MODERNISMO

El modernismo es una corriente de renovación artística, estética y creativa que

tuvo lugar desde finales de siglo XIX hasta mediados del siglo XX. Se destacó por
su interés en romper con los estilos tradicionales, por la búsqueda de
nuevas formas de expresión y de estética, inspiradas en la naturaleza y
contrarias a los elementos de la Revolución Industrial.

El modernismo trascendió principalmente como una corriente literaria que, junto

con otras de sus disciplinas artísticas como la pintura, escultura, arquitectura y la
música, buscaba conectar el arte con la naturaleza. El movimiento resultó una
reacción en contraposición al nuevo mundo industrial y urbanizado.

El modernismo nace como rebelión al orden establecido y las reglas de la

burguesía, e intentaba crear un arte que fuera accesible para todas las clases
sociales (sin perseguir las técnicas de producción masiva de la sociedad
industrializada).

En la arquitectura, el máximo representante modernista fue el catalán Antoni

Gaudí, considerado como uno de los expertos más prodigiosos en su disciplina.
Gaudí logró emplear un lenguaje arquitectónico único, personal e incomparable;
demostrando una especial habilidad para aprovechar el espacio y el volumen,
junto a una transformación original de los materiales decorativos.

La corriente modernista recibió varios nombres también aceptados, como: Art

nouveau, Jugendstil, Modern Style y Liberty. La diversidad para su denominación
delata el carácter de libertad y de romper con las estructuras, que caracterizó al
movimiento. Internacionalmente, el modernismo es conocido como Art Nouveau,
su denominación francesa, sin embargo, el estilo se caracteriza por su diversidad
nacional y en España el modernismo tuvo ciertas particularidades de gran
importancia que se reducen a su desarollo en Cataluña. Se caracteriza por su
rechazo al historicismo académico de finales del siglo XIX, así como por su
voluntad de llevar el arte a todas las facetas de la vida. Sienten especial
predilección por la línea y sus valores expresivos, a lo que añaden cierta tendencia
a la abstracción.

El estilo modernista fue sobre todo decorativo y sus manifestaciones más

características tuvieron lugar en el campo de las artes aplicadas: cerámica, vidrio,
joyería y grabado. Existió una amplia proliferación de arquitectos que, a la vez que
mostraron su preferencia por los aspectos ornamentales del estilo, realizaron
importantes aportaciones en el terreno estructural: columnas o vigas quedan a la
vista y forman parte del sistema decorativo.
ARQUITECTURA MODERNA

Arquitectura Moderna es la designación utilizada para nombrar el conjunto de

movimientos arquitectónicos que vinieron a caracterizar la arquitectura durante
gran parte del siglo XX. La expresión Arquitectura Moderna se refiere a las
vanguardias arquitectónicas europeas, desarrolladas a partir de los años
1920.

“Moderno” y “modernismo” se utilizaron durante este período, con diferentes

connotaciones, dejando a los propios artistas o a los críticos la elección, de uno u
otro, de forma consciente y consistente en algunos casos, pero en otros, sin gran
rigor en su aplicación y con un una clara falta de capacidad crítica que debería
estar subyacente.

La arquitectura moderna, que absorbía innovadoras visiones artísticas de

principios del siglo, ligadas principalmente, a la abstracción (del cubismo,
del suprematismo, del neoplasticismo y del purismo corbusiano), buscando
una nueva comprensión de las cualidades del espacio, del uso de las últimas
tecnologías, de la producción en serie y de la prefabricación; todo ello, con
el objetivo de construir las estructuras de una nueva sociedad que confiaba
en el progreso.

A la arquitectura se le daba la oportunidad y el deber de reformar la sociedad,

mejorando las condiciones de vida de las personas, resolviendo sus problemas, a
través de la construcción de sus edificios integrados en un nuevo concepto de
ciudad.

ANTONI GAUDÍ

Antonio Gaudí (Reus, 1852 – Barcelona, 1926) fue un arquitecto español cuya
obra se inscribe dentro del movimiento del Modernismo Catalán.

Inicialmente colaboró con renombrados arquitectos de la época, como Josep

Fontseré; posteriormente, iniciaría su carrera en solitario. Su actividad profesional
se desarrolló en Barcelona, que a finales del s. XIX vivía un momento de auge
económico, teniendo a la nueva burguesía enriquecida como mecenas del
movimiento.

Las obras iniciales de Gaudí eran mezclas y reinterpretaciones de estilos

históricos, sobre todo de los medievales Gótico y Mudéjar. Una de las constantes
de su obra son las formas curvas y orgánicas, naturales, vegetales y animales, en
las que encontró una fuente de inspiración.
Gaudí también diseñó mobiliario que formaban parte de sus construcciones.
Entendía la arquitectura como un arte integrador, simbólico y total. Buscaba la luz
y el color, y en sus edificios tienen cabida otras artes.

La obra de Gaudí se puede dividir en dos etapas. Una primera historicista, que va
desde 1883, hasta 1900. La primera construcción es la Casa Vicens, de estilo
hispanoárabe, decorada con azulejos y con mocárabes en sus techumbres.

Entre 1898 y 1904, dos construcciones marcan un cambio en su estética,

Bellesguard (Bella Vista) y la Casa Calvet. Desde 1900 hasta 1917 se produce la
segunda y gran etapa de la obra del artista, la modernista. En el Parque Güell, se
evidencian sus inquietudes por los valores arquitectónicos y estéticos de carácter
libre y de gran fuerza cromática.

En la Casa Batlló (1904-1906), el Modernismo de Gaudí alcanza su plenitud. La

fachada, ondulada verticalmente, está revestida de fragmentos de vidrio y
cerámica de diferentes colores. La parte baja del edificio fue sustituida por unas
formas ondulantes talladas en piedra, que integran los balcones, y en los que se
ven unas delicadas columnas con temas florales.

Entre 1906 y 1910, Gaudí realizó, la Casa Milá, o La Pedrera, con una fachada
que fue concebida como una gran masa de piedra ondulante sin líneas rectas. En
el tejado utiliza formas abstractas y vanguardistas que sirven de accesos,
chimeneas o puntos de ventilación.

Desde 1917 y hasta 1926, año en que Gaudí murió atropellado por un tranvía,
dedicó todos sus esfuerzos al gran templo de La Sagrada Familia. En esta obra
inconclusa tomó elementos y estructuras del pasado, pero sobre todo dejó rienda
suelta a su imaginación, creando un monumento lleno de personalidad, hoy
símbolo de Barcelona.

GUERRAS MUNDIALES

El siglo XX fue un siglo de violencia excesiva. Ello se manifestó sobre todo en los
años 1914 y 1939, los comienzos de la Primera y la Segunda Guerra Mundial
respectivamente. En ese siglo hubo, sin embargo, también momentos de notable
renuncia a la violencia, por ejemplo la “Revolución Pacífica” de 1989, que, contra
todas las expectativas relacionadas con el derrocamiento de un régimen político,
se desarrolló mayormente en forma pacífica. Ambas guerras mundiales y el
colapso del imperio soviético fueron sucesos importantes no solo para Alemania,
sino para toda Europa.
  La Primera Guerra Mundial, anteriormente llamada la Gran Guerra, fue una
confrontación bélica centrada en Europa que empezó el 28 de julio de 1914
y finalizó el 11 de noviembre de 1918, cuando Alemania aceptó las
condiciones del armisticio.

 La Segunda Guerra Mundial fue el conflicto armado que estalló en 1939,

entre las potencias del Eje(Alemania, Italia y Japón) y los Aliados
(Inglaterra, Francia y Unión Soviética). Este segundo bloque fue reforzado
por Estados Unidos desde 1941. ... En junio de 1940 cayó París, la capital
de Francia.

Los años de efervescencia que precedieron y siguieron a la Gran Guerra

noquearon por completo a los artistas que vivieron, entre trincheras y patriotismo,
el fin de un mundo y el comienzo de otro. Pintores, poetas o escritores de todos
los bandos se entregaron de lleno a una aventura romántica, una catarsis
colectiva, que demostró ser una carnicería de la que Europa tardó en recuperarse.
Si acaso alguna vez lo hizo del todo.

Máquinas, armas, destrucción, raíces ancladas en el pasado y el sentimiento de

pertenencia a una nación que el sufrimiento y las pérdidas dramáticas de vidas y
de rumbo arrancarían de golpe. Comienza el verdadero siglo XX. Nada será como
era.

ARQUITECTURA QUE FUE Y VOLVIÓ A SER

Alemán como Jünger fue Bruno Taut y la Exposición de Colonia de 1914 que
organizó la Werkbund, la asociación que reunía a arquitectos con diseñadores
industriales y predicaba que había que conciliar la construcción con la producción.
El arquitecto y catedrático de la Politécnica de Madrid Luis Fernández-Galiano,
director de la revista 'Arquitectura viva', rescata de aquellos años el pabellón de
cristal de Taut que ve como «un símbolo de esperanza en un mundo nuevo». «Era
una arquitectura transparente, una arquitectura cristalográfica que hablaba de la
voluntad de cambiarlo todo. Y cambiaría. Pero de una manera muy trágica»,
asevera. El vidrio era el material nuevo y los ensayos quedaron enterrados con la
guerra, pero resurgirían poco después.
Entre el 14 y el 18, evidentemente, se diseñó poco porque todos los esfuerzos
iban encaminados a las fábricas de munición», señala el arquitecto. «Pero el
resultado de la contienda en Alemania fue tan devastador que el país entró en una
situación de profundo pesimismo. Pensaron que debían retornar a sus orígenes
medievales porque la modernidad había significado la destrucción masiva». La
Bauhaus, fundada en 1919, indica un cambio. Uno que finalmente fructificará en
EEUU y en la arquitectura que resume todo el siglo. «Tanto Gropious como Mies
van der Rohe acabarían en el exilio, uno como director de la Escuela de
Arquitectura de Harvard y otro como responsable en la de Chicago. Como
consecuencia del nazismo, EEUU recibiría a los dos arquitectos europeos más
brillantes».

SEGUNDA GUERRA MUNDIAL: INNOVACIÓN DURANTE LA GUERRA Y

RECONSTRUCCIÓN DE POSGUERRA (1939-1945)

La Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y sus secuelas fueron un factor

importante para impulsar la innovación en la tecnología de la construcción y, a su
vez, las posibilidades arquitectónicas. Las demandas industriales durante la
guerra resultaron en escasez de acero y otros materiales de construcción, lo
que condujo a la adopción de nuevos materiales, tales como el aluminio. La
guerra y el período de posguerra trajeron un uso mucho mayor de la construcción
prefabricada; en gran medida para los militares y el gobierno. edificio prefabricado;
la cabaña Nissen de metal semicircular de la Primera Guerra Mundial revivió como
la choza Quonset. Los años inmediatamente posteriores a la guerra vieron el
desarrollo de casas experimentales radicales, incluida la casa Lustron de acero
esmaltado (1947-1950) y la casa experimental Dymaxion House de aluminio de
Buckminster Fuller.

La destrucción sin precedentes causada por la guerra fue otro factor en el

surgimiento de la arquitectura moderna. Grandes partes de las principales
ciudades, desde Berlín, Tokio y Dresde hasta Rotterdam y el este de
Londres; todas las ciudades portuarias de Francia, particularmente Le Havre,
Brest, Marsella, Cherbourg habían sido destruidas por los bombardeos. En
los Estados Unidos, poca construcción civil se había hecho desde la década de
1920; la vivienda era necesaria para millones de soldados estadounidenses que
regresaban de la guerra. La escasez de viviendas de posguerra en Europa y
Estados Unidos condujo al diseño y construcción de enormes proyectos de
vivienda financiados por el gobierno, generalmente en un centro deteriorado de
ciudades estadounidenses, y en los suburbios de París y otras ciudades europeas,
donde había tierra disponible.
LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX
Este concepto surge con el fin de definir un estilo artístico que no encajaba con el
concepto artístico de la época y que se calificaba como algo novedoso, define la postura
del arte ante la sociedad y su papel de influir en ella. Una manera de criticar a la
sociedad, de enfrentarla y al mismo tiempo ser un reflejo de su época.
El fin de estas vanguardias es romper con lo establecido, con lo clásico, lo tradicional y
tratar de concebir algo nuevo, aunque el concepto de algo totalmente nuevo sea una
utopía. Cada vanguardia que surge trata de ser un desafío para la anterior y gran parte
de ellas toman su manifiesto de los textos de escritores y poetas de la época.
Estas vanguardias afectaron todas las ramas del arte como la literatura, la música, la
escultura, la arquitectura y la pintura. Por ser un tema muy amplio y con el fin de ilustrar
de manera general el concepto de estas vanguardias nos enfocaremos principalmente en
la pintura.
Hablar de vanguardia se refiere a un fenómeno nuevo muy diferente a otras épocas de la
historia por lo vertiginoso y rápido de los cambios, por acontecimientos históricos,
políticos y sociales que marcaron este siglo.

 FOVISMO, 1904-1908
El fovismo o fauvismo fue un movimiento pictórico basado en la exaltación extrema
del color, con el propósito de hacer valer el instinto creador sobre la racionalización
estética. Sus más importantes exponentes fueron Henri Matisse, André Derain y
Maurice de Vlamink.

 EXPRESIONISMO, 1905-1933 APROXIMADAMENTE

El expresionismo fue artístico, además de cinematográfico, musical y literario. Suele
ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más
subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los
sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. El valor fundamental es
la libertad individual de expresión, pero con unos nexos comunes: El artista expresa
emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de
tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores
la expresión de un grito de protesta.
En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de
contactos artísticos, junto con París, donde surgen agrupaciones de artistas que
perfilan el expresionismo.. Entre sus máximos representantes se cuenta a su
inspirador, Edvuard Munch, así como a Emil Nolde, Kathe Kollwitz, Ernst Ludwig
Kirchner y Franz Marc, entre otros.

 CUBISMO, 1907-1917 APROXIMADAMENTE

El cubismo fue un movimiento perteneciente a las llamadas vanguardias históricas del
siglo XX, aquellas que se manifestaron hasta el período entreguerras. Se caracterizó
por la síntesis geométrica de las formas y la representación de varios planos en uno
solo. Incorporó también elementos del arte primitivo, creó técnicas como el collage y
le dio un lugar a la tipografía en el lienzo. Sus representantes principales fueron Pablo
Picasso, Juan Gris y George Braque.

 FUTURISMO, 1909-1920
El futurismo fue un movimiento pictórico y literario nacido con un manifiesto escrito
por Filippo Tommaso Marinetti, uno de sus máximos exponentes. Se caracterizó por el
culto a la máquina y la representación del movimiento sobre la superficie pictórica y
escultórica. Además de Marinetti, destacó también Giacommo Balla y Umberto
Boccioni.

 RAYONISMO, HACIA 1912

El rayonismo se considera un movimiento inscrito en la corriente de la abstracción
lírica. Centró su interés en la representación de la luz, los rayos y el color en
secuencias dinámicas ordenadas. Sus principales exponentes fueron Natalia
Goncharova y Mijaíl Lariónov.

 CONSTRUCTIVISMO, 1914-1935 APROXIMADAMENTE

Poco después de la abstracción lírica, surgió la tendencia de la abstracción geométrica.
El primer movimiento específico de esta tendencia fue el constructivismo. Este hizo
énfasis en la geometría espacial, en la naturaleza de los materiales y en los principios
constructivos. Por ello, estaba muy relacionado con el diseño arquitectónico y tenía
una fuerte vocación social y política. Entre sus máximos exponentes estuvieron El
Lisitski, Aleksandr Ródchenko y Vladimir Tatlin.

 SUPREMATISMO, 1915-1923 APROXIMADAMENTE

Inscrito en la abstracción geométrica, fue representado esencialmente por Kazimir
Malevich, quien redactó su manifiesto. Su foco de interés giró en torno a la geometría
plana (rectángulos, cuadrados, círculos y triángulos) y así como otros elementos
compositivos básicos como líneas y cruces. Otra figura destacada fue Liubov Popov.

 DADAÍSMO, 1916-1923 APROXIMADAMENTE

El dadaísmo fue parte de las vanguardias históricas, al igual que el futurismo y el
cubismo. Más que un estilo artístico, fue un anti-arte, una afrenta al mundo burgués
y su sentido de la belleza. La forma que adoptan es la provocación, el escándalo, la
destrucción como manifiesto de ruptura y negación del arte.
El dadaísmo critica al arte y a la cultura burguesa, niega la racionalidad habitual y
extiende la crítica al capitalismo y al fascismo. Partiendo de estos pensamientos, el
dadaísmo es una de las vanguardias más radicales que imponen una auténtica
mutación en el arte contemporáneo. Se abandonan las preocupaciones estéticas
tradicionales, y el espíritu de ruptura a través del escándalo, provocando una gran
libertad creadora que da sus frutos en collages, fotomontages y pinto-esculturas,
técnicas que se mantendrán de moda en la década de 1960-1970.
Entre sus autores destacaron Marcel Duchamp, Raoul Hausmann, Francis Picabia, Man
Ray y Jean Arp, entre otros.

 NEOPLASTICISMO O DE STIJL, 1917-1931

El neoplasticismo también se inscribió en la abstracción geométrica. Su máximo
representante fue Piet Mondrian, quien usó como recurso principal las líneas
perpendiculares. La paleta de colores se redujo a los mínimos indispensables. El
movimiento conocido también como De Stijl y se expresó con éxito no solo en las
obras de arte coleccionables, sino en las artes aplicadas, renovando el diseño
industrial y gráfico. Otros exponentes fueron Theo van Doesburg y Bart van der Leck.

 BAUHAUS, 1919-1933
La Bauhaus fue una escuela alemana de arquitectura, arte y diseño. Aunque el partido
nazi la cerró en 1933, durante su funcionamiento ejerció una notable influencia en las
artes, la fotografía y el diseño arquitectónico, gráfico e industrial. La Bauhaus
recuperó la funcionalidad en el diseño, quiso aproximar artistas y artesanos y
modernizó las producciones del siglo.
Sus directores fueron Walter Gropius (fundador), Hannes Meyer y Ludwig Mies van
der Rohe. Grandes personalidades de la época impartieron formación allí, tales como
Lászlo Moholy-Nagy y Kandinsy.

 SURREALISMO, 1924-1966
El surrealismo fue un movimiento del período de entreguerras. Es un movimiento
amplio, que inspira una nueva sensibilidad. Sus fines son provocar la expresión libre
de aquello que considera lo más interno en el hombre; su inconsciente y su
imaginación. El surrealismo expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin
control de la razón, libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un
punto en el espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo
pasado y lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente. Sus máximos exponentes
fueron Salvador Dalí, Joan Miró y René Magritte, entre otros.

 EXPRESIONISMO ABSTRACTO, 1945-1965 APROXIMADAMENTE

El movimiento del expresionismo abstracto fue un movimiento expresado en dos
tendencias, cercanas a la abstracción lírica. Por un lado, el action painting (pintura de
acción) o gestualismo. Se basaba en la técnica del dripping, que consiste en el
chorreado de pintura. Estuvo representado por Jackson Pollock, Franz Kline y De
Kooning.
La otra tendencia fue el Colour Field Painting o pintura de campos de color, que hacían
grandes superficies saturadas de color, combinando esto con técnicas impresionistas
como la vibración entre colores. Sus representantes fueron Clifford Still, Barnett
Newman y Mark Rothko.

 HIPERREALISMO, DESDE FINALES DE 1960

El hiperrealismo o realismo radical fue un movimiento plástico considerado como una
reacción ante los planteamientos no objetuales, conceptuales o dadaístas. Procuraba
reproducir la realidad lo más exactamente que el ojo puede percibirla, incluso en sus
detalles menos estéticos. Se expresió en variantes como el fotorrealismo y el realismo
conceptual. Entre sus artistas destaca Carole Feuerman, Duane Hanson, Mary Pratt,
Jhon Davies, Jhon de Andrea y Segal.

 MINIMALISMO, DESDE 1960

El minimalismo o estructuras primarias fue un movimiento norteamericano que
reaccionó contra el expresionismo abstracto y el hedonismo pop. Inspirado en el
 constructivismo, promovió la idea de repetición como imagen del infinito, y lo asoció
al concretismo y al estructuralismo. Entre algunos de sus representantes están Donald
Judd, Sol LeWitt y Anne Truitt.

ARQUITECTURA:
EL CONSTRUCTIVISMO RUSO
El constructivismo es un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en
1914. Surge en un momento donde la coyuntura política generaba que las nuevas artes
reflejen el cambio de identidad que la sociedad demandaba. Por tal motivo la
arquitectura cobra un rol protagónico donde esta tenía que mostrar la nueva imagen del
país.
En los periodos de formación de una nueva cultura, la visión del arquitecto consiste,
principalmente, en inventar y dar forma a los condensadores sociales de su época y en
construir nuevas estructuras arquitectónicas que sirvan a su tiempo.

EL CUBISMO
El cubismo tuvo sus principios en Francia y fue un movimiento artístico desarrollado entre
1907 y 1914 encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia
esencial pues da pie al resto de las vanguardias del siglo XX. El cubismo buscaba romper
con los estilos antiguos. Arquitectura o pintura, los cubistas buscaron jugar con la
geometría y explorar las posibilidades del espacio y de su tridimensionalidad

Características:
El cubismo busca que el efecto de conjunto sea un juego de cubos simples y superpuestos,
figuras geométricas limpias sin salientes ni terrazas, planos confinados en una
geometrización pura, difiere del anterior porque sus interiores la estructura no es visible y
no se utilizan desniveles; también la luz es importante “La materia prima de la
Arquitectura es la Luz”, Le corbusier.

EL ORGANICISMO
Es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el
mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio, los edificios,
los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición
unificada y correlacionada. Arquitectura como un todo.
Movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo. Promovido
fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el
arquitecto americano Frank Lloyd Wright.
El movimiento acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la libertad de
planta, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la
arquitectura de los adelantos de la era industrial
El organicismo plantea que los espacios no sean como una máquina para vivir, sino que
por el contrario sea cómoda para el usuario, resuelve el problema de los espacios
interiores con una consideración personalista y rehúye al credo estético.
La arquitectura orgánica se preocupa por la comodidad individual de los habitantes de la
casa, eliminándose la estandarización, y atendiendo cada demanda de espacio a las
diferentes funciones que ejercen tanto el mobiliario como el habitador, buscando una
adecuación exacta entre el órgano y su utilidad.
Frank Lloyd Wright propone tres factores principales para la arquitectura orgánica:
1.- Lo sinuoso frente a lo recto y esquinado, la línea curva predomina sobre la
angulosidad.
2.- El uso de materiales nobles como la piedra sin devastar, la madera y el ladrillo.
3.- Adaptación del conjunto a la superior condición del paisaje.

EL BRUTALISMO

Es un estilo arquitectónico que surgió del Movimiento Moderno y que tuvo su auge entre
las décadas de 1950 y 1970. En sus principios estaba inspirado por el trabajo del
arquitecto suizo Le Corbusier (en particular en su edificio Unité d'Habitation) y en Eero
Saarinen. Alrededor del año 1980 la popularidad del brutalismo cayó debido a la frialdad
con la que estos edificios se muestran.

Los edificios brutalistas están formados normalmente por geometrías angulares

repetitivas, y a menudo permanecen las texturas de los moldes de madera que se
emplearon para dar forma al material, que normalmente es hormigón. No todos los
edificios brutalistas están hechos de hormigón, el edificio puede también ser brutalista si
tiene una apariencia áspera y se aprecian sus materiales estructurales desde el exterior.
Muchas de las casas construidas por Alison y Peter Smithson están hechas de ladrillo. Los
materiales de construcción brutalistas también pueden ser ladrillos, cristal, acero, piedra
áspera y gavión.

EL FUNCIONALISMO
El concepto “Funcionalismo” es inseparable al de Arquitectura Moderna, a principios del
siglo XX, el arquitecto Louis Sullivan establece el lema “la forma sigue a la función”. La
corriente funcionalista en Arquitectura, tiene como base que el diseño de un edificio
debe hacerse basado en la función del mismo, o sea que si se satisfacen los aspectos
funcionales, la belleza arquitectónica surgirá de forma natural; el concepto “la forma
sigue a la función” expresa una idea significativa y duradera.
A mediados de los años treinta, se comenzó a discutir que el funcionalismo se acerca más
al concepto estético que a una cuestión de integridad de diseño. La carencia de
ornamentación asociado a las formas más baldías de cubrir un espacio, se consideran
formas baratas y comerciales de hacer edificios, donde las cúpulas geodésicas de
Buckminster Fuller, se consideran «gauche».

EL FORMALISMO
El formalismo surge alrededor de los 60.s. En el arte, su característica dominante es la
austeridad, además del componente geométrico que aúna forma y contenido. En
arquitectura, el formalismo equivale a entender a la forma como principio en sí mismo,
sin que necesariamente tenga que estar relacionada con la función.

La composición arquitectónica debe corresponder a una serie de principios:

 La unidad: debe reflejar tanto en planta como en alzado un carácter de unión.

 La simetría: es el equilibrio en los edificios de carácter axial.
 Equilibrio o balance: simetría en la arquitectura sin ejes.
 Énfasis: centro de interés visual.
 Contraste: la unidad es la armonía de elementos contrarios y no la igualdad de
todos los elementos.
  Proporción: relaciones de las partes entre sí y con el conjunto del edificio.
 Escala: relación entre las dimensiones de un edificio y las del ser humano.
 Expresión o carácter: personalidad propia de cada obra de arquitectura.
 Verdad: adaptación aspecto-función pero sin exageraciones.
 Urbanidad: los edificios deben integrar el ámbito urbano en armonía mutua.
 Estilo: es la lingüística del dibujo.
EL POSTMODERNISMO
En arquitectura es una tendencia que comienza a partir de los años 1970, como respuesta
a las contradicciones de la arquitectura moderna, y en especial los postulados del
racionalista/Estilo Internacional. Su principal característica es que aboga por recuperar
de nuevo “el ingenio, del ornamento y la referencia” en la arquitectura.
La arquitectura postmoderna se desarrollará en torno a los años 60-80, desechando los
valores y lenguajes del movimiento moderno y postulando unos nuevos ordenes
basados en la recuperación y transformación deliberada y banal de los órdenes clásicos,
la Ciudad de las Vegas en EE. UU. Es un caso paradigmático de arquitectura
posmodernista.
El postmodernismo se refleja en arquitectura generalmente en varios aspectos:

 Los edificios adoptan a menudo tipologías heredadas del pasado.

 Se recupera el ornamento: columnas, pilastras, molduras…
 Se huye de las formas puras o limpias que dominaban en la arquitectura
racionalista, buscando la yuxtaposición el abigarramiento…
 Se recurre a una especie de neo-eclecticismo, dado que se toman prestadas
formas de todos los períodos de la historia.
 Desde el punto de vista urbano, se busca recuperar la calle, la edificación de
pequeña escala, la riqueza visual de formas…

HIGH-TECH

Que surge a finales de los años 60s llamado estilo High-Tech o Alta Tecnología también
conocido como Tardo Moderno. La arquitectura High Tech o Tardo Moderna se muestra
como un desarrollo de las ideas y principios del Movimiento Moderno; apoyado en la
innovación y la alta tecnología, funcionando como puente entre el Movimiento Moderno y
el Postmodernismo.

Los objetivos principales de la arquitectura High Tech consiste en un juego creativo de

crear cualquier cosa nueva evidenciando la complejidad de la técnica. De todas formas
High Tech ha sido un referente en la actual arquitectura moderna.

Las características principales de la arquitectura High Tech son muy variadas, incluyendo la
exposición de componentes técnicos y funcionales de la construcción, una disposición
relativamente ordenada y un uso frecuente de componentes prefabricados, la utilización
de vidrio y estructuras de acero son muy populares en este estilo. Estas características
unidas, generaron una estética industrial. La técnica, en algunos aspectos, implicó la base
del fundamento estético de las construcciones.

SÚPERMODERNISMO

Para finales de los años 80s la arquitectura tenía muchas y diversas vertientes, la mayor
parte de ellas auspiciadas por el acelerado avance tecnológico de final del siglo XX. A este
tiempo arquitectónico se le conoce de varias formas; “Pluralismo Contemporáneo”,
“Súpermodernismo”, “Nueva Modernidad” e incluso “Post Industrial”. No hay que
perder de vista que esta nueva arquitectura es la expresión de una sociedad a la cual le
toco vivir un cambio de siglo, y disfrutar de la comodidad que ofrecen los adelantos
tecnológicos en todos los campos, muy diferente a la sociedad anterior a los años 70s.

En la década de los 80s aparecen nuevas edificaciones; formas yuxtapuestas, ángulos

agudos, líneas inclinadas en lugar de verticales y horizontales, formas aparentemente
amontonadas dentro de un caos… ¡ordenado¡ y fuera de los órdenes “ya tradicionales”
de la arquitectura moderna, como carácter, unidad, ejes compositivos, red modular, etc.
La forma sigue a la fantasía, fantasías formales solo generadas por computadora. Su
significado; la descomposición de los conceptos en sus componentes

EL DECONSTRUCTIVISMO

Es un movimiento arquitectónico que nació a finales de la década de 1980. Presenta

referencias de varios movimientos del siglo XX: la interacción modernismo
postmodernismo, expresionismo, cubismo y el arte contemporáneo. Su finalidad es
liberar a la arquitectura de las reglas modernistas, que sus seguidores juzgan
constrictivas, como «la forma sigue a la función», «la pureza de la forma» y la «verdad
de los materiales».
El desconstructivismo incluye ideas de fragmentación, procesos no lineales, procesos de
diseño, geometría no euclidiana, negando polaridades como la estructura y el
recubrimiento. La apariencia visual de los edificios de este estilo se caracteriza por un
caos controlado.

MINIMALISMO

El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya
sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción
transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo
(minimal en inglés).

Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que

practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es
también el significado a simplificar todo a lo mínimo. Este significado queda más claro si se
explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo.

El término minimalismo también se utiliza para describir una tendencia en el diseño y la

arquitectura, donde el sujeto se reduce a sus elementos necesarios. El diseño
minimalista ha sido muy influenciada por el diseño tradicional japonés y la arquitectura.

EL GRAN CENTRO DE DIFUSIÓN DE LA ARQUITECTURA RACIONALISTA FUE:

EL ESTILO BAUHAUS, se fundó en Alemanian a principios del siglo XX. Artistas como
Kandinsky, Paul Klee o Josef Albers formaron parte de esta tendencia artística que tuvo
influencia en el diseño gráfico, la arquitectura y el diseño industrial. Bauhaus es sinónimo
de minimalismo, simplicidad y diseño. Su nombre deriva de las palabras Bau – de la
construcción- y Haus – casa. Fundada por Walter Gropius en 1919 se mantuvo hasta 1933.
Su fundador tenía el objetivo de aplicar la ingeniería para lograr muebles y objetos útiles y
baratos. En la escuela se fomentaban la artesanía y las bellas artes.

Lo que caracteriza este estilo es la simplicidad, la ausencia de ornamentación, lo que

ahora conocemos como minimalismo. En los edificios fachadas lisas, grandes ventanales,
aprovechar la luz. Inspiración cubista y minimalista que se hacía presente desde los
edificios hasta muebles u otros objetos de uso cotidiano como bicicletas.
Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación es "La forma sigue a
la función"

TAMBIÉN: Una de sus principales premisas era el FUNCIONALISMO, una teoría que
postulaba la subordinación del lenguaje arquitectónico a su función, sin considerar su
aspecto estético o cualquier otra premisa secundaria.

EL RACIONALISMO, también llamado Estilo internacional o Movimiento moderno, fue un

estilo arquitectónico que se desarrolló en todo el mundo entre 1925 y 1965,
aproximadamente. Suele ser considerado como la principal tendencia arquitectónica de la
primera mitad del siglo xx.

Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillas y

funcionales, basadas en formas geométricas simples y materiales de orden industrial
(acero, hormigón, vidrio), al tiempo que renunciaba a la ornamentación excesiva y
otorgaba una gran importancia al diseño, que era igualmente sencillo y funcional. La
arquitectura racionalista tuvo una estrecha relación con los adelantos tecnológicos y la
producción industrial, especialmente por la defensa acérrima de dicha relación
preconizada por Walter Gropius desde la fundación de la Bauhaus en 1919. También
abogó por la utilización de elementos prefabricados y módulos desmontables. Su
lenguaje formal se basaba en una geometría de líneas simples, como el cubo, el cono, el
cilindro y la esfera, y defendía el uso de planta y fachada libres y la proyección del
edificio de dentro hacia fuera.