1

UNIVERSIDAD NACIONAL DE PIURA

FACULTAD CIENCIAS SOCIALES Y
EDUCACION

ESCUELA PROFESIONAL DE HISTORIA Y

GEOGRAFÍA

 CURSO:
Historia del Arte
 ACTIVIDAD N°06:
Manifestaciones artísticas del Arte Gotico

 DOCENTE:
Eusebio Raúl Alcalá Sandoval

 INTEGRANTES:
Calderón Jiménez Víctor Manuel
Zapata Vivas Lucero Belén

 CICLO ACADEMICO:
2021-02
 2

INDICE
 3

INTRODUCCIÓN
4
 5

LA PINTURA GÓTICA
CARACTERISTICAS GENERALES:
 Las pinturas góticas son muy descriptivas, se empiezan a valorar los detalles.
 Se empieza a introducir paisajes en las pinturas, dando importancia a la
naturalidad de las cosas.
 Se valora la naturaleza, identificando a Dios en ella.
 El tema central sigue siendo religioso.
 Cada vez hay un mayor Naturalismo, frente a las simplificadas e idealizadas
pinturas del románico.
 Se la dé más importancia a la Luz, proliferan las vidrieras y los dibujos con
fondo dorado.
 Se rompió con el hieratismo y el formalismo románico. Se tendió a representar
los personajes religiosos en un plano más humano que divino, dejándoles
mostrar sentimientos y expresiones.
 Hay más frescura, color y luminosidad en las obras pictóricas.
 El objetivo principal de la pintura gótica seguía siendo didáctica, para acercar la
religión a la población analfabeta de la época.
 Se introdujo lentamente la perspectiva, creando figuras más persuasivas.
 Las técnicas más empleadas habitualmente son: el temple y el óleo, en pintura
sobre tabla y el fresco en las pinturas murales.
 Se tiene en cuenta el eje de la simetría, con los elementos orientados hacia el
centro del cuadro.

ETAPAS DE LA PINTURA GÓTICA

Su evolución se dividió en tres etapas:
 Gótico lineal o francés (siglo XIII):
 Tuvo una especial importancia dentro de la pintura gótica ya que se
caracterizó por el especial énfasis en las líneas que definen los contornos.
 6

 Su origen es claramente la pintura mural románica, también muy lineal,

así como de las miniaturas, y al mismo tiempo recibe gran influencia del
desarrollo de las vidrieras en las catedrales góticas.
 La línea es de trazo negro (linealismo negro) y se identifica con las líneas
de plomo que se utilizan en las vidrieras para unir los vidrios de color.
 El color que se aplica es plano, sin juegos de luz y sombras, lo que
impide el estudio del volumen y la corporeidad, así como de los espacios
y la profundidad.
 La técnica que utiliza es el temple en frescos y sobre tabla, que se sitúan
en el frontal de los altares, trípticos y tablas de culto privado.
 Se desarrolla también la pintura miniada para decorar los libros y
manuscritos.
 El resultado es una pintura infantil, amable, ingenua y muy idealizada.

 Gótico italiano (siglos XIII y XIV):

 Tuvo dos grandes escuelas: Siena y Florencia.
 Destacó por la profundidad de las obras, el uso de una coloración
objetiva y una mayor precisión y exactitud en las figuras y
representaciones.
 Olvida el mosaico para dedicarse al fresco y a la miniatura.
 Esta pintura arrastra características de los periodos anteriores de la Edad
Media en su claro bizantinismo.
 Este periodo se centra en la iconogradia, donde el culto a la Virgen llega
a su punto álgido.
 También hay que destacar la importancia que adquiere la colecciones que
siguen la vida de San Francisco de Asís, dada la importancia que
adquiere la orden franciscana en Italia.
 En cuanto a los artistas se considera Giotto y Duccio las figuras más
representativas, pero antes de sus obras, serán Pietro Cavallini y
Cimabue quienes asienten las bases de lo que será la revolución del
Trecento.
 7

 Gótico internacional (siglo XV):

 También conocido como “Estilo Gótico Flamenco”.
 Su principal innovación fue el uso de la pintura al óleo, lo que permitió
otorgar un mayor grado de detalle y realismo a las obras.
 Entre sus características principales se destacaron el uso de la
perspectiva, el trato especial del color y la luz, y la fidelidad en los
rostros humanos, lo que muestra un acercamiento con el estilo
renacentista que vino tras él.
 La pintura gótica flamenca mantuvo la temática religiosa, con el detalle
de que en muchas obras el aristócrata que encargó los trabajos aparece en
la escena como un personaje más.
 Entre las figuras relevantes de este estilo se destacaron los hermanos Van
Eyck, el maestro de Flémalle, Roger Van Deir Wayden, Dirck Bouts,
Hugo Van Deir Goes, Memblin y El Bosco.

TECNICAS DE LA PINTURA GOTICA

Durante el periodo gótico, se practicaba en tres técnicas principales: pintura mural,
pintura sobre tabla y miniaturas.

1. Pintura mural
 La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la
narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa.
 8

 Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó mayor extensión en

los muros para las pinturas y mosaicos que narrasen historias religiosas.
 En la Toscana, las escuela sienesa y florentina, con el Giotto como el más
grande de los pintores del Trecento, continuaron la tradición de la gran pintura
mural, ya que la arquitectura gótica no llegó a echar raíces en Italia como en
Francia.
 Esta pintura toscana del Trecento, siendo plenamente gótica, anticipa ya
el Renacimiento. Los nombres más destacados fueron Cimabue y Giotto.
 El muro translúcido fue el primer espacio propio o ámbito donde se
desarrollaron las artes del dibujo y del color en el Gótico.
 En una primera etapa los colores son vivos y saturados, el plomo delimita
las formas, las cuales son delineadas con precisión para poder ser vistas a través
de la irradiación luminosa de la vidriera, ello conduce a la tendencia de
descomponer la vidriera en medallones, nichos u otro tipo de compartimentos.

2. Miniaturismo e ilustración de libros

 Las miniaturas consistían en pequeñas
composiciones: pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras iniciales o
en diversos compartimentos como medallones, arabescos etc.
 Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de hierro,
mezclado con colorantes naturales.
 En el periodo románico y en el primer gótico los temas tenían carácter sacro, su
composición estaba influida por criterios similares a los que regían para los
vitrales de las catedrales e iglesias del propio periodo.
 En el siglo XIV, se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se
trasladó a los talleres artesanos de París, Borgoña y Flandes.
 Los manuscritos ilustrados tuvieron una amplia difusión internacional, a través
de las cortes de la nobleza europea.
 Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y
los hermanos Limbourg. Quizá el más famoso manuscrito gótico sean Las muy
Ricas Horas del Duque de Berry.
 9

3. Pintura sobre tabla

 Puede diferenciarse, además, entre los retablos, que son tablas pintadas o
esculpidas que ornamentan los altares de las iglesias, y las tablas de devoción,
individuales, de menor tamaño, que adornan las iglesias y las casas particulares.
 La pintura sobre tabla, generalmente retablos, se impuso por toda Europa.
 En el siglo XV era ya la forma pictórica predominante, suplantando incluso a las
vidrieras.
 De tablas o frontales únicos se pasó a dípticos, tríptico, y luego
complicados polípticos que combinaban numerosas piezas hasta llegar a los
grandes retablos del siglo XIV, con muchas tablas que se organizan con el banco
o predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas
entrecalles; en la calle central se representaba el tema principal del retablo.
 Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida
de los huesos de animales

REPRESENTACION DE LA VIRGEN
 Inicialmente representada en el ciclo de la infancia de Jesús, la Virgen fue
asociada en el contexto del cristianismo oficial a todas las etapas importantes de
la vida de Cristo.
 Más adelante, fue presentada como la intermediaria entre los hombres y Dios.
Luego, después de ser coronada por Cristo, su imagen tendió a confundirse con
la de la Iglesia universal
 10

 Es difícil precisar la fecha de las primeras imágenes en donde aparece la Virgen.

 En el marco del cristianismo oficial, la Virgen fue representada en los mosaicos
como una emperatriz. 
 Era representada con lujosas vestimentas, a veces doradas, aunque más a
menudo de púrpura imperial, como las de Cristo.
 Durante el periodo románico se difundió la imagen de la Virgen reinante que
presentaba al Niño.
 La Virgen era a la vez Virgen-Iglesia, imagen de sabiduría, pero también modelo
de virtudes, de humildad y devoción, ensalzadas por los monjes.
 A partir del gótico, su papel como mediadora e intercesora se incrementó.  

PRINCIPALES AUTORES DE LA PINTURA GÓTICA

1. Cimabue
Pintor florentino de muros y tablas góticos, heredó la cultura figurativa bizantina
que había dominado el arte italiano a lo largo de la primera mitad del siglo XIII. Sin
embargo, sus obras (destinadas a las ciudades más florecientes de la época en Italia
como Siena, Florencia, Asís, Pisa y Bolonia) denotan una clara voluntad innovadora
respecto a la tradición, dando a sus composiciones un gran refinamiento y prestando
atención a determinados aspectos de la realidad.  Todo ello le convierte en uno de
los primeros grandes creadores de la historia de la pintura.
La mayoría de las obras de Cimabue han llegado muy deterioradas a nuestros días.
El encargo más importante que recibió a lo largo de su carrera fue la participación
en la decoración mural de la iglesia superior de San Francisco de Asís, afectada por
el terremoto de 1997.
 11

2. Giotto
Discípulo de Cimabue, quien le allanó el camino, es considerado el inventor del
realismo. Una de sus principales innovaciones radicó en la exploración sistemática
de la tridimensionalidad, por primera vez en la historia de la pintura. Con la técnica
del fresco (pintura sobre enlucido fresco) Giotto consiguió colores vivos e intensos;
trabajó la encarnación de los rostros, las sombras de los cuerpos, el modelado de los
pliegues y la transparencia de las telas. Se preocupó, de forma especial, por conferir
una dimensión humana a las escenas religiosas, y para ello acentuó la expresividad
de las miradas y simplificó los gestos y las actitudes.
Gracias a la destreza de su realismo, fue reconocido unánimemente como precursor
de la pintura moderna, superando en ello a su maestro, Cimabue. Dante elogió el
talento de su amigo Giotto en los siguientes términos en su obra “Divina Comedia”:
“Cimabue creyó ocupar un lugar con su pintura y Giotto está ahora presente en boca
de todos, tanto que ha opacado la gloria del otro”.

3. Simeone Martini
En Siena, Simone Martini fue reconocido como un pintor de avanzado sentido
espacial y de un gusto refinado y exquisito (el “estilo sienés”, en contraposición al
“estilo florentino”, su máximo rival por entonces), capaz de interpretar
magistralmente los deseos de sus clientes. Encargado de decorar una capilla en la
iglesia inferior de la basílica de San Francisco de Asís, y llamado por el rey de
Nápoles, agustinos, dominicos y franciscanos del centro de Italia, acabó su carrera
artística en Aviñón, la ciudad de los papas, como uno de los más notables e
influyentes pintores del siglo XIV.
 12

MÚSICA DEL ARTE GÓTICO

La música del arte gótico siguió en los siglos XII y XIII un crecimiento en paralela a la
sociedad, a las letras y a las artes plásticas, además quiso salir de esa línea recta «canto
llano» que en cierta forma la comprimía contra el suelo. Para eso, sobre la base de la
monodia gregoriana, cubrió otra línea melódica y a esta otra.
Todo el proceso que se desplegó entre los siglos XI y XIV compone lo que
históricamente se denomina como «Ars Antiqua», y se determinó por la llegada de la
polifonía, esta se proviene de la iglesia de la Bienaventurada Virgen María, predecesora
de la catedral gótica de Notre Dame, en Paris.

En esta época se elaboraron los siguientes estilos musicales:

 Motete:
Emerge como música sacra, generalmente son a tres o cuatro voces, se utilizan
textos de la biblia, el baja varía un poco, el texto gregoriano es el bajo y el otro
texto es la otra voz.
 Organum, diafonía o contrapunto (S. IX y X)
Una voz tomada del gregoriano, en ella está la firme convicción de la fe, se le
oponía por debajo, a distancia de cinco notas, una voz totalmente comparable,
llamada voz organal, porque actuaba en compañía del órgano a la melodía
principal.
 Discantus (S. XI)
En el discantus la voz organal se despliega en un movimiento opuesto: si la voz
principal sube, la voz organal baja y viceversa
 Conductus (S. XIII)
La voz principal  que se emplea ahora ya no es quitada del canto gregoriano,
sino que la procrea el autor, y sobre ella realiza su polifonía.
 13

 Hoquetus
Sección rítmica que se modifica pero no mucho, de ritmos entre cortos y largos

ORFEBRERÍA DEL ARTE GÓTICO

 Esta inspirada en la arquitectura: arbotantes, agujas, tendencia al verticalismo
exasperado y a la geometrizacion.
 La novedad técnica más importante en la orfebrería gótica la constituye lo
esmaltes transparentes o traslucidos.
 Técnica; esmalte base-taille y ronde-bosse.
 Los orfebres gozaron de un gran reconocimiento social.
 Su prestigio se debió también a la gran importancia económica que tenía su
profesión para las ciudades.
 Después de mucho viajar, finalmente los orfebres establecían sus talleres, los
cuales mantenían con sus ventanas abiertas para que cualquiera pudiera
comprobar que trabajaban con materiales preciosos.

El relicario para la corona de espinas de Cristo.

La representación no sólo era absolutamente grande, con más de un metro de ancho por
dos de largo y casi dos de altura, sino también contenía tantas piedras exageradamente
preciosas y metales fantásticos, que tuvieron la necesidad de fabricar una edificación
sumamente especial en la ciudad de París, conocida como la Sainte-Chapelle, adjunta al
Palacio Real de la Isla de la Ciudad, donde también se domicilia Notre-Dame. 
 14

La reliquia tiene un valor tan grande que merecía un esplendoroso edificio que fue
levantado, con técnicas muy actualizadas para la era, en sólo cinco cortos años, además
del espectacular relicario, esta desapareció sin dejar rastro hasta hoy en día.

Relicario de Santa Isabel en Marburgo (Alemania)

Que, a pesar de ser muy grande, tiene por lo menos la mitad del tamaño que el de
la Santa Corona de Espinas. Cabe acotar que el rey Balduino II de Constantinopla,
cuando cayó en quiebra financieramente en 1237, animo ante Luis IX de Francia la
importancia de la reliquia, lo cual le vino a la perfección al monarca francés ya que
con eso atestiguara su carácter sagrado y la clase de ese estado como “pueblo escogido”.
De ahí fue construida la mencionada Santa-Capilla, la cual tuvo un alto costo de 40mil
libras, sumándole otras 100 mil para el relicario, que se estableció sobre un podio, el
cual fue cubierto por un baldaquín, en el espaldar del altar primordial, consagrando el
conjunto en 1248.

CERÁMICA DEL ARTE GÓTICO

 La cerámica del arte gótico es una de las artes estéticas que fueron más
desarrolladas por los artesanos mudéjares, siendo sus dos circunvalaciones
sumamente más importantes las partes de vajilla y los fundamentos cerámicos
los cuales fueron aplicados en la arquitectura como elementos de decoración.
 15

 Con piezas de vajilla nos referimos a los talleres mudéjares que emplearon la
técnica del vidriado, creada entre finales del siglo VIII y principios del IX en los
talleres del entorno islámico oriental.
 Estas cerámicas son de mucha importancia histórica igual de las cerámicas de
los indígenas venezolanos, con la dicha técnica radicaba en agregar un esmalte
de estaño que hacía la función de vitrificante y que aislaba las piezas.
 En cuanto a los elementos decorativos de la cerámica mudéjar, existe una
continuidad con la decoración islámica basada en el horror vacui, la repetición y
reiteración de cenefas con motivos vegetales (atauriques, palmetas), epigráficos
(cúficos), geométricos (estrellas de diversas puntas que contienen medias lunas
en su interior, siete círculos, símbolo de los Siete Cielos creados por Dios), o
figurativos (la hamsa o mano de Fátima, animales fantásticos o estilizados).

TIPOS DE CERÁMICA
1. Verde Manganeso
La vajilla verde-morada fue propia de Teruel, Paterna, Manises, Manresa, Barcelona,
Talavera de la Reina o Toledo, principalmente. Pero desde fines del siglo XIV, la moda
del azul de cobalto se impuso en los obradores de la Corona de Aragón (Paterna y
Manises), desplazando y haciendo desaparecer muy pronto las producciones verde-
moradas, circunstancia que sin embargo no se dio en Teruel, donde se mantuvo esta
familia cerámica hasta la expulsión de los moriscos (1610) e, incluso, hasta la extinción
de sus obradores tradicionales en el siglo XX.

2. Azul cobalto
Los principales centros productores de la vajilla azul cobalto fueron Manises y Muel,
que siguieron modelos de Málaga.
 16

Un ejemplo de este tipo de cerámica es el plato perteneciente al Instituto Valencia de

Don Juan de Madrid, datado en la segunda mitad del siglo XV, en el que aparece una
gran "Y", la inicial de Isabel la Católica, muy repetida en todas las artes decorativas de
la época y que sirve de eje de simetría para el resto de la decoración basada en
atauriques.

3. Loza dorada
El tercer grupo cerámico derivado de las producciones islámicas y adoptado por los
alfareros mudéjares fue el de la loza dorada. Se trata de una técnica compleja basada en
una fórmula en la que los ingredientes más importantes eran el cobre y la plata, que
junto con almagre (ocre rojo u óxido de hierro) y algún otro material más se diluían en
vinagre muy fuerte hasta obtener una pasta que se aplicaba sobre las piezas. El color
dorado, por tanto, se obtenía sin oro, con vinagre mezclado con plata, bermellón,
almagre y cobre.
 17

REFERENCIAS

https://globalart.top/pintura-gotica/

https://www.lifeder.com/pintura-gotica/

https://hablemosdeculturas.com/arte-gotico/

https://prezi.com/f1fdxmbbaauf/orfebreria-gotica/