conviven diferentes colectivos
y compañías, un magma de creatividad en las formas más fronterizas e innovadoras del
circo, la danza y el teatro físico con el centro como catalizador.
La unión de ambos cristaliza en un espectáculo que reúne técnicas como equilibrios, hulas,
mástil, acrobacia, cable, contorsión, diábolo, trapecio fijo, malabares, telas y cuerda lisa.
Circo de Sur a Sur cuenta con apoyo en Andalucía del Teatro Lope de Vega de Sevilla, donde
tiene lugar el estreno absoluto del montaje.

53
 Malditas plumas Danza

Sol Picó ENE 23

Vie
20h 27
Duración 60 min
Precio de 4 a 21 euros

Autoría, dirección e interpretación Sol Picó Acompañamiento Iniciativa Sexual Femenina

Asistencia a la dirección Carme Portaceli
Dirección y composición musical Aurora Bauzà y
Pere Jou (Telemann Rec.)
Interpretación musical Miquel Malirach
Textos Cristina Morales, Francisco Casavella y
Heinrich Böll
Adaptación dramatúrgica Cristina Morales
Escenografía Joan Manrique
Vestuario Joan Miquel Reig
Iluminación Sylvia Kuchinow
Producción Pía Mazuela, Núria Aguiló Sol
Colaboración especial Mag Lari
Coproducción Teatre Nacional de Catalunya, Dansa
Quinzena Metropolitana y Compañía Sol Picó

¿Pueden existir dos universos artísticos más antagónicos que la danza contemporánea y
el cabaret del Paral·lel? La respuesta es Malditas plumas, un espectáculo que derrumba
este prejuicio a cargo de una coreógrafa y bailarina, Sol Picó, acostumbrada a ser libre y
recorrer en sus montajes territorios estéticos insospechados.
En esta pieza, que da la mano al teatro y a las variedades a las que homenajea, Picó da
vida a una vedette. Hay danza, comunión con el público, humor, homenaje y devoción. Una
mirada tierna a un microcosmos, el del Paral·lel de los años 20, en el que la frivolidad y
la crítica social compartían escenario y no era raro encontrar una audiencia variada en
la que el obrero se codeaba con el burgués. Afincada en Barcelona desde que fundó su
compañía en 1994, la alcoyana es hoy una de las personalidades escénicas imprescindibles
para definir y entender la danza contemporánea en España gracias a una carrera con más
de una quincena de premiados espectáculos como Bésame el cactus, La dona manca o
Barbisuperestar y Paella mixta.

Yo quería ser vedette para cantar las cuarenta al mundo, para explicar lo que se siente
cuando ya no puedes sentir por el miedo que te paraliza. Miedo a todo, a bailar cada día
©Jordi Vidal

peor, a cantar, no tiene voz, a llorar, le dirán débil, miedo a la frustración (sueños que no
ocurren)...aunque yo insisto, porque no soy fácil de tumbar. Sol Picó

55
 Silencio Teatro

Juan Mayorga ENE 23

Sáb
20h 28 Dom
19h 29
Duración 100 min
Precio de 4 a 21 euros

Dirección Juan Mayorga Producción ejecutiva Chusa Martín y Cristina

Intérprete Blanca Portillo Gómez
Escenografía y vestuario Elisa Sanz Distribución Entrecajas (Cuca Villén y Susana
Iluminación Pedro Yagüe Rubio)
Espacio sonoro Manu Solís y Mariano García Producción Avance y Entrecajas
Maquillaje y peluquería Thomas Mikel Nicolás Agradecimientos Néstor Rubio, por su pasión
Ayudante de dirección Viviana Porras y su dedicación

“Sucede que en teatro, arte de la palabra pronunciada, el silencio se pronuncia. Sucede que
el teatro puede pensarse y su historia relatarse atendiendo al combate entre la voz y su
silencio. Sucede que en el escenario basta que un personaje exija silencio para que surja lo
teatral”. Las frases anteriores pertenecen a Juan Mayorga. Las pronunció en su discurso
de ingreso en 2019 en la Real Academia Española, que tituló Silencio. Sucede, podríamos
añadir, que en aquel discurso, como cabía ésperar en el autor de piezas como Himmelweg
(Camino del cielo), El chico de la última fila o La tortuga de Darwin, latía una obra de teatro
ingeniosa y capaz de hacer suyo el escenario más allá de los limitados márgenes del papel.
El propio Mayorga tomó las riendas del proyecto, adaptando y dirigiendo su texto en un
montaje sorprendente.
Frente al público, Mayorga cuenta con un alter ego para recordar llamado Blanca Portillo,
una de las grandes actrices españolas de las últimas décadas. Transformada en trasunto
del académico, explota una colección de recursos que deslumbrarán incluso a quien
crea que ya nada le queda por demostrar tras haber sido Segismundo, Semíramis, Madre
Coraje o Hamlet.
©Javier Mantrana

Silencio es un monólogo, una carta de amor al teatro y a algunos de sus grandes personajes
y una reflexión sobre la palabra. Pero también, ante todo, un espectáculo divertido que se
aleja de lo académico para adentrarse en el teatro cercano y emocionante.

57
 El maquinista de Música

La General FEB 23

Buster Keaton / Real Orquesta Sinfónica de

Vie
20h 03 Sáb
18h 04
Sevilla / Timothy Brock
Duración 76 min
Proyección de película muda con música en directo Precio de 3 a 12 euros

The General (El maquinista de La General) (1926)

Dirección Buster Keaton y Clyde Bruckman
Música Timothy Brock (2005)

Real Orquesta Sinfónica de Sevilla

Director Timothy Brock

El maquinista de La general (1926) no solo es la comedia más célebre de Buster Keaton,

sino un largometraje espectacular sobre la Guerra de Secesión. Inspirado en un hecho
real, el audaz robo de un tren, Keaton filmó una gran producción de ambiente bélico con
persecuciones frenéticas que marcaron estilo. Una película atrevida protagonizada por
un héroe sureño tan valiente como torpe que hoy es historia del cine.
Tras las dos emocionantes noches vividas en la pasada temporada con la proyección de
El chico y Luces de la ciudad con la música de Chaplin interpretada en directo por la Real
Orquesta Sinfónica de Sevilla bajo la batuta de Timothy Brock, le toca ahora el turno a El
maquinista de La general. Al contrario que Chaplin, Keaton no solía dar indicaciones sobre
la música de sus películas, dejando así un amplio espacio a la interpretación posterior, el
terreno perfecto para un experto como Brock. En las últimas dos décadas, el compositor
ha restaurado numerosas bandas sonoras y compuesto decenas de trabajos originales
para filmes como Nosferatu (1922), Amanecer (1927), El gabinete del Dr. Caligari (1919) o
Viaje a la luna (1926).

En mi Estados Unidos natal, muchas canciones de la Guerra de Secesión evocan imágenes

©Lobster Films Collection

preexistentes, ninguna de las cuales quería combatir o, peor aún, explotar. Por lo tanto,
elegí componer una variedad de himnos del norte y del sur inspirados en partituras
originales de archivo de la época (1861-1869). Además, como esta película es una comedia,
los himnos se presentan como imagino que podrían haber sido en 1926, en una serie de
escenarios orquestales que incluyen fox-trots, two-steps y valses. Timothy Brock

59
 Rita Payés & Música

Andalucía Big Band FEB 23

Vie
20h 10
Duración 70 min
Precio de 4 a 21 euros

Voz y trombón Rita Payés
Andalucía Big Band
Director Miguel López
Saxos Pedro Cortejosa, Chema Espinosa,
Javier Orti, Leandro Perpiñán, Ignacio Guarrochena
Trompetas Alejandra Artiel, Nacho Loring,
Joseba Robles, Julián Sánchez
Trombones Miguel Barrones, José Vicente Ortega,
Miguel Jiménez, Antonio Mauro
Sección Rítmica Javier Galiana (piano),
Álvaro Fernández Vieito (guitarra),
Javier Delgado (contrabajo), Nacho Megina (batería)

En la pasada temporada, el Teatro Lope de Vega abrió las puertas a una sinergia entre
el jazz de la Andalucía Big Band y el nuevo flamenco de Rosario la Tremendita. La
unión entusiasmó a quienes tuvieron la suerte de vivir aquella noche excepcional. Esta
temporada, el Lope de Vega retoma la fórmula y la Andalucía Big Band será el instrumento
vehicular para presentar a una de las figuras jazzísticas más versátiles del panorama
nacional.
La formación nacida en nuestra comunidad une esta vez su talento a Rita Payés, joven pero
ya aclamada trombonista y cantante catalana que hace del jazz vocal un viaje luminoso
con paradas en la bossa nova y el flamenco, entre otros territorios, siempre meciendo
al público con la suavidad y la elegancia de quien ha crecido entre músicos abiertos a
sonoridades y culturas diversas. Con su madre, la guitarrista Judith Roma, compartió
la grabación de Imagina (2019), donde recuperaba las canciones que se cantaban
mutuamente en casa, y en su siguiente álbum, Como la piel (2021), Payés presentó por
primera vez temas escritos y compuestos por ella misma.
En el Lope de Vega, Payés estará acompañada por la Andalucía Big Band, dirigida por
Miguel López, una orquesta de jazz que lleva 12 años de actividad. En su trayectoria destaca
la publicación de dos discos con música original: Suite Trafalgar y Dr Frankenstein. Desde
su fundación, está gestionada por los músicos que la componen para acercar al público el
©DunaVallès

repertorio tradicional de las Big Bands y la obra de compositores contemporáneos.

61
Paraíso perdido Teatro

John Milton / Helena Tornero / Andrés Lima FEB 23

Sáb
20h 11 Dom
19h 12
Duración 100 min
Precio de 4 a 21 euros

Autoría Helena Tornero (basado en el poema
épico Paraíso Perdido de John Milton)
Dramaturgia Helena Tornero y Andrés Lima
Dirección Andrés Lima
Intérpretes Pere Arquillué, Cristina Plazas, Lucía
Juárez, Rubén de Eguia, Elena Tarrats y Laura Font
Escenografía y vestuario Beatriz San Juan
Construcción de la escenografía Pascualín
Estructures
Confección del vestuario Goretti Puente
Iluminación Valentín Álvarez (AAI)
Música original y espacio sonoro Jaume Manresa
Videocreación y postproducción Miquel Àngel Raió
Caracterización Cécile Kretschmar
Fotografía David Ruano
Producción Grec 2022 Festival de Barcelona,
Teatre Romea y Centro Dramático Nacional
Colabora ICEC, Ayuntamiento de Barcelona e INAEM

El largo poema épico Paraíso perdido, escrito por John Milton en 1667, narra dos caídas.
Primero, la de Satán, en su rebelión contra Dios, una batalla grandiosa que las huestes
celestiales ganarán. Después, la de Adán y Eva, expulsados del Edén. La pérdida y la
desobediencia son temas principales en este poema en prosa adelantado a la poesía
contemporánea y osado en su concepción heroica de quienes se oponen al poder, en
este caso nada menos que el divino.
Llevar a escena este clásico de la literatura inglesa y europea es el reto asumido por
Andrés Lima, director en cuyos montajes caben la violencia y la introspección, la sorpresa
y la poesía, como ha demostrado en las dos partes de Shock o en El chico de la última fila,
así como en su larga carrera con la compañía Animalario con títulos como Hamelin, Urtain o
Marat/Sade. Lo hace a partir de un texto de Helena Tornero, cuya ópera Je suis narcissiste
acoge también el Teatro Lope de Vega esta temporada, que ha acercado a Milton a una
mirada contemporánea. Una dramaturgia que homenajea el oficio del comediante, tan
vilipendiado durante siglos, y que rompe la cuarta pared en un montaje que invita al
público a buscar sus batallas interiores, los ángeles, demonios y pecados originales que
laten en cada uno de nosotros.

63
 El gallinero Teatro

(Un Strindberg andaluz) FEB 23

Teatro Resistente / José Luis de Blas

Sáb
20h 18 Dom
19h 19
Duración 80 min
Estreno absoluto Precio de 4 a 21 euros

Texto y dramaturgia José Luis de Blas
Dirección José Luis de Blas, Lola Botello y Natalia
Jiménez Gallardo
Intérpretes Lola Botello, Nieve Castro, Fernando
Jariego, Carmen León y Arturo Parrilla
Dirección musical Lola Botello
Movimiento escénico Natalia Jiménez Gallardo
Iluminación Carmen Mori
Sonido Enrique Galera
Producción ejecutiva Ángeles Roquero
Escenografía Teatro Resistente
Agradecimientos Teresa Alba y Espacio Dársena

Si en Los árboles, Teatro Resistente transformó El jardín de los cerezos en una nueva pieza,
un Chéjov “a la andaluza”, la joven compañía sevillana sigue fiel a la esencia del montaje
que la puso en boca de público, crítica y programadores con su segunda producción, El
gallinero (un Strindberg andaluz), en la que adapta la novela La habitación roja a la realidad
de la Andalucía de los años 70.
Publicada en 1879, la primera novela de August Strindberg supuso un terremoto formal y
se atrevió a denunciar la hipocresía y la falta de escrúpulos de una sociedad en la que tan
escandalosa como la ignorancia de periodistas, artistas o editores era la doble moral de
la burguesía, las damas y los empresarios. Teatro Resistente ha encontrado en los últimos
años de la dictadura franquista un marco al que trasladar la acción, una Andalucía que se
abre a los primeros movimientos feministas y un lugar y un momento en el que el teatro
independiente bullía en un caldo de cultivo rico a punto de cambiar.
Teatro Resistente reflexiona sobre su profesión mezclando lo musical y lo teatral. En su
concepto escénico el cuerpo del actor conforma la escenografía y lo coral es a la vez
©Felipe Rodriguez

literal y metafórico, además de adentrarse en el teatro dentro del teatro con seis historias
breves, centradas en el personaje de Rengel, un aspirante a actor cuya llegada a una
compañía la abocará a un cambio definitivo.

65
 O Sister! Música

Aftershow FEB 23
Sáb
20h 25
Duración 105 min
Estreno absoluto Precio de 4 a 21 euros

Voz contralto y ukelele Paula Padilla Dramaturgia Julio León Rocha

Voz soprano Helena Amado
Voz tenor Marcos Padilla
Guitarras y bajo Matías Comino
Contrabajo Camilo Bosso
Batería y percusiones Pablo Cabra
Puesta en escena Fran Pérez Román
Espacio escénico Julia Rodríguez
Vestuario Gloria Trenado
Diseño iluminación Benito Jiménez
Sonido Javi Mora
Fotografía Miguel Jiménez
Producción y contratación Ivan Pivotti

Aunque parezca mentira, ha pasado ya un siglo desde aquellos alegres años 20 en los
que el jazz vocal era la banda sonora de la vida social en la América despreocupada. Ese
espíritu, que impregna el swing y el jazz de la Edad Dorada, es el que mantiene vivo y
asombrosamente actual O Sister! No, no son de Nueva Orleans ni de Los Ángeles, pero lo
parecen: el sexteto sevillano se ha hecho un nombre internacional defendiendo un swing
vital y bailable que hace suyos temas cantados por Duke Ellington o Louis Armstrong,
aunque más allá de los gigantes del jazz, el grupo recupera y homenajea el repertorio de
cantantes como The Boswell Sisters o Ruth Etting. Con cinco discos en su haber, su último
trabajo explora géneros y ambientes nuevos.
The Night When Nobody Cares presenta ese trabajo en un espectáculo que va más allá
de lo musical gracias a la dramaturgia de Julio León Rocha y la dirección de Fran Pérez
Román, de quienes el Lope de Vega ofrece esta temporada también la pieza de danza Las
dependientas. Con O Sister! nos invitan a un concierto, pero también a un viaje escénico
©Miguel Jiménez

en el que las voces de Paula Padilla y Helena Amado se combinan con la de Marcos Padilla
junto a la instrumentación. Una experiencia con sabor a Zigfield Follies y a ragtime en un
“speakeasy” que hubiera viajado hasta nuestros días por arte de magia.

67
 Dramawalker Nuevas miradas

Teatro Lope de Vega / Centro Dramático Nacional FEB 23

Dom
12h y 19h 26
Duración 75 min
Estreno absoluto Precio 15 euros

Aforo limitado

Curadoría David Montero Producción Teatro Lope de Vega y Centro

Dramaturgia Rosa Romero, Ana Sánchez Acevedo, Dramático Nacional
Alberto Cortés, Alex Peña y David Montero En colaboración con Transportes Urbanos de
Espacio sonoro José Torres Sevilla (TUSSAM)
Diseño gráfico y asesoría urbana Lugadero

El Teatro Lope de Vega acoge en coproducción con el Centro Dramático Nacional

Dramawalker, un proyecto de ficciones sonoras que convierte a Sevilla y sus habitantes
en protagonistas. Más allá de la historia oficial, Dramawalker construye una intrahistoria
creada por los propios vecinos, potenciando su vínculo emocional e identitario y
acercando al resto de la ciudadanía a un nuevo mapa de vivencias por descubrir.
Este proyecto se ha desarrollado anteriormente en Madrid, Barcelona, Santiago de
Compostela y Logroño, ciudades donde ha reunido a dramaturgos y actores como
Alberto Conejero, María Velasco, Pepe Viyuela, Silvia Navarro, Francesco Carril, Mamen
Camacho, Xron, Malena Alterio y Esther F. Carrodeguas.
En esta ocasión, se han elegido cinco nombres representativos del panorama de la
dramaturgia contemporánea en Sevilla. Personalidades diversas con un elemento en
común: su compromiso con que la escena sea tomada por la realidad. El trabajo cristalizará
en cuatro piezas inspiradas cada una en una línea de TUSSAM. Los dramaturgos/as
partirán de las vivencias concretas de algunos de los usuarios de los autobuses para crear
sus ficciones sonoras, que serán reflejo de una memoria en y del tránsito en esa ciudad
múltiple, plural e imperfecta que habitamos.
Dramawalker es una forma maravillosa de seguir construyendo y mejorando juntos
el espacio común. Las ficciones, además de quedar alojadas en la web del CDN, se
presentarán físicamente en una acción muy especial: un recorrido exclusivo de autobús
que se compartirá con los espectadores interesados en esas memorias en tránsito en dos
©Lugadero

pases con salida y llegada en el propio Teatro Lope de Vega.

69
 Vera Fauna & amigos Música

MAR 23
Vie
20h 03
Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Guitarra y voz Enrique Suárez

Batería Juan Luis Romero
Bajo y voz Jaime de Sobrino
Guitarra Francisco Javier Blanco

Hay una sencillez contagiosa y bella, en el sentido más cándido del término, en las
melodías de Vera Fauna, un pequeño laberinto de referencias musicales que lo mismo
guiñan un ojo al calor californiano que a la esencia andaluza. “Cómo contar que estar vivo
para mí es razón final / pa beberme esta tarde no hace falta más que mirarte / y este
banquito es el centro del mundo”, cantan en Al dolor.
Enrique Suárez, Juan Luis Romero, Jaime de Sobrino y Francisco Javier Blanco vienen
de Cádiz, Ceuta y Sevilla, y nuestra ciudad los ha visto formarse en 2019 y, en menos de
un lustro, crecer como sensación de la creación musical independiente. Beben de raíces
sevillanas, aunque en sus notas y letras brillan las tardes de la Bahía de Cádiz y una mirada
americana. En ese periplo entre continentes y épocas, marcados por la etiqueta de “pop
lo-fi”, se cuelan la psicodelia setentera, el funk y los ritmos tropicales brasileños. Desde
2019, Vera Fauna se ha convertido en una de las bandas más destacadas de la escena
independiente española. Tras girar por todo el país y lanzar su primer álbum en 2020,
Dudas y Flores, no ha dejado de hacer música, yendo en cada single un poco más allá en
referencias y estilos.
©AlejandroAmere

En el Teatro Lope de Vega celebrarán un encuentro muy especial, una reunión de amigos
con la que presentarán su nuevo disco.

71
 Andanzas y entremeses Teatro

de Juan Rana MAR 23

Ron Lalá /
Sáb
20h 04 Dom
19h 05
Compañía Nacional de Teatro Clásico /
Yayo Cáceres Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Dirección Yayo Cáceres Vestuario Tatiana de Sarabia

Intérpretes Juan Cañas, Daniel Rovalher, Miguel
Magdalena, Fran García e Íñigo Echevarría
Creación colectiva Ron Lalá
Dramaturgia y versiones Álvaro Tato
Composición y arreglos Yayo Cáceres, Juan
Cañas, Miguel Magdalena y Daniel Rovalher
Dirección musical Miguel Magdalena
Escenografía y atrezzo Carolina González
Iluminación Miguel Á. Camacho
Sonido Eduardo Gandulfo
Coproducción Compañía Nacional de Teatro
Clásico y Ron Lalá
Con el apoyo del Programa de Residencia Teatro
del Bosque (Ayto. Móstoles)

El caso de Ron Lalá es paradigmático. Pocas compañías han sabido levantar un fenómeno
teatral y acompañarlo de un público fiel como los madrileños: el humor del quinteto, entre
la desinhibición y la sesión golfa, impregnado de un variado lenguaje musical, avanzó
desde sus primeros montajes de sketches, como Mi misterio del interior o Mundo y
final, hacia el territorio del verso, donde la compañía ha crecido, construyendo tramas y
disfrutando del vocablo y la fiesta áurea.
En Andanzas y entremeses de Juan Rana, el combo toca techo dando voz y vida a
un personaje emblemático del Siglo de Oro, Cosme Pérez (1593-1672), el cómico del
título para el que escribieron papeles y comedias los principales autores del momento.
Los ronlaleros imaginan un proceso hilarante en el que personajes inventados y reales
comparecen obligados por la furia de un inquisidor.
Como ya hizo en Siglo de Oro, siglo de ahora (2012), En un lugar del Quijote… (2015) o
Cervantina (2017), Ron Lalá apuesta por el verso áureo, en esta ocasión en coproducción
con la Compañía Nacional de Teatro Clásico y a lomos de una dramaturgia de Álvaro Tato
que reúne entremeses de Calderón, Jerónimo de Cáncer, Agustín Moreto, Luis Quiñones
de Benavente y Antonio de Solís. Un puzle de divertida musicalidad y juego constante
en el que los cinco actores y músicos, dirigidos como siempre por la mano sabia de Yayo
Cáceres, acercan al siglo XXI a un personaje entrañable y lleno de vida que encarna la
©David Ruiz

alegría y el amor por las tablas.

73
 Las dependientas Danza

La Ejecutora MAR 23
Vie
20h 10
Duración 70 min
Precio de 4 a 21 euros

Dirección Fran Pérez Román Iluminación Benito Jiménez

Dramaturgia Julio León Rocha
Ayudantía de dirección José Luis Bustillo
Intérpretes Beatriz Arjona, Verónica Morales,
Tatiana Sánchez Garland y Celia Vioque
Movimiento Silvia Balvín
Escenografía Julia Rodríguez
Música Pablo Peña y Darío del Moral (Fiera)
Fotografía Mauri Buhígas y Miguel Jiménez
Vídeo Guillermo Marrufo, Agustín Hurtado y
La buena estrella
Prensa Surnames y Narradores Transmedia
Un montaje de Teatro a Pelo y La Ejecutora

“El sujeto de rendimiento, que se cree en libertad, se halla tan encadenado como Prometeo”,
cuenta el pensador Byung-Chul Han en La sociedad del cansancio. ¿Somos libres cuando
elegimos trabajar más para vivir mejor o estamos convirtiéndonos en nuestros propios
explotadores?
Las protagonistas de Las dependientas, espectáculo de La Ejecutora estrenado en
2017, son cuatro mujeres anónimas. Están hastiadas, cansadas, quemadas. Y a la vez
agradecidas. La inercia laboral las empuja a seguir y seguir. Sus cuerpos y sus voces se
unen en una propuesta coreográfica con dramaturgia de Julio León Rocha en la que el
sarcasmo desliza la crítica feroz de un mundo que no ofrece a las trabajadoras más que
rutinas y sumisión.
Beatriz Arjona, Verónica Morales, Tatiana Sánchez Garland y Celia Vioque componen
dependientas individuales, cada una con su resignación y frustraciones. A la vez, forman
un conjunto: los miembros y órganos de un cuerpo enfermo de positivismo. La Ejecutora,
compañía sevillana de creación cultural multidisciplinar que ha acumulado premios y
©MiguelJiménez

reconocimientos con Las dependientas y ha seguido creciendo en su lenguaje escénico

con montajes como Las que arden o Melodrama, regresa con Las dependientas al teatro
Lope de Vega, donde la temporada pasada estrenó su ópera La Mujer Tigre.

75
Delicadas Teatro

Alfredo Sanzol / T de Teatre MAR 23

Sáb
20h 11 Dom
19h 12
Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Autor y dirección Alfredo Sanzol Asistente de dirección Eli Iranzo

Intérpretes Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla,
Albert Ribalta, Jordi Rico y Ágata Roca
Escenografía y vestuario Alejandro Andújar
Iluminación Albert Faura
Sonido Roc Mateu
Caracterización Eva Fernández
Producción ejecutiva Daniel López-Orós
Coproducción T de Teatre y Grec 2010 Festival de
Barcelona
Con el soporte de Institut Català de les Empreses
Culturals de la Generalitat de Catalunya
Con la colaboración de Teatre La Sala
(Ajuntament de Rubí)

Delicadas nace de la colaboración entre la compañía T de Teatre y el dramaturgo

y director Alfredo Sanzol. La compañía catalana y el autor navarro se descubrieron
mutuamente al ver Sí, pero no lo soy y ¡Hombres!. El flechazo artístico cuajó en 2010 con
este espectáculo en el que unieron fuerzas. Más tarde, en 2012, repitieron con ¡Aventura!
En esta colaboración, que vuelve a los escenarios más de una década después, las voces
de ambos se combinaron y nació un salto en el tiempo caleidoscópico, una mirada tierna
y cómica que homenajea a un grupo a menudo olvidado en la historia de España: nuestras
bisabuelas, abuelas y tías -en algún caso, para los más veteranos espectadores, madres
y hermanas-, una generación de mujeres duras y resistentes, capaces de sobrevivir a la
guerra y aguantar sin alzar la voz ni torcer el gesto las embestidas de una posguerra que
las puso a prueba. Mujeres que aguardaban años a sus amados, que sostenían las casas y
vertebraban las familias. Mujeres, paradójicamente, nada delicadas.
Estructurada en una veintena de historias impregnadas del humor que es ya marca de
la casa en Sanzol, tan apegado a la tierra y la familia, y pasadas por el tamiz y el carácter
de la compañía de Barcelona, que ha celebrado su trigésimo aniversario, Delicadas
nos descubre un universo delicioso y memorable de rosales que resucitan, costureras
imaginativas, mujeres que avituallan a sus familiares cuando parten a la guerra, pintoras
desesperadas por vender su obra y novias que harán lo que sea por mandarle un recuerdo
al frente a su prometido.

77
 Made of Space Danza

GN|MC Guy Nader | Maria Campos MAR 23

Vie
20h 17
Duración 70 min
Precio de 4 a 21 euros

Idea-concepto GN|MC Guy Nader | Maria Campos Diseño escénico GN|MC

Dirección Guy Nader
Codirección Maria Campos
Composición musical Miguel Marín
Música en vivo Daniel Munarriz, Joan Pérez-Villegas
Creación e interpretación Maxime Smeets,
Patricia Hastewell, Noé Ferey, Maria Campos,
Héctor Plaza, Alex De Vries y Anamaria Klajnšček
Diseño iluminación Conchita Pons
Dirección técnica Albert Glas
Vestuario Gabriela Lotaif
Asistencia artística Alexis Eupierre
Ayudantía dirección Claudia SolWat
Coproducción Mercat de les Flors (proyecto
Cèl·lula), Grec 2021 Festival de Barcelona
Con el apoyo BS Fundació, Departament de
Cultura - Generalitat de Catalunya
Con la colaboración Graner - centro de creación,
Conde Duque Centro de Cultura Contemporánea

Técnico de sonido Jonatan Martínez Agradecimientos Michael Yazbek

Hay algo hipnótico en los pasos circulares y evolutivos de Made of Space. Nada en la
superposición de movimientos de un cuerpo de bailarines exacto y creciente es igual
de un momento al siguiente y, a la vez, todo parece remitir a una progresión necesaria,
matemática, como una sucesión de Fibonacci creada con seres vivos. Su génesis, de
hecho, está en una investigación en torno al espacio-tiempo. Guy Nadier y María Campos
proponen repeticiones y variaciones en los que se plantean reflexiones sobre las leyes
de la naturaleza. Esta relación entre ciencia y creación artística está en los dos trabajos
anteriores del dúo, que conforman con Made of Space una trilogía: Time Takes The
Time Time Takes (2015), que se adentraba en conceptos como el péndulo y el engranaje
mecánico y Set of Sets (2018), sobre la naturaleza cíclica del universo, una pieza que
pudimos disfrutar en 2022 en el Lope de Vega.
Guy Nader y María Campos crean su compañía homónima, GN|MC, en 2006 y desde
entonces han distinguido con un sello propio a sus piezas, una alianza entre la pasión
por lo matemático y la belleza plástica y coreográfica. En Made of Space, colaboran de
nuevo con el compositor sevillano Miguel Marín, quien además cerrará esta temporada
en el Lope de Vega en un concierto muy especial. Su música, que será interpretada en
directo por los percusionistas Daniel Munárriz y Joan Pérez-Villegas, crea un torbellino
©Alfred Mauve

creciente de sonidos envolventes y naturales, una atmósfera sonora tan importante como
es habitual en la obra de GN|MC.

79
 Las aves Teatro

Aristófanes / Israel Solá / La Calòrica MAR 23

Sáb
20h 18 Dom
19h 19
Duración 90 min
Un espectáculo de creación colectiva a partir de Las Aves de Aristófanes Precio de 4 a 21 euros

Dramaturgia Joan Yago Caracterización Anna Rosillo

Dirección Israel Solà
Intérpretes Xavi Francés, Aitor Galisteo-Rocher,
Esther López y Marc Rius
Escenografía, vestuario e iluminación Albert
Pascual
Espacio sonoro Guillem Rodríguez con la
colaboración de Arnau Vallvé
Voces en off Queralt Casasayas, Arnau Puig,
Andrea Ros, Vanessa Segura, Júlia Truyol y
Pau Vinyals.
Producción ejecutiva Júlia Truyol
Producción La Calòrica con la colaboración
de Festival Temporada Alta y el apoyo de
Sala Beckett y Departament de Cultura de la
Generalitat de Catalunya

La Calòrica se encuentra con Aristófanes en Las aves y el resultado solo podía ser una
brillante transgresión que se convirtió en uno de los éxitos de la pasada temporada
del Centro Dramático Nacional. Parte del mérito cabe atribuirlo al texto del autor de
Lisístrata y La paz: a medio camino entre la fábula y la sátira, la historia resulta, en una
primera aproximación, un delirio; y, en una lectura más detenida, una fina vivisección de la
sociedad ateniense del momento, con sus vicios, quejas y sinsentidos. Sus protagonistas,
Pisteter y Evélpides, abandonan la ciudad en busca de un legendario país de los pájaros,
con el rey Abubilla al frente, en el que podrán al fin evitar pagar impuestos.
Pero, si esta extraña comedia podría rozar el absurdo hoy, la compañía de Barcelona
lo evita llevándola a su terreno: la crítica del original se transforma en un picotazo al
liberalismo contemporáneo y la alocada propuesta visual y escénica de los barceloneses
transforma un texto de hace más de 2.400 años en una ignición de teatro independiente y
una explosión de comicidad política y contemporánea.
Nacida en 2010, La Calòrica ha estrenado catorce montajes, revulsivos desde el humor
de las concepciones establecidas como Feísima enfermedad y muy triste muerte de la
Reina Isabel I (2020), una tragicomedia grotesca sobre el poder, o Fairfly (2017), comedia
contra la burbuja de las startups. Con Las aves (2018), obtuvieron dos Premis de la Crítica
©Anna Fàbrega

(Mejor actor de reparto y Vestuario) y dos Premis Teatre Barcelona (Mejor Espectáculo de
pequeño formato y Actor de reparto).

81
 Órgia Teatro

La Rara / Julia Moyano y Rocío Hoces MAR 23

Sáb
20h 25 Dom
19h 26
Duración 100 min
Estreno absoluto Precio de 4 a 21 euros

Creación La Rara Vestuario Gloria Trenado

Intérpretes Julia Moyano, Nerea Cordero, Eva
Gallego, Rocío Hoces y Eloísa Cantón
Espacio sonoro Eloísa Cantón
Iluminación y coordinación técnica Benito Jiménez
Acompañamiento artístico Irene Cantero
Asistencia de movimiento y coreografía Natalia
Jiménez Gallardo
Producción ejecutiva Jorge Dubarry
Fotografía Alejandra Amere
Diseño Lugadero
Trabajo de Verbatim y asesoramiento dramatúrgico
Lucía Miranda (The Cross Border Proyect)
Producción La Rara y Teatro Lope de Vega

Después de convertirse en compañía revelación en 2020 con Si yo fuera madre, La Rara

se sumó a Frenia, una investigación apoyada por el Instituto de la Cultura y las Artes, bajo
el programa Banco de Proyectos del Ayuntamiento de Sevilla. Fruto de este proceso, que
incluyó dos residencias artísticas en el antiguo Hospital Psiquiátrico de Miraflores de
Sevilla, nace Órgia. En su nuevo montaje, Julia Moyano y Rocío Hoces se adentran en los
diferentes sistemas de opresión sobre las mujeres y su relación con la locura.
El montaje combina tres líneas temporales: el pasado que cuenta el presente, el pasado
y el presente que compone el futuro. En este segundo montaje, la Rara combina
diferentes lenguajes escénicos. Se acercan al Verbatim –una forma literal de teatro
documental–, apoyada en la experiencia de Lucía Miranda, directora de The Cross Border
Proyect, la compañía española más reconocida en este terreno. Y siguen explorando
las posibilidades de la narrativa transmedia que usaron en la versión virtual de Si Yo
Fuera Madre y la autoficción plural que apela al público de forma íntima y directa y que
caracteriza su anterior pieza. La iluminación y el espacio sonoro se conjugan en primer
plano empastando los tres códigos.
©Alejandra Amere

Órgia es una acto ecléctico que reúne historias de vidas secuestradas y maltrechas de
mujeres que ya no lo pueden contar, relatos íntimos de quiénes lo vivieron y quieren
contarlo y una verbena de voces de mujeres ávidas de ser cuerpo, uno sólo, y hacerlo saltar.

83
 Las bingueras Teatro

Las Niñas de Cádiz / José Troncoso MAR 23

Jue
20h 30 Vie
20h 31
Duración 65 min
Precio de 4 a 21 euros

Texto Ana López Segovia Vestuario Miguel Ángel Milán

Dirección José Troncoso
Intérpretes Ana López Segovia, Alejandra López,
Teresa Quintero, Rocío Segovia, Jose Troncoso y
Fernando Cueto
Ayudante de dirección Jesús Lavi
Escenografía Las Niñas de Cádiz
Espacio sonoro Mariano Marín
Iluminación Agustín Maza
Asesoría en producción Violeta Hernández.
LA SUITE
Distribución César Arias Barrientos
Producción Las Niñas de Cádiz SL

Con El viento es salvaje, Las Niñas de Cádiz dejaron claro en 2020 que había una voz
nueva en el panorama teatral independiente, una compañía mordaz capaz de hacer de
la chirigota un arte que trasciende la calle. Lo pudimos comprobar en el Lope de Vega,
donde la función fue un éxito la última temporada. Las Niñas de Cádiz reivindican su lugar
como propuesta cómica a tomar en serio, por más que la contradicción parezca evidente.
En Las bingueras, acuden a Las Bacantes de Eurípides, transformadas en un grupo de
mujeres que cada tarde se reúnen en un bingo clandestino para huir de una realidad triste
y monótona, perseguidas por un policía empeñado en cerrar el local. Una lucha entre lo
apolíneo y lo dionisíaco que la compañía, apoyada en la dirección de José Troncoso, una
de las voces más destacadas de la nueva escena española, lleva al terreno que mejor
domina: el humor desinhibido, la ironía y, por supuesto, la chirigota.

En nuestro mundo creativo siempre ha existido una absoluta fascinación por la

amoralidad, encarnada en mujeres y hombres que encierran dentro de sí un mundo interior
donde los límites entre lo correcto y lo transgresor se tambalean, en donde se cuestiona
lo ético y el ansia de libertad arrasa salvajemente con todo, incluso con los valores más
elevados e intocables de nuestra cultura. Dentro de esta fascinación, nuestra mirada
se ha dirigido sobre todo a las mujeres, secularmente oprimidas por la moral patriarcal,
©Susana Martín

y especialmente las mujeres de nuestra vida, de nuestro barrio, a las que hemos visto
sobrellevar la frustración y los dolores a golpes de humor y pastillas. Ana López Segovia

85
 Les vieux Danza

Teatro del Velador / Juan Dolores Caballero ABR 23

Jue
20h 13
Duración 60 min
Precio de 4 a 21 euros

Dirección y dramaturgia Juan Dolores Caballero Producción GNP

Intérpretes Iván Amaya, Sergio Andolini, Fran
Caballero, Raúl Heras, Belén Lario, Renata Edison
y Dany Zoo
Composición musical y espacio sonoro
Inmaculada Almendral
Diseños Pablo Lanuza
Iluminación Néstor García
Jefe técnico en gira Néstor García
Gestión administrativa Gestora de Nuevos
Proyectos Culturales
Coproducción Festival Internacional de Danza
de Itálica y Teatro del Velador. Compañía en
residencia artística dentro del programa Ágora de
la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales
de la Consejería de Cultura de la Junta de
Andalucía.

En una sociedad que tiende a arrinconar y olvidar a una parte importantísima de su

población, la tercera edad, un espectáculo como Les vieux es, al margen de sus valores
artísticos, una declaración de principios necesaria. La compañía sevillana Teatro del
Velador regresa al terreno fronterizo que separa la danza del teatro en un homenaje a
la diversidad de los ancianos, un segmento al que a menudo se toma por personas sin
capacidad de decisión, casi niños a los que manejar, olvidando que esos cuerpos ajados
esconden historias, emociones y personalidades variadas.
En Les Vieux, Juan Dolores Caballero firma una dramaturgia que se adentra en un
manicomio. Siete bailarines habitan ese universo tan querido por la compañía y el director
sevillanos, un mundo de personajes marginales, a veces grotescos, criaturas con estigmas
que nos recuerdan que tras las máscaras de la sociedad se esconden el dolor y la soledad.
Fundada en 1990, Teatro del Velador ha mantenido una coherencia artística a lo largo de
tres décadas con montajes como Las Gracias Mohosas, Las aves, La noche o La cárcel de
Sevilla, que explotan el lenguaje que han bautizado como “teatro bruto”.
Nos adentramos en un laberinto, en un bosque en el que conviven los “Vieux”, seres de
la realidad, con otros de la fantasía que surgen de forma inesperada, apareciendo la
verdad en un efímero instante; esto provocará la liberación de las trabas cotidianas,
permitiendo que afloren la pasión total y el amor e intentando desterrar con una nota de
©Lolo Vasco

alegría el posible dolor de una vida. Juan Dolores Caballero

87
 Los pálidos Teatro

Lucía Carballal / Centro Dramático Nacional ABR 23

Sáb
20h 15 Dom
19h 16
Duración 95 min
Precio de 4 a 21 euros

Texto y dirección Lucía Carballal Diseño de sonido Sandra Vicente

Escenografía Alessio Meloni Intérpretes Israel Elejalde, Miki Esparbé, Natalia
Vestuario Sandra Espinosa Huarte y Manuela Paso
Iluminación Paloma Parra Producción Centro Dramático Nacional
Ayudante de dirección Raquel Alarcón

En poco más de una década, Lucía Carballal (Madrid, 1984) ha irrumpido con fuerza
en la escritura dramática española, con un pie en una formalidad clásica y otro en una
óptica contemporánea, presentando conflictos que rompen esquemas y profundizan en
la psicología de sus protagonistas. Autora de Una vida americana (2017), Las bárbaras
(2019) o La resistencia (2019), con dirección de Israel Elejalde, en Los pálidos, dramaturga
y actor vuelven a colaborar, pero esta vez Carballal toma las riendas de su propio texto.
El montaje propone una reflexión sobre el feminismo y los nuevos movimientos surgidos
del #MeToo. Jacobo, un guionista de televisión, se ve obligado a disculparse: su serie,
que abordaba temas como la sororidad y la lucha de la mujer deportista, ha sido acusada
de sexista. La cadena le ofrece redención trabajando junto a una guionista novel, María,
abiertamente lesbiana y vinculada a la “nueva ficción”. El tándem, en el que cristaliza tanto
una brecha de género como generacional, deberá escribir una nueva serie de éxito y
ejemplar. Los tiempos han cambiado. El paradigma de la ficción también. El menguado
equipo de guionistas, que incluye a la eterna entusiasta Annalena y al hermano pequeño
de Jacobo, Max, personifican las relaciones y pulsiones que dan forma a nuestra sociedad.
©Marcos G punto

En los tiempos del llamado “consumo responsable”, Los pálidos cuestiona la posibilidad
de la pureza y las contradicciones de una revuelta que tiene lugar en el corazón mismo de
una industria millonaria.

89
 Alegorías Danza

Paula Comitre / Lorena Nogal MAY 23

Vie
20h 05
Duración 65 min
Precio de 4 a 21 euros

Dirección e intérprete baile Paula Comitre Diseño de iluminación Bernat Jansà

Artista en colaboración danza Lorena Nogal Diseño del espacio sonoro Gaspar Baker
Idea escénica, original y coreografía Paula Diseño de vestuario y confección Belén de la
Comitre y Lorena Nogal Quintana y Pilar Cordero
Dirección musical Jesús Torres Co-producción Chaillot Teatro Nacional de
Asesoramiento dramatúrgico Tanya Beyeler la danza -Paula Comitre- Arte y Movimiento
Visión externa David Coria Producciones
Colaboración coreográfica en una pieza Eduardo
Martínez
Músicos en directo
Cante Tomás de Perrate
Guitarra Juan Campallo
Percusión Rafael Heredia

Hay dos fronteras que definen Alegorías: la primera, la que separa realidad y ficción,
es decir, vida y arte. El nuevo espectáculo que ha unido a las coreógrafas y bailarinas
Paula Comitre y Lorena Nogal indaga en la dualidad del ser humano: nos aferramos a
nuestra parte material y a la vez levantamos planos imaginados en los que surgen ideas y
construcciones que cobran vida más allá de los límites naturales. La otra frontera es la que
trata de separar sin éxito al flamenco y a la danza contemporánea.
Premio Artista Revelación del Festival de Jerez y Giraldillo Revelación de la Bienal
de Flamenco de Sevilla en 2020, Comitre (Sevilla, 1994) da un paso experimental en su
segundo espectáculo, tras Cámara abierta, su debut en solitario. Alegorías es una
propuesta especular en la que su esencia flamenca se hermana con los nuevos lenguajes
de Nogal (Barcelona, 1984), creadora desde hace años en los espectáculos heterodoxos
de La Veronal, una de las compañías más creativas de la danza contemporánea actual
en España, sin olvidar sus colaboraciones con formaciones como It Dansa, The Royal
Danish Ballet, Beijing Dance Theater, Compañía Nacional de Danza, Gelabert- Azzopardi
o Lanònima imperial.
La unión de ambas creadoras en esta pieza, en la que colaboran Jesús Torres, Tanya
©Alain Scherer

Beyeler (El Conde de Torrefiel), David Coria y Eduardo Martínez, es en sí misma una
alegoría: la de la belleza de la danza, sea cual sea su raíz.

91
 Tea Rooms Teatro

Luisa Carnés / Laila Ripoll MAY 23

Sáb
20h 06 Dom
19h 07
Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Texto Luisa Carnés Vestuario y plástica Almudena Rodríguez Huertas

Dirección y dramaturgia Laila Ripoll
Ayudante de dirección Héctor del Saz
Intérpretes Paula Iwasaki, Silvia de Pé, María
Álvarez, Carolina Rubio, Elisabet Altube y
Clara Cabrera
Escenografía Arturo Martín Burgos
Espacio sonoro y música original Mariano Marín
Diseño de video escena Emilio Valenzuela
Iluminación Luis Perdiguero
Producción Teatro Fernando Fernán Gómez.
Centro Cultural de la Villa

En el obrador de una pastelería del Madrid de la República, Matilde, recién contratada, es

testigo del día a día de mujeres como ella. Jóvenes como Trini o Felisa, con sueños pero
sin medios, mayores como Antonia, que saben que conviene no quejarse y callar, porque
es complicado encontrar trabajo. El sueldo es malo, las horas muchas y la encargada, un
hueso duro de roer. Fina retratista de los avatares de la clase más humilde, la periodista
Luisa Carnés (1905-1964) narró su propia experiencia en uno de estos establecimientos,
espejo de la ciudad y su época, en Tea Rooms, un texto que la dramaturga y directora
madrileña Laila Ripoll ha recuperado con éxito para la escena en un montaje que tiene
mucho de retrato social e histórico y no menos de reinvindicación de aquellas mujeres
trabajadoras y discretas.
Tea Rooms, un drama con retazos de comedia que reconstruye la lujosa pastelería con
un sabio uso del audiovisual y que presenta a un reparto femenino cargado de talento,
se estrenó en el Teatro Fernán Gómez de Madrid en 2022 y conquistó desde entonces a
público y prensa de forma unánime. El montaje se une al afán de Ripoll por desentrañar la
maraña de la historia reciente de España con títulos como Los niños perdidos, Cancionero
@marcosGpunto

republicano, El triángulo azul o Rif (De piojos y gas mostaza), tanto desde la compañía
Micomicón como en otros proyectos como autora y directora.

93
 40 años Atalaya Teatro

Ricardo Iniesta

Ricardo III Mié

MAY 23

10
William Shakespeare 20h
Duración 90 min
Precio de 4 a 21 euros

Marat / Sade Vie

MAY 23

12
Peter Weiss 20h
Duración 100 min
Precio de 4 a 21 euros

El avaro Dom
MAY 23

14
Molière 19h
Duración 100 min
Precio de 4 a 21 euros

Dirección y adaptación Ricardo Iniesta

Reparto Jerónimo Arenal, Carmen Gallardo, Joaquín Galán, Lidia Mauduit, Silvia Garzón, Manuel Asensio,
Raúl Vera, María Sanz, Enmanuel García, Selu Fernández y Garazi Aldasoro

Decir Atalaya es decir teatro de grupo. En 2023 cumple 40 años y el Teatro Lope de Vega se suma a la
celebración que diversos teatros de España van a llevar a cabo presentando varios de sus montajes.
Para este aniversario, el Lope de Vega ha programado un ciclo con tres de sus espectáculos más
emblemáticos: Ricardo III, Marat/Sade y El avaro.

Atalaya nace en Sevilla en 1983, fundada y dirigida por Ricardo Iniesta. Compañía clave de la escena
española y ganadora del Premio Nacional de Teatro en 2008, ha imprimido un sello poético en sus
producciones, en las que la energía, el poder de la imagen, la voz y las atmósferas conducen a la emoción.
Casi 30 montajes, vistos en más de 43 países de todos los continentes, dan fe de la constancia y talento
de estos apasionados del teatro que han hecho suyas obras de Shakespeare, Lorca, Brecht, Peter Weiss,
Moliere, Valle-Inclán o Sófocles entre otros. Vivo como el primer día e impulsado desde su Centro TNT
Territorio de Nuevos Tiempos, el lenguaje de Atalaya sigue transmitiendo su pasión por el teatro de
repertorio, los autores contemporáneos y los clásicos desde una sensibilidad que escucha a los grandes
maestros. Lejos de estar anclados en el pasado, sus propuestas, como Elektra.25, siguen ganando
©Felipe Romero

premios y conquistando al público de dentro y fuera de España.

En complicidad con el Teatro Central de Sevilla

95
 Je suis narcissiste Música

Raquel García-Tomás / Helena Tornero / MAY 23

Marta Pazos Sáb
20h 20 Dom
19h 21
Duración 80 min
Precio de 4 a 21 euros

Composición Raquel García-Tomás Diseño de Iluminación Nuno Meira

Libreto Helena Tornero
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Dirección musical Vinicius Kattah
Dirección de escena Marta Pazos
Cantantes/intérpretes
Clotilde Elena Copons
Giovanni Toni Marsol
Las mujeres María Hinojosa
Los hombres Joan Ribalta
Diseño de Escenografía Fernando Ribeiro
Diseño de Vestuario Pier Paolo Álvaro
Sonido Sixto Cámara
Movimiento Amaya Galeote
Producción Ópera de Butxaca i Nova Creació
Coproducción Teatro Real, Teatro Español y
Teatre Lliure
Con la ayuda de Departamento de Cultura de
la Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de
Barcelona y el Instituto Nacional de las Artes
Escénicas del Ministerio de Cultura y Deporte
En colaboración con el Teatro de la Maestranza y
la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla

Aunque el mito de Narciso se remonta a la antigüedad griega, ninguna época ha asistido

a la expansión del narcisismo como la actual. Vivimos en la sociedad del selfie, en la era
de la sobreexposición en redes sociales y la transparencia total. Decenas de personas
fallecen cada año buscando la foto imprudente. Esa cualidad tragicómica invita a pensar
en el narcisismo desde la comedia, como hizo Raquel García-Tomás, compositora de Je
suis narcissiste, una atípica ópera que, desde el humor negro y el homenaje al Hollywood
clásico, nos advierte de que nuestra sociedad, enferma de soledad, egocentrismo y
superficialidad, se está ahogando en su propio reflejo.
La música de García-Tomás, Premio Nacional de Música en 2020, tiende puentes entre la
tradición de la ópera bufa italiana, el ragtime y el cabaret de Weill, y el libreto de Helena
Tornero propone la historia de una mujer que se asoma a un día negro en el que todo habrá
de salirle mal. El tercer eje de esta coproducción es Marta Pazos, directora de escena, una
de las creadoras de mayor personalidad de nuestro panorama escénico contemporáneo
gracias a su trabajo con la compañía Voadora y a su trayectoria en solitario. En esta ópera,
Pazos mete al público en un universo de un cromatismo feroz y una puesta en escena
entre lo pop y lo surrealista.
©AEstrellaMelero

Con este título continuamos la colaboración iniciada el pasado año con el Teatro de
la Maestranza. Un montaje heterodoxo y muy divertido que obliga a replantearse las
categorías de la ópera en el siglo XXI.

97
 La odisea de Teatro

Magallanes - Elcano MAY 23

Vie
20h 26 Sáb
20h 27 Dom
19h 28
Teatro Clásico de Sevilla /
Alfonso Zurro
Duración 105 min
Precio de 4 a 21 euros

Dramaturgia y dirección escénica Alfonso Zurro
(ADE)
Textos Javier Berger, José Luis de Blas, Borja
de Diego, Paco Gámez, Ana Graciani, Carmen
Pombero, Antonio Rojano y Alfonso Zurro
Intérpretes Juan Motilla, Luis Alberto Domínguez,
Manuel Rodríguez, Santi Rivera, Íñigo Núñez,
Piermario Salerno, Fernando Lahoz y José María
del Castillo
Producción Juan Motilla y Noelia Diez
Escenografía y vestuario Curt Allen Wilmer y
Leticia Gañán (AAPEE)
Iluminación Florencio Ortiz (AAI)
Videoproyección y audiovisuales Fernando Brea
Música y espacio sonoro Alejandro Cruz Benavides
Coreografía Baldo Ruiz
Lucha escénica Juan Motilla
Ayudante dirección Verónica Rodríguez
Voz en off Gregor Acuña-Pohl

El 10 de agosto de 1519, cinco naves con 239 tripulantes, comandados por el portugués
Fernando de Magallanes, partieron de Sevilla para encontrar una ruta alternativa a las Indias
para la Corona española. El 6 de septiembre de 1522, un único barco, la Victoria, con 18
hombres hambrientos, enfermos y cansados, capitaneados por el español Juan Sebastián
Elcano, regresó a Sanlúcar de Barrameda. El largo periplo se cobró un precio sangriento,
incluyendo la vida la del propio Magallanes, pero los supervivientes completaron una de
las mayores hazañas de la historia: la primera circunnavegación del globo.
Series y películas han conmemorado el quinto centenario de aquel hito que protagonizaron
hombres valerosos, sufridos y desesperados. En teatro, el sevillano Alfonso Zurro, un
autor y director curtido en mil textos áureos, contemporáneos y propios, lo llevó a escena
en 2021 en un montaje del Teatro Clásico de Sevilla que acogió el Lope de Vega hace dos
temporadas, un éxito revalidado al año siguiente con su versión de El público de Lorca.
Esta temporada, recuperamos su relato de la peripecia de Magallanes y Elcano por su
gran acogida. Zurro comparte dramaturgia con otros siete destacados autores y firma un
viaje épico que recrea playas, océanos y países lejanos con una mezcla de imaginación y
recursos. En escena, ocho actores se convierten en multitud para dar cuerpo a las rencillas,
la fe, las luchas, el delirio, la ambición, el dolor…
La odisea de Magallanes Elcano es una “aventura de locos”, como la define la compañía,
©LuisCastilla

un apasionante viaje teatral para un episodio histórico que pedía a gritos ser contado
desde las tablas.

99
 Perrate & Miguel Marín (Arbol) Música

& Almaclara JUN 23

Yeli Yeli Vie

20h 02
(Álvaro Romero & Duración 120 min

Pedro Da Linha)
Precio de 4 a 21 euros

Concierto clausura temporada

Perrate & Miguel Marín (Arbol) & Almaclara Almaclara, sexteto de cuerda de mujeres
Cante Perrate Violín I Inés Montero
Electrónica y percusión Arbol (Miguel Marín) Violín II Irene Fernández
Viola I Aglaya González
Yeli Yeli Viola II Ana García
Voz y creación Álvaro Romero Cello I Beatriz González Calderón

©PepeZapata
Producción y creación Pedro Da Linha Cello II Carmen Fernández
Percusión Esteban Perles
Diseño de luces Fernando López Olivas
Técnico de sonido Toni Martín
Productor ejecutivo Joan Vich, Ground Control

El Lope de Vega despide su temporada. Decimos hasta luego, pero lo hacemos con una
fiesta musical con la que queremos acercarnos a las nuevas músicas que construyen
la identidad sonora de Andalucía en una noche que, sin duda, dará que hablar y en la
que proponemos el encuentro de creadores en los que se hermanan el flamenco y la
electrónica.
Con Perrate y Arbol, que abrirán la cita, se genera un universo envolvente, una travesía
cargada de energía telúrica y misterio. El cantaor, miembro de una conocida saga flamenca
de Utrera, y el músico sevillano, a quien la pasada temporada pudimos ver en directo en
el espectáculo Set of sets con su nombre real, Miguel Marín, comparten escenario con el
sexteto de cuerda femenino Almaclara. Juntos, dan forma a un mundo de bandas sonoras
imaginarias, una inmersión sensorial con loops, sampleados, capas sonoras y ‘quejíos’
conmovedores.
El cierre será a cargo de Yeli Yeli, conjunción del cantaor gaditano afincado en Sevilla Álvaro
Romero y el DJ y productor lisboeta Pedro DaLinha. Una voz impactante impregnada
de compromiso ético aliada con una electrónica viajera y heredera de la vanguardia de
Buraka Som Sistema. El espectáculo, estrenado en la Bienal de Flamenco de Sevilla en
2022, mira a América y África para reflexionar sobre la relación cultural entre las metrópolis
©Filipa Aurelio

y los territorios de ultramar y visita las raíces del fado o los tangos de la Niña de los Peines
para llegar hasta los nuevos ritmos del kuduro progresivo.

101
Programación
externa

103
2022/2023

XXII Bienal Concierto Extraordinario

SEP 22 OCT 22 DIC 22

11 al 01 13
Dom Sáb Mar
de Flamenco 20h 20h
de Navidad 20h

Ayuntamiento de Sevilla Precio 10 a 30 euros Banda Sinfónica Municipal - Ateneo de Sevilla Entrada Invitación

Festival de Cine La Dolorosa

NOV 22 FEB/MAR 23

04 12 28 01
Vie Sáb Mar Mié
Europeo de Sevilla al José Serrano / Compañía Sevillana de Zarzuela 20h 20h

Ayuntamiento de Sevilla Precio 3,5 euros Precio 9 a 25 euros

Katiuska
DIC 22

Pregón taurino
ABR 23

06 07
Mar Mié
Pablo Sorozábal / Compañía Sevillana de Zarzuela 20h 20h
Ayuntamiento de Sevilla
Dom
09
Precio 9 a 25 euros
Entrada Invitación

ABR 23

Concierto de Navidad DIC 22

Fiesta del Deporte Mar
18
In Memoriam
Dom
12h 11 Instituto Municipal de Deportes
20h
Entrada Invitación
Fundación Alberto Jiménez-Becerril Entrada Invitación Ayuntamiento de Sevilla

Pregón de la Cabalgata Concierto

DIC 22 MAY 23

de los Reyes Magos

Lun
20h 12 Día de Sevilla
Mar
20h 30
Entrada Invitación Ateneo de Sevilla Entrada Invitación
Ateneo de Sevilla

104 105
Entradas, abonos
y descuentos
Mapa de localidades Abonos*

Zona Tarifa 1 Tarifa 2 Tarifa 3 Esta temporada, únete a la familia del Lope de Vega y disfruta de grandes ventajas como la compra preferente.
Combina varios espectáculos a tu gusto, diseña el abono a tu medida y obtén los siguientes descuentos:
― Cuatro o más espectáculos: 15%
A / Patio de butacas (Planta Baja) 21,00€ 25,00€ 12,00€
― Seis o más espectáculos: 20%
B / Plateas (Planta Baja) 21,00€ 25,00€ 12,00€
― Ocho o más espectáculos: 25%

C / Palco central (1ª Planta) 21,00€ 25,00€ 12,00€ Abono Lope x2

Ven al Teatro acompañado/a y accede a un descuento del 20% por la compra de 2 entradas en 3 o más
D / Palco lateral (1ª Planta) 18,00€ 21,00€ 10,00€ espectáculos de nuestra programación.

E / Butaca anfiteatro (2ª Planta) 15,00€ 18,00€ 9,00€ *Los abonos no son acumulables con el resto de los descuentos. El precio de los abonos se aplica al total de la suma del
importe de las entradas sueltas siempre que sea superior a 12€. Incluye una sola entrada por espectáculo, excepto Abono
Lope x2. Solo disponible en la taquilla del Teatro.
F / Palco anfiteatro (2ª Planta) 13,00€ 15,00€ 7,00€

G / Butaca anfiteatro. Visibilidad reducida (2ª Planta) 7,50€ 9,00€ 4,50€ Descuentos**
H / Paraíso central (3ª Planta) 9,00€ 12,00€ 5,00€ Colectivos
El Teatro Lope de Vega ofrece un 20% de descuento a los siguientes colectivos: menores de 30 años y
I / Paraíso lateral (3ª Planta). 4,00€ 9,00€ 3,00€
estudiantes, mayores de 65 años, personas desempleadas, familia numerosa, profesionales de las artes
escénicas y personas con discapacidad igual o superior al 33%.
*Entrada gratuita para tu acompañante Además, se aplicarán los siguientes descuentos y ventajas:
― Grupos a partir de 10 personas: 25% (solo aplicable en la taquilla del Teatro o mediante solicitud al
correo taquilla.ldv@sevilla.org).
― Las personas con movilidad reducida disfrutarán de un 30% de descuento y dispondrán de una
entrada gratuita para su acompañante al efectuar la compra.

Minuto joven hasta 30 años

50% de descuento comprando en los 60 minutos previos al comienzo de la función. Aplicable solo en taquilla.
H
** Los descuentos no son acumulables y solo serán aplicables en tarifas superiores a 12€. Es necesaria su justificación
mediante documento acreditativo oficial.
E
Acreditación de descuentos
C La persona que se acoja a cualquier descuento en la compra de localidades estará obligada a presentar
en taquilla y en la entrada del recinto el documento que acredite ser beneficiaria del mismo:
― Mayores de 65 años, estudiantes y menores de 30 años: DNI, pasaporte o carné de conducir.
― Familia numerosa, demandante de empleo y personas con discapacidad igual o superior al 33%: DNI
y tarjeta acreditativa.
― Profesionales de las artes escénicas: DNI y carné de afiliado/a.

G La no acreditación del descuento implicará la pérdida del derecho de acceso a la sala de exhibición. En
ningún caso se efectuará la devolución del importe pagado.

A
I F D Taquilla
Horario
De martes a sábado: 10h a 14h y de 17:30h a 20:30h.
Cerrado festivos, domingos y lunes sin función.
PMR Los domingos, lunes y festivos con función la taquilla abrirá una hora antes del espectáculo.
B Horario Navidad, Semana Santa, Feria y verano: consultar en taquilla.

Contacto
Teléfono 955 472 822
Escenario Correo electrónico taquilla.ldv@sevilla.org
Web www.teatrolopedevega.org
108 109
Normas y
Puntualidad

En atención a los/as artistas y al público en general, no se permitirá la entrada una vez comenzada

servicios
la función (incluido el acceso a los palcos). Los/as espectadores/as que lleguen una vez iniciado el
espectáculo tendrán que esperar para poder acceder a la sala hasta la primera pausa, si la hubiera.

Venta, cambio y devolución de localidades

El Teatro Lope de Vega no responderá en ningún caso por aquellas localidades adquiridas fuera de los
puntos oficiales de venta. Además, se reserva el derecho de llevar a cabo cancelaciones o modificaciones
en las fechas u horarios de las funciones en caso de indisposición de los/as intérpretes, así como ante
situaciones sobrevenidas o de fuerza mayor. Únicamente la suspensión o cancelación de un espectáculo
es motivo de la devolución del importe de la entrada.

Quejas y sugerencias

El público tiene a su disposición formularios de quejas, sugerencias y reclamaciones. Consulte con el

personal de sala.

Teléfonos, alarmas y aparatos electrónicos

Antes de acceder a la sala es necesario desconectar los teléfonos móviles y las alarmas de los relojes, así
como cualquier tipo de aparato electrónico. Si por motivos de salud es necesario acceder con algún tipo
de dispositivo, consúltelo con el personal de sala.

Recinto libre de humo

No está permitido fumar en todo el recinto del Lope de Vega.

Grabaciones y fotografías

No se permite fotografiar, filmar ni grabar ningún espectáculo, a excepción de aquellas personas

expresamente autorizadas para ello. Está prohibido el uso del móvil durante toda la función.

Menores

Salvo especificación expresa en el programa, no está permitida la entrada a los espectáculos a menores
de 5 años. Algunos montajes tienen una edad recomendada. Si tiene dudas, consulte en la web o en
taquilla antes de comprar su entrada.

Comida y bebida

No se puede introducir ningún tipo de alimento o bebida dentro de la sala o en los palcos. Si por motivos
de salud necesita hacerlo, consulte al personal de sala.

Derecho de admisión

El Teatro Lope de Vega se reserva el derecho de admisión. No se permite la entrada con objetos
considerados peligrosos.

Programa gratuito

De cada espectáculo de la programación propia, el Teatro Lope de Vega editará un programa de mano
que se distribuirá gratuitamente entre los/as espectadores/as.

Reservas

El Teatro Lope de Vega de Sevilla no admite reservas de localidades.

Accesibilidad

Las personas con movilidad reducida pueden acceder al Teatro a través de la rampa habilitada en la puerta
principal. Las personas en silla de ruedas tienen reservadas entradas accesibles en los palcos de platea. Las
personas con movilidad reducida dispondrán de una entrada gratuita para su acompañante al efectuar la compra.

Disponemos de desfibrilador en caso de parada cardiorrespiratoria

111
Equipo
Dirección Carlos Forteza

Producción y dirección técnica Jordi Farnés

Administración José Franco e Isabel Espinosa

Secretaria de dirección Inmaculada León

Jefe de maquinaria José Álvarez

Maquinaria Manuel Amado, Cayetano Hermoso, Diego Macías, Manuel García,

José Campos, Manuel Cuadrado y Gregorio Díaz

Jefe de iluminación José M. Luis

Iluminación Ignacio Flores

Jefe de sonido Juan A. Aragón

Sonido Francisco J. Lorenzo

Atención artistas Francisca Pastor

Sastrería Reyes Muriel

Jefe/a de sala Mariví Luna

Personal de sala Juan R. Pérez, Dolores Chocan, Ángeles Bocanegra,

Mª del Carmen Chazarri, Mª del Carmen Trigo y Luis Miguel Mozo

Portería Mª del Carmen Díaz, Josefa Valladares y Rosa Simón

Taquilla EULEN S.A

El Teatro Lope de Vega es un espacio del Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS)

112 113
114
Muy ayer.
Muy mañana.