NO LO GÍA

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L DIS EÑ O
DE
 Pinturas rupestres
Son los los bocetos o dibujos prehistóricos que han sido descubiertos
en piedras o cavernas, y que reflejan el imaginario de la humanidad
primitiva. Las pinturas rupestres son más o menos homogéneas: las
provenientes del Paleolítico muestran por lo general animales
salvajes y líneas, mientras que en el Neolítico aparecen figuras
humanas, huellas de manos y otras representaciones del entorno.
Por lo general priman en ellos uno o dos colores: negros, rojos,
amarillos y marrones. Se untaban sobre la piedra directamente con
los dedos, aunque las figuras animales a menudo se raspaban con
alguna piedra o herramienta para generar efectos de realismo y
tridimensional.
Los soportes que ocupaban eran piedras, cuevas y los materiales
eran huesos, piedras y madera.
Son cosiderados pictogramas.
 Sumerios
La escritura de la civilización sumeria empleó signos cuneiformes, en
lugar de letras, para expresar ideas y sonidos. A este tipo de
escritura se la denomina escritura cuneiforme, debido a la forma de
cuña que tienen sus trazos, y es comúnmente aceptada como una de
las formas más antiguas de expresión escrita, tal y como documentan
los restos arqueológicos. Los primeiros signos cuneiformes
aparecieron en la ciudad de Uruk, situada en Mesopotamia, una
región de Oriente Próximo ubicada entre los ríos Tigris y Éufrates.
La escritura cuneiforme se escribía empleando cuñas. En el caso de
los sumerios, escribían, como nosotros, de izquierda a derecha y de
arriba a abajo. Empleaban como soporte tablillas de arcilla.
Al principio, la escritura cuneiforme estaba formada por signos
pictográficos, que representaban ideas. Poco a poco esos signos se
fueron abstrayendo y pasaron a representar sonidos agrupados en
sílabas.
 Egipcios
La escritura jeroglífica egipcia es un tipo de escritura que usa caracteres ideográficos
combinándolos con caracteres fonéticos que representan uno o varios sonidos y que tiene su
origen en un sistema pictográfico usado en la cultura Nagadiense. F. Champollion la definió
como «un sistema complejo, una escritura a la vez enteramente figurada, simbólica y fonética,
en un mismo texto, en una misma frase, incluso en una misma palabra».
El número de signos fue aumentando a lo largo del tiempo. En origen eran alrededor de 700
mientras que en época de ocupación romana contaba con más de 5000.
Para saber dónde comienza un texto, observaremos la dirección hacia dónde miran los
signos, y esa dirección nos marcará el inicio del texto. Así en el primer ejemplo, como los
signos miran hacia la izquierda, tendremos que empezar a leer por la izquierda, mientras que
en el segundo, el primer signo es el de la derecha, siendo el sentido de escritura en este caso
de derecha a izquierda. Lo mismo sucede cuando el texto se dispone en columnas verticales: si
los signos miran hacia la izquierda la primera columna que leeremos será la de la izquierda y si
lo hacen hacia la derecha la de ese mismo lado. En el caso de columnas verticales siempre se
empieza a leer por la parte superior.
Era un tipo de escritura muy útil en papiros y ostracas. El texto se escribía en tinta negra con
una caña afilada.
 Chinos
En su origen, la escritura en China constaba de pictogramas e ideogramas. Resulta difícil
esbozar exactamente su historia, aunque la escritura revela que los caracteres chinos nacen
de la combinación de signos abstractos. El desarrollo y evolución posterior de la escritura
está relacionado estrechamente con la aparición de los caracteres chinos. Por lo tanto, los
cambios habidos en ellos durante siglos afectan a la forma y al estilo de lo que más tarde
podría ya considerarse como arte caligráfico.
Lo que en un principio fue necesidad de comunicación, noticias, órdenes, relaciones de bienes
y todo tipo de contabilidad y control, actividades que exigían formación en la materia para
funcionarios y élites intelectuales, llegó a convertirse en arte.
Son considerados sinogramas.
El bambú era un material barato y podía encontrarse en prácticamente toda China. Por su parte, la
seda de calidad tenía mayor coste y solo la gente con altos ingresos podía disponer a menudo de ella,
pero su almacenamiento era fácil y, con el paso del tiempo, se ha demostrado muy fiable y duradera.
Con los Jin (266-420), el papel comenzó a ser el gran protagonista en la transmisión tanto formal
como privada de todo tipo de textos.
 Fenicios
Todo el conocimiento que tenemos del idioma fenicio proviene de unos pocos textos escritos en fenicio. Antes de
alrededor de 1000 AEC el fenicio se escribía usando símbolos cuneiformes, comunes en toda Mesopotamia. Los
primeros signos del alfabeto fenicio encontrados en Biblos derivan claramente de los jeroglíficos egipcios, no
del cuneiforme. Las 22 letras fenicias son simplificaciones de los símbolos jeroglíficos egipcios, que tomaron
una forma estandarizada a finales del siglo XII AEC. Al igual que el hebreo y el árabe, el fenicio se escribía de
derecha a izquierda, y se omitían las vocales, lo que hace que descifrarlo sea aún más difícil.
El sistema de escritura fenicio es simple y fácil de aprender gracias a que es un alfabeto, lo que también lo hace
muy adaptable a otras lenguas, a diferencia del cuneiforme o los jeroglíficos. En el siglo IX AEC los arameos
habían adoptado el alfabeto fenicio y habían añadido el símbolo para el "álef" inicial y para las vocales largas.
Este alfabeto arameo se convertiría con el tiempo en el árabe moderno. Para el siglo VIII AEC, aparecieron
textos escritos con el alfabeto fenicio, cuyos autores probablemente no eran fenicios, en Cilicia al sur de Asia
Menor y al norte de Siria. Finalmente los griegos, que tenían un estrecho contacto comercial con el Levante,
adoptaron el alfabeto fenicio, añadieron sonidos vocálicos y crearon así el alfabeto griego, en el que se basa el
alfabeto latino moderno. Otro cambio importante marcó la historia de la escritura: se sustituyeron las tablillas
por el papiro y otros materiales. En lugar del uso de cuñas, la fabricación de tablillas en arcilla y de hornos para
cocerla, ahora se podía escribir directamente con tinta en los distintos materiales. Esto representó un
desarrollo tecnológico de simplificación del proceso de escritura, la ampliación de los medios de comunicación y
la rapidez con la que se podía registrar alguna idea o dato. La escritura manual facilitó la divulgación de la
escritura. Esto implicó que se usaran menos herramientas y se escribiera más a mano, de esa manera
predominó la escritura manuscrita.
 Griegos
El alfabeto griego es el sistema de escritura desarrollado en Grecia que aparece por
primera vez en los registros arqueológicos durante el siglo VIII a.C. Este no fue el
primer sistema utilizado para escribir en griego: varios siglos antes de que se
inventara el alfabeto griego, el Lineal B se perdió alrededor del 1100 a.C., y con él todo
conomiento de la escritura desapareció de Grecia hasta que se desarrolló el alfabeto
griego.
Este alfabeto surgió cuando los griegos adaptaron el sistema de escritura fenicio a su
propio idioma, mediante el desarrollo de un sistema de escritura totalmente fonético
compuesto de signos individuales dispuestos de manera lineal, que podía representar
tanto las consonantes como las vocales.
En cuanto a la forma de escribir, tuvieron la costumbre de hacerlo de izquierda a
derecha, sin embargo, los textos se leían de derecha a izquierda y de izquierda a
derecha, alternativamente, por cada línea. Igualmente, para escribir usaron
instrumentos puntiagudos sobre tablillas de arcilla húmeda o de madera recubierta con
cera, la cual tenía un uso muy frecuente porque permitía borrar lo escrito.
 Romanos
La escritura en el continente europeo no fue conocida hasta el siglo IX a. C., a pesar de que
probablemente en Creta ya conocieran anteriormente los sistemas de escritura egipcio y
mesopotámico. La cultura griega se escribió y transmitió también en rollos de papiro. Fue
precisamente en Grecia donde el libro adquirió por primera vez su verdadera dimensión,
debido principalmente a la aparición de la escritura alfabética, procedente de los fenicios, que
facilitaba en gran medida la técnica de escribir, y a la democracia griega, sistema político
inédito hasta el momento que permitía a cualquier ciudadano libre que supiera leer y escribir
participar en el gobierno.
De la escritura romana es de donde nosotros sacamos nuestro forma de escribir ya que con
el paso de los años la escritura romana fue evolucionando y el pueblo romano al ser un pueblo
conquistador fueron esparciendo su modo de escritura.
Los materiales que ocupaban al principio eran piedra y cinceles, después se ocupo el papiro ,
para finalmente ocupar el pergamino y la pluma de ganso para escribir.
 Edad media
El está considerado uno de los periodos más largos de la historia del
arte. Se incluyen varios movimientos artísticos en diferentes períodos
entre ellos se encuentran los regionales, locales y nacionales, tiene
diversos géneros, varias etapas de florecimiento a las cuales se les
llamaron renacimiento, tiene obras de El arte medieval se manifestó en
diferentes medios y distintas disciplinas tanto artísticas como técnicas
entre ellas destacan: manuscritos, orfebrería, escultura, pintura en
tabla, mosaicos, frescos, arquitectura, entre otras. También tenemos
que incluir los oficios y las artes que no se incluían normalmente en las
bellas artes como por ejemplo la confección de la vestimenta medieval.
artes destacadas y propios artistas que en la Alta Edad Media se
mantenían en el anonimato. El arte medieval debía de cumplir 3
características. Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios,
difuntos o santos. Tiene que ser un intermediario entre lo humano y el
mundo sobrenatural. Ha de ser una confirmación de poder, por un lado
ha de ser el poder de Dios y de la Iglesia y por otro sitio el poder político.
La edad media al ser un periodo tan largo esta lleno de diferentes
movimientos.
Arte paleocristiano
El arte paleocristiano es el nexo de unión entre dos grandes etapas de la cultura y el arte occidental.
Se denomina Arte Paleocristiano al desarrollado en las primeras comunidades cristianas de los siglo II
y III hasta la caída del Imperio Romano de Occidente (476 d.C.). El arte paleocristiano se puede dividir
en dos grandes periodos:
Periodo de persecución y clandestinidad (siglos II y III),
Periodo del gran arte paleocristiano en tiempos del Cristianismo como religión oficial del Imperio
(parte del siglo IV y los tres primeros cuartos del siglo V). En esta fase será, por contra, un arte
protegido e impulsado por las grandes jerarquías eclesiásticas de la época.
Primer Periodo del Arte Paleocristiano. Siglos II y III
Se desarrolla entre Finales del siglo II y siglo III, años en los que las comunidades cristianas son
perseguidas e el Imperio.
Las dos manifestaciones arquitectónicas de este periodo son las Domus Ecclesiae y los Cimeterios
(cementerios). Las Domus Ecclesiae fueron lugares para la celebración del rito cristiano, por tanto
son equivalentes a las iglesias parroquiales posteriores. Durante esta fase los enterramientos
cristianos tenían lugar en dos posibles lugares: los areae y las catacumbas.
Al margen de la arquitectura, el arte paleocristiano tiene en los mosaicos y la escultura funeraria de
los sepulcros dos de sus más importantes manifestaciones artísticas. La técnica del mosaico
paleocristiano es la misma que el periodo anterior, pero lógicamente, cambia la iconografía. Se eligen
temas de carácter fuertemente simbólico y religioso.
Por su parte, en los sarcófagos paleocristianos de los siglos IV y V, frente a los del siglo III que sólo
nos ofrecían aspectos puntuales de la doctrina cristiana, se pretende resumir los principios básicos
de la doctrina cristiana en su totalidad.
 Arte bizantino
El arte bizantino constituye uno de los episodios más grandiosos del arte universal. Se fundamenta en
el arte griego y muy especialmente en el paleocristiano, con influencias orientales (persa y
musulmana).
Para los templos, se usa con preferencia la planta centralizada o de cruz griega con grandes cúpulas
sobre pechinas. Aunque los materiales constructivos no son especialmente ricos, sí lo es su
decoración a base de mosaicos y pinturas murales, donde la representación de la figura humana,
solemne y hierática, genera una gran sensación de espiritualidad que heredará posteriormente el arte
románico. Respecto a la arquitectura, predominan dos tipos iglesia: la de cruz inscrita y la de octógono
cruciforme. En ambas se da la planta cuadrangular o rectangular, una cruz inscrita y una cúpula
central coronando el edificio. Esto se debe fundamentalmente a que pretenden que el templo sea un
compendio del cosmos creado por Dios, por eso se denominan iglesias microcosmos. La cúpula
simboliza el cielo, el cuadrado representa la tierra y la cruz es la forma geométrica que sirve de
interrelación entre el cielo y la tierra.
Desde el punto de vista de las artes figurativas, hay que decir que llenan en su totalidad los muros de
las iglesias y constituyen una manifestación teológica que pretende ser el compendio de la fe cristiana.
Buscan, por tanto, representaciones trascendentes y rechazan todo aquello que suponga materia. Se
trata de que todos los aspectos estilísticos y estéticos de estas artes aproximen al hombre a lo divino.
Todos los programas iconográficos, del mismo modo que los recursos estilísticos, se repiten
constantemente en todas las iglesias. Esto se debe a la elaboración posiblemente en la segunda mitad
del siglo IX de un tratado llamado "Hermeneia" en donde se dicta cómo se deben realizar las escenas y
que escenas deben colocarse en cada lugar del templo. De este modo, surgió un proyecto decorativo
que va a ser común para todas las iglesias.
Arquitectura románica
La arquitectura románica que, como toda la cristiana medieval, es fundamentalmente
religiosa, creó un tipo de templo abovedado muy uniforme, lejos del puramente basilical,
que, evolucionando, pervivió a través del gótico hasta el Renacimiento. También dio forma
a un nuevo tipo de monumento religioso: el monasterio, que nació para responder a las
necesidades de las florecientes órdenes monacales. Igualmente este, pese a sus cambios
posteriores, conservó durante muchos siglos parte de los rasgos generales que ahora se
imponen. Dado que la ciencia se encontraba en los propios monasterios, sus monjes solían
ser los arquitectos.
Al margen de los grandes progresos técnicos que la arquitectura románica aportó a los
estilos occidentales anteriores, los maestros románicos siguieron confiando más en la
gran masa de muros y bóvedas que en el equilibrio y el contrarresto de las presiones.
En la arquitectura románica, que ya no aprovecha elementos constructivos ni decorativos
de los monumentos romanos, el sentido de la proporción clásica desaparece, y donde esa
ruptura con el pasado se hace más patente es en la columna, cuyo fuste deja de ser
troncocónico y se hace cilíndrico. La proporción entre el diámetro y la altura de la
columna se olvida y el arquitecto románico no tiene inconveniente en dar el mismo grueso
a la baja columna de un claustro que a la altísima que, adosada a un pilar del templo, se
eleva hasta la bóveda de la nave mayor.
 Arquitectura gótica
La arquitectura gótica se desarrolló en Europa, desde la cuarta década el
siglo XII y hasta el siglo XVI, sucediendo al estilo de arquitectura románica.
Tuvo su origen en las regiones de Normandía y Francia, desde donde se
difundió primero a todo el Reino de Francia y posteriormente (a mediados del
siglo XIII) por el Sacro Imperio Romano Germánico y los Reinos Cristianos del
Norte de España. Las construcciones de la arquitectura gótica se destacan
por sus arcos apuntados que se usan como estructura ornamental para
albergar iconografías de tipo religioso.
Los conceptos esenciales del estilo gótica son la luminosidad y la elevación,
ambas ideas pretenden simbolizar la espiritualidad.
Los dos elementos que más destacan de una estructura gótica son el arco
apuntado u ojival y la bóveda de crucería, cuyos empujes permiten una mejor
distribución de las cargas y una altura superior.
Los contrafuertes son pilares que se separan de la pared, recayendo el
empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión.
Los arbotantes también cumplen la función de albergar los canales por donde
descienden las aguas de los tejados y así evitar que resbalen por las
fachadas.
Renacimiento
El Renacimiento fue un movimiento artístico-cultural que, desde Italia, se extendió por Europa Occidental
a partir del siglo XV.
Fue la manifestación cultural de un cambio en la mentalidad europea que pasó de una concepción de
mundo teocéntrica, propia del periodo medieval, a una antropocéntrica. Este cambio, manifestado en la
corriente filosófica humanista, se considera el inicio de la Edad Moderna. Su origen se remonta a
Florencia, Italia, al año 1400 en donde se gestó una intención de transformar y evolucionar el arte en
Europa, el cual para este momento conservaba el estilo medieval.
De esta manera, el arte renacentista dejaría de presentar en sus obras tan solo el material religioso y
comenzaría a plasmar el arte en torno al ser humano, a sus deseos, sentimientos y deleites. Este
movimiento artístico generó un nuevo abanico de estilos, tales como la creación de retratos, las obras al
desnudo y los cuadros de mitología y paisajes.

El pensamiento antropocéntrico ponía énfasis en la facultad humana para acceder al conocimiento del
mundo a través de la razón. En este sentido, las personas del Renacimiento se consideraban herederas
de los valores de la cultura griega y romana. Se desarrolló un espíritu crítico con pretensión de conocer
científicamente la realidad. Esto se manifestó en todas las artes y en el modo de concebir la relación de
las personas con el mundo.
Se inició en la ciudad italiana de Florencia y desde ahí pasó primero a las demás ciudades italianas,
especialmente a Roma y Venecia y luego al resto de Europa.
Adquirió gran importancia el concepto de individuo. Se manifestó mediante la búsqueda de trascendencia
personal a través de las propias obras ya sea como creador, en el caso de los artistas; o como protector
y brindando apoyo material a los artistas en el caso de los mecenas.
El arte fue al mismo tiempo naturalista e idealista. Los artistas pretendían representar el mundo real tal
como se veía, pero al mismo tiempo querían mostrar solo su belleza
 Revolución industrial
La Revolución Industrial fue un proceso de profundas transformaciones económicas,
sociales, culturales y tecnológicas que se desarrolló entre 1760 y 1840, y tuvo su origen en
Inglaterra. La Revolución Industrial tuvo su origen en Inglaterra, donde se daban unas
condiciones políticas, socioeconómicas y geográficas adecuadas. La máquina de vapor fue
la base sobre la que se asentó todo el desarrollo que vino propiciado como consecuencia de
la Revolución Industrial. Este invento fue posible gracias a algunos elementos, como la
existencia de combustibles como el carbón o el hierro.
Junto a estos elementos, otros factores hicieron posible que la Revolución Industrial
surgiese, se desarrollase en Inglaterra y diera pie a importantes cambios que generaron
un gran impacto en la sociedad. Diferentes características:
Gran aumento de la producción mecanizada.
Cambios en la estructura social.
Expansión económica e industrial sin precedentes.
Incremento de la productividad, gracias al avance de la tecnología.
Importantes mejoras en los medios de transporte.
Al igual que las causas que llevaron a la Revolución Industrial, las consecuencias se dejaron
notar en diferentes ámbitos. Así pues, en resumen, las consecuencias de la Primera
Revolución Industrial, se pueden dividir en tres bloques.
Mecanización del trabajo y grandes fábricas. Crecimiento de las ciudades y éxodo rural.
Cambios en la estructura económica y en la sociedad
Etapa vitoriana
La era Victoriana nació con la Revolución Industrial, la publicidad, la cartelería
en cadena. A.W. N. Pugin fue el primer diseñador del siglo XIX, y definió el
diseño como “Un acto moral que logra la condición de arte a través de los
ideales y las actitudes del diseñador”.
Entre los diseñadores más conocidos de la época figuran Jules Chéret, Walter
Crane o Randolph Caldecott. Predominaba un estilo gótico, diverso,
contradictorio y recargado, pero siempre con la elegancia característica
vintage, en los ornamentos y la forma de las letras.
Louis Prang llevó a cabo competencias para tener temas en el uso de sus
imágenes impresas. El medio de producción característico de esta era fue la
cromolitografía, invento de esta Revolución Industrial que permitía diseñar con
velocidad, corregir errores y permitió que se imprimieran miles de copias
llenas de color.
La casa francesa Rouchon fue pionera en el impacto gráfico que se logra
mediante la simplificación, el abuelo del actual minimalismo.
 Movimiento de artes y oficios
El movimiento Arts and Crafts fue un movimiento internacional en las artes decorativas y finas
que comenzó en Gran Bretaña y floreció en Europa y América del Norte entre 1880 y 1920,
emergiendo en Japón (el movimiento Mingei) en la década de 1920. Representaba la artesanía
tradicional con formas simples y, a menudo, utilizaba estilos de decoración medievales,
románticos o populares. Abogaba por la reforma económica y social y era esencialmente
antiindustrial. Tuvo una gran influencia en las artes en Europa hasta que fue desplazada por el
Modernismo en la década de 1930, y su influencia continuó entre los fabricantes de artesanías,
los diseñadores y los urbanistas mucho tiempo después.
Movimiento informal en la arquitectura y las artes decorativas que defendieron la unidad de las
artes, la experiencia del artesano individual y las cualidades de los materiales y la construcción
en la obra misma. El movimiento de las artes y oficios se desarrolló en la segunda mitad del siglo
XIX y duró hasta bien entrado el día 20, contando con el apoyo de artistas progresistas,
arquitectos y diseñadores, filántropos, amateurs y mujeres de clase media que buscan trabajo
en el hogar. Organizaron pequeños talleres aparte del mundo de la industria, revivieron viejas
técnicas y veneraron a los humildes objetos domésticos de la época preindustrial El movimiento
fue más fuerte en los países industrializados del norte de Europa y en los EE. UU., y puede
entenderse mejor como una reacción desenfocada contra la industrialización Aunque quijotesco
en su antiindustrialismo, no fue único; de hecho, fue solo uno entre varios movimientos
reformistas de finales del siglo XIX, como el movimiento Garden City, el vegetarianismo y los
avivamientos folklóricos, que establecieron los valores románticos de la naturaleza y la cultura
popular contra la artificialidad de la vida moderna.
Art Nouveau

Es la renovación artística desarrollada a caballo entre los siglos XIX y XX. Era el fin de
siècle o la belle époque…
Dependiendo del país se conoció como Art Nouveau (Bélgica y Francia), Jugendstil (Alemania
y países nórdicos), Sezession (Austria), Modern Style (Reino Unido), Nieuwe Kunst (Países
Bajos), Liberty o Floreale (Italia) y Modernismo (España).
Todas hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno. Una
vez más, y como todos los movimientos, una ruptura con lo anterior, teniendo presente una
idea clara: «el futuro ya ha comenzado»
Se valora lo artesanal aunque sin renunciar a los avances industriales, y se repira una
aspiración de democratizar la belleza o socializar el arte. Para ello se potenció la idea de
que hasta los objetos más cotidianos deben tener un valor estético, además de ser
accesibles a toda la población. Por eso empiezan a hacerse visibles todo tipo de objetos
útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia
(kioscos, estaciones de metro, farolas, papeleras, urinarios​…).
 Cubismo
El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX que se
caracteriza por el uso dominante de figuras geométricas como los rectángulos,
los triángulos y, especialmente, los cubos, de donde toma su nombre. Su objetivo
es romper con la representación naturalista y plasmar varios planos de modo
simultáneo sobre la superficie de un cuadro.
El cubismo se caracteriza principalmente por los siguientes elementos:
Visión analítica de los elementos de representación;
Poca perspectiva y profundidad espacial;
Uso de figuras geométricas: cubos, cilindros, etc.;
Incorporación de varios ángulos en un mismo plano;
Preferencia por las líneas rectas;
Aplicación de técnicas mixtas: collage, tipografía, etc
El cubismo literario se caracterizó por la combinación de imágenes y conjunto de
palabras, lo que se conoce como caligrama. El texto se ordenaba para formar una
imagen visual, representando el contenido de las palabras escritas..
El cubismo literario además se expresó a través de poemas que se
caracterizaban por no poseer rimas, métricas, versos ni tema principal.
 Futurismo

Nace como movimiento literario en Italia en 1909 con el poeta Marinetti y se justifica
teóricamente en una serie de manifiestos dedicados a cada una de las artes
visuales.
La pintura futurista puede definirse como un “cubismo dinámico”. Su intención es
representar, con el solo recurso del color, el efecto del dinamismo que produce un
único objeto en movimiento. Para ello, se acude a multiplicar las posiciones de un
cuerpo, de la misma forma en que lo hacía el cine de los primeros tiempos
Este movimiento tiene su origen en Italia y surge animado de unos propósitos
renovadores: cambiar la vida y la sociedad. Sus seguidores proclaman su odio
contra los museos y su adhesión a la civilización contemporánea y su dinamismo, que
tratan de aprehender. Algunos intentaron incluso las sensaciones sonoras del arte
(Boccioni se inspira en el ruido para elaborar sus obras).
 Dadaismo
El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas
establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y
antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se
presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo
absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza
eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra
la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven
un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la
contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la
perfección.
Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación,
con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos.
Surrealismo

El Surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio para

cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución. No es un
movimiento con unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de artistas individuales,
cada uno con un estilo propio.
El movimiento tiene como base teórica la interpretación de los sueños de Freud, que supone
un rechazo de la cultura tradicional basada en el poder de la razón; defiende la revolución y
se compromete con movimientos activistas y de izquierdas, quiere convertirse en germen
del desarrollo del Dadaísmo en cuanto a crítica constructiva del arte tradicional, rompe con
los convencionalismos sociales e incorpora la experimentación de los métodos del
psicoanálisis en literatura y pintura; lo vemos en la escritura automática y los cadaveres
exquísitos.
Se considera precursores del Surrealismo a Rousseau, Chagall y De Chirico y se
establecen en él dos tendencias: el Surrealismo figurativo, que se sirve de los
convencionalismos de la perspectiva del Renacimiento para mostrar sorprendentes
escenas (Dalí, Óscar Domínguez, René Magritte) y el Surrealismo abstracto, fiel a los
manifiestos, cuyos artífices inventan universos figurativos personales (Joan Miró, Max
Ernst).
 Movimiento De STIJL
De Stijl, holandés de «The Style», también conocido como Neoplasticism, fue un
movimiento artístico holandés fundado en 1917 en Leiden. De Stijl estaba formado
por artistas y arquitectos. En un sentido más restringido, el término De Stijl se
usa para referirse a un cuerpo de trabajo de 1917 a 1931 fundado en los Países
Bajos. Los defensores de De Stijl defendieron la abstracción pura y la
universalidad mediante una reducción a lo esencial de la forma y el color;
simplificaron las composiciones visuales a verticales y horizontales, utilizando
solo colores negro, blanco y primario.
Revista holandesa fundada por Theo Van Doesburg en 1917 y publicada en Leiden
hasta 1932; el nombre también se aplicó desde la década de 1920 a un movimiento
distintivo y al grupo de artistas asociados con él. El subtítulo de la publicación
periódica, Maandblad voor de beeldende vakken (Revista mensual de las
profesiones expresivas), indica la gama de artistas a los que atraía. y la intención
de van Doesburg era que fuera una plataforma para todos aquellos interesados ​
en un nuevo arte: pintores, escultores, arquitectos, urbanistas, tipógrafos,
diseñadores de interiores y artistas decorativos, músicos, poetas y dramaturgos.
La búsqueda de un nieuwe beelding (nueva imaginería) se caracterizaba por los
componentes elementales de los colores primarios, áreas planas, rectangulares y
solo líneas rectas, horizontales y verticales. Los anteriores ideales de belleza
debían abandonarse a favor de una nueva conciencia para representar el espíritu
de los tiempos.
 Bauhaus
Esta institución antiacadémica, centro pedagógico y experimental de las artes,
puede ser considerada como la primera escuela de diseño del mundo, aquella que
funda las bases para el diseño moderno. Quizás en el imaginario de muchos se ha
idealizado el momento que dio lugar a este espacio educativo tan singular como el de
una Alemania económicamente activa e industrialmente desarrollada; sin embargo,
al finalizar la Primera Guerra Mundial en 1918, se trataba de una nación en proceso
de desintegración, sumida en el caos y estremecida por una gran crisis (Droeste
2015, 12).
Desde la unificación alemana (1871), la necesidad de ubicar al nuevo Estado Nación
en el mercado mundial generó una voluntad de embellecer y perfeccionar la calidad
de los objetos industriales para mejorar la competitividad de los productos y bienes
de consumo alemanes, principios que la escuela heredaría de su vinculación con el
Deutsche Werkbund (1). En este contexto, la propuesta de la Bauhaus estaba
dirigida expresamente a obtener estándares de diseño de la más alta calidad dentro
de la producción masiva, y esto comprendía tanto al diseño de la comunicación visual
y el diseño industrial como a la arquitectura.
 El padre del diseño moderno
Nació en el Brooklyn de 1914 y desde pequeño se veía a lo que se iba a dedicar
cuando empezó a hacer carteles y señales para la tienda de su padre y para su
colegio.
Influenciado por el estilo alemán de publicidad Sachplakat (cartel objeto) y las
obras de Gustav Jensen, podemos definir su estilo como modernismo simple con
un buen uso de la tipografía, las formas geométricas y los espacios en blanco.
Empezó su carrera en 1930 diseñando portadas de revistas y, a partir de 1940,
trabajó como director de arte en la Madison Avenue y revolucionó la publicidad
desde dentro.
En los años cincuenta, dejó la publicidad un poco de lado y se metió de lleno en el
branding. En los sesenta ya se había hecho consultor de diseño de grandes
marcas y había creado algunas de las identidades corporativas más famosas de
la historia del diseño: IBM, ABC, UPS, Enron, Next y muchas otras. A día de hoy,
todavía siguen en uso muchos de sus logos.
Expresionismo gráfico

Mediante el cartel el expresionismo explora nuevos caminos con un planteamiento

individualista manifestando dramas personales.
Transcurridos cuatro años de la Primera Guerra Mundial (1914 -1918) nacería un mundo
totalmente diferente, encaminado hacia una sociedad alegre, dinámica e inquieta, con un
estilo artístico internacional de múltiples aspectos, caras, colores…
Las tranquilas calles se han convertido en ferias nocturnas con iluminación, automóviles y
mucho movimiento.
Las vanguardias no influirían de forma inmediata en el diseño puesto que su grado de
compromiso fue superficial.
El público ha podido comprobar el nacimiento de las vanguardias; Munch pintaría el ”grito”
en 1893, Picasso las ”señoritas de Aviñón” en 1907 y así un sinfín de obras que se
mantienen a la cabeza artística. El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de
gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault),
cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc.
Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros
artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera,
Siqueiros, Portinari).
Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien
surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del
arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera
generación expresionista.
Diseño gráfico en la actualidad
Actualmente el diseño gráfico tiene un fuerte peso en la industria y el mercado; por
lo que debe buscar transmitir un mensaje determinado por medio de ideas
creativas, permitiendo la comunicación visual de un mensaje, alcanzando a un mayor
público que en el pasado, a través de los diferentes medios de difusión, como la
televisión, espectaculares o el internet.
Los diseñadores gráficos modernos tienen la tarea de organizar, proyectar,
coordinar y seleccionar elementos, para producir un objeto gráfico que se adapte al
canal visual, generando un mensaje que cumpla su objetivo de comunicación.
Un ejemplo de esto puede ser los productos de Coca-cola, al ver el color rojo y la
tipografía en segundos nos viene a la mente la bebida de cola. Para lograr este
efecto, el diseñador gráfico debe tener en cuenta las técnicas adecuadas, logrando
que un diseño trascienda y se posicione como referente de la industria.
Con la llegada de las nuevas tecnologías, los diseñadores gráficos se adaptaron
para que la creación del mensaje llegue de manera masiva a un público
determinado. La competencia del mercado industrial ha crecido y con él, la
necesidad de diseñadores preparados para construir el mensaje apropiado para
las diferentes campañas publicitarias e imágenes de los productos que surgen
diariamente.
 Diseño gráfico en la actualidad

Aunque sigue siendo un elemento crucial de la publicidad, creando nuevas marcas,

empaques y productos, los diseñadores de hoy se encuentran también aplicando sus
conocimientos y habilidades en áreas como:
Creación de nuevas marcas
Marketing digital
Fotografía de producto
Investigación y gestión de medios
Cine
Televisión
Moda
Diseño multimedia
Diseño editorial
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